ARTE SOBRE EL SUELO POLAR

Para resaltar la importancia del continenteblanco y despertar la reflexión sobre los desprendimientos que genera el cambio climático, artistas de todo el mundo vienen realizando
intervenciones vinculadas a los proyectos de investigación que encara la Argentina en suelo antártico. Como Andrea Juan, integrante de la Dirección Nacional del Antártico, quien desplegó su creación sobre el glaciar de la Base Esperanza. Alguna de estas creaciones forman parte de
la muestra itinerante Sur Polar y serán presentadas hoy en La Habana.

Fuente: clarin.com

UN PASEO POR LAS NUBES

Una muestra del argentino Tomás Saraceno conmueve a Berlín con una poética que combina las ciencias naturales, la arquitectura y el arte.

OBSERVATORY - AIRPORT CITY. 2008, en Hayward Gallery, Londres.

CLOUD CITIES. 2011. Instalación en el Hamburger Bahnohof.

Por Julieta Mortati. Desde Berlin

Si el mundo se vuelve inhabitable, los hombres vivirán dentro de esferas gigantes que flotarán en el cielo sujetadas entre sí y se desplazarán de acuerdo a la corriente del viento. Cada una de ellas

albergará a miles de personas y será autárquica. El suelo será ondulante y volveremos a gatear. La tierra será paisaje, el testimonio de un pasado al que ya no se podrá volver.

“Cloud cities” es la ciudad futura que Tomás Saraceno (Tucumán, 1973) creó como respuesta al posible fin de la vida en la Tierra. La muestra está compuesta por veinte bioesferas inspiradas en las burbujas de jabón, en las nubes y en las células, debido su configuración geométrica –la característica principal de las burbujas, por ejemplo, es que pueden alcanzar grandes

dimensiones a partir de poca superficie– y composición orgánica –se pueden subdividir y volver a emerger cambiando su forma y composición constantemente.La exposición ocupa todo el salón principal del museo Hamburger Bahnhof de Berlín. Las esculturas son inmensas y el espectador se vuelve testigo del trabajo del científico como si caminara por la mesada del laboratorio, como si estuviera dentro de una macrofoto que captó el instante en que las burbujas salen de la

bañadera. Las bioesferas están sujetadas entre sí con cuerdas que simulan la estructura de las telarañas. No es la primera vez que Saraceno trabaja con ellas. De hecho, creó un sistema para escanearlas en 3 D. Si bien muchos científicos usaron telarañas como analogía para explicar la creación del universo, a Saraceno le llama la atención su constitución: su seda es tres veces más resistente que cualquier fibra sintética a la vez que se puede estirar en un 135 por ciento. Algunas

de las bioesferas están intervenidas con Tillandsias, una familia de plantas que no tienen raíces, absorbven las sustancias necesarias para sobrevivir directamente del aire y se encuentran a todo lo largo de América, quizá ésta sea la única referencia territorial de toda la obra.

Las Tillandsias combinan con el carácter artificial que unifica estéticamente toda la obra, ellas también parecen de plástico: no huelen y apenas presentan algunas partes secas, signo de vida. La idea de esferas flotantes que puedan contener comunidades de miles de personas, ya fue desarrollada por el arquitecto norteamericano Buckminster Fuller (1895-1983) bajo el nombre de “Cloud nine”. La diferencia es que el trabajo de Saraceno, lejos de proponerse como modelo a través de maquetas o dibujos, invita al público a interactuar con la obra y pensar de manera colectiva un futuro utópico. Como si se estuviera en un parque de diversiones, los espectadores hacen cola detrás de dos bioesferas: la más chica pende en el aire y la más grande–ya expuesta en la Hayward Gallery de Londres en 2008– está sobre el suelo y dividida en dos niveles. La parte inferior es “el observatorio”, donde uno puede ingresar para recostarse a mirar a los que están en la parte superior suspendidos sobre una lona de plástico sostenida por la densidad del aire. El suelo está recubierto de espejos de modo que uno se ve duplicado al mismo tiempo que los que están arriba ven su propio reflejo y se produce una idea de infinito. De este modo, se evoca la

reciprocidad de la mirada que aparece en “Las Meninas” de Diego Velázquez y que marcó Foucault en Las palabras y las cosas (1966) cuestionando la supuesta verdad que yace en la representación visual. ¿Quién mira a quién? ¿Quién es la obra de arte? ¿Los que observan o los

observados que a la vez observan? ¿De quién es la experiencia? ¿Del que mira o del que se mueve? A la parte superior se accede por una escalera liviana de metal claro, estilo espacio sideral. Desde la plataforma uno se zambulle de espaldas al abismo ondulante: las nubes. Estar en las nubes es como volar. Volar es como nadar sin mojarse. Mantenerse en el centro, no pararse ni saltar. En esta “utopía realizable”, como Saracenoprefiere calificar a sus trabajos, uno vuelve a ser un bebé; el cuerpo, un extraño. Hay que aprender todo otra vez, redescubrir los límites del popio cuerpo, llevar al límite la capacidad de adaptación, cerrar los ojos y unir el cielo con el mar. Sobre esta superficie ondulante se materializa una idea de sociedad futura en donde el movimiento de uno, indefectiblemente, modifica al otro. Ese otro es distante y

complementario: según las indicaciones de seguridad, las personas deben estar a un metro y medio como mínimo y no se puede acordar una misma posición al mismo tiempo. Cada vez que alguien sale se prende una máquina que le devuelve el oxígeno perdido a la bioesfera. El ruido del

motor y el olor a plástico son las costuras del experimento que evidencian lo artificial de la representación de la naturaleza, como lo inalcanzable de su perfección.

Fuente: Revista Ñ Clarín

POR SU PARÁLISIS, EL NOBEL DE LITERATURA NO PUDO DAR SU TRADICIONAL DISCURSO

El sueco Tomas Tranströmer fue homenajeado con música, canto y palabras en la ceremonia que brinda al galardonado la Academia. En 1990, el poeta sufrió una accidente cerebral que le redujo el habla.

Foto EFE

La música, el canto y la recitación sustituyeron hoy a las palabras del poeta sueco Tomas Tranströmer, en la tradicional lectura del Premio Nobel de Literatura, en la que, entre otros poemas, se leyó uno en castellano.

Tranströmer, quien nació en Estocolmo en 1931, sufrió una accidente cerebral en 1990, lo que dejó reducidas su habla y su movilidad. Por este motivo, la lectura que cada año hace en la Academia Sueca el laureado en Literatura consistió este año en un acto de homenaje al que asistieron el poeta y su mujer, Mónica.

El Coro de Cámara Gustaf Sjökvist, varios actores y el quinteto de cámara de Uppsala dieron vida a los poemas del Nobel, cuya voz se pudo escuchar recitando Soledad (1996) y Schubertiana (1978) gracias a unas grabaciones antiguas.

Los asistentes al acto recibieron de pie y en absoluto silencio la entrada de Tranströmer, quien iba en silla de ruedas y sujetaba un bastón en la mano derecha.

Uno de los momentos más emocionantes fue cuando la voz de Tranströmer, en una grabación, comenzó a recitar su poema Soledad de su libro Tañidos y huellas, que se leyó en seis idiomas, entre ellos castellano.

La actriz gijonesa establecida en Estocolmo Antolina Gutiérrez del Castro hizo una sentida y emocionante lectura de la primera parte, que se interpretó también en sueco, rumano, árabe y chino, para reflejar la internacionalidad de la poesía del Nobel, traducido a más de 50 lenguas.

