EL GRAN ESCRITOR PERUANO MARIO VARGAS LLOSA HABLA SOBRE LA REALIDAD ARGENTINA ACTUAL

"Argentina, un país que era democrático cuando tres partes de Europa no lo eran, un país que era uno de los más prósperos de la Tierra cuando América Latina era un continente de hambrientos, de atrasados.
El primer país del mundo que acabó con el analfabetismo no fue Estados Unidos, no fue Francia, fue la Argentina con un sistema educativo que era un ejemplo para todo el mundo.
Ese país, que era un país de vanguardia ¿Cómo puede ser que sea el país empobrecido, caótico, subdesarrollado que es hoy?

¿Qué pasó?¿Alguien los invadió? ¿Estuvieron enfrascados en alguna guerra terrible?
No, los argentinos se hicieron eso. Los argentinos eligieron a lo largo de medio siglo las peores opciones. Eso es. El peronismo es elegir el error, perseverar en el error a pesar de las catástrofes que se le han ido sucediendo en la historia moderna del país.
¿Cómo se entiende éso?. Un país con gentes cultas, absolutamente privilegiado, una minoría de habitantes en un enorme territorio que es un continente que concentra todos los recursos naturales.
¿Por qué no son el primer país de la Tierra?¿Por qué no tienen el mismo nivel de vida que Suecia, que Suiza?
Porque los argentinos no han querido. Han querido en cambio ser pobres.
Han querido vivir bajo dictaduras, han querido vivir dentro del mercantilismo más espantoso. Hay en ésto una responsabilidad del pueblo argentino. Para mí es espantoso lo que ha ocurrido en Argentina. La primera vez que fui allí quedé maravillado.
Un país de clases medias, donde no había pobres en el sentido latinoamericano de la pobreza.
¿Cómo puede estar una pareja como los Kirchner gobernando ese país?
¡Qué degradación política, qué degradación intelectual!

¿Cómo es éso posible?
Mario Vargas Llosa , escritor peruano, 2009

EL DISEÑO EN EL MUNDO DAVID R. DOW - JAMES NEELEY Wisecracker Design Inc., California , E.E.U.U.

DAVID R. DOW Y JAMES 'JIM' NEELEY SON DISEÑADORES, SOCIOS, Y FUNDADORES DE WISECRACKER DESIGN Inc. SINTIERON POR BUENOS AIRES, UN AMOR A PRIMERA VISTA CUANDO LLEGARON POR PRIMERA VEZ HACE UNOS CUATRO AÑOS. NOS CONECTÓ ISABEL RIVERO HAEDO DE ALDAO, QUE QUERÍA DAR UN SERVICIO COMO ÉSTE PARA EL CUAL ME ELIGIÓ A TRAVÉS DE SU AGENCIA ALDAO VIAJES, Y DESDE AQUEL ENTONCES ME HE CONVERTIDO EN SU ACOMPAÑANTE ARTÍSTICO-ANTICUARIO CUANDO VISITAN NUESTRO PAÍS. SIEMPRE QUE JIM Y DAVID VIENEN A BUENOS AIRES, VAMOS JUNTOS A MUSEOS PÚBLICOS Y PRIVADOS, A CASAS DE COLECCIONISTAS IMPORTANTES, A VER DECORACIONES, ILUMINACIONES Y PUESTAS EN VALOR INTERESANTES, A LA FERIA DE SAN PEDRO TELMO Y A LOS NEGOCIOS DE ALREDEDOR, A BUENOS ANTICUARIOS DE BUENOS AIRES Y SAN ISIDRO Y A GALERÍAS DE ARTE, A REMATES DE ARTE Y ANTIGÜEDADES, A ESTUDIOS Y ATELIERS DE ARTISTAS, A EXPOSICIONES E INSTITUCIONES, A LINDAS ESTANCIAS HISTÓRICAS, ETC. TANTO LOS SEDUJO BUENOS AIRES A JIM Y A DAVID CON SUS JACARANDAES EN FLOR, CON SU MUSEO FERNÁNDEZ BLANCO Y SU ARQUITECTURA EUROPEA, ENTRE TANTAS OTRAS COSAS, QUE HASTA LLEGARON A BARAJAR LA POSIBILIDAD DE COMPRAR UN PIED-Á-TERRE AQUÍ, COMO UNA MANERA DE TENER UNA BUENA EXCUSA PARA VENIR MÁS SEGUIDO APENAS TUVIERAN UN HUECO DENTRO DE SUS POBLADAS AGENDAS. HEMOS HECHO UNA GRAN AMISTAD, CON UN INTERCAMBIO FLUÍDO Y UN ENRIQUECIMIENTO MUTUO QUE VA MUCHO MÁS ALLÁ DE LO MERAMENTE PROFESIONAL. SUELEN COMPRAR AQUÍ VARIAS COSAS QUE LES GUSTAN, PARA INTEGRARLAS EN SUS PUESTAS POR EL MUNDO, QUE TIENEN POR LO GENERAL UN LOOK CÁLIDO, VITAL, JOVEN, ÁGIL, ENTRE SOFISTICADO Y DESCRONTRACTURADO, SIN LAS PESADECES Y PRETENCIOSIDADES RIMBOMBANTES DE MUCHOS DE LOS DISEÑADORES DE LOS ESTADOS UNIDOS. JIM NEELEY Y DAVID R. DOW SON LOS FUNDADORES DE WISECRACKER DESIGN Inc. Y DISEÑAN DESDE HOTELES, EMPRESAS, RESTAURANTES, DEPARTAMENTOS Y CASAS PARTICULARES HASTA MUEBLES, PRODUCTOS VARIOS Y EQUIPAJES DE LUJO, ETC., ETC.. EL SITIO OFICIAL DE WISECRACKER DESIGN INC. ES: http://www.wisecrackerdesign.com/
VIVEN EN PETALUMA, EN EL "WINE COUNTRY" DEL NORTE DEL ESTADO DE CALIFORNIA, EN LOS ESTADOS UNIDOS DE AMÉRICA, PERO SE MUEVEN DESDE LOS ANGELES Y SAN FRANCISCO, POR EL MUNDO, CON LA FAMILIARIDAD Y NATURALIDAD QUE TIENE LA GENTE CON UNA EDUCACIÓN AMPLIA Y GUSTOS ECLÉCTICOS.

