EL ARTE DE OCULTAR EL BOTÍN

El mercado de arte es perfecto para el lavado de dinero sucio. Funcionarios policiales aseguran que miles de obras de arte valiosas están siendo utilizadas por los criminales para ocultar ganancias ilícitas y transferir ilegalmente activos en todo el mundo.

Las autoridades secuestraron "Hannibal", de Jean-Michel Basquiat

Por Patricia Cohen
The New York Times

Según la factura aérea pegada en el cajón que llegó desde Londres al Aeropuerto Internacional Kennedy de Nueva York, en el interior había una pintura no identificada por valor de 100 dólares. Sólo más tarde los investigadores descubrieron que era del artista estadounidense Jean-Michel Basquiat y que valía US$ 8 millones.
Según la policía, esta pintura, conocida como "Hannibal", entró a EE.UU. en 2007 como parte de un elaborado plan de un malversador de fondos públicos brasileños para lavar dinero. La incautación del cuadro fue una victoria en una causa multimillonaria en dólares por fraude y lavado de dinero con consecuencias para la economía contra Edemar Cid Ferreira, un ex banquero brasileño que convirtió parte de su botín en una colección de arte integrada por 12.000 obras.
Funcionarios policiales de Estados Unidos y otros lugares dicen que "Hannibal" es simplemente una entre miles de obras de arte valiosas que están siendo utilizadas por los criminales para ocultar ganancias ilícitas y transferir ilegalmente activos en todo el mundo. A raíz de que otras técnicas tradicionales de lavado de dinero son seguidas con mucha más atención, los contrabandistas, traficantes de drogas y de armas y otros van volcándose cada vez más al discreto mercado del arte, dicen los oficiales.
El Instituto de Basilea sobre Gobernanza, una organización investigadora sin fines de lucro con sede en Suiza, advirtió el año pasado acerca del volumen elevado de transacciones ilegales y sospechosas que rodeaban al arte.

Cuesta imaginar una actividad más hecha a medida para lavar dinero, con ventas millonarias en dólares realizadas en secreto y prácticamente sin ninguna supervisión. En términos prácticos, esto significa "tener una transacción donde el vendedor figura como `colección privada’ y el comprador figura como `colección privada’", dijo Sharon Cohen Levin, responsable de la unidad de incautación de activos de la oficina de la fiscalía de EE.UU.. en Manhattan. "En cualquier otra actividad, nadie podría salir impune con algo así." Los gobiernos del mundo han tomado medidas para poner al descubierto la actividad ilegal.
En febrero, por ejemplo, la Comisión Europea sancionó normas que exigen a las galerías informar sobre toda persona que pague por una obra de más de 7.500 euros en efectivo, y denunciar informes de transacciones sospechosas.

En un libro de próxima aparición, Money Laundering Through Art, el juez brasileño que presidió el caso Ferreira, Fausto Martin De Sanctis, sostiene que hace falta más regulación y argumenta que si empresas como casinos y traficantes de piedras preciosas deben denunciar actividades financieras sospechosas. Lo mismo deberían hacer quienes comercian con obras de arte y las casas de subastas.
Tanto para los comerciantes como sus clientes el secreto es, no obstante, crucial en la mística y la práctica del mercado del arte. La Asociación de Marchands de Estados Unidos rechazó la idea misma de que utilizar el arte para lavar dinero sea un problema. En Newark, Nueva Jersey, los fiscales federales en una causa civil anunciaron recientemente la confiscación de casi US$ 16 millones en fotografías artísticas como parte de una estafa y un plan de lavado de dinero que para los fiscales fue elaborado por Philip Rivkin, un empresario de Texas.
Las 2.200 fotografías de maestros como Alfred Stieglitz, Edward Weston y Edward Steichen fueron pagadas, según los documentos presentados ante la justicia, con parte de los US$78 millones que Rivkin obtuvo estafando a petroleras como Shell, Exxon y Mobil, dicen las autoridades. Se cree que Rivkin, que no ha sido acusado de ningún delito, está en España y que arregló que las fotos le fueran enviadas allí.
En Nueva York, las víctimas de estafas de Marc Dreier, el abogado inhabilitado para ejercer la profesión, todavía están ante la justicia litigando por las obras que él compró con parte de los US$700 millones robados a fondos de cobertura y a inversores. Actualmente, 28 obras de artistas como Matisse, Warhol, Rothko y Damien Hirst están en manos del gobierno federal.
"Hannibal" también está en depósito. Esa obra de Basquiat de 1982 formaba parte de una colección espectacular que Ferreira reunió mientras estaba al frente del Banco Santos en Brasil.

