ASOMBROSO:DESCUBREN LA TUMBA DE UN GUERRERO DE LA ANTIGUA GRECIA REPLETA DE TESOROS

Es el mayor descubrimiento en una excavación griega en las últimas décadas.

    EUREKA. Un equipo encontró la tumba de un guerrero griego repleta de tesoros.

Un grupo de arqueólogos de la Universidad de Cincinnati descubrió la tumba de un importante guerrero de la Antigua Grecia mientras excavaba en una estructura de piedra ubicada en el Peloponeso.

"Tenemos tres sellos ubicados a la izquierda del brazo, algo que es inusual porque habitualmente se encuentran a la derecha", explica Sharon Stocker, una de las arqueólogas involucradas en el proyecto.

Según los investigadores, los hallazgos en la tumba pueden contener algunas claves de los orígenes de la civilización griega que hunde sus raíces 3.500 años atrás.

Además de los restos óseos de un hombre de entre 30 y 35 años, los excavadores encontraron tazas de plata, un collar de oro de 75 centímetros de largo y un sable con una empuñadura de marfil que confirmarían que se trataba de un guerrero importante.
La tumba está ubicada en uno de los lugares mencionados por Homero en su obra Odisea. Quizás lo más sorprendente, del descubrimiento de fueron los 50 sellos de piedra con motivos de diosas, leones, toros tallados; seis peines de marfil y un espejo de bronce.

Fuente: tn.com.ar

RITUALES DE HOY QUE TIENEN ALGO DE MITO

Con Tierra de Encuentros, Cielos y Colores, la antigua abadía de San Benito abre al público como espacio cultural; de las máscaras y plumas a los horizontes en blanco y negro, el arte originario se revela en un impactante montaje

Trajes y joyas típicas de las pillan kushe patagónicas.Foto:Patricio Pidal / AFV

María Elena Polack

"Hay un interés por recuperar los orígenes; se ve tanto en la Patagonia como en el Gran Chaco. A nosotros nos llega la recuperación política, pero hay una recuperación mayor, religiosa y cultural, que se mantiene en reserva frente a la población no originaria", comenta la artista Teresa Pereda mientras recorre con LA NACIÓN el montaje de Tierra de Encuentros, Cielos y Colores. Arte de Sudamérica Hoy y Ayer, la muestra que ella cura y que inaugura la antigua abadía de San Benito, hoy Centro de Arte y Estudios Latinoamericanos, como espacio de exposición.

Gran conocedora de los rituales de los pueblos originarios, la artista se entusiasma mientras oficia de guía por las salas de nivel museístico que presentarán al público textiles, fotografías, trajes, joyería y máscaras, a partir de mañana, a las 19, en Gorostiaga 1908.

"Lo que estamos mostrando está en uso, no tiene un enfoque museístico", advierte, y se detiene ante el mapa rector de la exhibición, que ayuda a entender las tres grandes regiones abordadas: pampa y patagonia chilena, Gran Chaco (parte de la Argentina, Bolivia y Paraguay) y andina peruana.

La exhibición comienza con textiles tejidos en la zona de Santiago del Estero y una galería de 26 horizontes del río Paraná, en blanco y negro, del fotógrafo Facundo de Zuviría, que actúa como hilo conector con los siguientes tres espacios que mantienen su antiguas fachadas de claustros monacales, pero fueron reacondicionadas para exhibición.

El azul profundo de la primera sala es una clara alusión al vínculo entre los pueblos patagónicos y la luna. Allí, dos litografías de Carlos Enrique Pellegrini, de 1840, ocupan sendas paredes y destacan los detalles más delicados de las pillan kushe (ancianas espirituales). Los mismos estilos de collares de metal y cuentas de vidrio, y sus trajes negros de telas rústicas, visten la sala. "La indumentaria y las joyas que vemos se usan actualmente", cuenta Pereda, al señalar festividades típicas como el Nguillatún, que se cumple una vez al año casi a fines de febrero y reúne al menos a cinco o seis caciques patagónicos. "Son bailes que duran hasta tres días, pero que se desarrollan en la intimidad de las comunidades. El turismo no tiene acceso a ellas", aclara.

También se utilizan los bodoques (antigua versión de los actuales aros expansores de orejas), los tocados masculinos con cuentas de valvas de río o con plumas de colores y los cascos con los que se juega al polke, que se exhiben en la sala de color café, que identifica la cultura del Gran Chaco.

Una colección de 30 máscaras pertenecientes al Museo Riva Agüero da cuenta del cruce étnico en la zona incaica. "Hay prehispánicas, hechas en caparazón de mulita; actuales, de papel maché; de tejido metálico, de madera, de cuero, de latón y hasta de yeso", enumera Pereda, y recuerda que "son usadas en las fiestas religiosas y en las procesiones que se realizan en Perú".

Máscaras del Museo Riva Agüero, de Perú.Foto:Patricio Pidal / AFV

Ese museo peruano seleccionó para esta ocasión 30 de sus más de 2000 máscaras, que incluyen impactantes representaciones de diablos que suelen participar de "la danza de la Diablada", un baile en el cual se representan y se enfrentan el bien y el mal.

En apenas tres meses, el responsable del centro y ex director del Museo Nacional de Bellas Artes (MNBA) Guillermo Alonso coordinó las acciones entre el Riva Agüero de la Pontificia Universidad Católica de Lima, Perú; el Museo Etnográfico Juan B. Ambrosetti, de la Universidad de Buenos Aires; la Colección Hijos del Viento; la Asociación Adobe (Santiago del Estero, Buenos Aires, Milán), y colecciones privadas.Valeria Keller y Mariana Rodríguez diseñaron y montaron la muestra en salas de colores impactantes que remiten rápidamente a las exhibiciones que desarrollaron en el MNBA, tanto en las áreas de exhibición permanente como en algunas temporarias, como Caravaggio o Tekoporã.

