PATRIMONIO /
RECUPERAN UN EDIFICIO HISTÓRICO/
RENOVADO ESPLENDOR LUCE LA
IGLESIA REDONDA, DE BELGRANO



En febrero terminarán las obras más importantes en la Inmaculada Concepción

La Iglesia de la Inmaculada Concepción, La Redonda, hoy en día.

Julieta Molina LA NACION

Es más que una iglesia: es la vecina más vieja, es el alma del barrio. Y todos en Belgrano la conocen como La Redonda. La Iglesia Inmaculada Concepción -ése es su verdadero nombre- luce rejuvenecida. Y estrenará, en poco tiempo más, parte de su estructura interna. Se estima que en pocas semanas finalizarán las obras de restauración del sector de mayor altura del templo, 42 metros. La cúpula y su linterna ofrecerán así un renovado esplendor.
La iglesia se fundó en 1878 y desde ese momento realiza numerosas actividades comunitarias. Es, además, la única iglesia con una estructura de base redonda que posee la ciudad. Belgrano se conformó en torno de ella y eso le infiere una mística especial: "Todo el barrio es muy familiar y muy colaborador con la iglesia. El público ha realizado muchas donaciones, la quiere", sintetizó en diálogo con La Nacion la restauradora del templo, Teresa Gowland.
El paso del tiempo ha dejado su huella en las azoteas y paredes de La Redonda, que desde hace décadas padece filtraciones y el deterioro que genera la permanente humedad. Hace diez años comenzó un gran trabajo de restauración que tuvo como fin culminar definitivamente con todos los problemas estructurales.
Su cura párroco, el padre Rafael Morán Díaz, explicó a La Nacion que la obra era de tal envergadura que debieron hacerla en sucesivas etapas, supeditando las refacciones a los fondos conseguidos. "En ese momento, y como no había fondos, sólo se retiraron los revoques que se iban cayendo. Las prioridades fueron la seguridad de las personas, la refacción estructural y, por último, el aspecto decorativo", resumió el párroco, que trabaja allí desde hace doce años.
Es una historia repetida. La escasez de fondos acompaña a La Redonda desde su fundación, en el siglo XIX. En esa época, Belgrano era conocido como un pueblo y poseía una capilla desde comienzos de siglo, cuando los terratenientes de la zona la erigieron para uso de sus trabajadores de campo. Un decreto de 1855 delineó la estructura del pueblo y exigía la restauración de la capilla. Sin embargo, el crecimiento permanente de la población de la zona demandó la construcción de un nuevo templo.

La iglesia durante su construcción.

Así las cosas, y luego de planificada y presupuestada la obra, la piedra fundamental del nuevo edificio (hoy ubicado en Vuelta de Obligado y Juramento, frente a la plaza Belgrano) se colocó en 1865. La ceremonia se celebró con una gran fiesta, a la que asistieron numerosas personalidades, como el ex gobernador de Buenos Aires Valentín Alsina. La construcción del nuevo templo estuvo a cargo del ingeniero Nicolás Canale y la fisonomía externa fue inspirada en el Panteón de Roma. Tiempo después, en 1870, y viajando en un tren, Sarmiento diría al ver el contorno de su construcción: "He visto el Domo de San Pedro en La Pampa".
Diez años después, y debido a que la construcción se realizaba muy lentamente, se decidió rematar los terrenos donde se emplazaba la vieja iglesia. El peculiar aviso publicado en 1875 anunciaba: "Hoy tiene lugar el interesante remate en el Paseo de la Barranca del edificio y terreno perteneciente a la iglesia vieja. Recomendamos este terreno a los ricos capitalistas amantes de lo bueno y del progreso, mucho más siendo su producto destinado para la prosecución de nuestro colosal monumento, la iglesia nueva".
En 1876, cuando muere el ingeniero Canale, queda a cargo de la obra su hijo José, y Juan Antonio Buschiatto después. Trece años después de la colocación de la piedra fundamental se realizó la inauguración definitiva, el 8 de diciembre de 1878. Asistieron al evento el entonces presidente de la República, Nicolás Avellaneda; el gobernador de Buenos Aires, Carlos Tejedor, y las autoridades de la Iglesia.
Hoy, 146 años después, La Redonda es patrimonio cultural de la ciudad, pero continúa la batalla contra el tiempo y la humedad. "El templo tiene muchos años, había que hacer este trabajo grande porque no podíamos seguir emparchando", explicó el padre Rafael. Así, durante los últimos diez años la comunidad que integra la iglesia ha realizado donaciones y aportes que se suman a las inversiones más grandes de empresas o del gobierno de la ciudad, que ha contribuido con un 25% del dinero total.
Esta última etapa de la obra, que devolverá el esplendor a la vecina más antigua y querida del barrio, fue financiada con un préstamo del Arzobispado (dentro del presupuesto estipulado para la restauración y construcción de iglesias) que será reintegrado por la comunidad.
La restauración de la cúpula de 21 metros de diámetro es el último trabajo emprendido y culminará a fines de febrero. Junto con dos especialistas, Gowland recrea los materiales que fueron utilizados hace más de un siglo. Los vecinos esperan ansiosos que la querida Redonda luzca su esplendor original.


OPORTUNIDAD PARA DOS OBRAS DE WARHOL





Los retratos que Andy Warhol hizo al príncipe Carlos y a la princesa Diana para su casamiento en 1981, expuestos en la Opera Gallery de Londres, el 13 de enero de 2011. Aprovechando el interés que despierta ahora el enlace, el 29 de abril, del primogénito de Carlos y Diana, Guillermo, segundo en la línea de sucesión al trono británico, con su prometida, Kate Middleton, la galería espera venderlos por 3,1 millones de dólares.

Foto:Carl de Souza/AFP

HALLAZGOS ARQUEOLÓGICOS EN EL PERÚ




Una de las piezas que se encontraron en un centro ceremonial arqueológico de la región norteña de Lambayeque, a 800 km de Lima, en una imagen difundida el 19 de enero pasado por el Proyecto de Huaca Las Ventanas.

Foto:Rafael Rioja/AFP

GABRIEL OROZCO EN LA TATE MODERN




La obra del artista mexicano Gabriel Orozco 'Chicotes 2010', creada a partir de pedazos de ruedas reventadas en las carreteras mexicanas, exhibida en la Tate Modern de Londres, el 17 de enero. La exposición retrospectiva sobre Orozco arranca este miércoles en la célebre galería británica.