Gutiérrez explicó que el poema le había emocionado pues Tranströmer es capaz de transmitir, "a través de su lenguaje, sencillo pero con muchas capas", sensaciones fuertes como las que narra la primera parte del poema, sobre un accidente de circulación, y en el que experimenta la sensación de estar solo "como un niño en el patio de la escuela rodeado de enemigos", dice el poema.

Durante la presentación del acto, el secretario permanente de la Academia Sueca, Peter Englund, glosó la figura del poeta sueco, quien fue merecedor del Nobel de Literatura porque "a través de sus imágenes translúcidas y condensadas da acceso a una nueva realidad".

Englund señaló: "La buena poesía es algo poderoso. Puede cambiar nuestra visión del mundo, hacerla más clara, más concisa, más comprensible. Y para siempre".

"Querido Tomas, es imposible sentirse insignificante después de haber leído su poesía. Tampoco es aún posible amar el mundo por razones equivocadas", agregó Englund.

Además de la lectura de una docena de textos del Nobel, pertenecientes a libros como La góndola fúnebre (1996) o El cielo a medio hacer (1962), el acto también contó con la interpretación de dos pasajes musicales, uno de Franz Liszt y otro de Franz Schubert.

De esta manera, quedó patente la predilección de Tranströmer por la música, su otra gran pasión además de la poesía, que se dedica a escuchar con mayor intensidad desde que en 2004 publicó El gran acertijo, con el que dio por cerrada su obra poética.

Tanto en El gran acertijo, como en Los recuerdos no me ven (1990) y en La góndola fúnebre fue fundamental la ayuda de su esposa, Mónica, pues fueron escritos tras sufrir el accidente cerebral.

El acto, durante el que se mantuvo un reverencial silencio, acabó con una cerrada y prolongada ovación a Trasntrömer, quien recibió un ramo de flores amarillas antes de abandonar la sala.

El poeta, que recibirá junto al resto de galardonados el Premio Nobel el próximo sábado, tiene también como constantes en su obra la Naturaleza, la música, los sueños y el gusto por las metáforas y las imágenes claras y expresivas, algunas de las cuales pudieron oirse hoy.

Fuente: infobae.com

SE RESTITUYEN OBRAS DE ARTE A ECUADOR

Plato. Con cuatro pies mamelonares. Con grabados en zigzag.

Cuando el presidente de Ecuador, Rafael Correa, regrese a su país pasado mañana, luego de participar del acto de reasunción presidencial de Cristina Fernández de Kirchner, llevará un tesoro patrimonial inesperado.

El avión que transportará a Correa trasladará también 18 piezas arqueológicas originarias de Ecuador, que fueron encontradas por Interpol en febrero del año pasado en Cañuelas, provincia de Buenos

Aires, y restituidas oficialmente ayer por el gobierno argentino al ecuatoriano.

"Un señor publicó en un diario local de Cañuelas la venta de piezas arqueológicas. Alguien le informó esto a Interpol y ese organismo pidió autorización al juzgado para hacer un allanamiento e invitó al Instituto Nacional de Antropología y Pensamiento Latinoamericano (Inapl) a que enviara un arqueólogo como perito. Fueron y las incautaron", sintetizó ante La Nacion la directora del Inapl, Diana Rolandi.

Profesionales de ese instituto de la Secretaría de Cultura de la Nación analizaron las piezas y las acondicionaron, de acuerdo con las normas de conservación, para ser restituidas a Ecuador.

Se trata de 18 vasijas, pucos, figuras zoomorfas y platos de diferentes pueblos que habitaron ese país. La más antigua es de unos 3000 años a.C. y perteneció a la cultura Valdivia y, la más moderna, del siglo XIII.

Habrían sido introducidas al país por tierra, sin que las autoridades ecuatorianas registraran su existencia.

"Es una recuperación enorme, porque la soberanía del país está mucho en la cultura", dijo a La Nacion el embajador de Ecuador,

Wellington Sandoval Córdova, al término del acto de restitución de las piezas, que se hizo ayer en la Secretaría de Cultura. Sandoval Córdova informó que las cerámicas no fueron robadas, sino negociadas por "huaqueros que venden lo que encuentran a los turistas o coleccionistas".

Para el secretario de Cultura de la Nación, Jorge Coscia, que presidió el acto, la restitución demuestra "que la cultura no es una isla, sino que trabaja en conjunto con los demás ministerios y

poderes del Estado".

El embajador de Ecuador valoró el gesto del gobierno argentino y expresó su deseo de que el próximo acto de restitución sea el de unas 500 piezas ecuatorianas y peruanas que están en juicio desde hace una década.

Fuente: lanacion.com

CON ARTE ITALIANO,
REABRE UNA SALA RENOVADA
EN BELLAS ARTES

El pabellón de las muestras temporarias ganó metros, altura y luminosidad con un ventanal a la Av. Figueroa Alcorta. Exponen "La tradición del arte. Italia en la colección del MNBA, 1860-1945"

CLAVE. EL CURADOR, ROBERTO AMIGO, AYER, FRENTE A UN MONUMENTO FUNERARIO QUE SE DESTACA EN LA EXPOSICION.

Por Mercedes Pérez Bergliaffa

Fiesta doble, en el Museo Nacional de Bellas Artes. Inauguran el pabellón de exposiciones temporarias renovado y la muestra La tradición del arte. Italia en la colección del MNBA, 1860- 1945. Ayer, el director del Museo, Guillermo Alonso, y el embajador italiano, Guido La Tella, participaron en la inauguración.

La exposición es, a primera vista, fácil de comprender, porque se trata de pinturas, esculturas y dibujos figurativos. Pero cuando uno se aproxima a ver qué es lo que estas obras cuentan, nota que están llenas de escenas lejanas, de símbolos, de temas que no tienen nada que ver con nuestro día a día. Y se entiende: las obras que se exponen son pinturas del siglo XIX, de alrededor de 1860.

Altri tempi .

Esto se nota en pinturas en las que aparecen las vías de un tren; eso simbolizaba la llegada del progreso . Las escenas ubicadas en Venecia también nos hablan de la visión idílica que se tenía sobre la vida en el campo en algunas zonas de Italia. Algunos de los retratos de mujeres tienen expresión melancólica, pero, ¡ojo! ¡Hay que pensarlas como una alegoría! El artista quería demostrar que la nueva vida urbana, que conllevaba progreso, afectaba también a los espíritus.

“Esta muestra hay que mirarla pensando que lo que unen las obras son cuestiones estilísticas e iconográficas, no un recorrido cronológico”, explica su curador, Roberto Amigo.

En el pabellón renovado –mucho más amplio, más luminoso, con los techos más altos y un piso de madera que otorga luz–, hay paredes pintadas de blanco y sólo algunas de azul oscuro. Sobre una de ellas se ubica un enorme relieve –un “vaciado”, es decir, una escultura producto de un molde– que llama mucho la atención. Es el Monumento al Senador Rosazza, de Leonardo Bistolfi, un monumento funerario repleto de claves masónicas. “Bistolfi era masón de convicción”, explica Amigo, “como tantos escultores funerarios. Lo llamaban “el poeta de la muerte”.

La muestra tiene obras que hay que mirar detenidamente y, si es posible, con un guía. Aunque, a decir verdad, tantas de estas obras son tan bellas que, con sólo mirarlas, alcanza. Mientras escribo esto pienso en los tres Modigliani que se muestran allí. Sus ojos lánguidos, vacíos, no tienen pupilas. Están enfrentados a la escultura del “poeta de la muerte”. Creo que el nudo de esta exposición pasa por eso: por los extraños diálogos formados entre las obras, un conjunto de trabajos inusual.