La primera propuesta de La Abadía, que se extenderá hasta fines de enero, contempla una agenda de talleres, charlas y hasta encuentros de cine debate que reserva algunas citas imperdibles. Estas actividades están a cargo de Ximena Eliçabe, coordinadora del Centro de Arte y Estudios Latinoamericanos. Para marcar en el calendario, se destacan el recorrido que la propia Pereda guiará para el público este sábado, en la antesala de La Noche de los Museos: una ocasión inmejorable para conocer este nuevo lugar.


Fuente: lanacion.com

EL BARCO QUE VOLÓ SOBRE BUENOS AIRES

Secreta Buenos Aires

El dirigible alemán Graf Zeppelin surcó el cielo porteño el 30 de junio de 1934. Medía 240 metros de largo y 30 de diámetro.

Sorpresa. Para muchos, que no lo sabían, fue inesperado ver a la maquina sobre lugares icónicos de la Ciudad, como el Barolo o el Congreso de la Nación.

Eduardo Parise

"Chicos, vengan a la terraza; vengan a ver que hay un barco en el cielo". El llamado del hombre, en Flores Sur, era para sus ocho hijos quienes, como era sábado, todavía remoloneaban en la cama. Ocurrió el 30 de junio de 1934, en una mañana muy fría. Ese día, en un cielo sin nubes, una gran nave plateada se desplazaba sobre la Ciudad y, para algunos inadvertidos, aquello era una verdadera y asombrosa sorpresa. Otros, en cambio, ya sabían de qué se trataba: después de un largo viaje transatlántico y procedente de Brasil, ese "barco" que ahora sobrevolaba Buenos Aires se llamaba Graf Zeppelin, un dirigible de origen alemán que iba a aterrizar en El Palomar, cerca de Campo de Mayo.
El Graf Zeppelin (técnicamente conocido como LZ 127) era una gran aeronave rígida que medía casi 240 metros de largo y más de 30 de diámetro. Tenía cinco motores externos, con una potencia de 550 caballos cada uno. La capacidad del armazón, realizado en duraluminio, era de 105.000 metros cúbicos, lo direccionaban con cuatro timones (dos horizontales y dos verticales), su velocidad máxima llegaba a los 128 kilómetros por hora y su autonomía de vuelo era de 10.000 kilómetros. En la barquilla estaba el puesto de mando y también una estación radiotelegráfica. Pero había mucho más: comedor para pasajeros; diez camarotes, cada uno para dos personas; un salón de estar; cocina eléctrica; servicios sanitarios; alojamiento para los 40 tripulantes; pasillos con grandes ventanas laterales y hasta un salón aislado para fumadores.
Con su nombre, aquel gigante homenajeaba al teniente general Ferdinand von Zeppelin, un pionero de la aeronavegación. Cuando la máquina llegó a Buenos Aires ya tenía hecha una gran campaña. Había volado por primera vez el 18 de septiembre de 1928, el mismo año en el que realizó el primer vuelo intercontinental de pasajeros; en 1929 había dado una vuelta al mundo en 21 días y, en 1931, había volado sobre el Artico. En todos esos viajes el protagonista había sido su comandante, el doctor Hugo Eckener (1868/1954). Para esa época, en Alemania, Eckener era un héroe nacional. Años más tarde, por sus críticas al nazismo (había llegado al poder en enero de 1933), sería declarado persona no grata. Pero en su paso sobre la Ciudad, el Graf Zeppelin lucía la cruz esvástica que luego quedaría en la historia como símbolo de horror y muerte.
Aquel sábado el Graf (conde) Zeppelin llegó a Buenos Aires apenas empezaba a clarear y se deslizó por el cielo de distintos barrios. Lo escoltaban siete aviones. Al pasar frente al Congreso Nacional, la aeronave hizo una suerte de reverencia como saludo. Después marchó hacia el Oeste y luego, siguiendo las vías del actual Ferrocarril Urquiza, llegó al lugar de aterrizaje a las 8.47. Como no había mástil de amarre, cientos de soldados conscriptos del Cuerpo de Aviación del Ejército sujetaron cuerdas que colgaban del dirigible. Otros ayudaron sosteniendo la barquilla. Eckener bajó y saludó a la gente que se había concentrado. Tras cargar 4.000 litros de agua (se llevaron con una autobomba), bolsas de correspondencia y algunos pasajeros, la aeronave volvió al cielo. Había pasado sólo una hora. Cerca de las 10.30 y después de otra pasada sobre la Ciudad, el Graf Zeppelin encaró hacia el río con rumbo a Montevideo.
Aquel hecho quedó en la memoria de la gente por años. Sobre todo en muchos vecinos de Coghlan por algo muy puntual. Cuando pasaba por allí, el Graf Zeppelin sobrevoló una gran fábrica que ocupaba la manzana de las calles Congreso, Forest, Quesada y Estomba, cuyo personal técnico y jerárquico era de origen alemán. La empresa se llamaba Sedalana y era pionera en la fabricación de tejidos de punto con seda artificial, lana y algodón. La había fundado Fiedrich W. Schlottmann, un empresario textil alemán, en 1924. Lo saludaron haciendo sonar la sirena de la fábrica. Algunos dicen que entre los obreros que aplaudían estaba un muchacho de 18 años que trabajaba en Cofia SA, una tintorería subsidiaria de Sedalana. Se llamaba José López Rega y tendría un rol siniestro en el futuro del país. Pero esa es otra historia.


Fuente: clarin.com

UN PASEO VRTUAL POR LA BIENAL DE VENECIA

Es posible gracias a una alianza de "la madre de las bienales" con el Google Cultural Institute

    El equipo de Google Cultural Institute registra las obras de la Bienal de Venecia. Foto:Gentileza Google

Celina Chatruc

¿Viajar gratis a la Bienal de Venecia? Sí, es posible. A través de visitas virtuales en las que se pueden ampliar y girar las imágenes 360 grados, incluso desde teléfonos celulares, se pueden ver obras y pabellones de todo el mundo gracias a un proyecto de colaboración entre el Google Cultural Institute y la organización de "la madre de todas las bienales", nacida en 1895.