Foto:Ben Stansall/AFP

LA GIOCONDA, INVESTIGADA




En esta imagen sin fecha, originalmente difundida por el Centro Nacional de Investigación Científica en julio de 2010, el cuadro de La Gioconda o Mona Lisa es examinado con una técnica no invasiva que usa rayos X para estudiar el grosor de las capas de pintura y su composición química.


AP Foto/V.A Sol-ESRF

LOS ENIGMAS DE "THE KING'S SPEECH"




Cartas personales del rey Jorge VI de Gran Bretaña dirigidas a su profesor de dicción Lionel Logue, exhibidas en Londres, el pasado 11 de enero. Basado en valiosas cartas reales, tarjetas de reuniones y fotografías, un nuevo libro sobre la destacada vida del terapeuta del lenguaje Lionel Logue llena muchos de los huecos que quedan en la exitosa película "The King's Speech".

Foto: REUTERS/Suzanne Plunkett

REABRIÓ LA CASA DE LAS VESTALES
DEL FORO IMPERIAL DE ROMA




Varias estatuas de la Casa de las Vestales del Foro Imperial de Roma, reabierta al público el jueves 27 de enero de 2011 después de 20 años de semiabandono.

Foto:Filippo Monteforte/AFP

CON EL SELLO DEL MALAGUEÑO MÁS GENIAL




Un camarógrafo de televisión grabando imágenes de la obra 'La lectura', del artista español Pablo Picasso, el 11 de enero pasado, en la casa de subastas Sotheby's de Nueva York.

Foto:Don Emmert/AFP


El cuadro "La Lecture" del español Pablo Picasso en exhibición en la casa de subastas Sotheby's en París, el pasado 19 de enero. El sensual retrato hecho en 1932 por Pablo Picasso a su joven amante Marie-Thérèse Walter fue parte de una exhibición realizada el miércoles en París por la casa de subastas Sotheby's, antes de su remate en febrero.

REUTERS/Benoit Tessier

NOS SURGE ESTA DUDA:

Nótese que el marco de Nueva York ha sido cambiado.
¿Habrá hecho Sotheby's este cambio buscando adaptar la obra al gusto de los coleccionistas franceses y para que la obra quedara más . puesta en valor.?


UNA HISTORIA DE AMOR Y PINCELES

Picasso encontró en la rubia Marie Thérèse Walter la musa de sus sueños

Cuando Picasso conoció a la rubia musa de sus sueños ella tenía poco más de quince años y él 46. Hay quienes sostienen que se cruzaron por primera vez en la estación Saint Nazare, otros en la puerta de Galerie Lafayette. Lo cierto es que la joven cambió radicalmente su pintura. Animado por la pasión el genio volvió a comenzar de nuevo como si fuera otro pintor.
El resultado es una serie de retratos bendecida por el alto coleccionismo cada vez que los cuadros salieron al ruedo de las ventas. El sueño y El espejo marcaron el ingreso del malagueño en pinacotecas que hicieron historia. Le toca el turno ahora a La lectura que será rematado el martes próximo con un estimado de 18 millones de libras esterlinas, después de una gira europea con escala en las grandes capitales como es tradición cuando una obra "calidad museo" es ofrecida en pública subasta.
Considerado de manera unánime el pintor más grande de todos los tiempos, el más fecundo e innovador, Picasso integra el ranking de los récords con dos cuadros que ilustran su capacidad, casi feroz, para saltar de un estilo a otro dispuesto a correr todos los riesgos abandonando la seguridad del éxito conocido.
El mismo artista pintó el Desnudo con hojas (el cuadro más caro del mundo) y Muchacho con pipa, un retrato del período rosa que exhibe la serenidad de la belleza en estado puro.
Marie Thérèse Walter y Picasso tuvieron una hija llamada Maya que inspiró varios de los más tiernos retratos del malagueño.

Fuente: lanacion.com


EXPOSICIÓN EN PARIS



Un detalle del cuadro de Antonio Seguí 'Réveil d'une ville' ('Despertar de una ciudad'). Más de 30 artistas argentinos y extranjeros, entre ellos Antonio Seguí, Julio Le Parc y el holandés Mark Brusse, exponen desde esta semana en París bajo el tema 'Identidades', una reflexión sobre la visión que tiene el pintor de sí en un contexto de problemática por esta cuestión en Europa.

Foto:Jean-Pierre Muller/AFP


EL ARTE DE HOY Y LA DESTRUCCIÓN



Retablo de Isenheim, 1512-1516, de Matthias Grünewald, tal como se encuentra expuesto en en la Capilla del Museo Unterlinden de Colmar, Alsacia, Francia.

Muchas veces me han preguntado por las obras del presente que podría considerar equivalentes de aquellas del pasado, que aún a pesar del tiempo, conservan una fuerte capacidad de hacernos reflexionar sobre nuestra existencia, el devenir de la condición humana o la propia naturaleza de la experiencia estética. Recuerdo hace un par de décadas cuando emprendí un viaje a Colmar en Francia, sólo para llegar a ver el Altar de Isenheim de Matthias Grünewald en el Museo Unterlinden, y la conmoción que me provocó esa obra, realizada en el siglo XVI para un hospital de monjes que asistían a leprosos. Fui y volví varias veces en un día y aclaro que el impacto nada tenía que ver con la interpretación teológica o piadosa de la obra sino con una experiencia estética de neto cuño moderno. He pensado en estas cuestiones cuando me preguntan por equivalencias y me interrogo sobre las piezas del presente que podrían convocar peregrinajes similares. Claramente no serían muchas, entre otras cosas, porque las dimensiones constitutivas del arte contemporáneo en una gran medida tienen que ver con la desmaterialización, la posibilidad de viajar a través de redes y fundamentalmente con la destrucción. Un dato comprobable ahora mismo en la obra de Martha Minujin, que ha llegado al Malba aun a pesar de su propia lógica. Y también en la obra de Jorge Macchi que estalló el sábado pasado en la Fundación Proa. Diríase que en este caso la levedad de su presencia –una valla de cristal– contenía en sí misma el fatal desenlace y, en él, la consumación de su sentido: un límite es algo que habrá de ser roto. El azar, una dimensión siempre presente en la obra de Macchi, quiso implicar involuntariamente a la escritora Matilde Sánchez, cuya más reciente novela curiosamente se llama Los daños materiales . Todo converge hacia la falta de permanencia de la experiencia contemporánea que también retacea el tiempo demandado por el espesor de las obras del pasado. De allí que sea tan complejo encontrar equivalencias.