UN LUGAR PARA GARIBALDI Y VÍCTOR MANUEL

GARIBALDI. Un retrato "verista"

Animalistas. Así se llama a este tipo de pintores que crean poniendo el foco de atención en la naturaleza y -sobre todo- en los animales. Y así son los dos magníficos retratos que pueden verse ahora en la exposición del Bellas Artes, el “Retrato ecuestre de Garibaldi” y “Víctor Manuel II”, referidos a los protagonistas de la independencia y unificación italiana Giuseppe Garibaldi y el rey Víctor Manuel II.
Su autor, Filippo Palizzi, fue un pintor napolitano nacido en 1818. Era “verista” porque pintaba la realidad con sus detalles, porque quería captar los movimientos del animal, su pelaje, sus pasos, cómo se paraba. Si usted mira estas dos obras en la exposición, notará cómo en ellas los caballos tienen tanta importancia como los retratados.
Pero, ¡atención! Porque estas pinturas son simbólicas: representan, dentro de la muestra, dos momentos del proceso de unificación italiana: el de la Italia realista y católica –con Víctor Manuel II– y el del sueño republicano y trunco de Giuseppe Garibaldi. Dos maneras de aproximarse a la realidad, a la usanza de la época. Nuestros abuelos seguro algo recuerdan.

Fuente: clarin.com

LAS LUCES ECOLÓGICAS DE PARIS

MUSEO DEL LOUVRE

Desde los inicios de su construcción en el siglo XIII, el museo del Louvre parisino ha vivido transformaciones de la mano de emperadores y reyes. Lejos de las obras majestuosas, hoy los cambios están impulsados por la tecnología, la ecología y también, claro, por la crisis que tiñe el humor europeo. El tradicional museo estrenó ayer la primera fase de su nuevo sistema lumínico, que afecta a la pirámide, los piramidiones y al pabellón Colbert. A través de la sustitución de lámparas de xenón por luces LED, genera un ahorro energético del 73%.

Fuente: clarin.com

EL MUSEU PICASSO DE BARCELONA
ACOGE LA EXPOSICIÓN "MÁS ARRIESGADA"
QUE SE HA HECHO NUNCA SOBRE EL PINTOR

Muestra multimedia

El Museu Picasso de Barcelona.

El Museu Picasso de Barcelona acogerá durante dos meses la exposición "más arriesgada y diferente" que se ha hecho nunca sobre el pintor, que se basa en el uso de recursos multimedia para reivindicar el papel de la documentación en los procesos artísticos, según ha explicado este martes el director del museo, Josep Serra.

'Picasso 1936. Huellas de una exposición' es una muestra elaborada a base de documentos históricos "que permite disfrutar la obra del pintor sin un solo cuadro presente en la sala", ha explicado Serra, que ha añadido que es una oportunidad para experimentar en este ámbito.

La muestra, que podrá visitarse desde este miércoles y hasta el 19 de febrero de 2012, tiene un carácter interactivo y parte del fondo documental generado durante la organización de la Exposición de 1936, compuesto de 61 unidades documentales entre fotografías, revistas y artículos de prensa, y que se integró en el museo entre 2009 y 2010.

"La composición e innovación de la muestra permite hacer muchas preguntas sobre cómo se pueden hacer las exposiciones, cómo se deben hacer y qué posibilidades se deberían cuestionar los museos", ha añadido Serra, que abandonará la dirección del Museo para liderar el Museu de Arte Nacional de Cataluña (MNAC).

La exposición nace como resultado del trabajo de investigación y difusión del Centro de Conocimiento e Investigación, un nuevo espacio inaugurado el pasado febrero, y contará con cuatro salas de exposición.

RELEER LA FIGURA DE PICASSO

Por su parte, la comisaria de la exposición, Sílvia Domènech, ha avanzado que la exposición "permite reproducir, representar y releer la figura de Picasso", así como entender su relación con Barcelona y el resto de España.

"No se trata de hacer una tesis del autor y ilustrarla con documentos, sino hacer que los documentos hablen por si mismos y se encarguen de explicar la historia", ha explicado Domènech.

La comisaria ha puntualizado que el tema central de la muestra es la exposición que Picasso hizo en Barcelona, Bilbao y Madrid en 1936, cuando mostró 25 obras propias realizadas entre 1908 y 1935 con distintas técnicas de pintura.

El teniente de alcalde de Cultura, Conocimiento, Creatividad e Innovación del Ayuntamiento de Barcelona, Jaume Ciurana, ha celebrado que "Barcelona se haga cada vez más suya la figura de Picasso", y ha agradecido a Serra su papel en el conocimiento y divulgación del artista.

Fuente: Europa Press

AUTOBIOGRAFÍA VISUAL

Jorge Mara-La Ruche cierra 2011 con una muestra de artistas nacidas en las décadas de 1970 y 1980. Así, a la vez que incorpora jóvenes a la galería, ratifica las líneas estéticas perfiladas en exhibiciones anteriores y configura una constelación propia. Las cuatro artistas plásticas más una fotógrafa elegidas por Lucía Mara (Buenos Aires, 1988) representan, en primera persona, la autobiografía visual de una generación con obras centradas en el espacio y el paisaje. Julia Andreasevich (Puerto Madryn, 1982) modula experiencias personales, un diario de viajes a la manera de las libretas Moleskine, postales transfiguradas y viñetas. En sus obras, los detalles son pretextos para explorar un espacio concreto mediante el filtro de la subjetividad. Ese espacio también incluye el de la historia de la pintura: una cita de Gauguin reconcilia el placer de la imagen con la proyección del deseo de mirar. Vinculados por la paleta y por la reproducción de croquis de una ciudad imposible, los dibujos de Valeria Traversa (Buenos Aires, 1975) escrutan las superposiciones de grafismos y formas curvas, similares a molduras. Como un coro alucinado, sus obras parlotean en un idioma del que el visitante, una vez puesto en código, puede disfrutar.

La obra de Marcelina Dipierro (Chivilcoy, 1978) pone de relieve los alcances tridimensionales del plano, y viceversa. Con obras geométricas y rigurosas, se permite sin embargo chistes ópticos, como el de proveer a las obras de unas sombras de hierro. Su muro de formas arquitectónicas que semejan legos restablece el juego al oficio de la escultura-ficción. Carola Dinenzon (Buenos Aires, 1981), otra artista geométrica, pinta sobre fondos irreales unas figuras-fantasma que parecen despegarse del plano por la elección insólita del color. Fluorescentes y mudos, los rectángulos de color que flotan sobre un telón de vapor perduran en el recuerdo.

Por último, las fotos de Victoria Dobaño (Ranchos, 1986) sintetizan asuntos relevados en la muestra: los estampados sobreimpresos en la piel de las modelos desnudas, en ambientes íntimos, sobre camas y en rincones caseros, fulguran como las figuras de Dinezon, evocan los moldes de Traversa, riman con los signos opacos de las obras de Dipierro, se escabullen como los personajes de la pinturas de Andreasevich. Y, también, se conjugan con la propuesta curatorial de Lucía Mara, la sexta protagonista invisible de Cuatro + Una que, como una artesana entusiasta, hilvanó los sentidos plurales de una trama generacional.

Ficha. Cuatro + Una en Jorge Mara-La Ruche (Paraná 1133), hasta el 31 de diciembre.

