EL CAMINO QUE VA DEL LUJO AL ARTE

Relaciones peligrosas. El vínculo entre el arte y las grandes firmas de moda, bajo la lupa tras la apertura del espacio de la Fundación Louis Vuitton en París.

Noche deluxe. Todo el brillo y el glamour del edificio de Frank Gerhy en el Bois de Boulogne.

Por Patricia Kolesnicov. Desde Paris

No importa tanto lo que se expone en el impactante edificio donde la Fundación Louis Vuitton inauguró su museo a fin de octubre pasado. No es ésa la cuestión, ni parece que importe su colección; salvo para decir que quien la armó es alguien de prestigio, Suzanne Pagé, ex directora del Museo de Arte Moderno de la Ciudad de París. Se citan, cómo no, algunos de los grandes nombres que integran la colección: Christian Boltanski, Gerhard Richter, Thomas Schütte (con una enorme figura humana, que permite apreciar qué inmenso es ese espacio). También hay en la terraza una escultura comisionada al argentino Adrián Villar Rojas: se llama “Donde viven los esclavos” y es una escultura armada con capas de materiales orgánicos e inorgánicos: pedazos de zapatillas, plantas que crecerán o morirán, trozos de manzana y zapallo, tierra, piedras. Está en una terraza semicubierta y el día en que Ñ la ve, llueve. La obra se moja un poco y uno, también.

Desde el mes pasado se exhibe en Vuitton Las claves de una pasión , una antología del arte del siglo XX con grandes obras de artistas como Picasso, Bacon, Mondrian, Léger, Kandinsky, Picabia, Brancusi y Malévitch. ‘El grito’ de Munch, ‘La danza’ de Matisse, ‘Los nenúfares’ de Monet y ‘El hombre que camina’ de Giacometti son las estrellas de la muestra. Pero hasta esos nombres tienen relativa importancia. No se va allí, no se llega hasta el Bois de Boulogne para ver otra cosa que el edificio –dijimos, impactante– que el arquitecto Frank Gehry –léase prestigio, léase Museo Guggenheim de Bilbao– diseñó por el deseo y con unos 100 millones de euros de Bernard Arnault, presidente del grupo Louis Vouitton Moett Henessy (LVMH). Hablamos de empresas que facturaron 33.450 millones de dólares en 2013 (ese año, el PBI de Bolivia fue de 28.704). Estamos hablando de lujo, de lo público y lo privado, de cuál es el lugar del arte y las finanzas en el mundo.

A partir de este museo, un grupo de intelectuales – entre quienes hay autores como los filósofos Jean-Luc Nancy y Giorgio Agamben y el historiador del arte Georges Didi-Huberman– dieron a conocer una declaración en la que critican “el papel cada vez mayor que juegan en el arte contemporáneo los grandes grupos financieros ligados a la industria del lujo”. Dicen que el empobrecimiento de los Estados –crisis mediante– ha dejado al mundo del arte en situación de “mendigarles a los ricos”. Los mecenas, afirman, no son tales: desgravan ganancias, desvían fondos públicos para eventos que promocionan a “los artistas por los que han decidido apostar”, compran salas de subastas y tienen todos los eslabones del mercado del arte.

El cuento Vuitton cuenta que la idea de llamar a Gehry la tuvo Jean Paul Claverie, un antiguo asesor de Arnault. No podía ser en otro lugar que París, dice Claverie que decía su patrón. No estaba mal el Bois de Boulogne, un parque hermoso que dobla en tamaño al Central Park. Y qué tal el borde del Jardín D’Acclimatation, ese jardín que hizo construir Napoleón III para que las plantas tropicales se adaptaran al clima local. Después de las plantas vinieron los animales: ahí vivió la primera jirafa de Francia. Y también los humanos: en ese lugar se exhibió a indígenas americanos de distintos pueblos: la última exposición de humanos fue ayer nomás, en 1931. Desde los años 50, la concesión pertenece al grupo LVMH.