Fuente texto: Revista Ñ/clarín



SAQUEADORES DESTRUYEN MOMIAS
EN MUSEO EGIPCIO DE EL CAIRO


A LA IZQUIERDA, ESTATUA DORADA DE TUTANKAMÓN CAZANDO HIPOPÓTAMOS DESDE UN BOTE DE PAPIROS. A LA DERECHA, ESTATUA DORADA DE TUTANKAMÓN SOBRE UNA PANTERA. ARRIBA, AMBAS ANTES DE LA DESTRUCCIÓN, Y ABAJO, ESTADO EN EL QUE QUEDARON. Fotos Al Jazeera.

EL CAIRO (Reuters) - Saqueadores irrumpieron en el Museo Egipcio durante protestas contra el Gobierno y destruyeron dos momias faraónicas, según declaró el sábado principal arqueólogo de Egipto en la televisión estatal.
El museo, en el centro de El Cairo, que tiene la mayor colección mundial de antigüedades faraónicas, colinda con las oficinas centrales del gobernante Partido Nacional Nacional, a las que manifestantes prendieron fuego el viernes.
El sábado en la mañana aún se veían llamas saliendo de las oficinas del partido.
"Me sentí profundamente dolido hoy cuando llegué esta mañana (del sábado) al Museo Egipcio y encontré que algunos habían tratado de asaltar el museo por la fuerza anoche", dijo Zahi Hawass, presidente del Consejo Supremo de Antigüedades.
"Ciudadanos egipcios intentaron detenerlos y se les unió la policía de Turismo, pero algunos (saqueadores) lograron ingresar desde arriba y destruyeron dos de las momias", dijo.
Agregó que los saqueadores también registraron la boletería.
El museo, un edificio de dos plantas construido en 1902, aloja decenas de miles de objetos en sus galerías y almacenes, incluyendo la mayor parte de la colección del faraón Tutankamón.

Reporte de Yasmine Saleh, Escrito por Patrick Werr, Editado en español por Marion Giraldo
Por REUTERS, REUTERS, actualizado: 29/01/2011

Una cadena humana protege el museo de El Cairo, en la plaza de Tahrir de la capital egipcia, este sábado, para impedir posibles saqueos durante las manifestaciones para pedir la renuncia del presidente del país, Hosni Mubarak. Foto:Jaled Desuki/AFP



SUBASTARÁN UN RETRATO DE REMBRANDT
EN 47 MILLONES DE DÓLARES


EL "RETRATO DE UN HOMBRE CON LOS BRAZOS EN JARRA" DE REMBRANDT, QUE SERÁ VENDIDO EN 47 MILLONES DE DÓLARES.

EMPLEADOS DE LA CASA REMATADORA CHRISTIE'S MOVIENDO EL CUADRO CUANDO SE VENDIÓ EN EL AÑO 2009 DESPUÉS DE NO SER VISTO EN PÚBLICO DURANTE 40 AÑOS.

LONDON (Reuters) - Un retrato de Rembrandt, uno de los últimos trabajos del maestro holandés que permanece en manos privadas, saldrá a la venta a fines de año en la feria artística TEFAF Maastricht por 47 millones de dólares.
"Portrait of a Man With Arms Akimbo" ("Retrato de un hombre con los brazos en jarra") fue vendida en una subasta en el 2009, cuando alcanzó un valor récord para el artista de 20,2 millones de libras esterlinas, o de 33 millones de dólares en Christie's de Londres.
En esa época se reportó que el comprador sería el dueño de casinos Stephen Wynn, aunque otros, que incluyen al empresario de Manhattan Otto Naumann, mostraron interés, dijo el diario New York Times.
Naumann ahora exhibe la obra en la feria, dijo la firma de relaciones públicas Cawdell Douglas, que representa TEFAF. El evento se realizará desde el 18 al 27 de marzo.
Desde el 2009, el cuadro ha sido "transformado mediante limpiezas y se puede ver en toda su gloria", señaló Cawdell Douglas en un comunicado.
Expertos en arte explicaron que el aumento repentino de precio podría reflejar tanto el proceso de restauración como el hecho de que los precios de mercado subieron en el 2010, cuando se fijaron varios récords.
La pintura, elaborada en 1658, fue realizada durante uno de los períodos más duros de la carrera del artista.
Rembrandt conoció el éxito tras llegar a Amsterdam a comienzos de la década de 1630, pero sus excesivos gastos y malos manejos financieros le llevaron en 1656 a la bancarrota.
Su colección de arte, otras posesiones y casa fueron vendidas y parece que hubo pocos encargos de cuadros para proveerle sustento.
Aparte de "Portrait of a Man With Arms Akimbo", sólo se conoce otro trabajo a gran escala de 1658.
TEFAF 2011 mostrará más de 30.000 obras de arte de unos 260 expositores.


Reporte de Mike Collett-White, editado en español por Patricia Avila

Por REUTERS


EL AYUNTAMIENTO DE HELSINKY
PROPONE LA CONSTRUCCIÓN
DE UN NUEVO GUGGENHEIM




Dos vistas diferentes del colosal Guggenheim de Bilbao, proyectado por Frank Gehry.

Construir una sucursal del Museo Guggenheim "podría ayudar a Helsinki a prosperar”, por eso el alcalde de la capital finlandesa ha ofrecido un solar en el antiguo puerto de la ciudad para obtener tantos beneficios como Bilbao.
El hermoso edificio de titanio construido por Frank Gehry en la ciudad española atrae cada año a un millón de amantes del Arte, lo que reporta un beneficio de 200 millones de euros a la economía local. “Hablamos de ello con la gente de Bilbao y lo que oímos fue realmente emocionante", dice el alcalde Jussi Pajunen, que ha confirmado la noticia al New York Times.
La Fundación Guggenheim acogió la propuesta con notable interés, ya que "Finlandia está llamada a desempeñar un papel mucho más importante en la escena cultural mundial", explica su director, Richard Armstrong.
La Fundación Guggenheim tiene ya cinco museos en Nueva York, Venecia, Bilbao, Berlín y Abu Dhabi, y estudió las posibilidades de Lituania, Taiwan, México y Brasil, aunque ninguno de esos proyectos llegó a cuajar.