Ya están disponibles online las exposiciones de ochenta países en setenta pabellones nacionales y se pueden admirar más de 4000 obras e imágenes documentales. Entre otras, las de Juan Carlos Distéfano que representan a la Argentina.

Aunque la 56a edición de la bienal cerrará sus puertas el próximo 22 de noviembre, la plataforma virtual se mantendrá abierta hasta una fecha aún sin definir.

   El equipo de Google Cultural Institute registra las obras de la
Bienal de Venecia.Foto:Gentileza Google

El director de la bienal, Paolo Baratta, explicó ayer a la agencia EFE que esta colaboración no sólo promociona a los artistas expuestos en sus países de origen y en todo el mundo, sino que también permite crear un archivo. "Lo más importante es que la muestra quedará perenne en el futuro, por lo que la Bienal se convierte en multi-anual", afirmó.
Sin embargo, aclaró que esta colaboración con el Google Cultural Institute es aún "experimental", por lo que más adelante "se verá de qué manera graduar el acceso a través de Internet" de las próximas ediciones.
Por su parte, el director del Google Cultural Institute, Amit Sood, señaló que la iniciativa surge de la idea de que "debía haber una manera mejor para acceder al arte y a la cultura". "No ha sido una perspectiva académica, intelectual, filosófica, sino una perspectiva simple, fácil. Si consigo despertar el interés de mi madre en el arte y la cultura es un éxito para mí", declaró.

La Bienal de Venecia, que nació en 1895 con la Exposición Internacional de Arte -luego se unieron la música (1930), el cine (1932), el teatro (1934) y la danza (1999)-, se destaca por la búsqueda y promoción de las nuevas tendencias artísticas contemporáneas. Por su parte, el Google Cultural Institute busca desarrollar y preservar la cultura en Internet, en la colaboración con instituciones de todo el mundo.

    El equipo de Google Cultural Institute registra las obras de la Bienal de Venecia.Foto:Gentileza Google

Fuente: lanacion.com             

ABRE UN CENTRO CULTURAL EN LA ANTIGUA ABADÍA DE SAN BENITO

Será un sitio destinado al arte latinoamericano.
La primera muestra mira a los pueblos originarios desde el presente.

    Aires de monasterio. El edificio conserva un espíritu de retiro y meditación.  GERMÁN GARCíA ADRASTI

Bárbara Álvarez Plá

En el lugar donde a principios del siglo XX se reunían los monjes a la hora de comer hay ahora un auditorio con capacidad para 120 personas, que conserva los motivos religiosos en sus paredes y el púlpito desde el que uno de los monjes leía a los demás comensales. En lo que un solía ser un lugar de retiro y meditación, el claustro, será pronto un patio con cafetería y restaurante que rodea una frondosa zona verde que pretende albergar espectáculos musicales y teatrales. Se trata de La Abadía, un monasterio benedictino situado junto a la Parroquia de San Benito, en el barrio de Palermo, y que a partir del 28 abrirá sus puertas como el nuevo Centro de Arte y Estudios Latinoaméricanos. Lo hará con el primero de sus proyectos: la muestra Tierra de encuentros, cielos y colores. Arte de Sudamérica hoy y ayer, curada por la artista Teresa Pereda.

El Centro funcionará en lo que era la Abadía de San Benito. Es una iniciativa de la Familia Sodálite - una agrupación católica- y contó, además, con el apoyo de la Ley de Mecenazgo porteña y de la Fundación Bunge y Born, así como del Banco Galicia, que se encargó de la refuncionalización de las salas del primer piso, las únicas accesibles por el momento y en las que están las salas de exposiciones, la biblioteca, el auditorio. La Abadía contó además con el asesoramiento de la arquitecta Silvia Fajre, de Darío Lopérfido -actual director del Teatro Colón- y del productor Juan Aramburu.

Ayer, durante un recorrido por el imponente espacio de 5.000 metros cuadrados (de los que ya se han refuncionalizado 1.000), en compañía de Guillermo Alonso -ex director del Museo Nacional de Bellas Artes y director de relaciones públicas de este nuevo centro de arte-; de Teresa Pereda -curadora de la muestra que servirá como apertura del lugar- y de Ximena Eliçabe- directora del Centro de Estudios- sonaban las campanas de la iglesia aledaña, como abriendo las compuertas de otros tiempos. En las celdas de los monjes están ahora las salas de exposiciones.

“Nuestra apuesta es darle al arte popular latinoamericano el lugar que debería tener” -explicó Eliçabe. “El foco será el arte producido en América”- completó Alonso- “desde los pueblos originarios hasta la actualidad. Porque esto no es el ayer, esto es el hoy y es nuestro”. Así, La Abadía comienza su camino sobre tres ejes: un programa de exposi- ciones artísticas, una escuela de música que llevará a la formación de una orquesta infantil y el Centro de Estudios Latinoamericanos, “cuya función será la investigación y la generación y el intercambio de publicaciones con otros centros similares en otros países”. De esas relaciones -dice Eliçabe- irán surgiendo los contenidos que iremos mostrando”. En torno a las muestras habrá charlas, talleres, cursos, cine, foros y teatro.

La biblioteca alberga casi 7.000 volúmenes, que pertenecieron a la biblioteca personal de Monseñor Eugenio Guasta, un monje que formó parte de la Revista Sur, de Victoria Ocampo. “Próximamente” -explicó Alonso- “se comenzará el proceso de clasificación y catalogación”. La biblioteca estará a disposición de los investigadores, así como del público en general.

Ya está casi todo listo para que la Abadía, cuya historia comenzó en 1914, dé sus primeros pasos en su empresa de convertirse en un ámbito dedicado a la reflexión y la puesta en escena de la rica tradición cultural latinoamericana. “Por ahora” -explicó Eliçabe- “todas las actividades estarán relacionadas con la temática de la muestra que inaugura el miércoles, pero la idea es de continuidad y el año que viene, habrá cosas más permanentes y cursos y actividades de mayor extensión”.