JIM Y DAVID SON ADEMÁS LOS DUEÑOS DE LA CASA DEL POCITO, UNA CASA HISTÓRICA PARA RENTA EN MÉRIDA, EN LA MÍTICA PENÍNSULA DE YUCATÁN, EN MÉJICO. JIM Y DAVID RESTAURARON ESA CASA HISTÓRICA EN ESTRECHA COLABORACIÓN CON UN ARQUITECTO LOCAL, NORMA ÉSTA QUE IMPONE EL ESTADO MEJICANO CUANDO SE TRATA DE INTERVENIR CASAS HISTÓRICAS. COMO SE LEE EN SU PÁGINA WEB, LA CASA DEL POCITO NO TIENE LAS CARACTERÍSTICAS DE UN TÍPICO BREAD AND BREAKFAST O DE UN HOTEL HABITUAL, SINO QUE OFRECE A SUS HUÉSPEDES LA OPORTUNIDAD DE SUMERGIRSE EN LA CULTURA LOCAL, EL COLOR Y El RICO MUNDO TODAVÍA NO DESCUBIERTO DE LA CIUDAD COLONIAL MEJICANA.

LA CASA DEL POCITO, COMO LA MISMA MÉRIDA, SON UN PEQUEÑO Y ESPECIAL SECRETO QUE PUEDEN EMPEZAR A DEVELARSE CON BUENAS FOTOS E INFORMACIÓN EN: http://www.casapocitoyucatan.com/

DAMOS UN SERVICIO NADA COMÚN

DAMOS UN SERVICIO PROFESIONAL MUY COMPLETO Y NADA COMÚN: ASESORAMIENTO PARA COMPRAR, ARMAMOS SU COLECCIÓN, NOS OCUPAMOS DE LA COMPRA EN SÍ, PIEZA POR PIEZA, Y, A PARTIR DE AHÍ, HACEMOS EL SEGUIMIENTO INTEGRAL DE LA RESTAURACIÓN, CONSERVACIÓN Y LIMPIEZA DE SUS OBRAS, DE SU ENMARCADO O BASES, DE SU COLOCACIÓN Y AMBIENTACIÓN, Y FINALMENTE, DE LA ILUMINACIÓN DE LAS OBRAS CON TODO LO QUE NOS OFRECE LA MARAVILLOSA TECNOLOGÍA LUMINOTÉCNICA DE HOY EN DÍA. LA SUMA DE TODAS ESAS ACCIONES CON LA OBRA DE ARTE COMO PROTAGONISTA ABSOLUTA, RESULTA EN QUE CADA OBRA QUEDE DEBIDAMENTE PUESTA EN VALOR.
LA GENTE SE SORPRENDE CON LOS RESULTADOS.
NO DUDE EN CONSULTARNOS: AL CEL. (15) 5423-4998
Ó EN CONTACTARNOS POR E-MAIL : plbal@hotmail.com

LOS GRANDES REMATES DEL MUNDO EL "REMATE DEL SIGLO" Las colecciones de Yves Saint Laurent

Esta es una foto sacada durante el "Remate del Siglo", como han dado en llamar al de las obras y objetos de arte del modista Yves Saint Laurent y Pierre Bergé, hecho por Christie's asociada con la firma francesa Pierre Bergé de Paris, Francia.
¿Pueden reconocer a la mujer que se ve en blanco y negro en la pantalla, sobre su lado izquierdo, rodeando a Yves Saint Laurent junto con otras dos? Ahí van varias pistas importantes: vivió muchos años en Paris y ahora vive en Esmeralda y Juncal, en Buenos Aires. Tuvo mucho que ver con la moda y sobre todo con uno de sus máximos popes y también con los legendarios Rolando Rivas y Mónica Helguera Paz, los dos personajes principales de la telenovela de Alberto Migré que batió todos los récords de audiencia en su época: "Rolando Rivas, taxista".