Fuente texto: noticiasarteseleccion.com

EN EL METROPOLITAN MUSEUM OF ART
RESTAURAN LA MADONNA DE FILIPPINO LIPPI



Madonna con Niño, circa 1485, Filippino Lippi, Italiano, florentino, probablemente nacido en 1457 y muerto en 1504. Témpera, óleo y oro sobre madera. Mide 81,3 x 59,7 cm. The Jules Bache Collection, 1949

El Museo Metropolitano de Nueva York (MET) ofrece estos días una exposición especial para presentar la restauración de ‘La Virgen y el Niño’, una obra maestra del Renacimiento realizada por Filippino Lippi. Los especialistas del MET hallaron bajo el barniz una pintura de colores muy vivos que se habían conservado con toda su calidad. El barniz fue coloreado para dar al cuadro el aspecto casi monocromo que en el siglo XIX se creía que debía tener toda pintura antigua.


Fuente texto: noticiasarteselección.com

HOMBRES Y MUJERES APRECIAN EL ARTE
DE MUY DISTINTA MANERA.



Lo explica un estudio científico realizado en la Unidad de Evolución y Cognición Humana del Instituto de Física Interdisciplinaria y de Sistemas Complejos de la Universidad de Baleares (España). Según sus expertos, los hombres abordan el Arte y la estética mediante coordenadas, mientras que las mujeres lo hacen a través de categorías. Incluso se apunta a la posibilidad de una diferencia congénita.

Fuente: noticiasarteseleccion.com

UN TIZIANO,
ESTRELLA DE UNA SUBASTA EN NUEVA YORK



La obra 'Conversación sagrada: la Virgen y el Niño con San Lucas y Santa Catalina', pintada por el maestro italiano Tiziano hacia el 1560, subastado por 6,8 millones de dólares. Foto:AFP

NUEVA YORK (EFE).- Un espectacular óleo del maestro renacentista Tiziano, que muestra a la Virgen María con el Niño Jesús junto a San Lucas y a Santa Catalina de Alejandría, fue vendido por 16,88 millones de dólares durante un remate en la casa Sotheby's. El nuevo propietario del cuadro es un coleccionista europeo. El precio excede el récord anterior para el artista, que era de 13,6 millones, cuando la obra Venus y Adonis fue subastada en 1991 por 13,6 millones de dólares.

Fuente texto nota: lanacion.com


UN NUEVO MUSEO EN FLORIDA PARA LA COLECCIÓN MORSE DE DALÍ




La mayor colección de obras de Salvador Dalí que existe fuera de España cuenta con nueva sede en la ciudad estadounidense de San Petersburgo. El flamante edificio, que ha costado 28 millones de euros, acoge un centenar de óleos y casi un millar de acuarelas, dibujos, grabados y esculturas que llegaron a Florida gracias a Reynold y Eleanor Morse, una pareja que tuvo gran amistad con el genial artista español.


Fuente: noticias arteseleccion.com

UNA SALA DE MATISSE
EN LOS MUSEOS VATICANOS



Interior de la Capilla del Rosario, St. Paul de Vence. El Altar, St. Dominique y el Árbol de la Vida (vitral). 1950-1951.

Los Museos Vaticanos estrenarán en 2011 una sala dedicada a mostrar los bocetos pintados por Henri Matisse para la decoración del convento dominico de Vence.
Es “un paso más" en el proceso iniciado para la "modernización" de un área tan esencial como es la que se dedica al Arte Contemporáneo. Lo explica así su directora, Micol Forti, que optó por iluminar una estancia del siglo XVI que no tiene ventanas con un sofisticado sistema que simula perfectamente la luz natural.

Fuente texto: noticias arteseleccion.com

El Convcento Dominico de St. Paul en el pueblito medieval de Vence, cerca de Niza, en Francia.

LA OBRA MAESTRA DE HENRI MATISSE :
LA CAPILLA DEL CONVENTO DOMINICO DE ST. PAUL DE VENCE

Henri Matisse fue uno de los pintores que marcaron un antes y un después en el arte del siglo XX, un artista que pasó una vida dedicada a la búsqueda de paz y alegría de vivir desde su obra. Ya en su vejez, con pocas fuerzas, Matisse comienza a recortar papeles coloreados, y así, dibujando con sus tijeras logra la mayor síntesis con línea y color.En esa época, el pintor tenía una enfermera llamada Mónique que lo cuidaba y que también era su modelo en algunas ocasiones. La joven tenía dotes de pintora, y el maestro soñaba con un futuro de artista para ella. Sin embargo, dos años después de estar a su cuidado, Mónique entró al Convento Dominico de Vence, un pueblo medieval cercano a Niza. Matisse, ya casi paralítico, es convocado, por intermedio de Mónique, para realizar por completo la obra de la capilla de Saint Paul de Vence. Y así, el viejo maestro emprende el proyecto integral de la capilla, haciéndose cargo del diseño de la virgen, los vitrales, las ropas sacerdotales y todos los ornamentos. Muchas veces sentado y algunas otras obligado a trabajar desde la cama fue concretando la obra. En la última etapa se lo puede ver dibujando con una tiza en a punta de su bastón, sentado en una silla de ruedas.

Capilla del Rosario, St. Paul de Vence.


Levantada en terrenos de la Residencia de Religiosas Dominicas, la capilla presenta una austeridad asombrosa a través de tres murales en blanco y negro que él mismo pintó, también el Vía Crucis, La Virgen y el Niño y San Dominico, así como tres vitrales semi-abstractos. También diseñó el altar de piedra, una cruz de bronce, coloridas vestiduras y la puerta tallada del confesionario en 1951. Y en esa austeridad, el viejo maestro encontró la máxima luminosidad en los vitrales y dibujos donde la concentración de la luz se vuelve fulgor. A los 81 años Matisse concluye una obra minimalista cargada de esfuerzo de la que él mismo dice: “Esta obra ha supuesto cuatro años de trabajo continuos pero es el resultado de toda mi vida activa” y "Pese a todas sus imperfecciones, la considero mi obra maestra".La capilla fue bendecida el 25 de junio de 1951, y Matisse, tres años antes de su muerte, pudo asistir. "¿Creo en Dios?" se preguntó el maestro en voz alta, en una ocasión. "Sí, creo, cuando estoy trabajando; cuando soy sumiso y modesto me siento rodeado por alguien que me hace hacer cosas de las que no soy capaz".