Fuente: clarin.com

ABRIÓ CASA FOA EN UNA ANTIGUA CASONA DE RETIRO

Patrimonio porteño.

Es de 1906. Está en Basavilbaso 1233, intervenida por arquitectos, decoradores y artistas.

Fachada. La casona de Basavilbaso fue construida en 1906. /Archivo

En una antigua casona de Retiro, espejo de la vida aristocrática de principios de siglo XX, abrió Casa Foa, la muestra anual que cumple 30 años.

Ese edificio, que mandó a construir un terrateniente de Venado Tuerto en 1906 y pasó años cerrado, ahora renace con la exhibición, que incluye 41 espacios intervenidos por arquitectos, decoradores y artistas.

En el suplemento Arq de Clarín, recomiendan diez imperdibles.

El lugar tiene una entrada majestuosa, salones donde lo antiguo convive con novedades y una fuente declarada Bien Cultural, entre otras características. Son 2.200 metros cuadrados interiores, con techos de doble altura, donde se conservan pisos de roble de Eslavonia y mármoles.

La muestra se podrá visitar en Basavilbaso 1233 todos los días de 13 a 21. Pero jueves y viernes, la recorrida se extiende hasta las 24, con música, comida y encuentros con creadores. Entrada general: $ 130.

Para Casa Foa abren una residencia de 1906, cerrada por veinte años

La muestra anual, que cumple 30 años.

Está Basavilbaso al 1200, en Retiro. La mandó a construir un terrateniente en 1906 y tiene 26 herederos. Arquitectos y artistas le dan nueva vida.

          Casona. Con influencia francesa, refleja costumbres aristocráticas de principios del siglo XX./
          Néstor García

Silvia Gómez

El hall de esta antigua casona de la calle Basavilbaso, en Retiro, guarda un secreto que quedó a resguardo con el empapelado y los géneros de Sofia Willemoës. Una pequeña puerta, escondida en la boiserie, sugiere la existencia de un pasadizo, una puerta de escape, un túnel secreto. El hall –que representa un hotel imaginario ubicado en New York– forma parte de uno de los 41 espacios que fueron intervenidos por arquitectos, paisajistas, interioristas y artistas para Casa FOA, la muestra que cumple 30 años.
A diferencia de las últimas ediciones –donde se intervinieron grandes espacios, como el año pasado en la Abadía de San Benito, en Belgrano–, con la residencia de la calle Basavilbaso se retornó casi al origen de la muestra, cuando se realizaban en sitios “pequeños”, con pocos metros cuadrados.

“No es casual que esta casa sea muy parecida a la primera que intervino Casa FOA. La diferencia está en los criterios, en el cambio de la industria, en la incorporación del arte como parte del interiorismo. En las primeras ediciones el concepto giraba en torno a la decoración; hoy la gente viene a ver también la evolución de los materiales”, explicó la arquitecta Ana Astudillo, responsable de la curaduría de los espacios. En 2014, en la Abadía, muchos espacios debieron adaptarse para llevar a cabo la muestra. Pero ahora, la muestra se adaptó a la casa, ya que los ambientes no se modificaron. “También fue una búsqueda mostrar la casa tal como funcionaba”, remarca Astudillo.

Forma parte de un barrio con una fuerte impronta de la arquitectura francesa que desembarcó entre fines del 1800 y principios del 1900. Esta residencia, que había estado cerrada por unos veinte años, se construyó en 1906. Fue encargada por Alejandro Estrugamou, un terrateniente en Venado Tuerto, hijo de inmigrantes vascos-franceses. Si bien muchos de sus herederos también conservan el apellido, hoy las ramificaciones familiares llegan hasta otros, diversos. Según pudo saber Clarín la casa tiene 26 herederos. Y luego de la muestra volvería a cerrar, quizá como un emprendimiento privado o nuevamente para aguardar que los herederos se pongan de acuerdo sobre su futuro.

Hoy, quienes ingresen, podrán asistir a una sucesión de espacios intervenidos con improntas muy diferentes. En la planta baja se podrá pasar del elegante escritorio diseñado por Javier Iturrioz, al moderno comedor de Carlos Galli; y disfrutar del sorprendente foyer de Julio Oropel y José Luis Zacarías Otiñano. En la planta alta el dormitorio principal –“Ensueño”– fue intervenido por James Boyd Niven con obras de arte, un tapiz del siglo XVIII y alfombras chinas, y el bar, de Gustavo Yankelevich y Máximo Ferraro, impacta desde su revestimiento: la obra del artista Matías Kritz fue impresa digitalmente sobre un porcelanato.

El recorrido por la casa puede ser también una excusa para recorrer un rincón porteño con muchas otras joyas de la arquitectura: a metros se encuentra el Palacio Anchorena, en donde funciona la sede ceremonial de la Cancillería. Y otros tres palacios: el Paz, en Santa Fe 750, que en su momento fue la residencia más grande de la Ciudad; el Haedo, en Marcelo T. de Alvear 665, que hoy es la sede de la Administración de Parques Nacionales; y el Estrugamou, en Juncal 747. Y a metros de éste último arranca otra sucesión de construcciones que vale la pena conocer: los dos Bencich sobre calle Arroyo y cruzando la 9 de Julio los palacios Ortiz Basualdo (Embajada de Francia) y Pereda (Embajada de Brasil).

La muestra podrá visitarse hasta el 30 de noviembre, en Basavilbaso 1233, Retiro. Todos los días de 13 a 21; jueves y viernes, con recorrido nocturno hasta las 24, con música en vivo, gastronomía y encuentro con los autores. Valor de la entrada: $130 pero hay descuentos con algunas tarjetas, también para jubilados y estudiantes y 2x1. Más info en: www.casafoa.com

Un espacio que evoca un pasadizo secreto

En Casa Foa.