En 2004, el imperio financiero de Ferreira, edificado en parte con fondos malversados, se derrumbó, dejando deudas por US$1.000 millones. En 2006, un tribunal de San Pablo lo condenó a 21 años de cárcel por fraude bancario, evasión fiscal y lavado de dinero, una sentencia que él está apelando. Antes de su arresto, no obstante, se sacaron de contrabando de Brasil obras de arte por un valor superior a los US$30 millones, propiedad de Ferreira y su esposa, Marcia, dijo el juez De Sanctis.
Según documentos judiciales, "Hannibal" fue adquirido por US$ 1 millón en 2004 por una empresa panameña llamada Broadening-Info Enterprises, que posteriormente trató de vender la pintura por US$ 5 millones.
Dado que las mercaderías valuadas en menos de 200 dólares pueden ingresar en EE.UU. sin documentación de aduana, tasa o impuesto, "Hannibal", con un valor declarado de US$ 100, recibió autorización de ingreso antes de que el avión aterrizara.
Philip Byler, abogado de Broadening en Nueva York, dijo que las facturas inexactas fueron simplemente un intento poco lúcido para ahorrarse las tasas de importación del marchand que contrató Broadening. "No fue con la intención de hacer contrabando", dijo. También cuestionó la denuncia de la policía brasileña diciendo que "Hannibal" fue adquirido legalmente a una empresa que es propiedad de la esposa de Ferreira. Byler dijo que Broadening apelará la incautación.

Fuente: Revista Ñ Clarín

UNA RUPTURA QUE CUMPLE CIEN AÑOS

Artistas suizos y argentinos celebran un siglo de abstracción geométrica con obras que muestran qué caminos recorre hoy la geometría en el arte.

Panorama de la muestra en la Fundación OSDE.

Por Laura Casanovas

Aunque la obra se exhibió por primera vez en el año 1915, fue según sus propias palabras en 1913 que Kazimir Malevich concibió su famosa pintura “Cuadrado negro sobre fondo blanco”. Con esa obra, el artista abandonaba la representación figurativa y narrativa característica del arte occidental. No era el único que planteaba una nueva concepción artística. Lo acompañaban el neoplasticismo de Mondrian, el constructivismo de Tatlin, entre otras propuestas que dieron origen a un lenguaje de vanguardia de grandes y fructíferas consecuencias: la abstracción geométrica. El cuadrado negro del creador del suprematismo tuvo el poder de convertirse en un ícono condensador de esta revolucionaria corriente, hija de la modernidad. Por eso, su mención constituye el punto de partida de la muestra Geometría: desvíos y desmesuras, en el Espacio de Arte de la Fundación Osde, para celebrar un siglo de abstracción geométrica. Y lo hace de la mejor manera para captar la enorme vitalidad de este lenguaje: a través de las obras de 22 artistas contemporáneos argentinos y suizos.

Con el tiempo, algunos rasgos característicos del inicio del movimiento se perdieron y otros se ganaron. Uno de los cambios más evidentes es que los artistas contemporáneos, a diferencia de sus predecesores de principios del siglo pasado, no buscan transformar el mundo, sino ampliar la experiencia estética. “Para los artistas geométricos de hoy no se trata, por supuesto, de salvaguardar las ambiciones (plurales) del arte del pasado, sino simplemente de incrementar el campo de la experiencia estética. Y luego de un siglo no podemos sino constatar, con alegría, hasta qué punto se ha ampliado efectivamente la gama de posibilidades creadoras”, escribe la historiadora del arte suiza Danielle Perret, curadora de la exposición.

Como movimiento de vanguardia, la abstracción geométrica planteó la ruptura con el pasado. En cambio, los artistas en la actualidad vuelven su mirada al pasado como “referencia de calidad” –sostiene Perret– y por medio de múltiples estrategias de apropiación y desviación.

El cuadrado, esa forma emblemática de la abstracción geométrica, sigue vigente, como también la monocromía. Así lo atestiguan las pinturas de Marcelo Boullosa. En tanto, las diez pequeñas piezas rectangulares negras, de Andrés Sobrino, ven interrumpida su monocromía por sutiles líneas rectas que las atraviesan, conformando una forma poética y lúdica. Algunas obras son más ortodoxas respecto de los planteos pioneros y otras proponen un mayor grado de desvío.