Fuente: ADN Cultura LA NACIÓN

EL CID PORTEÑO, CERCA DEL "CENTRO".

El monumento al símbolo español tiene una estatua de bronce realizada por la estadounidense Anna Hyatt Huntington.

CID. LA ESTATUA DE BUENOS AIRES SE CONSIDERA LA MAS GRANDE HECHA POR UNA MUJER EN EL MUNDO.

Por Eduardo Parise

La estatua no es exclusiva de Buenos Aires. Imágenes iguales pueden verse también en Nueva York, San Diego, San Francisco, Sevilla o Valencia. Y los memoriosos dicen que, además, se la ve en Citizen Kane ( El ciudadano ), la película que Orson Welles realizó en 1941. Pero ya sea que esté en EE.UU., España o Argentina, el monumento ecuestre tiene un elemento común: todos fueron realizados y donados por Anna Hyatt Huntington, conocida también como “la escultora enamorada de El Cid”.
Instalado en el límite entre Caballito y Villa Crespo, a metros del impactante cruce de las avenidas Honorio Pueyrredón, Gaona, San Martín, Díaz Vélez y Angel Gallardo, el monumento se inauguró hace 76 años (el 13 de octubre de 1935) en una ceremonia especial. El proyecto había surgido en 1929, cuando la colectividad española ofreció donar la obra destinada a evocar la figura de Rodrigo (o Ruy) Díaz, un caballero nacido en 1043 en Vivar, un pequeño pueblo cercano a Burgos.
Rodrigo Díaz fue un símbolo de la centenaria lucha que cristianos y musulmanes libraron en la península ibérica en el Medioevo. Para los moros era “el Cid” (o señor); los suyos lo conocían como “Campeador”, porque a los 23 años, tras un duelo, le habían otorgado el título de “Campidoctor”. El hombre murió el 10 de julio de 1099 y allí empezó el mito y la polémica sobre su figura, según quién escribiera la historia.
Para la escultura de bronce, que fue colocada sobre un pedestal hecho con piedra traída desde Burgos, se había elegido un trabajo de Anna Hyatt Huntington (1876-1973), una escultora nacida en Cambridge (Massachusetts), hija del famoso paleontólogo Alfeo Hyatt. La carrera artística de Anna comenzó en una granja, modelando animales domésticos. Después ya trabajó en el New York Zoological Park, para luego perfeccionarse en Italia y Francia. Justamente en Francia fue premiada por la estatua que presentó para la Feria de París, en 1910. Evocaba a Juana de Arco, e impactó tanto a los franceses que la galardonaron con la Orden de la Legión de Honor.
En 1923, Anna Hyatt se casó con el millonario Archer Milton Huntington, un fanático estudioso de la cultura española. Ella tenía 47 años; él, 53. Archer amaba todo lo español y la pareja se instaló en Sevilla, donde fueron declarados “hijos adoptivos” de la ciudad: él coleccionaba obras del arte y la cultura de España, América latina y Portugal. Y ya en 1904 había creado la Hispanic Society of America, con sede en Nueva York.
Aquella pasión por lo español y por el Cid también se hizo carne en su esposa, quien tras hacer las estatuas, las donaba. Así fueron quedando en el mundo como símbolo de aquella admiración sin límites. La de Buenos Aires está considerada por los críticos del mundo como la de mayor volumen que una mujer haya realizado en la historia del arte.
Siempre se dijo que donde está la estatua de El Cid, en Buenos Aires, se ubica el centro exacto de la Ciudad. Y muchos consignan ese dato. Pero si bien el lugar está cercano a ese sitio, el punto de referencia, según lo señaló alguna vez la Dirección de Catastro de la vieja municipalidad porteña, no es ése. El centro justo es una casa ubicada en Avellaneda 1023. Así lo marcaba una placa donde se leía: “en esta parcela número 14 de la manzana 9, sección 45, circunscripción 7, se halla el centro geométrico de la Ciudad”. Pero esa es otra historia.

Fuente: clarin.com

LA FUNDACIÓN PICASSO LLEVA A CHILE
LA EXPOSICIÓN 'LA BELLEZA MÚLTIPLE',
CON 76 GRABADOS DEL ARTISTA

La Fundación Picasso-Museo Casa Natal lleva a Santiago de Chile desde este jueves y hasta el 1 de abril de 2012 la exposición 'Picasso: la belleza múltiple', que trasladará 76 grabados realizados por el artista malagueño a la sala de arte Fundación Telefónica Chile.

De las 76 piezas expuestas, 61 son propiedad de la Fundación Picasso, mientras que 15 de ellas, las que constituyen la conocida como 'Suite de los saltimbanquis' y que se han incorporado a la exposición en Chile directamente tras exhibirse en la Trout Gallery del Dickinson College, en Pennsylvania; son propiedad de la Fundación Málaga y cedidas en calidad de depósito en la Fundación Picasso.

Los conjuntos de grabados que integran esta exposición unen diversas líneas temáticas. La muestra está comisariada por el catedrático de Historia del Arte de la Universidad de Málaga (UMA), Eugenio Carmona, según ha informado el Ayuntamiento en un comunicado.

Dentro de esta muestra destacan tres conjuntos temáticos. La 'Suite de los saltimbanquis', obra maestra del joven Picasso grabador, son aguafuertes y puntas secas realizados entre 1904 y 1906, "imágenes plenas de melancolía y compasión, perfecta síntesis de las formas y motivos de las épocas azul y rosa" entre las que se incluye el "conmovedor" grabado 'El almuerzo frugal' (1904).

También destacan las 13 ilustraciones realizadas por Picasso entre 1927 y 1931 para la novela de Balzac 'La obra maestra desconocida', en las que asume la poética clasicista de la 'Suite Vollard', con un dominio "portentoso" de la línea, "para ir incluyendo sutiles indicios del surrealismo que terminaría por imponerse en su producción".

Finalmente, han continuado, brilla la serie de los 11 estados de la litografía 'Toro' --completa en muy escasas colecciones-- que realizó entre diciembre de 1945 y enero de 1946, en la que, partiendo de una representación naturalista, va sometiendo la figura a un proceso de esquematización "pleno de audacia y genialidad, en el que lo esencial es la meta, que permite contemplar el proceso creativo del artista.

La exposición se podrá disfrutar, posteriormente, en Antofagasta, principal ciudad del norte de Chile, en la sala de exposiciones del Espacio Cultural de la Fundación Minera Escondida, entre el 19 de abril y el 3 de junio de 2012.

Fuente: Europa Press

EL MEJOR IMPRESIONISMO FRANCÉS
RECALA EN BARCELONA
DE MANO DE LA COLECCIÓN CLARK

En el Caixaforum

El impresionismo francés recala a partir de este miércoles en Barcelona de la mano de siete de sus mejores exponentes, en el marco de la exposición 'Impresionistas. Maestros franceses de la colección Clark' que podrá visitarse en el CaixaForum hasta el 12 de febrero.
La exposición reúne 73 obras de Pierre Auguste Renoir, Claude Monet, Edgar Degas, Édouard Manet y Camille Pissarro, entre otros, y Barcelona constituye la única parada en España de una gira internacional que la llevará también a América y Asia.
Las obras se centran en la "encrucijada en la historia del arte" que supuso el impresionismo francés, y constituyen una colección de obras maestras de finales del siglo XIX y principios del XX, cubriendo además el abanico de estilos y tendencias de un periodo dinámico.
La muestra refleja los gustos personales de Sterling y Francine Clark, autores de la exposición que durante cinco años reunieron una de las mayores colecciones impresionistas del mundo.
La exposición ha sido organizada por el Sterling and Francine Clark Art Institute, coincidiendo con la ampliación de su sede, y ha sido producida por la Obra Social La Caixa y comisariada por Richard Rand.