Como una consigna que forma parte de la identidad de Casa FOA, la "carcaza" del edificio fue respetada por los profesionales. El espacio de Sofia Willemoës invita a fantasear con la existencia de un "túnel secreto": "La intervención se despliega en el territorio de la majestuosa escalera de acceso principal con los escalones de mármol, el hall de ingreso, y se complementa con un túnel secreto, existente en la residencia y utilizado para situaciones de emergencia", describe la directora artística.

Pero, ¿existían en la Ciudad estos túneles de escape?

El arqueólogo urbano Daniel Schavelzon –director del centro de Arqueología Urbana de la UBA– se mostró sorprendido: "No eran usuales en este tipo de casonas. Al menos, no hemos tenido certeza sobre ellos", explicó a Clarín.

Aunque sí existían túneles, pero con otra finalidad: "Esconder a la servidumbre. En los grandes palacios, el personal doméstico se movía por ingresos paralelos a los principales; sin embargo en estas residencias más pequeñas compartían la misma puerta de entrada, pero si observamos con detenimiento vamos a encontrar puertitas más pequeñas, como escondidas en la pared, disimuladas. Evitaban que pasaran por el salón principal. A través de túneles y pasadizos, llevaban al personal directamente hacia la parte trasera de la casa", contó Schavelzon.

Fuente: clarin.com

HALLAN EN LO ALTO DE UNA MONTAÑAUN SANTUARIO SECRETO DE LOS INCAS

Perú

Un grupo de exploradores españoles descubrió un santuario inca en las montañas de Vilcabamba, en Perú, a unos 150 kilómetros de la ciudad de Cusco. Lo consiguieron gracias a las imágenes conseguidas luego de un rastreo realizado por satélite.
El equipo de científicos e investigadores dirigidos por el escritor y explorador Miguel Gutiérrez Garitano llegó a Madrid sorprendido por la importancia del hallazgo, que contempla al menos 55 recintos. Según Gutiérrez Garitano le contó al diario El País, los mismos estaban “emplazados en la montaña más elevada de la zona, en un lugar que sólo podía descubrirse mediante imágenes por satélite”.
En ese lugar se presume que se realizaban sacrificios humanos. “Las ruinas estarían relacionadas con el Reino incaico de Vilcabamba. Puede que las evidencias que encontramos demuestren la existencia del rito de la Capacocha, lo que según los expertos sería un hallazgo revolucionario”, agregó el líder de la expedición.
En su regreso a España, los científicos se contactaron con Carmen Rubio, experta en Historia de América, quien piensa que “el hallazgo corresponde a uno de los montes sagrados, llamado Apus entre los incas, y que en él se rendía culto al dios del agua, quien en perfecta conjunción con el dios Sol, el Inti, fertilizaba a la diosa Tierra, la Pachamama, madre de las mujeres y hombres andinos”.
El comienzo de todo ocurrió con una imagen satelital en la que divisaron recintos rectangulares que podrían corresponderse con edificios. Luego, en septiembre, fueron directamente al lugar. “Ascendimos a la montaña, hasta la cima, y recorrimos los puntos más importantes que habíamos fijado mediante técnicas de detección de distancia. Los resultados dejaron cortas nuestras estimaciones. Pudimos fotografiar numerosos recintos rectangulares, además de carreteras incas, escaleras y gradas, cuevas acondicionadas y numerosas tumbas”, contó Gutiérrez Garitano al diario español.
El arqueólogo Iñigo Orue consideró que: “toda la montaña se organiza como un enorme yacimiento cuyo alcance no podemos conocer hasta un trabajo arqueológico de mayores proporciones”.
Entre los ritos que se podían haber dado allí estaban el sacrificio de doncellas vírgenes que se llevaba a cabo para prevenir hambrunas, o desastres naturales, según comentaba Miguel Gutiérrez.
Uno de los pasos que seguirán es comprometer a las autoridades peruanas, a la Universidad del País Vasco y a empresas para que ayuden a seguir con sus estudios y también a preservar lo que han descubierto.
Y ya planifican regresar a la zona en junio o julio de 2016.


Fuente: clain.com

NUEVO MUSEO DE MEDIOEVO Y EL RENACIMIENTO EN FLORENCIA

Los visitantes caminan por los pasillos, observan las esculturas y réplicas y toman fotografías en el nuevo museo de la catedral de Florencia, Italia.
En el museo, que será abierto al público el 29 de octubre, se encuentra la mayor colección del mundo de esculturas medievales y del renacimiento.

       Fotos EFE / MAURIZIO DEGL’ INNOCENTI

KARL LAGERFELD EXPONE FOTOS SUYAS EN LA PINACOTECA DE PARÍS

Imágenes que muestran la exposición de fotografía del diseñador de moda alemán, artista y fotógrafo Karl Lagerfeld en la Pinacoteca de París, Francia. 

LAGERFELD EXPONE. Imágenes que muestran la exposición de fotografía del diseñador de moda alemán, artista y fotógrafo Karl Lagerfeld en la Pinacoteca de París, Francia, el jueves 15 de Octubre de 2015.  (AFP / FLORIAN DAVID) - See more at: http://hd.clarin.com/tagged/Sociedad/page/4#sthash.mRiMuvXa.dpuf

     Fotos AFP / FLORIAN DAVID 

RECUERDOS CON ACENTO FRANCÉS

El Museo Sívori dedica una muestra a los artistas argentinos que renovaron la escena porteña tras haber vivido en la capital francesa en la década de 1920

De izq. a der.: Alberto Morera, Aquiles Badi, Raquel Forner, Horacio Butler y Leopoldo Marechal. Además integraban el grupo: Antonio Berni, Lino Enea Spilimbergo, Juan Del Prete, Alfredo Bigatti, Pedro Domínguez Neira, Victor Pissarro y Héctor Basaldúa Gentileza CVAA