Ana Lizaso. “Engranajes con círculo blanco”, 2009. Chapa de hierro, pintura nitrosintética 70 x 200 x 0,9 cm.

También están las que rinden un explícito homenaje, como la del artista conceptual Horacio Zabala. “Las obras completas de Mondrian” es el título de uno de sus trabajos que, como explica Perret, retoma bajo la forma de un libro de varios volúmenes los famosos colores primarios del artista holandés.

Otras características de la producción contemporánea son el diálogo con el espacio real y con distintos materiales, que se produce de múltiples maneras. Las líneas y los ángulos rectos de las pinturas de Verónica Di Toro se proyectan hacia el exterior de las mismas. Y las blancas columnas de línea ondulada del suizo Jürg Stäuble modifican radicalmente el espacio, a la vez que su elegancia visual contrasta con el telgopor que les da forma. No hay que olvidar la importancia del minimalismo, de la década del 60, heredero también de la abstracción geométrica, que expandió la relación con el espacio real e introdujo materiales industriales. Varias de las obras de esta muestra son deudoras, en algún aspecto, de dicho movimiento. Las características obras de Carola Zech con imanes y formas geométricas de variado cromatismo, y las de Román Vitali realizadas con cuentas de acrílicos de colores, fagocitan el espacio arquitectónico de la sala de exposiciones al encontrarse, respectivamente, sobre dos columnas. En tanto, el suizo Beat Zoderer intervino la cúpula del Espacio de Arte a través de una propuesta de formas y colores bidimensionales que entablan relaciones.

Posiblemente uno de los rasgos más sobresalientes de varias de las obras expuestas es su capacidad para estimular la imaginación del espectador. Las esculturas monocromas blancas y negras de Beto de Volder, de líneas curvas, nos remiten a una arquitectura fantástica. La instalación de Daniel Joglar con aros y varillas de madera y aluminio pareciera conformar un colorido y lúdico cosmos. Y al dirigir la mirada hacia las piezas de Irene Banchero, la imaginación se regodea con una gran cantidad de asociaciones con formas orgánicas, inorgánicas, posibles, imposibles, y de sentimientos que abarcan desde la poesía y la nostalgia hasta la belleza más intrigante. Otra de las particularidades de la producción actual es la importancia otorgada a la subjetividad.

Las obras de Banchero, además, atesoran un trabajo minucioso, paciente y complejo. Esta característica del proceso creativo se extiende a casi todas las obras, en mayor o menor grado, y las emparenta con los pioneros de la abstracción geométrica. También es posible asociar algunas obras entre sí por la labor empleada para lograr su forma. Un ejemplo es el del calado, que encontramos tanto en la obra de Marcelo Villegas como en la construcción monocroma blanca de Ana Lizaso, quien logra tramas que interactúan con la luz a partir del calado de la madera.

Fabián Burgos. “Rotación doble sobre Max Bill”, 2012. Oleo s/tela, 180 x 180 cm.

No es casual que la muestra vincule a artistas argentinos y suizos. Perret recuerda que “el contacto y los intercambios entre argentinos y suizos fueron muy constructivos en la época de los movimientos militantes del arte concreto”. Por ejemplo, Max Bill, mencionado en el primer número de la revista argentina Arte Concreto Invención , en 1946, invitó al argentino Tomás Maldonado como profesor a la Escuela Superior de Diseño, en Ulm. El surgimiento del arte concreto argentino –opuesto a toda forma de realismo–, a partir de la publicación del único número de Arturo, en 1944, implicó una muy importante renovación plástica en el arte local, en sintonía con la abstracción geométrica.

El desarrollo de la ciudad fue clave para los artistas modernos y sigue siendo un punto de referencia fuerte para muchos hoy en día, como Pablo Siquier, que ha desarrollado una pintura con una estética muy personal de complejas formas geométricas con reminiscencias a motivos arquitectónicos y tramas urbanas. También el suizo Gian Paolo Minelli recurre a la ciudad para fotografiarla enfatizando líneas, ángulos, entre otras características geométricas de los objetos capturados por su mirada, sin dejar de lado preocupaciones sociales.

Completan la muestra interesantes obras de Alejandra Barreda, Jimena Fuertes, Davide Cascio, Cristina Tomsig, Mara Facchin, Fabián Burgos y Stéphane Ducret.