Fuente: Europa Press

270.000 PERSONAS
VISITAN LA RETROSPECTIVA DE DALÍ
EN EL MUSEO PUSHKIN DE MOSCÚ

270.000 personas visitan la retrospectiva de Dalí en el Museo Pushkin de Moscú

Unas 270.000 personas han visitado la retrospectiva del artista Salvador Dalí el Museo Pushkin de Bellas Artes de Moscú durante los dos meses que ha durado la exposición, según ha informado este jueves en un comunicado la Fundación Gala-Salvador Dalí.

La muestra ha sido la primera antológica que se exhibe en Rusia sobre el pintor ampurdanés, coincidiendo con el año dual España-Rusia, y ha podido visitarse entre el 3 de septiembre y el 13 de noviembre.

La inauguración contó con la participación de la primera dama rusa, Svetlana Medvédev; el Ministro de Cultura de Rusia, Aleksandr Avdeev; el embajador español Luis Felipe Fernández de la Peña; la directora del Museo Pushkin, Irina Antonova, y el gerente de la Fundación Dalí, Joan Manuel Sevillano, entre otros.

Fuente: Europa Press

QUEDAN SIN COMPRADOR
LOS LIENZOS DE MURIILLO Y SOROLLA
EN LA SUBASTA DE OTOÑO DE AIG

Quedan sin comprador los lienzos de Murillo y Sorolla en la subasta de otoño de AIG.

El Estado ejerce el derecho de tanteo sobre 'Vista de la Alhambra' de Gustavo Bacarisas, y la obra de Eugenio Hermoso se queda sin vender.

El lienzo 'Niño Jesús durmiendo', de Bartolomé Esteban Murillo, ha quedado este jueves sin comprador en la subasta de otoño promovida en Sevilla por la empresa Arte, Información y Gestión (AIG), en la que tampoco se ha vendido la obra 'Joven bailando', del pintor valenciano Joaquín Sorolla.

El cuadro del pintor sevillano, cuyo precio de salida era de 360.000 euros, está considerado original del artista tanto por Diego Angulo como por el catedrático Enrique Valdivieso, mientras que a obra de Sorolla, que debió ser pintada hacia 1905, ha permanecido en la misma colección de los años treinta del pasado siglo, según informa Blanca Pons-Sorolla. Salía a pujas por 250.000 euros.

Asimismo, en una tarde en la que se han vendido un total de 410.000 euros, ha quedado sin comprador otro de los lotes estrellas de esta subasta la obra del pintor frexnense Eugenio Hermoso, con precio de salida de 200.000 euros, mientras que el Estado ha ejercido su derecho de tanteo y retracto sobre el lienzo 'Vista de la Alhambra' de Gustavo Bacarisa, con un precio de salida de 2.750 euros.

En la sección de pintura antigua, tampoco se ha pujado por la obra 'Virgen con el Niño y Santa Ana', de Antiveduto Grammatica, al igual que el cuadro 'El anuncio a los pastores', de Franceso da Ponte, con un precio de salida de 40.000 euros. Por su parte, 'La Virgen y San Pedro rodeados de ángeles' de Giovanni Batista Beinaschi ha sido adquirida por teléfono por 36.000 euros.

Sin embargo el público presente en el Centro Cultural Cajasol ha apostado por Manuel García y Rodríguez, del que se han adjudicado los lienzos 'Junto al Guadalquivir' y 'Zapatero remendón', ambos a su precio de salida, 2.000 euros, además de los óleos 'En los alrededores de la muralla', por teléfono y a su precio de salida, 10.000 euros, el mismo que 'La recolección', comprado en sala. Una obra de Francisco Cabral Bejarano se ha subastado por 1.600 euros en sala, con un precio inicial de 1.200, y el 'Descendimiento de San Pedro' se ha quedado en mesa por 2.750 euros.

De finales del XVIII, la vista romántica de Joaquín Domínguez Bécquer, en la que aparecen representados el Archivo de Indias y la calle Santo Tomás, ha sido comprado en sala por su precio de salida, 20.000 euros, mientras que del XIX han conseguido comprador dos obras de Gonzalo Bilbao, y se han quedado sin vender 'La vista de Granada desde la Fuente del Avellano', de Fernando Marín Chaves, y la vista de Chiclana de la Frontera de Francisco Javier Riedmayer.

Entre los artistas sevillanos contemporáneos, no ha entrado a subasta un lienzo de la primera época de Carmen Laffón, mientras que el acrílico 'Lluvia' de Paco Molinse ha quedado en mesa por 800 euros, al igual que 'Composición cubista' de Horacio Hermoso. Las obras de Francisco Cortijo, Juan Romero y Rogelio López Cuenca, por su parte, no han sido subastadas.

Manuel Salinas ha despertado el interés de los compradores. Así, un óleo sobre cartón se ha quedado en mesa por 1.100 euros, y otras de sus obras, con un precio de salida de 3.000 euros, ha sido finalmente adjudicada en sala por 4.250 euros. Las obras de otros artistas actuales como Miguel Ángel Campano, Enrique Brickman, en pintura, y Ouka Lele y Joseph Beauys en fotografía, se han quedado sin pujas.

LAS JOYAS, LAS GRANDES PROTAGONISTAS

Por su parte, en el apartado joyas, donde se han presentado una gran variedad de estilos y precios asequibles para todos los públicos, ha sido vendido un juego de gargantilla y pendientes con brillantes y rubíes a su precio de salida, de 34.000 euros. Además, ha conseguido comprador un alfiler lazo años 50' con diamantes, por 15.000 euros, también su precio inicial.

Fuente: Europa Press

JUAN PABLO FUSI: "EL GUERNICA
NO TIENE UNA SIGNIFICACIÓN VASCA"

"El Guernica es un cuadro sin una significación explícita vasca y no gustó en su momento al gobierno vasco", precisa el historiador Juan Pablo Fusi, y recuerda que el lienzo fue un "encargo" de la República y por tanto "propiedad y patrimonio del gobierno español".

"Ni Guernica ni el Gobierno vasco no han tenido nunca nada que ver con el lienzo de Piccaso", añade el historiador Santos Julia, y subraya que el Museo Reina Sofía podría ser "su lugar" y tiene "sentido" porque se exhibe junto a otras piezas que estuvieron presentes en el Pabellón español de París de 1937.

Los historiadores Juan Pablo Fusi, Santos Julia y Josefina Cuesta han participado este viernes en una de las mesas redondas, bajo el título 'En torno al Guernica', que se celebran en el Museo Reina Sofía para celebrar el 30 aniversario de la llegada del cuadro a España, y en las que se pretende reflexionar sobre la doble trascendencia política y artística de una obra considerada símbolo de la paz y denuncia de la violencia.

Con esta obra, Pablo Picasso había querido contribuir al Pabellón de la República española de la Exposición Universal de 1937 (París), alzando su voz contra la barbarie del totalitarismo.

Además, el Museo Reina Sofía celebra el treinta aniversario de la llegada del Guernica albergando un préstamo excepcional: el lienzo Femme assise dans un fauteuil (Dora) de Pablo Picasso, cedido por la Fondation Beyeler de Riehen/Basel (Basilea).