Celina Chatruc  / La Nación

¿Una obra por un café? Por tantos como lo decidiera Victor Libion, librero y dueño del café La Rotonde, quien aceptaba como forma de pago pinturas de Chagall, Picasso, Modigliani. Colgadas en las paredes de este bar de Montparnasse, devenido en una suerte de galería contemporánea, esas telas fueron el telón de fondo de los apasionados encuentros de artistas latinos, escandinavos, suizos y rusos en la mítica París de la década de 1920. Allí se sentaban a leer y comentar las noticias de los diarios de sus respectivos países, y a discutir durante horas sobre las tendencias del arte moderno.Entre ellos se contaban los argentinos Antonio Berni, Lino Enea Spilimbergo, Horacio Butler, Raquel Forner, Héctor Basaldúa, Alfredo Bigatti y Aquiles Badi, algunos de los integrantes del Grupo de París (ver aparte), que en estos días protagoniza una muestra que reúne más de sesenta de sus obras en el Museo de Artes Plásticas Eduardo Sívori.
"Los sucesos de la Argentina eran a menudo motivo de diálogo y comentario; digamos que manteníamos vivo el fuego del hogar y que cada uno, a su manera, aportaba su cachito de añoranza", recordaba Berni según la profunda investigación de María Elena Babino, curadora de esta exposición, que también realizó un dossier digital (www.cvaa.com.ar) y un libro sobre el tema (Centro Virtual de Arte Argentino, 2010).
"En el marco de la primera posguerra, los artistas entonces radicados en la capital francesa buscan una vía alternativa para la expresión de una nueva visión del mundo", señala esta historiadora. "Si bien las presencias de Picasso, Chagall, De Chirico o Modigliani ocuparon el espacio de mayor relevancia en el ambiente parisino -agrega-, serán André Lhote, Charles Guérin, Othon Friesz y Antoine Bourdelle los que guiarán los pasos de nuestros argentinos en París."

De estos maestros que enseñaban en las academias con ingreso libre, aclara Babino, Lhote fue "quien más incidencia tuvo en la conformación de un pensamiento estético guiado por el deseo de sintetizar el arte clásico, en términos de armonía, orden y equilibrio, y la incorporación de un lenguaje moderno acorde con los nuevos tiempos". Su propuesta era que los resultados pictóricos no fueran "dobles" sino equivalencias de las formas reales.

Esa búsqueda, que buscaba conciliar el pasado y el presente, sucedía nada menos que a las vanguardias cubista y expresionista, y abarcaba también un cambio en los modos de circulación y promoción de su trabajo. A tal punto que Forner llegó a llorar "de indignación" en el café La Closerie des Lilas, según Basaldúa, mientras discutía con varios de sus colegas sobre el envío de obras a los salones nacionales y la posible creación de un salón porteño independiente.

Retrato de Aquiles Badi, Héctor Basaldúa, sin fecha.Foto:Gentileza CVAA

Muchos de ellos querían traer a Buenos Aires la libertad que habían encontrado en París, esa gran fiesta retratada por Hemingway. Especialmente en aquellos talleres donde las clases se basaban en la observación directa de un modelo, y el maestro se presentaba sólo dos o tres veces por semana. Pero también en esos viajes de verano a las ciudades cercanas de Cagnes y Sanary-sur-Mer que les permitieron integrar a las obras los efectos de la luz natural sobre el paisaje. En su novela Adán Buenosayres, Leopoldo Marechal recreó esos días en que las jornadas de pintura al aire libre se alternaban con baños en el mar, paseos en bicicleta, bailes de disfraces, sopas de pesacado y siestas bajo los pinos.

Ese clima idílico, que según Butler mantenía al grupo en "un estado de exaltación permanente", no duraría demasiado. "El final de la década deja en el recuerdo la euforia de los años 20 -recuerda Babino- y la crisis del 29 plantea un nuevo escenario. Montparnasse cambia de cara, las academias quedan desiertas a causa del éxodo de alumnos extranjeros y el bullicio de una época de bohemia es ahora sólo un recuerdo epistolar."

El regreso a la Argentina tampoco sería fácil. Así lo adelantaba Butler en una carta a Basaldúa, en 1928, mientras organizaba una muestra de algunos miembros del grupo en la Asociación Amigos del Arte. "La confusión del público lleva a no poder diferenciar las propuestas estéticas, ni de los movimientos, ni de los artistas -se lamentaba el artista-. Todo es igual: cubismo, Marinetti, Pettoruti, Picasso, Cézanne y Silvina Ocampo."

Ese mismo año vuelve Spilimbergo, y con el cambio de década los demás, en forma sucesiva. Uno de los importantes aportes de estos artistas al contexto local fue la renovación de los métodos de enseñanza: aquí impulsaron talleres libres como los que habían encontrado en París, una práctica hasta entonces desconocida en Buenos Aires.

"En el caso de Berni, su retorno al país supone un punto de inflexión en el desarrollo de nuestro arte", señala Babino. De todos los artistas del grupo, según ella, el rosarino es "quien integra de manera más directa al contexto político y social de la Argentina del momento la experiencia de los nuevos realismos incorporados de Europa".

Una década más tarde, Berni y Spilimbergo serían convocados por el mexicano David Alfaro Siqueiros para realizar el célebre mural Ejercicio plástico en la quinta Los Granados, de Natalio Botana. Pero ése es el comienzo de otra larga historia.

Fuente: lanacion.com

BESTIARIO ALEGRE Y FEROZ

Escultura

Alfredo Williams expone en el Pabellón de las Artes de la UCA una veintena de figuras a la vez inocentes y monstruosas.

   El caminante. Talla en poliestireno expandido, hierro, resina epoxi, masilla plástica y esmalte sintético. 104 x 49 x 73 cm.