LAS NATURALEZA SIEMPRE NOS SORPRENDEEL PROFUNDO AGUJERO AZUL

Este enorme "agujero" se encuentra en las Islas Bahamas y apenas alberga vida.
Este "enorme agujero" se hunde súbitamente en el océano. Al mirarlo desde el aire, su denso color azul denota la presencia de una gran profundidad y una oscuridad impenetrable, sobretodo en contraste con el agua de su alrededor. Aquellos buceadores que se han adentrado decenas de metros en él, han constatado que a esas profundidades, escasea seriamente el nivel de oxígeno y que además apenas existe vida por la falta de corrientes marinas. A pesar de éso, el lugar presenta un altísimo interés científico, ya que hasta el momento, se han descubierto en su interior decenas de fósiles de una antigüedad remota.

NOS AMPUTAN NUESTRA HISTORIA La rotura de los mármoles del Cementerio de la Recoleta

Los papelitos de Ortemberg

El subsecretario Sábato y el director general Ortemberg demolieron los mármoles de Recoleta. Y luego empezaron a cubrirse con cartas preguntando cómo se interviene el patrimonio, como si nada hubiera sucedido. Es que habían roto a martillazos un Monumento Histórico Nacional.

Por Sergio Kiernan

Cuando los escalones de mármol de Carrara de la entrada del cementerio de Recoleta fueron destrozados a martillazos, se estaba cometiendo un acto de barbarie. También se estaba faltando a la ley, a los procedimientos claritos que dicen qué se puede hacer y qué no. Los responsables de la destrucción de estas piezas tan valiosas, ambos arquitectos, se dieron cuenta de que habían metido la pata y comenzaron a cubrirse. Lo hicieron tan tontamente que terminaron dejando una cadena de papeles que da risa porque prueba con qué dejadez rompieron un monumento histórico y pieza del catálogo urbano sin seguir los pasos previos que marca la ley.
Esto de rehacer la Recoleta viene de tiempos de Ibarra-Telerman, un dúo dinámico que no dejó patrimonio sin alterar. De esa época data el proyecto que se está cumpliendo ahora, bajo nuevo management. El coqueto planito muestra veredas diversas y elimina esos pavimentos mezcla de cemento y adoquín del final de la calle Junín, reemplazando todo por una superficie de adoquines. Detalle importante para la saga de tonterías que viene a continuación, en el planito no queda en absoluto en claro qué pasa con los escalones del peristilo de entrada.
Esto ocurre porque ni Ibarra ni Telerman pensaron en algo tan tonto como nivelar veredas y calzadas, un “recurso” que parece ser la pasión del macrismo (¿habrá sido la tesis de Chaín? La de Piccardo no puede ser porque es ingeniero industrial y se dedica al marketing, o sea que ni sabe de qué le hablan...). La variante no fue incluida en el planito famoso y terminó creando un problema de alturas cuando se levantó toda la vereda en esta obra nueva.
El problema fue con el peristilo, la entrada de honor al cementerio, la que usan todos los turistas y visitantes. El noble edificio tiene columnas toscanas, adustas y simples, que tienen la característica de surgir del suelo, sin base ornamental. Por eso es que es tradicional “montarlas” sobre algún elemento que les haga de base, que ayude a su elevación. En el caso de la Recoleta, la “base” era formada por dos peldaños de alzada, con el tercero formando ya el nivel del pavimento del edificio.
Al levantar la vereda, como se puede ver en la foto de tapa, desaparecía completamente el primer escalón y casi todo el segundo, con lo que el conjunto ya iba a quedar más petiso en proporciones. Este detalle de respeto a las proporciones se les pasó a los responsables, el subsecretario de Proyectos Urbanos, Arquitectura e Infraestructura de la ciudad, arquitecto Jorge Sábato, y a su subordinado, el director general de Proyectos Urbanos y Arquitectura, el también arquitecto Miguel Ortemberg. Algo nos dice que si se les hubiera señalado el detalle, no le hubieran dado el menor peso.
Pero lo que terminó de matar la escalinata fue la rampa de acceso para minusválidos, que por alguna razón Sábato y Ortemberg no pudieron pensar en alguna otra entrada de las varias que tiene Recoleta, incluyendo una a pocos metros de la principal. Tampoco se les ocurrió que un criterio de intervención básico en un edificio tan antiguo, protegido doblemente como pieza histórica, podría ser algo que no implicara demoler. Por ejemplo, una rampa removible, un objeto apoyado sobre los escalones, algo que el día de mañana se pueda sacar.