"NO ES UN CASO DE DEVOLUCIÓN"

En esta misma línea y preguntado por las recurrentes peticiones del PNV para que el cuadro se exhiba en la localidad de Guernica, el historiador Santos Julia alegó que no se puede considerar un caso de "devolución" como la dama de Elche o el Partenon.

"Ni Guernica ni el Gobierno vasco han tenido nada que ver en cuanto al lugar del cuadro. La única discusión posible es la supuesta voluntad de Picasso de que si volvía a España el lienzo se exhibiera en el Museo del Prado", explicó a Europa Press Santos Julia.

El 'Guernica' fue realizado por Pablo Picasso en 1937, para ser expuesto en el Pabellón Español durante la Exposición Internacional del mismo año y su título alude al bombardeo de Guernica durante la Guerra Civil española por aviones alemanes y es una denuncia contra la violencia y los totalitarismos.

En este sentido y durante su intervención el historiador Juan Pablo Fusi describió cómo afectó la Guerra Civil al País Vasco y rechazó la idea de que el bombardeo de Guernica tuviera un "valor estratégico" para la guerra civil española. No obstante, subrayó que el Gobierno vasco utilizó este bombardeo para "rearmar la moral de sus ejércitos" .

Terminada la Guerra Civil y con la llegada de la democracia, finalmente en septiembre de 1981, el Guernica aterrizó en España y fue trasladado al Casón del Buen Retiro de Madrid. Desde 1992 el lienzo de 7.77 por 3.49 metros se exhibe en el Museo Reina Sofía, que se ha encargado de custodiar, mostrar, e interpretar esta obra.

Para el historiador Santos Julia, el regreso del Guernica a España, supone la vuelta del "último exiliado" y culmina un proceso de retorno de los exiliados y el final de la separación entre españoles.

REASIGNACIÓN DE SU CONTENIDO

Por ello ha subrayado que con su regreso de produce una "reasignación" de su contenido que sirve para significar "el fin y el horror de la guerra" y el establecimiento de la paz y recordó las palabras de Javier Tussell: "Es un signo vivo de la democracia y la libertad restauradas en nuestro país".

Por su parte la historiadora Josefina Cuesta centró su intervención en analizar cómo veía la prensa extranjera a España tras la llegada del Guernica y recordó que nadie "daba un cuarto por la democracia española tan amenazada y atenazada" y que había una "desconfianza total" ante el futuro democrático de nuestro país.

En estas mesas redondas en torno al Guernica también participará, Timothy J. Clark, uno de los historiadores más influyentes de la actualidad, quien pronunciará dos conferencias sobre nuevas interpretaciones sobre Picasso y su obra. En la primera de ellas, 'El pintor y su modelo' el día 23, analizará las conexiones entre el artista y la monstruosidad, mientras que en 'Otra mirada al Guernica', el día 24, revisará la crisis del espacio público en la representación pictórica.

Fuente: Europa Press

NO HABRÁ MÁS
MUSEOS DEDICADOS A PICASSO

Bernard Ruiz-Picasso, nieto del artista.

Bernard Ruiz-Picasso, nieto del artista malagueño, ha considerado "cerrada" la lista de museos dedicados al artista sustentados en donaciones de la familia o de su entorno, como son el de París, el de Barcelona y el más reciente, el de Málaga.

En un encuentro con los medios en el CaixaForum de Barcelona, Picasso ha reconocido que hay "mucho interés" en muchos lugares del mundo por la figura de su abuelo, pero por parte de la familia las iniciativas difícilmente irán más allá.

El nieto del pintor fue, junto a su madre, Christine Ruiz-Picasso, el impulsor del Museo Picasso de Málaga y es el presidente de su consejo asesor, y en este sentido ha remarcado que cada vez es más difícil organizar exposiciones, y que una de las maneras de hacerlas viables es prolongar su vida, pasando de los tres meses habituales al semestre, por ejemplo.

Sobre las iniciativas públicas para fomentar el mecenazgo, Picasso ha reconocido que últimamente hay "más interés", aunque ha lamentado que para los asuntos culturales los gobiernos se toman su tiempo.

También ha alabado el modelo del Museu Picasso de Barcelona, "casi un barrio Picasso", y lo ha puesto como ejemplo de centro que a través de su crecimiento ha podido sobrevivir a más visitantes --más de un millón cada año-- y más exposiciones.

Sobre el impulso que el Ayuntamiento de Barcelona pretende dar a su autonomía, dotándole de personalidad jurídica propia, Ruiz-Picasso ha matizado que en parte es "peligroso", pero que es la única manera de que tenga más flexibilidad.

Además, ha elogiado la labor de su actual director, Pepe Serra, al que algunos sitúan al frente del Museu Nacional d'Art de Catalunya (Mnac), aunque sobre esto no ha querido pronunciarse.

"Como soy miembro de la familia Picasso soy el último en enterarme de lo que pasa", ha bromeado.

Ruiz-Picasso ha acudido a Barcelona junto a su esposa, Almine Rech, para pronunciar una conferencia en el CaixaForum sobre la relación entre lo público y lo privado en el mundo del arte.

La conferencia lleva por título 'Aspectos del arte hoy: La relación entre galerías, coleccionistas e instituciones. Un Museo público y privado', y ha sido organizada por la Fundación Arte y Mecenazgo, impulsada por La Caixa y presidida por Leopoldo Rodés.

Fuente: Europa Press

PAÍSES BAJOS, DESTACADO DE ARCO 2012

Sus galerías presentarán a un 'artista destacado'.

Países Bajos, protagonista de ARCO 2012

La próxima edición de Arco estará dedicada a los Países Bajos y contará 158 galerías de más de 30 países, más las 58 del programa general. La Feria, que se celebrará del 15 al 19 de febrero de 2012, presenta como novedad, que cada galería participante podrá destacar a uno de sus artistas. Por su parte, ARCOmadrid pondrá al alcance de críticos, comisarios y visitantes una publicación que recogerá los perfiles de los artistas seleccionados.

Respecto a 'Focus Países Bajos', es un proyecto que ha contado con la colaboración de la Fundación Mondriaan y de la Embajada de los Países Bajos en España y con la participación del comisario Xander Karskens.

Karskens, responsable de la colección del programa de arte contemporáneo internacional del Museo Hallen en Haarlem ha sido el encargado de la selección de las 14 galerías neerlandesas que participan en el programa País Invitado.

PAÍSES BAJOS INUNDA MADRID

Este proyecto, que servirá para acercar a Madrid a los agentes más relevantes del coleccionismo, el comisariado y la crítica de arte de los Países Bajos, se extenderá por los principales museos y centros de arte de la ciudad con exposiciones, ciclos y propuestas, como la que acogerá el Museo Reina Sofía, con la exposición del pintor René Däniels, en el Palacio de Velázquez, y una performance de Falke Pisano, en el propio museo; La Casa Encendida con una exposición colectiva de artistas neerlandeses; Matadero Madrid acogerá la muestra de Navid Nuur y una proyección de obras de Nathaniel Mellors, en la Cineteca, y el CA2M Centro de Arte Dos de Mayo, la exposición del artista Aernout Mik.

También se introduce como novedad, la iniciativa Solo Objects por la que las galerías participantes también podrán exponer esculturas e instalaciones de gran formato en zonas de la Feria creadas para tal fin, y que, diseminadas a lo largo de los pabellones de la Feria, focalizarán la atención del público.