Gehry era perfecto, cuenta el cuento. Un innovador, ya se había visto en Bilbao. Y, además, llegó y mentó a Marcel Proust: les habló de “recapturar el pasado”. Entre Gerhy y Arnault, dice Claverie, hubo un flechazo (él dice: “profunda afinidad”). Los primeros bocetos, cuentan, el arquitecto los hizo a mano, en un vuelo entre París y Los Angeles. Once horas que llenaron un cuaderno. La idea les gustó menos a algunas asociaciones que defendían el Bois de Boulogne. Lo que pasó suena a historia conocida para oídos argentinos: interpusieron un recurso, un juez ordenó detener las obras, la Ciudad apeló y el Congreso Nacional lo solucionó por arriba: dictaron una ley que declaraba el futuro edificio “de interés nacional” y “una obra de arte mayor para el mundo entero”. Volvieron los andamios. Pero con una condición: en 50 años el edificio será propiedad de París.

¿Qué creó, entonces, Gehry? Difícil definirlo. Un cubo –un núcleo al que llaman “iceberg”– rodeado con capas de vidrio (un homenaje al siglo XIX) , algo que podría ser una carabela o quién sabe, un edificio con una enorme caída de agua que suena cuando se va llegando, columnas como de antiguas cisternas, mucho homenaje, muy siglo XXI. Nadie deja de apuntar que se trata de mostrar ligereza y, en fin, transparencia. Ni que se usaron para la construcción herramientas tecnológicas de la industria aeroespacial. Que hubo que crear un horno especial para que cada panel de vidrio tuviera su curvatura. Que el iceberg también está cubierto con 19.000 hojas de una fibra de hormigón de alto rendimiento. Algo casi de otro mundo para volver la cabeza al mundo que fue. Una máquina del tiempo que guiña al pasado y al futuro pero ¿no está estacionadísima en el presente de los negocios?

Hasta mediados de marzo, lo más importante que se exhibió en ese edificio fue una muestra… sobre el diseño y la construcción del edificio. Afuera, en una pared, con letra manuscrita, Gehry declara: “Sueño con diseñar para París una magnífica nave que simbolice la profunda vocación cultural de Francia”.

Más allá de declaraciones, los intelectuales señalan que hoy los artistas decoran boutiques y “la tienda de bolsos de mano está separada de la galería por un delgado muro, las obras se mezclan con los accesorios que a su vez son presentados en pedestales y acompañados de una cédula”. Las boutiques de lujo, dicen, “se pretenden como prototipo de un mundo en el que la mercancía sería arte porque el arte es mercancía. Todo sería arte porque todo es mercancía”. El arte al servicio de las finanzas ojo con levantar el dedo, porque se puede quedar afuera: “Los que se presentan ante nosotros como nobles mecenas son en realidad especuladores. ¿Quién no lo sabe? Pero ¿quién lo dice?” El capital puede ser todo lo inmoral que siempre fue pero ¿eso afecta al arte? Estos artistas e intelectuales dice que sí, que una nueva cultura empresarial se mueve en “el evento” y que el arte lo favorece. “Para una sociedad que se sueña rápida, adaptada a los flujos, el arte se ajusta al perfil de objeto del deseo y ofrece así a los nuevos consorcios financieros una vitrina ideal”. Louis Vuitton abre un museo en París, el argentino Jorge Pérez contrata artistas para valorizar simbólica y económicamente sus edificios de Miami y termina teniendo a su nombre el Museo de Arte de la ciudad, lo que vuelve a valorizar sus edificios.

Cae la tarde en el Bois de Boulogne, la lluvia persiste. Ahí en la puerta para un minibus especial que te lleva de la Fundación Vuitton al Arco de Triunfo.

Prada mejora su imagen en Milán

El grupo de lujo italiano Prada inauguró el sábado en Milán un nuevo espacio para su Fundación, concebido por el arquitecto holandés Rem Koolhaas y que busca convertirse en un “polo de análisis de la cultura contemporánea”.

Situado en el edificio centenario de una antigua destilería de 19.000 metros cuadrados –de los cuales 11.000 se destinarán a las futuras exposiciones–, el espacio, dedicado a proyectos de arte contemporáneo, arquitectura, cine y filosofía, abrirá sus puertas al público hoy, 9 de mayo.