Por Eduardo Villar

Produce inicialmente desconcierto el encuentro con las esculturas de Alfredo Williams (Buenos Aires, 1955) expuestas en el Pabellón de las Artes de la UCA, con curaduría compartida por Cecilia Cavanagh y Raúl Santana. Los 18 ejemplares de este bestiario, que el artista –ganador del Gran Premio Adquisición del Salón Nacional de Artes Visuales 2015– bautizó con el inquietante nombre de Mutantes , impresionan por su carácter contradictorio: el conjunto puede parecer al mismo tiempo el sector de modernos juegos infantiles en una plaza de la ciudad o un ejército siniestro a punto de atacar al visitante con recursos tan desconocidos y letales como los de los invasores extraterrestres de una película de ciencia ficción.

Por disparatadas que sean, hay algo que se manifiesta inequívocamente humano en estas formas. Anatómicamente, el único personaje parecido a un humano es “El caminante” que recibe al público antes de ingresar en la sala misma, un poco separado del conjunto. Hasta, se diría, desentendido de sus “compañeros”, paseando, ocupado en sus asuntos. Separadas de él por un panel –¿sería más apropiada en este caso la palabra “tabique”?–, el resto de las figuras denotan cualquier cosa menos despreocupación. Cuando los tienen, los títulos mismos de las obras –con los que se ha preferido no acompañar las esculturas en las salas– distancian aun más a “El caminante” de los otros: “La mueca”, “Partido al medio”, “Suplicante amarillo”, “No me estoy cayendo”, sugieren situaciones no precisamente favorables.

En uno de los textos del catálogo, Nelly Perazzo aporta una mirada clave: “Subyace en estas figuras la monstruosidad del hecho humano como víctima o victimario, porque siempre son trágicas en realidad, monstruosamente trágicas. Pero resultan amigables aun para los chicos”.

Siempre monocromas, de colores brillantes, livianas –aun las de mayores dimensiones se pueden mover con un dedo–, suaves al tacto, con algo de la apariencia del pop y el cómic, las esculturas de esta serie de Williams son siniestras. Híbridos de animales reales o mitológicos, humanos, máquinas, herramientas, aparatos electrodomésticos, los une la inexistencia de simetría en sus formas y la confusión respecto de la utilidad o función de sus partes: es difícil saber si algo de esos cuerpos se trata de un pie o de una plancha eléctrica; si eso que vemos es una cabeza o una sierra dentada; si lo que corona un miembro es un dedo, una lámpara o una púa capaz de las peores ferocidades imaginables. Su confusa combinación de curvas y rectas, sus laberintos de terminaciones redondeadas o puntudas, de filos o superficies planas, de dientes, cuernos, brazos, piernas y colmillos, son ajenos a cualquier taxonomía. Y, sin embargo, algunas figuras parecen reírse; otras parecen gritar de dolor. Nada es seguro en este bestiario de Mutantes: uno baila, otro parece acostado con las piernas muy abiertas (demasiado), otro corre; uno salta, parece a punto de volar; otro posa sentado o de rodillas, se inclina, ruega.

En una pared de la sala de exhiben bocetos de esta serie de esculturas, dibujados por Williams en España, donde desde los 22 años vivió, como tantos argentinos, entre 1977 y 1983. Décadas después, aquellos bocetos hechos con birome y lápiz se convirtieron en este bestiario atroz.

Fuente: clarin.com

"FABRICANTE DE PIANISTAS"

Secreta Buenos Aires.

Así le decían a Vicente Scaramuzza algunos de sus alumnos. Con su método formó a Bruno Gelber y Marta Argerich, y a los tangueros Horacio Salgán y Osvaldo Pugliese, entre otros.

   Porteño por adopción. Se formó en un prestigioso conservatorio napolitano y aquí desarrolló su propio método
Eduardo Parise

Alguna vez le preguntaron por qué vino a la Argentina. Dijo: "Vine a hacerme la América". Tenía un contrato por cinco años, pero Buenos Aires lo atrapó para siempre. Entonces, aunque había nacido en Crotone, una costera ciudad calabresa junto al Mar Jónico, se convirtió en un porteño importante, tanto que se lo reconoce como uno de los fundadores de la mayor tradición pianística de la Argentina. Bruno Gelber, uno de sus célebres alumnos, lo definió como "un apóstol de la enseñanza". Otros, en cambio, eligieron un concepto más prosaico pero mucho más gráfico: dijeron que Vicente Scaramuzza era "un fabricante de pianistas".

Su ficha dice que nació el 19 de junio de 1885 y que, a instancias de su padre, fue a estudiar al Regio Conservatorio di San Pietro a Maiella, una famosa institución en Nápoles que hasta tuvo como director a Gaetano Donizetti. Aquello era un verdadero esfuerzo para su familia porque sólo había conseguido media beca. Pero al año, cuentan que por su talento recibió la parte restante para ser beca completa. Se diplomó en 1906 y al año siguiente, con 22 años, vino a estas tierras. Y aunque viajó varias veces hacia Italia, aquí encontró su lugar en el mundo, donde dirigió el Conservatorio Santa Cecilia.

Los que saben su historia afirman que dio conciertos hasta 1919, aunque hay registros de otras actuaciones esporádicas hasta casi los años 50. De todas maneras, su mayor trabajo se concentró en la enseñanza de todo aquello que había aprendido en ese conservatorio italiano que se había creado en 1808 y que desde 1826, por orden del rey Francisco I, funcionaba en el ex convento de los Celestinos, junto a la iglesia de San Pedro, en Nápoles. En Buenos Aires, en 1912, Scaramuzza creó su propio conservatorio, donde también trabajó su hermana Antonietta. Recuerdan que funcionó muchos años en una vieja casona en Lavalle 1982, a metros de la avenida Callao. En la planta baja había siete habitaciones y en el primer piso estaba el conservatorio. Los alumnos, en grupo o en forma individual, lo esperaban respetuosamente de pie, como se recibe a los directores antes de un concierto.