Por último, para ampliar las propuestas culturales del certamen, este año arrancará un nuevo proyecto: After ARCO, que propondrá, tras el cierre de la Feria, diversas actividades en diferentes espacios de Madrid. Entre las propuestas de ocio cultural, los visitantes podrán participar en un festival de música, instalaciones, proyecciones y fiestas, toda una propuesta cultural integral para disfrutar de la noche y de la ciudad durante la celebración de ARCOmadrid.

La Feria contará nuevamente con la sección Opening: jóvenes galerías europeas, dirigida a galerías de distintos países de Europa con menos de siete años de trayectoria. Este programa tuvo un gran éxito en la edición pasada y un buen número de las galerías emergentes que participaron han solicitado repetir su presencia en la Feria.

En esta ocasión la selección de galerías ha sido realizada por Manuel Segade, comisario y crítico de arte, quien ha escogido un total 22 galerías de diez países europeos, incluyendo dos neerlandesas, propuestas por el comisario Xander Karskens.

SOLO PROJECTS - LATINOAMÉRICA

Por su parte, la sección Solo Projects: Focus Latinoamérica seguirá dedicada a presentar la obra de artistas latinoamericanos. En esta edición, el programa se plantea, más que nunca, como un espacio de investigación de la creación en América Latina, gracias a la complicidad del equipo de seis comisarios olaboradores de ARCOmadrid: Cauê Alves (Brasil), Sonia Becce(Argentina), Patrick Charpenel (México), Alexia Dumani (Costa Rica), Manuela Moscoso (Colombia/Ecuador) y José Ignacio Roca (Colombia), quienes han seleccionado 22 artistas de nueve países latinoamericanos, junto a la colaboración de la AECID, Agencia Española de Cooperación Internacional para el desarrollo.

Por otro lado, y tras el éxito en la pasada edición, los Encuentros Profesionales reunirán a personalidades convocadas por Marc-Olivier Wahler, director del Palais de Tokio; Hans Ulrich Obrist, codirector, Exhibitions and Programmes y director of International Projects, Serpentine Gallery de Londres; Bartomeu Marí, director del Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona (Macba); Inti Guerrero, crítico de arte y comisario independiente, James Lingwood, codirector de Artangel; Lynne Cooke, subdirectora de conservación, investigación y difusión del Museo Reina Sofía, y Sergio Rubira de RMS La Asociación, junto con Tania Pardo, comisaria independiente.

Fuente: Europa Press

PERÚ CELEBRARÁ ESTE MES
EL RECONOCIMIENTO
A UNA PEREGRINACIÓN TRADICIONAL

Turistas curioseando entre las ruinas de la ciudadela de Machu Picchu, a 130 kilómetros de la localidad peruana de Cusco, el 6 de julio pasado. Perú añade al patrimonio de la humanidad desde el domingo una peregrinación religiosa.

Con una misa y danzas se celebrará el próxio 11 de diciembre en la ciudad peruana de Cusco el reconocimiento por la Unesco el domingo de la tradicional peregrinación al santuario del Señor del Qoyllurit´i como patrimonio cultural mundial inmaterial de la humanidad.

Felipe Achahui Tapia, presidente de la Comisión de Festejos del Patrimonio Cultural Inmaterial, de la hermandad del Señor de Qoyllurit´i, dijo que la declaratoria "reconoce la autenticidad y originalidad de la festividad". Las actividades religiosas, denominadas "Hatun K'uchurikuy" o gran celebración, serán oficiadas en la plaza de Armas y la danza se desarrollará por las principales calles del Centro Histórico del Cusco, centro del imperio incaico.

"El acto religioso estará a cargo de monseñor Juan Antonio Ugarte, arzobispo de Cusco; la homilía será ante las imágenes de la Virgen Dolorosa y del Señor de Tayankani, cuyas efigies salen en procesión durante el Qoyllurit´i", señaló Achahui Tapia.

Luego los danzarines de varias organizaciones colmarán las principales calles y bailarán a ritmo del 'Chaquiri' o ritmo de peregrinación, señaló.

Indicó que el expediente técnico para que la tradicional peregrinación sea declarada patrimonio cultural fue elaborado hace cinco años por un conjunto de especialistas en antropología e historia.

Norberto Vega Cutipa, presidente de la nación Quispicanchi y miembro de la comisión de festejos, destacó que el reconocimiento ayudará a que se respete la peregrinación y haya un compromiso de preservarla, conservarla y mantenerla.

La peregrinación al santuario del Señor de Qoyllurit´i es una de las celebraciones religiosas católicas más importantes y coloridas de Perú y se realiza entre mayo y junio de cada año, con miles de personas que arriban hasta la comunidad de Mahuayani, a 150 kilómetros de la ciudad de Cusco, y avanzan por un camino de herradura de ocho kilómetros para llegar al santuario.

Los peregrinos recorren a pie, a menudo en medio de un intenso frío, las alturas de los Andes. Algunos van danzando y cantando.

El santuario está al pie del nevado del Qolquepunku, a unos 5.000 metros de altura sobre el nivel del mar, en la cordillera del Ausangate, en la provincia cusqueña de Quispicanchi.

El Santuario de Qoyllurit'i y la Festividad del Qoyllurit'i fueron declarados por el gobierno peruano como Patrimonio Cultural de la Nación el 10 de agosto de 2004.

En mayo de 2010 el entonces Instituto Nacional de Cultura, hoy Ministerio de Cultura, estableció el área intangible del santuario del Señor de Qoyllurit´i, con el fin de promover su protección y preservación.

ABREN INVESTIGACIÓN EN NUEVA YORK
SOBRE VENTA DE FALSAS OBRAS DE ARTE

El ex ministro de cultura francés, Renaud Donnedieu de Vabres, contempla una obra de Jackson Pollock en el MOMA, el 3 de noviembre de 2005. Algunos cuadros vendidos por millones de dólares en las galerías de arte neoyorquinas podrían ser falsos, informó el sábado el diario The New York Times, precisando que las autoridades federales abrieron una investigación sobre el fraude, durante varios años.

Por Timothy A. Clary / AFP

Algunos cuadros vendidos por millones de dólares en las galerías de arte neoyorquinas podrían ser falsos, informó el sábado el diario The New York Times, precisando que las autoridades federales abrieron una investigación sobre el fraude, que data de varios años.

El diario menciona particularmente cuadros de pintores expresionistas abstractos como Jackson Pollock y Robert Motherwell, uno de los cuales fue adquirido por un coleccionista británico por valor de 17 millones de dólares.

La mayor parte de las obras habrían llegado al mercado a través de una comerciante de arte poco conocida en Long Island, Glafira Rosales, que decía representar al heredero anónimo de un coleccionista.

Algunas de ellas habían sido vendidas enseguida por Ann Freedman, la presidenta de una célebre galería neoyorquina Knoedler & Company, que cerró súbitamente sus puertas el miércoles, luego de 165 años de existencia.

El viernes, el coleccionista londinense Pierre Lagrange, que compró el Pollock "Sin título 1950" por 17 millones de dólares, puso una demanda a Knoedler & Company y a su presidenta, argumentado que el cuadro era falso.

Un experto había descubierto que dos de los pigmentos utilizados en este lienzo no existían cuando el pintor estaba vivo.

Distintos expertos cuestionaron la autenticidad de al menos otras 15 obras introducidas al mercado por Rosales desde 1993, añadió el periódico, que asegura que el FBI inició una investigación en 2009.

