Filiaciones. Emilio Renart, Miguel Harte, Dolores Furtado y una pregunta sobre la identidad.
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| Miguel Harte. Sin título. 2012. Resina poliéster con fibra de vidrio, masilla, pintura bicapa. 233 x 110 x 110 cm. |
Es posible que al visitante se le revuelvan las tripas. Porque esto
no tiene nombre. Pero la cosa no va a quedar ahí. El cuerpo, que siempre
tiende al desbande, también busca su equilibrio.
Estamos ante
tres artistas que representan el cuerpo, el cuerpo humano como elemento y
como metáfora de la existencia. No el cuerpo del otro, el que se modela
desde la mirada, sino el cuerpo propio, su percepción interior, el que
sentimos con los ojos cerrados. El énfasis está puesto en lo visceral,
pero insisto, no esperen los músculos desgarrados como los de –ya que
hablamos de filiaciones– Carlos Distéfano, Norberto Gómez o Alberto
Heredia; ni la turgencia de las ramonas de Antonio Berni ni la fibra de
los chongos de Pablo Suárez. Este es un cuerpo primigenio, digamos
pre-verbal. Es la pulsión de la carne, la del embrión, la del cáncer,
que al fin de cuentas terminará constituyendo algún tipo de conciencia,
el intelecto que por cierto es cada vez más determinante en la
construcción biológica de la humanidad. Pero no nos vayamos tan lejos.
La
obra de Renart opera en el campo teórico, lo suyo es un manifiesto que
avanza sin frenos a través de los límites disciplinarios. “El Bio-cosmos
Nº1”, de 1962, surge como un dibujo –acaso un pubis, el origen del
mundo– que deviene pintura y desde el plano matérico salta al espacio,
apoya sus garras en la sala, otea el panorama y va por más. Su irrupción
es fundamental en la historia del arte argentino. El artista se
pregunta hasta dónde puede llegar una obra de arte y su criatura
discurre autónoma, a la deriva, y llega a la teoría sin devaneos ni
especulación. Desde la experiencia pura.
Como las de Renart, las
piezas de Harte están a mitad de camino entre la pintura y la escultura.
Esculturas de pared, pinturas que se elevan desde el piso; lo suyo
claramente es el volumen, la representación de un cuerpo degenerado que
alcanza momentos de goce maravilloso y, de horror absoluto. Acaso hay
algo más tenebroso que el ano, la boca de esa serpiente abisal que es el
tracto digestivo. Les advertimos que esto podía ser repugnante. Y lo
es. Harte nos enfrenta al vértigo de un cuerpo exuberante, sin control
ni censura. Alude a lo material, no tanto por la materia en sí misma
–esto es resina poliéster con fibra de vidrio y masilla camuflada con
pintura bicapa– sino en todo caso por el fluir, la transformación de la
materia. Por eso la representación en Harte, que es clara, es también
relativa cuando la resina, tan presta a la mímesis policromada, se
muestra como es, traslúcida y divina. También están los insectos,
reales, la menos animal de las encarnaciones animales, que se expresan
en su corporeidad y al mismo tiempo cumplen con su rol interpretativo en
una ficción que los confunde con perlas y con hadas.
Harte no
renuncia a la narración, ese estigma de la obra contemporánea. Aún
cuando el curador Gustavo Marrone haya elegido sus piezas más
abstractas, en el recorte todavía se ven los resabios de esa obra
temprana que alude al pop, al cómic, la ciencia ficción y –por qué no–
al surrealismo. Sí, una catarata de referencias, quizás demasiadas. En
eso Harte, como Renart, es escurridizo y exuberante.
Furtado es
la más sosegada de los tres, pero no menos intensa. Sus esculturas, que
conservan el placer pictórico del color y la luminosidad, no llegan a
definir una forma, son apenas insinuaciones. La misma pulsión errática
de sus antecesores pero en un tiempo más calmo. Definitivamente
abstractas, sus protoformas permiten que el material asuma vida propia.
La materia como entidad, negada a toda interpretación, a toda palabra.
Pero bueno, el material habla por sí solo, es inevitable. Las piezas
cuentan su origen constructivo, su transcurrir por el mundo, su
historia. Están cachadas, quebradas, tienen las huellas de las manos que
las moldearon. Las piezas de Furtado siguen inconclusas y nunca habrán
finalizado. Seguramente de esta sala se llevaran sus rasguñones y
seguirán siendo ellas. Y por supuesto, otras.
Es por esta
actitud esquiva, de transformación constante, que el trabajo de Marrone
se vuelve relevante. Hay una descendencia natural que como sucede en
estos casos fue buscada. Harte reconoce a Renart como una de sus
influencias. Furtado concurrió al taller de Harte. Sin embargo, la
producción de los tres artistas exige una serie de lecturas e
interpretaciones amplia y variada. Aquí no hay prueba de ADN que valga.
Muchas veces por capricho uno quiere ponerle un nombre, producir una
filiación, trazar la línea histórica. No se soporta el silencio. Nombrar
es la urgencia humana. Y Marrone lo hace con tacto, sin violentar la
polisemia que estos cuerpos proclaman.
La filiación se ejerce
entonces desde un doble comando que alterna entre la gratitud y la
independencia. Uno mata al padre al mismo tiempo que lo hereda. Es el
ejemplo de Renart cuando adscribe al informalismo, es decir rompe con lo
anterior y se libra al devenir de las cosas pero termina proponiendo un
arte integral que es la conclusión de todo. Si les preguntan quién sos,
Renart, Harte, Furtado no dicen, responden con el cuerpo.
FICHA
Emilio Renart, Dolores Furtado, Miguel Harte
Una persistente forma de estar en el mundo
Lugar: Casa de la Cultura del Fondo Nacional de las Artes, Rufino de Elizalde 2831
Fecha: hasta el 25 de agosto
Horario: martes a sábados, 15 a 20
Fuente: Revista Ñ Clarín
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