Al cumplirse un siglo de la aparición de la geometría abstracta, luego de recorrer la presente muestra, pensamos en la celebración de las formas, de los colores, del espacio, de las texturas, de la imaginación. Rasgos posibles por un movimiento que sentó las bases de su propia expansión y cambio, llegando a los atractivos y consistentes desvíos y desmesuras contemporáneos.

FICHA

Geometría: desvíos y desmesuras.
LUGAR: Espacio de Arte de la Fundación Osde,
Suipacha 658
FECHA: Hasta el 6 de julio
HORARIO: lunes a sAbadoS, 12 a 20
Entrada: gratis


Fuente: Revista Ñ Clarín

LOS PUPILOS DEL COLEGIO JESUITA

Los pupilos del colegio jesuita

Por Laura Ramos

En su librito de memorias Viaje alrededor de mi infancia , editado en 1956, con sus deliciosos detalles Delfina Bunge no habla tanto de ella cuanto de la vida doméstica de la aristocracia en la Buenos Aires de fines del siglo XIX. En el año 1884 o 1885 la familia Bunge Arteaga estaba instalada, como era su costumbre, en la chacra Los Eucaliptos que la familia tenía en las Lomas de San Isidro, para los niños una llanura tan vasta y desolada como la pampa. Durante una de las silenciosas siestas en la chacra, los siete hermanitos Bunge comandados por el mayor, Carlos Octavio, de once años, y por Augusto, de diez, se escaparon de la vigilancia de padres y niñeras para rumbear hacia la laguna. Cargaban con una mesa, la embarcación elegida para la navegación del menor, Eduardito, de un año y medio, y de algunas provisiones robadas en la despensa. Al frente iba Carlos Octavio, lo seguían Augusto y Roberto cargando la mesa-barco donde “el Nene” iba masticando ciruelas bajo un toldo improvisado, bajo el podio marchaba Delfinita y a ambos lados Alejandro y Julia. Las niñas llevaban melenas castaño claro y vestidos blancos; los niños pelo al ras y pantalones cortos. La nave naufragó, pero como buen cuento de hadas de la clase dirigente argentina, fue rescatada al anochecer por una vecina benévola que les dio leche caliente y los llevó en brazos a su casa.

Los Bunge provenían de la ciudad de Unna, en Westfalia, un linaje germano que llegó a Buenos Aires en 1827 con Carlos Augusto Bunge, y también del linaje patricio de los Peña y los Lezica, monárquicos disidentes de la revolución de Mayo, señalan Cárdenas y Paya en La familia de Octavio Bunge . El primer recuerdo de Delfina de la casa de Tacuarí, baldosas rojas, patios, fue el de la muerte de “mamá Luisa”, su abuela materna Arteaga. Delfinita observaba una taza de café con leche a medio llenar y, con el rabillo del ojo, a su madre, que lloraba mientras se ataba el cordón de un zapato. La morena Secundina, “criada”, como se decía entonces, de mamá Luisa, le había puesto en las manos unas medias caladas de hilo rojo, y tal vez fue este adminículo, o el hecho de verla a menudo, que hizo que recordara más a Secundina que a su abuela, que la siguió mirando fijamente muchos años desde el retrato con una mantilla de encaje que colgaba en su casa.

Al cumplir trece y catorce años los dos hermanos mayores fueron enviados, en calidad de pupilos, al colegio de los jesuitas El Salvador. Pero tras dos semanas interno, Carlos Octavio, que ya había demostrado un temperamento extremadamente sensible, se fugó del pensionado. Iracundo, despojado de todo sentimentalismo, su padre le impuso el peor castigo imaginable para un niño: lo mandó a la Escuela Naval de Diamante, en Entre Ríos. Si el régimen de los jesuitas resultó intolerable para un joven de emotividad singular, la vida militar y el destierro de su familia, según contaba a sus hermanos en sus cartas, le produjo espanto y dolor.