Henri Matisse trabajando para el Convento Dominico de St. Paul de Vence.


LA ROYAL ACADEMY EXPONE
LO MEJOR DE LA ESCULTURA BRITÁNICA




Creatividad e interrelación con las culturas de todos los continentes. Ésa es la fórmula que dio como resultado obras maestras que ahora se exhiben en Londres para repasar la evolución artística de autores como Henry Moore, Philip King o Anthony Caro. De este último se expone esta espectacular construcción que sintetiza Abstracción y Figuración con una atrevida combinación de planos verticales y horizontales.

Fuente: noticiasarteseleccion.com

EN SAN ISIDRO,
EL BACKSTAGE DE UNA COLGADA:
PINTURA MODERNA Y GRABADOS DEL SIGLO XVIII



Una buena casa en las Lomas de San Isidro, proyecto del Arquitecto Juan Bautista Firpo. Inundada por la luz natural y con múltiples vistas sobre los jardines circundantes. Aquí, la pérgola que se puede ver al salir del living a la terraza.

La casa tiene jardines todo alrededor. El del frente la separa de la calle, el del fondo tiene una forma muy particular y la pileta sobre la medianera posterior. En uno de los costados está el usado, entre otras cosas, para cultivar hierbas aromáticas y el del otro costado vincula los jardines del frente y del fondo.

Silvina Benguria, pintora argentina contemporánea, “El Nervión”, acrílico sobre tela, pintada en Italia, en el año 1986, durante su estadía allí por haber ganado la beca Francesco Romero de la Academia Nacional de Bellas Artes. Mide 120 x 300 cm. Esta obra estuvo expuesta en el MNBA, Museo Nacional de Bellas Artes de Buenos Aires, Argentina, en la muestra de la artista del año 2001.

Luis Seoane, Escuela Argentina, 1910-1979 , óleo sobre tela, 100 X 80 cm. A esta obra, Seoane la pintó en la Argentina, en 1968 en una tela y bastidor de los que le armaba y proveía su propia mujer. Esta interesante obra, pintada por Seoane en su madurez artística, debió haberse ido al Museo de la Fundación Luis Seoane, que en su honor levantó la Xunta de Galicia con el apoyo financiero de la Comunidad Económica Europea, en La Coruña, Galicia, España. Pero, por suerte, se ha quedado aquí, entre nosotros. En ésto, la actual crisis global nos benefició.


"La Grappe du Raisin" es el título de esta interesante, atractiva litografía de la época cubista de Emilio Pettoruti, brillante pintor argentino que vivió entre 1892 y 1971. La litografía, como su nombre lo indica, es el grabado obtenido de una imagen grabada sobre piedra. Es una de las más complejas técnicas del Grabado y se hace grabando la imagen sobre una piedra litográfica especial mediante complejos procedimientos que llevan casi treinta estadios previos a la estampación de la primera copia. Una vez grabada sobre la piedra litográfica la imagen o motivo a estampar, el artista entinta la piedra grabada y finalmente estampa el motivo sobre el papel, ejerciendo presión con una prensa especial para litografía. La imagen de esta obra mide 46 X 32, 3 cm. Está firmada y fechada "1914" arriba a la derecha, dentro de la plancha y firmada abajo a la derecha, fuera de ella. Tiene justificación de tirada "32/125" abajo a la izquierda. Esta obra integra la serie de litografías realizadas por el autor en el taller Mourlot de Paris, entre los años 1958 y 1960. Esta litografía se compró en un remate, se la hiza restaurar y se la reenmarcó de modo de que quedara exaltada y puesta en valor una vez colocada en la casa donde iba a estar.

Es ésta una obra del pintor Marcelo Legrand, uruguayo nacido en 1961. Se titula "Noche de la Lámpara". Es un acrílico sobre tela del año 2005 y mide 1,41 x 2,18 m. Legrand estudió dibujo y pintura en el Círculo de Bellas Artes de Montevideo, bajo la tutela del maestro Héctor Sgarbi. Ha expuesto sus obras en Washington D.C. y en Miami, EEUU; San Pablo, Brasil; Normandía, Francia; etc.

El cuadro que se ve en la foto, chico en apariencia, es bien grande: mide 120 X 300 cm. Se titula "El Nervión", es acrílico sobre tela y fue pintado por la pintora argentina Silvina Benguria en Italia, estando becada. La doble altura de esta casa tiene la particularidad de pedir cuadros grandes, contundentes, con contraste marcado y buena definición de imagen desde lejos, para no quedar visualmente licuados una vez colgados.

Aquí, colgando la litografía de Emilio Pettoruti. Fue el primer cuadro de los tres de este grupo en ser colgado porque era el que iba más bajo y su tanza obligatoriamente pasaba por detrás de la obra de Seoane.

Este cuadro, sin su marco, mide 1,00 X 0,80 metros. Abajo, en las manos, como ocurre con la mayoría de los cuadros, engaña, impresiona de un modo y, al subirlo adonde va colocado, su tamaño queda licuado. Y más todavía cuando el ambiente tiene doble altura. No ocurre lo mismo con su imagen, que, por su composición, por su combinación de colores, tiene un valor de atracción muy grande y una excelente definición a distancia.

Una vez ubicada la punta izquierda de la tanza de la obra de Seoane y desplazada la escalera grande hacia la derecha, se mete una segunda escalera, más chica, entre la grande y el rincón, lo que le permite a la persona del medio seguir teniéndola a la obra en cuestión en forma mucho más segura y también más cómoda, hasta que la persona de arriba anude y remate. El operario de abajo, desde su lugar, aporta seguridad y confianza al de arriba del todo, por sumarle estabilidad con su peso a la gigantesca escalera.

Las tres obras, muy diferentes entre sí - el gran cuadro del barco y su remolcador, de Benguria, el desnudo femenino de Seoane y la litografía de Pettoruti - ya colgadas en serena armonía y adaptándose a los elementos arquitectónicos que las rodean y condicionan, sin cortar su línea y diseño. Están iluminadas desde lejos, como por arte de magia, sin adosarles ningún artefacto o aditamento en las marcos, telas o bastidores, debidamente puestas en valor y rindiendo el máximo de sus posibilidades visuales.

Otra vista del conjunto formado por el gran cuadro de Legrand, un bronce de Jacinta Grondona y la antigua cómoda que perteneció a Cary Grant.