La lista de los alumnos que tuvo Vicente Scaramuzza resulta extensa. Pero para apreciar la verdadera dimensión de lo que significó en la Ciudad la aplicación de esa "escuela napolitana", hay que nombrar algunos para entender eso del "fabricante de pianistas". Con Scaramuzza estudiaron el mencionado Bruno Gelber (lo hizo desde los 6 hasta los 19 años), pero también Martha Argerich, Enrique Baremboin (padre de Daniel), Silvia Kersembaun, Raúl Spivak, Virtú Maragno, María Rosa Oubiña, Roberto Castro y Francisco Amicarelli (tío de Dante Amicarelli). La lista de estos pianistas de la música clásica es impactante. Pero, como si eso no fuera suficiente, también se agregan otros grandes pianistas que hicieron historia en el tango, nuestra excelente y universal música popular. Allí, en la lista de sus discípulos, aparecen Osvaldo Pugliese, Orlando Goñi, Horacio Salgán, Atilio Stampone, Lucio Demare y hasta Beba Pugliese, entre otros.

Quienes lo frecuentaron afirman que, como buen latino, era un hombre de mucho temperamento. Y que era implacable. Pero si notaba que en sus alumnos había entrega, se volvía tolerante y hasta elástico. De todas maneras, la creación de ese "sonido Scaramuzza" implicaba tener un dominio total de la muñeca para que los dedos no empujaran la tecla sino que la tomaran con suavidad. Admirador de su contemporáneo Serguei Prokófiev, también tenía otras pasiones lejanas a la música. Una era el ajedrez; la otra, el juego del billar. Esto tenía que ver con la cercanía del viejo bar La Academia, en la avenida Callao, a metros de Corrientes. Tanto era su gusto por ese juego que en su casa de Lavalle hizo instalar una clásica mesa con el tradicional paño verde. Vicente Scaramuzza murió en Buenos Aires el 24 de marzo de 1968, afectado por una enfermedad respiratoria que desde algunos años antes lo obligaba a tener que dormir sentado. Lo curioso es que no dejó ningún escrito sobre su sistema de enseñanza. Esa tarea la realizó María Rosa Oubiña, una de sus distinguidas discípulas, quien en 1973 publicó "Enseñanzas de un gran maestro". Pero esa es otra historia.

Fuente: clarin

DESCUBREN TESOROS DE DOS MIL AÑOS EN EL NAUFRAGIO MÁS CÉLEBRE DE LA ANTIGUA GRECIA

Foto AP

Descifrarla demoró medio siglo. Era una intrincada pieza de engranajes que finalmente fue revelada como un aparato para predecir el movimiento de los planetas y las estrellas y así, anticiparse, por ejemplo, a los eclipses. El llamado Mecanismo de Anticitera es considerado el primer computador del mundo y el tesoro más preciado que dejó el naufragio de un barco romano al norte de la isla griega de Anticitera en el año 65 a.C.

El Mecanismo fue descubierto en 1900 por un grupo de recolectores de esponjas, quienes recuperaron más de 40 estatuas de bronce de la Grecia Clásica. Desde entonces es considerado el naufragio más célebre de la antigua Grecia, ya que almacena una gran cantidad de tesoros aún inexplorados debido a la dificultad de llegar hasta el fondo marino donde se encuentra la embarcación.

Por eso, desde 2014 el Instituto Oceanográfico de Woods Hole (EE.UU.) encabeza junto al gobierno heleno un proyecto para seguir investigando el naufragio.

La segunda versión de la campaña, que acaba de finalizar, produjo nuevos hallazgos, que incluyen el descubrimiento de más de 50 piezas que tienen más de dos mil años de antigüedad. Entre ellas, los arqueólogos descubrieron un ánfora intacta, una pequeña jarra de mesa (conocida como lagynos) y una piedra cincelada rectangular, probablemente la base de una estatuilla. También hallaron un pedazo de una flauta de hueso y trozos rotos de vidrio, hierro y bronce, además de una pieza de bronce que parece haber sido el brazo de un trono.

Según Brendan Foley, arqueólogo y buzo submarino a cargo del proyecto, hay tres grandes razones que explican por qué el célebre naufragio ha sido tan poco explorado. “En primer lugar, el sitio es profundo y difícil de trabajar sin generar lesiones a los buzos. En 1901, un buzo murió en una inmersión y dos sufrieron una descompresión. En 1953, cuando Jacques-Yves Cousteau visitó por primera vez el sitio, uno de los buzos también sufrió una descompensación”, dice a La Tercera.

“En segundo lugar -agrega- debido a la profundidad y de otros factores, entre ellos la lejanía de la isla, es un lugar caro para excavar, y en tercer lugar, debido a la profundidad, se requiere de los equipos más avanzados, pues el tiempo de buceo es muy limitado”.

Foley dice que los buzos de su expedición hicieron un doctorado de cuatro años. “Somos el primer equipo de arqueólogos explorando el lugar”. Según el experto, en el lugar podrían haber más de mil piezas sumergidas. Sin embargo, después de la recuperación, cada artefacto debe ser conservado y curado. “Esto requiere una gran cantidad de dinero y tiempo. Por ello, lo mejor es dejar la mayor cantidad de artefactos en el pecio. Dicho esto, esperamos recuperar muchos más artefactos en las próximas temporadas”.

Cinco años

El proyecto se renueva año a año. El gobierno griego extendió un permiso de cinco años, pero Foley aclara que su continuidad dependerá del apoyo de los patrocinadores. “Su interés está supeditado a resultados convincentes, naturalmente”, explica.

Si bien el naufragio es famoso porque allí se encontró el Mecanismo de Anticitera, Foley y su equipo sueñan con encontrar una pieza similar en las próximas inmersiones.

“Esa posibilidad dispara nuestra imaginación. Este barco fue cargado con los objetos más valiosos disponibles en el siglo primero antes de Cristo. Si llevaba algo tan maravilloso como el Mecanismo, ¿qué otra cosa puede estar escondida bajo los sedimentos? Mi codirector del programa, el Dr. Theotokis Theodoulou, del Ministerio de Cultura Helénica, siempre dice: ‘En este naufragio debemos esperar lo inesperado’. Tal vez, incluso, ¡lo inimaginable!”.


Fuente: msn