Mientras los hermanos pasaban por esa severa iniciación al mundo que era el colegio pupilo, las hermanas y los hermanitos menores exploraban la quinta El Paraíso: un amplio corredor de baldosas rojas, los jazmines del país y las rosas cultivadas por el padre (“las mejores rosas de San Isidro”, decía Delfina) y unas enormes parcelas otorgadas a cada uno de los hijos, donde cada niño podía cultivar lo que deseara. La parcela de Augusto, célebre en el pequeño universo de su casa, era terreno de excéntricos experimentos botánicos: una barranca de césped, un lago, una cascada y árboles frutales. Cierta vez logró que una ciruela alcanzara proporciones inverosímiles sumergida en un balde con agua azucarada y suspendida de una rama. Otra, cultivó un durazno con propiedades mágicas: mientras su madre lo pelaba por fuera, por dentro se veía cortado en pequeños trozos simétricos. Esta afición por los experimentos botánicos provenía de su abuelo Karl August Bunge, que había cultivado ciento cincuenta clases distintas de duraznos en su quinta de Buenos Aires.

De esa temporada en la quinta Delfina conserva sus primeros recuerdos místicos. En un solitario callejón de pinos en el que apenas entraban algunos rayos de sol, con el arrullo de las torcazas, único sonido en la tranquilidad de la siesta casi provinciana que aletargaba a patricios y plebeyos, tuvo su primera noción, si no de Dios, al menos de lo que podríamos llamar hoy el alma inmortal.

En 1890 ya hacía cuatro años que veraneaban en El Paraíso, ubicada también en San Isidro, frente a la Catedral y a una cuadra del paseo de los Ombúes. Al estallar la revolución del Parque contra Juárez Celman, los Bunge tuvieron que dejar su casa de la calle Tacuarí para instalarse en la quinta, donde nunca habían pasado un invierno. La revolución, esta vez, rozó de algún modo, un modo amable, con aroma a jazmín, a una familia patricia.

Fuente: clarin.com

RECURSO DE AMPARO CONTRA LAS OBRAS EN LA CALLE BOLÍVAR

La entidad Basta de Demoler objetó la nivelación de calzadas y aceras prevista, ya que alterará el paisaje cultural

Nivelación de calles y veredas propuesta por el GCBA

Por Ángeles Castro/LA NACIÓN

La asociación civil Basta de Demoler presentó un recurso de amparo para impedir el avance de la obra de puesta en valor de la calle Bolívar, por considerar que viola la normativa que rige al casco histórico, catalogado como APH1, así como la ley de empedrado.

Según surge del texto del amparo, esa entidad defensora del patrimonio cultural edilicio porteño objeta principalmente que la calzada y la acera de la calle Bolívar sea nivelada, tal como lo prevé el Ministerio de Desarrollo Urbano.

Considera que esa modificación atenta contra la conservación de la historia y la arquitectura coloniales, además de alterar "un valor fundamental del patrimonio como es la autenticidad, que permite apreciar los rasgos principales que identifican a un objeto, zona o paisaje".

En ese sentido, recuerda que la ley N°65 establece "expresamente que el empedrado de vías circundantes a sitios históricos se debe conservar y se reemplazará, si fuere necesario, por el mismo material".

La obra que acaba de comenzar sobre Bolívar, entre Diagonal Sur y Belgrano, al nivelar la calzada con la vereda no mantiene el adoquinado original ni lo reemplaza por otro similar. Como los trabajos serían violatorios de la normativa vigente y destruirían el patrimonio de ese rincón porteño, Basta de Demoler solicitó a la Justicia que frene cautelarmente la obra y, además, dicte una medida de no innovar hasta que se resuelva el fondo de la cuestión.

"Solicitamos se deje sin efecto las modificaciones ya empezadas y se restaure con los adoquines faltantes. Siendo evidente que el patrimonio cultural expresa una «forma de herencia que debe ser salvaguardada y entregada a las generaciones futuras» se solicita, además, la medida cautelar de no innovar para que el gobierno de la ciudad no otorgue ningún permiso de destrucción y para que vuestra señoría impida, en forma urgente y expedita, un nuevo golpe al patrimonio urbano y cultural de la ciudad".

El recurso, en principio, quedó en manos del juez en lo contencioso administrativo porteño N°23, Francisco Ferrer. Pero podría próximamente cambiar de manos. Sucede que los argumentos de Basta de Demoler contra la nivelación de la calle Bolívar reproducen los ya esgrimidos por la entidad en otro amparo, cuando el gobierno porteño intentó realizar una obra semejante sobre la calle Defensa.

Ese expediente fue impulsado por el juez en lo contencioso administrativo N°8, Osvaldo Otheguy, y le dio la razón a los defensores del patrimonio. En su nueva presentación, Basta de Demoler pidió conexidad en las causas y el consecuente envío del nuevo amparo al mismo juzgado.