EL BRITISH MUSEUM
ADQUIERE UNA "SUITE VOLLARD" DE PICASSO

Un empleado del Museo Británico coloca para los fotógrafos un grabado, 'Retrato de Vollard II', de la serie 'Suite Vollard' firmada por el artista español Pablo Picasso, en el museo, en Londres, este martes.

Por Ben Stansall/AFP

El Museo Británico anunció este martes la adquisición de un juego completo de la 'Suite Vollard', la colección de 100 grabados que Pablo Picasso ejecutó en los años '30 para el marchante parisiense Ambroise Vollard.

El prestigioso museo londinense ingresa así en el selecto grupo de museos que poseen esta importante serie de aguafuertes del artista español, con la Galería Nacional de Washington, el Museo de Arte Moderno de Nueva York (MOMA) y el Museo Picasso de París.

Los grabados fueron realizados entre 1930 y 1937, cuando el estilo de Picasso evolucionaba de un neoclasicismo muy depurado hacia la aparición de temas claves en su mitología personal, como el fauno o el minotauro.

Cerca de medio centenar tienen por tema el artista y su modelo (su joven amante Marie-Thérèse Walter) en el castillo de Boisgeloup, cerca de París, donde el malagueño universal instaló un taller de escultura.

El minotauro, a la vez frágil y amenazador, hizo su primera aparición en esta serie antes de convertirse en una de las figuras recurrentes del universo de Picasso, que lo incluye en el "Guernica", su obra maestra sobre los horrores de la Guerra Civil española.

"Las obras de la serie Vollard llevan directamente al Guernica", explicó Stephen Coppel, encargado de la colección contemporánea de dibujos y grabados del Museo Británico, en una rueda de prensa.

La "suite Vollard" nació de un acuerdo entre Picasso y su primer marchante, a quien el artista se comprometió a entregar 100 grabados a cambio de un cuadro de Paul Cezanne y otro de Auguste Renoir.

Unas 310 series completas fueron producidas en la época a partir de las 100 placas originales. Tras la muerte de Vollard en 1939, la mayoría fueron a parar a manos de otro marchante, Henri Petiet. Pero posteriormente las series de dispersaron y la compra de un juego completo, a los herederos de Petiet, se considera una suerte excepcional.

La serie fue adquirida por cerca de un millón de libras (1,56 millones de dólares, 1,17 millones de euros), gracias a un generoso donativo de un empresario británico.

El Museo Británico expondrá la colección del 3 de mayo al 2 de septiembre de 2012 junto con obras que inspiraron a Picasso, arte etrusco y dibujos de Goya y de Rembrandt.

LATINOS RICOS E INMIGRANTES EXHIBEN SUS CONTRADICCIONES EN LA ART BASEL MIAMI

Un visitante observa una obra del artista Dan Flavin en la feria Art Basel, celebrada en la localidad suiza de Basilea, el 14 de junio pasado. El jueves se inauguró la edición de Miami

Por Paula Bustamante/AFP

Los latinoamericanos vinculados al arte contemporáneo son pieza clave de la décima edición de Art Basel Miami Beach, la mayor feria del rubro en Estados Unidos, donde el jueves de apertura unos inmigrantes indocumentados participaron en las instalaciones de 'ARTivism Basel'.
Miles de amantes del arte, coleccionistas y galeristas de todo el mundo abarrotaron las puertas del Centro de Convenciones de Miami Beach el jueves con un desenfreno propio del Viernes Negro, la famosa jornada de compras con descuentos celebrada la semana pasada, esperando ansiosos en largas filas que los guardias permitieran el ingreso para ver las piezas de miles de dólares o euros que quieren suyas.
"Quiero comprarme una escultura de una joven coreana que promete y que es espectacular", dijo Ana Rosa Villaseñor de Urrea, una mexicana de Guadalajara que desde hace 10 años no se pierde el Art Basel Miami Beach.
"Amo el arte, todo lo que uno ve aquí y lo que transmiten los artistas y sus obras hace mi vida más feliz", dijo mientras caminaba por los stands de las galerías en compañía del curador mexicano Patrick Charpenel, que dirige la Colección Jumex y quien le recomendó la escultura que comprará el jueves para su colección privada por unos 15.000 euros, dijo.
El principal atractivo de Art Basel Miami Beach es que reúne arte moderno y contemporáneo de artistas de América Latina, Asia, África, Estados Unidos y Europa.
"Esta muestra sobresale por la variedad que trae del mundo entero y el acento latinoamericano que ha puesto a través de los años", dijo a la AFP Ana María Goldstein, experta en historia del arte y coordinadora de museos en Colombia.
"Además ha creado en Miami un ambiente artístico donde han surgido varias ferias paralelas que cada año superan su nivel y donde se pueden encontrar obras de gran valor artístico a muy buenos precios", apuntó Goldstein.
'Uomo a Cavallo', una pequeña escultura en bronce del colombiano Fernando Botero, es el imán del stand de la galería suiza Gmurzynska. La obra cuesta más de 500.000 dólares y muy probablemente antes del domingo ya tendrá dueño.
"Aquí se consiguen piezas increíbles y los precios suelen ser más bajos que otras ferias que se celebran en Europa", contó Ana Weal, que viajó de Perú con unas amigas especialmente para visitar Art Basel y otras ferias, para hallar alguna joyita para su colección privada. "Yo no compro todos los años, vengo mucho a apreciar los nuevos talentos, pero este año sí quiero llevarme algo", afirmó.

Un visitante caminando entre la obra 'Hanging piece', del artista Kendell Geers, en la feria Art Basel, celebrada en la localidad suiza de Basilea, el 14 de junio pasado. El jueves se inauguró la edición de Miami

Dieciséis galerías de arte vinieron este año de Brasil, varias de las cuales vieron el crecimiento de Art Basel Miami Beach desde su primera edición, hace 10 años.
"Antes de la crisis de 2008 las ventas eran espectaculares, luego hubo una ligera caída, pero este año nos está yendo fenomenal", dijo Cristiana Thompson, portavoz de la galería paulista Fortes Vilaca.
Como Thompson, Vivian Gandelsman, de la galería Millan de Sao Paolo, dice que los mejores clientes son los propios brasileños que viajaron desde su país como otros tantos europeos y asiáticos a saciar sus ganas de ver y descubrir esculturas, pinturas e instalaciones de creadores con potencial de convertirse en maestros de referencia.
A menos de 24 horas de haber abierto sus puertas, los encargados de Fortes Vilaca sonreían al registrar la venta de ocho piezas, donde la más económica es de 6.000 dólares y la más costosa de 84.000.
En este contexto, las artistas plásticas angelinas Olga Koumoundouros y Andrea Bowers trajeron a este evento la instalación 'Transformer display of community information and activism', que hasta el domingo presentará por las noches a activistas sociales de organizaciones comunitarias, entre ellos a la Coalición de Inmigrantes de Florida.
"La idea es que aquellas personas que viven excluidas socialmente por alguna razón, se incluyan y formen parte del arte y que este arte pueda servir para ellos como una vía de comunicación", explicó Koumoundouros, en la instalación erigida en Park Collins, sobre la arena de la playa de Miami Beach, donde se exponen obras de diversos artistas en el marco de ARTivism Basel.
Para José, un estudiante argentino indocumentado que visitaba esta obra, "este tipo de propuestas brinda la posibilidad de que personas que quizás no conocen algunas realidades conozcan el surrealismo en el que vivimos", dijo a la AFP.
Más de 260 galerías de todo el mundo muestran las creaciones de más de 2.000 artistas contemporáneos en esta feria que este año busca convocar unas 50.000 personas, según sus organizadores.