Por ésta, la escalera principal de la casa, debimos subir al primer piso y volver a bajar a la planta baja cientos de veces durante la colgada de los diez grabados italianos del siglo XVIII.

Ya transformados y colgados, atrás de la escalera, se ve a los primeros cuatro grabados de la serie de diez que conformarán la tira, que "bajará" desde el primer piso hasta la planta baja.

El trabajo terminado. Se confirma todo lo ideado y supuesto antes de empezarlo. Los clientes y nosotros, contentos con los resultados obtenidos.

Nota:
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FIN DEL MISTERIO DEL PIANO:
FUE OBRA DE UN JOVEN DE 16 AÑOS



SURREALISTA. CUANDO BAJAN LAS AGUAS EL PIANO QUEDA AL DESCUBIERTO Y SE TRANSFORMA EN UNA ATRACCIÓN MÁS.

El misterioso piano de cola negro que apareció esta semana sobre un banco de arena en el mar en Miami fue colocado por un joven de 16 años, que intentaba hacer un proyecto que le sumara reputación para ingresar a una prestigiosa facultad de Bellas Artes.
Se trata de Nicholas Harrington, el hijo de J. Mark Harrington, diseñador de producción de la serie televisiva Burn Notice. El joven explicó que lo hizo para agregar antecedentes artísticos a su futura solicitud de ingreso a la facultad. Y detalló que el instrumento, que pesa casi 300 kilos, había estado en desuso y guardado en el garage de su abuela por cuatro años.
La madre del joven señaló que su hijo “había aventurado que lo colgaría de un árbol o lo usaría para un video musical”, pero finalmente decidió prenderlo fuego en año nuevo y llevarlo en un bote de pesca hasta el banco de arena.
El piano estuvo allí sin llamar la atención hasta la semana pasada, cuando una vecina le tomó fotos con pelícanos posados encima y una de las imágenes terminó por ser publicada en el sitio de National Geographic. “Nos habíamos olvidado del tema hasta que se volvió súper popular”, dijo Harrington, quien afirmó estar “muy feliz” por la atención que recibió su piano.
Aunque planeaba usar fotos del instrumento para su postulación a la universidad, el adolescente dijo que no tenía pensado salir del anonimato.
Se desconoce aún qué pasará con el piano, que está a unos 200 metros del lujoso edificio de departamentos de Quayside, frente a la Calle 197. Las autoridades de flora y fauna no tienen responsabilidad en este tipo de situaciones y la Guardia Costera sólo lo movería si se convierte en un riesgo para la navegación. No obstante, Harrington dijo que está dispuesto a sacarlo si hace falta. “Sería otra aventura”, dijo.


Fuente: clarin.com

EN EL MUSEO DE PERGAMO
RECONSTRUYEN LOS DIOSES DE TELL HALAF


Se trata de estatuas y piezas arqueológicas destruidas durante la Segunda Guerra Mundial

Un restaurador trabaja en una estatua en el Palacio de Tell Halaf. Foto EFE

BERLIN (EFE).- El prestigioso Museo de Pérgamo en esta ciudad logró recomponer las más de 250.000 piezas que integraban al antiguo museo Tell Halaf. La valiosa colección de estatuas y otros restos arqueológicos de hace 3000 años fue descubierta en un palacio perdido en Siria por el arqueólogo Max von Oppenheim y destruida años después por los bombardeos aliados de la Segunda Guerra Mundial.
Un equipo de restauradores tardó más de nueve años en reconstruir, con los 27.000 fragmentos que dejaron las bombas, la colección con la ayuda de resinas especiales para pegar los pequeños fragmentos.
"Los dioses rescatados del palacio de Tell Halaf" es el nombre de la exposición permanente inaugurada ayer sobre una superficie de 1600 metros cuadrados en el Museo de Pérgamo.
"Las monumentales estatuas de piedra y los relieves del palacio de Tell Halaf han podido ser restaurados en contra de todas las previsiones y pueden ser devueltos al público", declaró el director general de los Museos Nacionales de Berlín, Michael Eissenhauer.
Tan fascinante como la exposición resulta la vida de Max von Oppenheim, vástago de la familia del banquero judío Solomon Oppenheim, que utilizó su fortuna para viajar por el norte de Africa y el Cercano Oriente. Fue famoso por las fiestas opulentas que organizó en El Cairo y por codearse con personalidades que viajaban por la región, desde el magnate estadounidense Jacob Astor hasta la escritora Agatha Christie.
Su pasión, sin embargo, era la arqueología, por eso deseaba ver sus hallazgos expuestos en el Museo de Pérgamo, pero la crisis financiera de los años 20 impidió que las autoridades financiaran el proyecto. "Sería fantástico que los fragmentos de las distintas estatuas fueran recuperados, guardados en los museos estatales y quizás algún día reconstruidos", escribió Oppenheim dos años antes de su muerte, sin saber que más de seis décadas después su sueño se convertiría en realidad.


Fuente: lanacion.com

EL COMERCIO DE ARTE,
CON NUEVOS REQUISITOS PARA EVITAR EL LAVADO.


Son para operaciones a partir de 50 mil pesos y suman exigencias según el precio.

COMPRA Y VENTA. AHORA, CON MAS CONTROLES: GALERIAS, FERIAS Y MARCHANTES DEBERAN APLICAR NUEVAS REGLAS.