Al presentar la obra de puesta en valor, el Ministerio de Desarrollo Urbano explicó que estaba dando cumplimiento a la ley 3643 que dispuso la peatonalización de Bolívar, con un "diseño particularizado, reparación de veredas, colocación de rampas, farolas e integración de equipamiento urbano". Según Basta de Demoler, nada de eso implica nivelar calzada y acera.

Consultados sobre el amparo interpuesto por la entidad, fuentes del Ministerio de Desarrollo Urbano dijeron a LA NACION que no recibieron ninguna notificación al respecto y reiteraron que la reforma fue "aprobada por la Legislatura por amplia mayoría y cuenta con la aprobación vecinal".

Santiago Pusso, de Basta de Demoler, admitió que los vecinos respaldan las obras, pero que las mismas constituyen un ataque al patrimonio histórico cultural.

Fuente: lanacion.com

1810 - ICONOGRAFÍA DEL CABILDO DE BUENOS AIRES - 2013

ALEC OXENFORD:"MI OCIO TAMBIÉN ES DECIDIDO Y ORGANIZADO"

MBA de Harvard, este coleccionista y flamante presidente de arteBA se define como un obsesivo de la tecnología y el buen uso del tiempo.

Foto: Santiago Filipuzzi

Por Soledad Vallejos / LA NACIÓN

Lo hizo, por lo menos, en tres ocasiones, por eso puede decirse que él es un emprendedor serial. DeRemate.com fue su primera gran conquista, pero ya había tenido algunas experiencias previas en la Web fuera del país. Luego llegó OLX.com , el portal de clasificados gratis más grande del mundo. Y ahora, orgulloso, estrena un nuevo traje: es el flamante presidente de arteBA, tras la salida de Facundo Gómez Minujín.