Nadie duda de que en este gran proyecto hay un fuerte interés comercial, además de pasión por el arte. Las grandes firmas de moda, diseño y lujo saben que la asociación con el mundo del arte les ayuda mucho a mejorar su imagen y a aumentar el prestigio de su marca. El polémico museo de la fundación Vuitton tuvo un costo de unos 130 millones de euros y, si bien el presupuesto de Prada es secreto, se calcula que sólo construir la parte nueva del edificio costó unos 50 millones de euro y que la cifra invertida en años es mucho más alta. En 2011, la Fundación abrió otro espacio de exposiciones situado en un palacio del siglo XVIII en Venecia, que seguirá activo. Los visitantes podrán ver durante el verano las exposiciones dedicadas al arte clásico Serial Classic en Milán y Portable Classic en Venecia.

La Fondazione Prada fue creada en 1993 en Milán por la presidenta del grupo Prada, Miuccia Prada y su marido, el administrador delegado, Patrizio Bertelli. “El arte es una herramienta eficaz de conocimiento que nos sirve para expresar nuestras ideas –sostiene Miuccia Prada–, pero usaremos también otras. La fundación ha extendido las posibilidades al cine, a los debates y a cualquier otro campo. La cultura es necesaria para el crecimiento. Te ayuda a vivir, a comprender el mundo”.

“Ni inocencia ni altruismo”

Las siguientes son algunas líneas de la extensa declaración que elaboró un grupo de conocidos artistas e intelectuales a raíz de la apertura del museo de la Fundación Vuitton: “El papel cada vez mayor que juegan en el arte contemporáneo los grandes grupos financieros ligados a la industria del lujo suscita menos debate que el jugado por las tiranías petroleras. En contraste con la inclinación tradicional del mundo del arte hacia las posturas ‘radicales’ y los discursos contestatarios, artistas, intelectuales y críticos de arte parecieran hoy paralizados por el miedo a una fuga de capitales; como si expresar el mínimo disentimiento los pudiera exponer a represalias que afectarían sus bolsillos. En este medio, en general vocinglero –y que ha sabido a veces ser contestatario– reina la omertà en cuanto de financiación se trata. Al manifestar sospechas sobre el altruismo de tal o cual patrón (en el sentido de ‘mecenas’), la respuesta general suele ser que no hay auto-engaño, pero tampoco alternativa (...) De este modo, el desentendimiento del Estado, empobrecido por una crisis en la que los mismos grandes grupos financieros han jugado un rol importante, habría condenado al mundo del arte y la cultura a mendigarle a los ricos. (...) Durante las manifestaciones artísticas ‘patrocinadas’ de esta forma, se insiste siempre en la separación impermeable entre la actividad comercial del sponsor y la actividad cultural de la fundación que lleva su nombre. De hecho, hubo un tiempo en el que los grandes mecenas apoyaban a las artes sin tener protagonismo. Se contentaban con una mención en tipografía de cuerpo 8 al calce de una segunda de forros, con una placa dorada en la esquina de un edificio, con unas palabras de agradecimiento como preámbulo. Pero nuestra época es una de anuncios estrepitosos, de fiestas faraónicas y publicidad gigante. Ya no se le da carta blanca a un artista para quedar en la sombra: se le comisiona la decoración de una boutique en los Champs-Élysées o la puesta en escena de la inauguración de una sucursal en Tokio. (...) A partir de ahora, las boutiques de lujo, se pretenden como prototipo de un mundo en el que la mercancía sería arte porque el arte es mercancía. En este mundo todo sería arte porque todo es mercancía. Montándoles pasarelas de oro, los nuevos dueños del mercado del arte han sabido corromper a los expertos y curadores más reputados, contribuyendo así al empobrecimiento intelectual de nuestras instituciones públicas. Esto no les proporciona de ninguna manera los medios para favorecer una idea del arte como tal, puesto que el patrón interviene sin cesar en las transacciones en las que tienen gran interés. Tampoco hay impermeabilidad entre los negocios y las cosas del arte, no hay, de hecho, inocencia ni altruismo en las ayudas que dichas personas dispensan”.

Fuente: Revista Ñ Clarín