Por Guido Carelli Lynch

El gobierno nacional estableció medidas para evitar el lavado de dinero y el financiamiento de actividades terroristas a través de la compraventa de obras de arte, un sector que en Argentina mueve por año un volumen de 20 millones de pesos. La resolución 28/2011 publicada ayer en el Boletín Oficial otorga más herramientas a la Unidad de Información Financiera (UIF) para regular el mercado de arte, así como el de antigüedades, numismática, joyas y bienes con piedras preciosas.
Ahora, las personas dedicadas a la compraventa de estos bienes en el país deberán elaborar un legajo de identificación de cada cliente que realice operaciones por más de 50 mil pesos, ya sea en un solo acto o por la reiteración de hechos diversos vinculados entre sí. Para ello, tendrán que incluir, entre otros datos, nacionalidad, identificación tributaria y la profesión o la actividad del vendedor o comprador. Para las transacciones de más de 200 mil pesos se deberá agregar una declaración jurada sobre licitud y origen de los fondos o bienes involucrados en la operación; y, si las transacciones superan los 500 mil pesos, se requerirá la correspondiente documentación que permita establecer el origen de los fondos.
“Es un trabajo de instalación del tema. Esta disposición obliga a tener un sistema interno de registro de operaciones y guardar todos los antecedentes por 10 años”, precisó a Clarín , el titular de la UIF, José Sbattella. El funcionario señaló que la determinación es una consecuencia de la reciente reglamentación de la ley antilavado, que mejora la normativa hasta ahora vigente del sector, que databa de 2003. “Este sector es uno de los que tiene especial atención en las UIF de los países centrales”, añadió Sbattella. La medida no involucra las transacciones entre privados sino a aquellas en las que interceden galerías, marchantes, joyerías. Estas tendrán un mes para evaluar si denuncian o no actividades sospechosas de lavado y apenas 48 horas, si se tratara de presunta financiación terrorista. Los controles incluirán también la elaboración de un manual de procedimientos, la designación de un oficial de cumplimiento y la implementación de auditorías periódicas. “Desde diciembre pasado estamos enviando inspectores”, precisó Sbattella, que reconoció que muchas casas de venta desconocían sus obligaciones. Fuentes de Interpol Argentina, por su parte, reconocieron a Clarín que desde hace meses vienen colaborando con la UIF en este tema, ya que el arte permite blanquear grandes cantidades de dinero.


Fuente: clarin.com


VISITE LA ALUCINANTE CAPILLA SIXTINA
CÓMODAMENTE SENTADO
FRENTE AL MONITOR DE SU PC



Con la visita que le proponemos, no deberá pelearse con nadie por un mejor lugar y verá los frescos de Miguel Angel que están a 20 metros del piso con un grado tal de detalle como si estuvieran al alcance de su mano.
Le proponemos hacer la visita virtual de la alucinante Capilla Sixtina, partiendo desde el sitio oficial de los Museo Vaticanos, cómodamente sentado frente al monitor de su PC, sin pagar los 15,00 euros que sale la entrada, sin tener que pelearse por un mejor lugar frente a alguno de los increibles frescos con alguna de las 20.000 personas que diariamente la visitan.
La sorprendente tecnología usada para crear esta visita virtual, permite acercar, alejar, girar, etc. cada uno de los sorprendentes detalles de la totalidad de los frescos de Miguel Angel Buonarrotti, Botticelli, Ghirlandaio y Roselli que contiene ese célebre ámbito, en el que cada vez que un Papa muere, el Colegio Cardenalicio se reune para elegir a su sucesor.
Vale la pena ver con detenimiento y disfrutar al máximo a cada uno de los detalles de las impresionantes pinturas de los techos y paredes y de los magníficos pisos.
El 3 de julio de 2009, publicamos en nuestro blog un post sobre la monumental restauración de la Capilla Sixtina y la reinauguración por el Papa Juan Pablo II.
Los exhaustivos y precisos trabajos de restauración emprendidos para devolverle a la Capilla Sixtina el aspecto que tenía hace 500 años, duraron 20 años y costaron nada menos que 15.000.000 de dólares.
También, el 4 de septiembre de 2010, bajo el título de "La masa amenaza a la Capilla Sixtina", publicamos otro post sobre la preocupación que está habiendo sobre el daño que le provoca a la Sixtina los residuos corporales de tantos miles de visitantes por día, que totalizan los 7.300.00 por año. Con la visita que le proponemos no habrá que preocuparse por este tipo de riesgos y Usted podrá ver los detalles como nunca antes los haya visto.
Desde el link que le damos, podrán todos los detalles mejor que nunca: los que están casi al nivel del piso y cada uno de los que están a 20 metros de él y de los grandiosos pisos.
Así que, sírvase lo que quiera tomar, apoltrónese cómodamente en su sillón y prepárese a ver uno de los espectáculos más maravillosos y más ricos del Arte Universal de todos los tiempos.
Empiece ya mismo su visita virtual a la Capilla Sixtina cliqueando aquí, sobre el nombre del lugar escrito con letras coloradas que se ve a continuación


Adelante... ¡bienvenido y que disfrute mucho de la visita!

Instrucciones:
Verá tres botones sobre el ángulo inferior izquierdo.
De izquierda a derecha son "+", "-" y "M".
Arrastrando el mouse sobre las imágenes, podrá "desplazarse", arrastrarlas y correrlas, girarlas, etc.
Con el botón "+" las acerca, por lo que les aumenta el tamaño, pudiendo apreciar los detalles en forma mucho más particularizada.
Con el botón "-", las aleja, disminuye su tamaño y las verá integradas con las imágenes de alrededor y de toda la Capilla.



P. L. B.

CRÓNICA DE UN DAÑO INSÓLITO EN PROA.



En la inauguración, la obra de Macchi acabó en el piso. Se confiesa aquí la iconoclasta.


READY CRASH. LA AUTORA DE ESTA NOTA INVENTO EL CONCEPTO PARA DESCRIBIR LA OBRA DE MACCHI "CONTENIA SU DESENLACE"

Por Matilde Sánchez
Confesión


Proa es no sólo un faro en las artes visuales porteñas, también es una casa segura para el arte. ¿Quién podía imaginar, mientras nos dirigíamos allá el sábado a ver “Of bridges & borders”, que un descuido, todavía inexplicable, me convertiría en el brazo armado contra todos los límites? –o bien en la alevosa socia performer de un artista a quien no tengo el gusto de conocer. Anoche el artista Jorge Macchi anunció su decisión de retirar del museo los restos a los que reduje su obra.
Dentro de la muestra internacional, la pieza Reacción consistía en una valla de vidrio soplado de tamaño real, que traslucía el suelo de madera hasta ser invisible. Destinada a potenciar su fragilidad, la puesta fue una decisión deliberada del curador Sigismond de Vajay. En sus líneas, era el arquetipo de una valla salvo por su material, que la convertía en su antítesis. Era –digo bien, porque ya es solo leyenda- un obra conceptual y promovía la crítica, en este caso sobre los límites. Las asociaciones más pedestres de una valla –allí donde lo pedestre es la escala humana del territorio, lo sabemos en esta, la capital del piquetes– la vinculan con el poder y el anhelo de transgresión. Una valla es un muro portátil; bloquea según se precise pero convoca a derribarla. Antes de que llegaran las teorías sobre la porosidad de las fronteras, en la Berlín oriental de los 70 Peter Schneider observaba: “el Muro está en la cabeza”.
Aunque en internet el español Ricardo Jarne ya la bautizó “el Gran Vidrio argentino”, Reacción era todo lo contrario de un ready-made a lo Duchamp. Se trataba de una artesanía perfecta, sobreconstruida. En todo caso, era un ready-crash, contenía su desenlace. Modestamente, creo haber obedecido su mandato. A las 18:30 vi la obra y fui hasta el fondo de la sala. De vuelta caminé con mi cartera al hombro. De pronto los rostros del público multiplicaron el grito mudo de Munch. Fue un no-evento pero tuvo para mí la cámara lenta alucinatoria de los accidentes, se congeló en primeros planos con banda sonora de estrépito. En esa cámara de ecos, sonó como la caída de una claraboya, como si hubieran estallado las vidrieras de Harrod´s.