Para Alec Oxenford (44), empresario con un MBA en Harvard y joven coleccionista, la única dedicación posible es la full time . Y así va por la vida, despuntando el vicio de la especialización y "el asesoramiento de calidad" en todo lo que hace y en todo lo que emprende. Un día se le dio por salir a correr y a los pocos años ya había participado en dos de las maratones más importantes del mundo, en Nueva York y Berlín. La entrevista transcurre en el candy corner de sus propias oficinas, en Palermo, en un espacio luminoso y de paredes coloridas. Antes de iniciar la charla apoyó su iPhone sobre la mesa: nunca dejó de sonar...
-¿Te alcanzan las horas del día para cumplir con todo?
-El tiempo nunca me alcanza. Pero intento ser lo más organizado y riguroso posible. De otra manera, sería imposible llevar todo adelante.
-¿Te quedan momentos de ocio?
-Mi ocio también es decidido y organizado [suelta una carcajada]. Nunca me vas a encontrar haciendo algo que no haya decidido especialmente. ¿Tengo tiempo de leer? ¿Cuánto? Una hora y media. Perfecto. Y otro de mis grandes momentos de ocio, sobre todo cuando viajo, es ver películas.
-¿Tu dispositivo favorito?
-iPad. En todos los tiempos muertos, aeropuertos y más aeropuertos, aprovecho para ver pelis.
-¿Y cómo hacés para ensamblar tantos viajes con la vida familiar? Tus dos hijos nacieron en la década más intensa y productiva profesionalmente.
-Sí, es difícil. Y no te voy a decir que no hay reclamos. Pero yo creo que nada es perfecto. Comencé a viajar mucho desde que mis hijos eran chiquitos. Hoy tienen 11 y 13 años. Pero después de cada partida siempre hay un regreso. Y esos reencuentros con mi familia, luego de cada viaje, son momentos intensos. De gran disfrute. Y aprendí, como en otros aspectos, que el tiempo de calidad es el que más vale, el que mejor se aprovecha.
-¿Cuándo compraste tu primera obra de arte?
-Mi acercamiento al arte fue progresivo. Arrancó como algo inesperado, en 2001, cuando Vicky de Carabassa me llamó para armar la Asociación de Amigos del Malba. Me acuerdo que nos reunimos con otras treinta personas en el Malba, que aún estaba vacío, y después de que cada uno expusiera sus ideas Vicky dijo: «Ahora tenemos que votar a las autoridades». Y me fui de esa reunión como el presidente de la asociación. Me cayó de arriba y yo creo que las cosas suceden por algo. Hay que dejar fluir, seguir a la corriente. Y a partir de ahí me involucré con el arte cada vez más, hasta que terminó por convertirse en una pasión. Hasta ese entonces sólo compraba cuadros que quedaran bien con la pared y los colores de mi casa. Pero la primera obra que compré con un fin no decorativo, digamos, fue un cuadro de Catalina León, que era tan grande que lo tuve que guardar por cuatro años en el sótano de la casa de mi abuela.
-¿Te importa la decoración de tu casa? ¿Opinás sobre esas cuestiones?
-Sí, me importa y mucho. Y estando en el grupo de la asociación desmitifiqué esa creencia de que a los hombres no le importan esas cuestiones. Es más, a todos los que estábamos ahí nos importaba tanto o más que a nuestras propias mujeres. Porque la casa también tiene que ver con uno.
-¿Y qué coleccionás?
-Arte contemporáneo argentino. Pero, como creo fuertemente en el asesoramiento de calidad, pedí consejo a Inés Katzenstein. Juntos empezamos a armar una línea de colección. Un cuerpo de obras con un sentido, un criterio. Ella me ayuda a seleccionar cosas y yo elijo. Bah, en realidad, yo siento que estoy eligiendo, pero en el fondo elige ella [Se ríe].
-¿Creés que siempre es así?
-Tal cual, una mujer quiere comprar algo, y te dice: «¿Cuál te gusta más, ésta o ésta?» Elegí vos. Ya está. Listo.
-¿Sostenés que el coleccionismo no es exclusivo de gente adinerada?
-Por supuesto. Creo que hay muchos motivos para acercarse al arte. Primero, te ayuda al alma. Cuando me siento mal, no hay nada que me reconforte tanto como admirar una linda obra. Me serena. Como cuando la gente reza. A mí el arte me reconforta el espíritu. Y creo que el arte no tiene nada que ver con la billetera. Existen obras baratas, no todas cuestan millones de dólares.
-¿Se pueden encontrar en arteBA obras que estén al alcance del común de la gente?
-Literalmente, por unos cientos de pesos podés comprar una obra de arte, y muy linda. Una obra curada. Y me parece bueno resaltar que hay pocas cosas en la Argentina que sean verdaderamente de calidad internacional. El arte contemporáneo es una de ellas.
-¿Y cuál es tu trabajo como nuevo presidente? ¿Qué objetivo te impusiste?
-Mi trabajo es impulsar el coleccionismo, generar una escena revitalizada en los artistas. Que ellos puedan producir más y que la gente pueda acercarse al arte. Comprar un cuadro no es sólo una cuestión económica.
-¿Dónde te sentís más cómodo, rodeado de artistas o de techies ?
-Si agarrás un grupo de artistas y tech ies dentro de un cuarto y los mezclás, no vas a reconocer cuál es cuál. Tienen el mismo aspecto. Bastante desalineados, muy informales, no les dan bolilla a los horarios, no son nada jerárquicos y sólo te respetan si tenés algo para aportar. Y todos tienen ese aspecto fresco. En realidad, con ambos me energizo, me refresco y, al mismo tiempo, puedo llegar a volverme loco. Por eso también necesito tomar otro aire, alejarme de todo ese mundo.
-¿Y con qué te desconectás que no sea tu familia? ¿Con tecnología, tal vez?
-Absolutamente. Es algo que no puedo dejar de hacer.
-Tenés cuenta en Facebook, Twitter y un blog abandonado hace casi un año. ¿El último post fue en junio del año pasado?
-Sí [ríe]. Lo abandoné por Twitter, que es un microblogin. Tuiteo todos los días, me parece una herramienta mucho más ágil. También tengo cuenta en Instagram, que utilizo bastante. Pero el blog no lo cerré por la cantidad de comentarios que tiene. En algún momento pensé en darlo de baja, pero ahora que lo mencionás pienso retomarlo el mismo día que lo dejé, pero un año más tarde.
-¿Estar prendido a la tecnología te ayuda a no envejecer?
-Creo que la juventud es una actitud. Absolutamente. Y todo lo que tiene que ver con la actividad tecnológica es joven, de vanguardia. Yo soy muy curioso, inquieto, y me intereso ante cada cosa nueva. Además, estar con gente joven también te rejuvenece, y en OLX, por ejemplo, el promedio de edad es de 25 años. En arteBA pasa algo parecido, tal vez, el rango es un poco más amplio. Pero los artistas son personas dinámicas, luminosas. Y en ambas disciplinas existe el trato horizontal, cero conservador, nada de jerarquías. No hay casillas estancas.
-¿Sos estricto en cuanto al uso de la tecnología con tus hijos?
-En casa somos todos bien tecnológicos, y ellos tienen todo. Cada uno su computadora, su iPad, su teléfono. No están prendidos a la iPad todo el día. Es algo que tienen naturalizado, y no me preocupa. También salimos a andar en bicicleta, jugamos a la pelota, tenemos otras actividades.
-También sos hincha de River. ¿Fanático?
-Soy de River, simpatizo. Pero el fanático es mi hijo. Con apenas 10 años se bancó todo el descenso y la mala racha. Que tu club se vaya a la B es complicado. Pero se ve que él también cree que de los fracasos se aprende. Son necesarios para estructurar las bases y salir nuevamente adelante. El verdadero hincha es él. Yo lo acompaño.

Fuente: lanacion.com

LA CASA DE LOS ALDAO, LISTA PARA EL 25 DE MAYO

Inauguran las obras de restauración

La fecha patria que conmemora la Revolución de Mayo estará acompañada este año por la inauguración de la restauración de una casona emblemática en Santa Fe que fue declarada Monumento Histórico Nacional: la Casa de los Aldao

Últimos trabajos. En siete días deberán estar concluidas todas las tareas de restauración, ya que el próximo sábado se realizará la inauguración de las obras.

Foto: Gentileza Gobierno de la Provincia

De la Redacción de El Litoral

area@ellitoral.com

La importante obra de restauración realizada en la Casa de los Aldao será inaugurada por el gobernador Antonio Bonfatti en el marco de los festejos del 25 de Mayo. La intervención, que culminará en los próximos días, implicó una inversión superior a los 400.000 pesos.

La construcción forma parte de la herencia cultural santafesina, y ello fue lo que motivó incluirla dentro del Programa de Recuperación Patrimonial que apunta al mantenimiento de numerosos edificios que integran el patrimonio cultural de la provincia.

Luego de un diagnóstico realizado por la Direccción Provincial de Arquitectura e Infraestructura, se decidió intervenir el cuerpo histórico de la casona con el fin de recuperar y poner en valor su estética edilicia tal como fue concebida.

El evidente deterioro que presentaba, especialmente en sus muros —producto de su antigüedad, del clima, de la falta de mantenimiento y de equivocadas intervenciones realizadas anteriormente— reactivó la urgencia de una inmediata restauración y puesta en valor. La casona presentaba desprendimiento de revoques interiores y exteriores, fisuras y grietas en la tapia, deterioro de los enmaderados de la cubierta y de la carpintería de madera por erosión causada por hongos y por los efectos del clima, además de otros daños ocasionados por la falta de mantenimiento.

Concretamente, entre otros trabajos, se realizó la restauración integral de muros y aberturas a través del tratamiento de la mampostería, los revoques y la pintura respetando la técnica constructiva original realizada con tierra apisonada entre dos entablonados que después se retiraron para poder revocar en su forma original.

Los trabajos en esta fase, poseen un avance superior al 90 %.

Sobre la construcción

La Casa de los Aldao, ubicada en el centro histórico de la ciudad de Santa Fe sobre calle Monseñor Zazpe 2861, representa uno de los escasos exponentes de la arquitectura doméstica del período hispánico que se conserva en el país.

La histórica propiedad fue declarada Monumento Histórico Nacional en la década del 40, por lo que es un bien de características únicas en el país. En 1942 adquirió la denominación: Casa de los Aldao.

Su construcción finalizó en 1711, aunque el proyecto original del edificio se remonta al año 1694. Allí vivió mucho tiempo Josefa Aldao, uno de los ejemplos de valor testimonial más representativo de lo que fue la Santa Fe colonial.

En la actualidad se conserva sólo una parte de la vivienda original, construida con paredes de tapia apisonada y cubierta de tejas sobre estructura de madera. El edificio, de dos plantas y aspecto señorial, rememora las casas del paisaje andaluz.

Entre 1962 y 1965, la Dirección Nacional de Arquitectura concretó una serie de trabajos de restauración sobre la casona, para luego convertirse en la actual sede de la Junta Provincial de Estudios Históricos de Santa Fe.

Fuente: ellitoral.com