Crónica de un daño insólito en Proa: “Ya soy una enemiga del arte”

Por segundos tuve la esperanza que alienta en todo papelón: que lo haya cometido otro. Enseguida sobrevino la sensación de “tragame, tierra”. Pero la tierra me rechazó. Se sabe, el cristal es una de las pocas materias que no tiene remedio; una vez que estalla no se lo puede pegar con nada -trizas y añicos, plurales de palabras sin singular. Esa misma mañana la directora de Proa, Adriana Rosemberg, presintió que la obra “reaccionaría” y la aseguró en 50 mil dólares. Así, al dejar de existir, la obra reveló su condición de lujo. ¿Con qué seguir tras este debut? ¿Me decantaría por el castigo, como las chicas enmascaradas de Guerrilla art ? ¿Me atreveré a derribar la pecera de formol que aloja al tiburón de Damien Hirst? ¿Qué distinguió el hecho de un simple blooper? La interpretación, que no conoce límites y de todo se sirve.
En el régimen del arte actual, la estrategia estética cuenta y siempre está latente un potencial de cinismo. Lo primero que pensé fue cómo compensaría yo a Macchi. Ante la posible llegada de un escribano, suspiré –quizá el artista ya estaba al tanto ¡y empezaba a festejar a cuenta! Lo imaginé proyectando una nueva serie de estructuras intangibles, complotado con sus amigos en la pulverización. Pero enseguida me puse a mí misma bajo sospecha. Me imaginé presa en una seccional, cerca de la celda de “Jorge”, y luego en el penal de Ezeiza, ¡convicta por intento de defraudación del seguro! Y como cada uno va con sus series, su agenda y su cinismo, debo trasmitir al lector la formidable carambola de esta casualidad: también pensé en el primer capítulo de mi última novela, Los daños materiales , donde un juego de cristalería acaba hecho polvo. No fue entonces iconoclastia sino el cumplimiento de mis profecías.

Fuente: clarin.com

SE FOTOGRAFIÓ ORINANDO LA TUMBA DE BORGES Y AFIRMA: "ME DARÁ PRESTIGIO"


Usó la foto en la tapa de un libro. Dice que simuló: “le tiré agua mineral de la más pura”




Por Guido Carelli Lynch

La primera y flamante tirada es de apenas 500 ejemplares. Cada libro vale 17 dólares y se presentó la semana pasada en la capital chilena, pero su portada ya dio la vuelta al mundo. Se trata de El enigma de los módulos, el libro de Eduardo Labarca, en cuya portada aparece el autor orinando en la tumba de Jorge Luis Borges en Ginebra. La prensa internacional y hasta el Secretario de Cultura de la Nación, Jorge Coscia, se hicieron eco de la foto. “Es de mal gusto y un hecho violatorio”, se quejó por radio el funcionario.
Labarca se mostró sorprendido ante la reacción oficial por el libro que recoge los discursos ficticios (módulos) que dio en ciudades de todo el mundo y a los que definió como un nuevo género literario, más oral que escrito. “Él (Coscia) es político y tiene que tomarse en serio algo que es muy serio, pero que no está hecho con una finalidad ofensiva. Me sorprendió la velocidad de un rayo que tuvo, sobre todo en Argentina”, le dijo Labarca en una comunicación telefónica a Clarín desde Santiago.
El autor, que pasó parte de su infancia en el país, señaló que se trató de “un acto de un artista”, una simulación que, sin embargo, no volvería a repetir. “Nunca hubiera orinado de verdad. Fue simbólico, con una botella. Yo le tiré agua mineral de la más pura a esa plantita. No habría tenido estómago para hacerlo de verdad. A lo mejor, en la tumba de Hitler”, explicó.
Para este periodista, novelista, traductor y ¿performer? chileno de 72 años se trata de un homenaje al autor de Ficciones y, a la vez, de un acto reivindicatorio. Labarca hace 4 años estaba trabajando en Ginebra y cuando posó detrás de la lápida del escritor argentino recordó las memorias de Simone de Beauvoir en las que rememoraba cuando Jean Paul Sartre orinó sobre la tumba de Chateaubriand. “Lo que hizo Sartre fue simbólico. Quiso mostrar lo que necesita todo escritor: acabar con los mitos y seguir adelante”, señaló Labarca, que simuló la escena con una botella de agua. Luego, reiteró sus críticas al “Borges ciudadano”. “Para nosotros fue terrible que Borges –estando enfermo y medio ciego– se haya tomado el trabajo de cruzar la cordillera y decir que Pinochet era un hombre bueno. Puso su prestigio de escritor al servicio de un personaje deleznable. Lo sentimos como una traición”, insistió antes de recordar que entonces la dictadura desaparecía gente en su país. El propietario de la editorial Catalonia, Arturo Infante, fue quien le hizo notar el carácter borgiano de la obra y entonces Labarca sugirió la ahora famosa foto. “Era una acción de arte. Los dos somos profundos admiradores de Borges, pero yo no comparto la opinión sobre el Borges ciudadano. Borges se arrepentió”, dijo Infante.
Labarca, que conoció a Kodama en Viena, agregó que espera no ofender a la viuda del autor. “Espero que me entienda. Son locuras de escritores”, minimizó.
Dice que no le gustan los escándalos y que es conciente de que son apenas 5 minutos de fama, que lo insultaron pero que también lo felicitaron. “Me dará un tirón de prestigio, pero una cosa son los que se espantan y otra las que leen el libro”, sentenció antes de recordar que no reniega de su libro ni de la polémica tapa.

Guente:clarin.com