Lo que decidieron los dos arquitectos, que tienen título y todo, fue destruir los irremplazables escalones de Carrara y construir una rampa. Con lo que ellos deben considerar un refinamiento supremo, decidieron recubrir la rampa también con piedra y eligieron una medio blancuzca, de la que se usa hoy para mesadas de cocina en esos departamentos con amenities. Colocada al lado del Carrara italiano, esa piedra parece un trapo sucio. Y cuesta imaginar una superficie más resbalosa para una silla de ruedas, en particular si está mojada.
Quienes llevaron a cabo este atentado la emprendieron a martillazos contra los peldaños, de cinco centímetros de grosor. La mayoría quedó tirada en trozos que los vecinos se llevaron de recuerdo o los contratistas tiraron rápidamente, pero una parte se volvió a cortar y se usó para revestir el frente de la rampa. Son esas lajas finitas que se pueden ver en las fotos.
Papelitos
Todo esto ocurrió antes del 20 de mayo, cuando la diputada porteña Teresa de Anchorena, que preside la Comisión de Patrimonio de la Legislatura y es además vocal en la Nacional de Monumentos y Lugares Históricos, le envió a Sábato una carta expresando su preocupación por la demolición de la escalinata. Anchorena le recuerda al subsecretario que Recoleta es un Area de Protección Histórica y desde hace dos años el cementerio en sí es un monumento histórico. Y finalmente le solicita que instrumente los medios para la inmediata reposición de lo demolido, porque si no “nos encontraríamos ante una pérdida irreparable para el patrimonio histórico de nuestra ciudad y de la nación toda”.
Ni Sábato ni Ortemberg movieron un dedo para reponer nada, por supuesto. Cuando leían la carta ya se estaba construyendo la rampita revestida de mesada. Lo que sí entendieron fue que tenían que cubrirse: se habían cargado un momento histórico nacional, algo que no podían arreglar entre ellos. El martes 26 de mayo –casi una semana después de la nota de Anchorena y tres días después que la escalinata apareciera en este suplemento–, Ortemberg le escribe a la Comisión Nacional de Museos y de Monumentos y Lugares Históricos una carta de una ingenuidad conmovedora (ver facsímil). El funcionario pregunta al presidente de la Comisión, Juan Martín Repetto, sobre “el criterio a adoptar en la intervención del basamento del peristilo de acceso al Cementerio de la Recoleta, pieza preponderante de nuestro patrimonio arquitectónico, obra del arquitecto Juan Antonio Buschiazzo”.
Es impresionante la caradurez de Ortemberg y Sábato: le preguntan a Repetto qué hacer cuando “el basamento del peristilo” llevaba una semana demolido.
El presidente de la Comisión debe ser un caballero, porque el 28 de mayo Ortemberg vuelve a la carga enviando dos juegos de planos. Uno es el planito original, de diciembre de 2006. El otro está fechado en abril de este año y es definido como “resultado de las múltiples modificaciones que debimos realizar durante la obra, en función de reclamos de vecinos y otros actores”. Que es una manera elegante de empezar a sugerir que la culpa es de alguien que no sean Sábato y Ortemberg.
El 1º de junio, Ortemberg emite otro documento, dirigido a su jefe, el arquitecto Sábato, pero escrito en realidad para que éste le conteste a la Legislatura sobre las obras en Recoleta, ya que los legisladores le pedían informes. El largo texto se va en generalidades, pero en su inciso “m” aparece algo interesante. Según Ortemberg, los vecinos pidieron tantos cambios que hubo que “reproyectar la solución hidráulica”. Esto obligó a alterar “los niveles previstos en calle Junín y en el acceso al cementerio, que se elevó 16 centímetros. Esta diferencia deja bajo nivel el primer escalón del basamento del peristilo”.
Aquí Ortemberg vuelve a poner en riesgo el tamaño de su nariz, porque les dice a los legisladores que “se estudiaron las alternativas existentes para dar solución a este imprevisto y en obra se decidió una (sic) de las dos posibilidades halladas, consistente en remover las placas del escalón bajo nivel y prolongar la pedada restante a modo de rellano, tomando el ancho de las rampas laterales. Las placas retiradas son puestas a resguardo para su reutilización en el nuevo basamento”.
Esto es manifiestamente falso: las placas no fueron “retiradas” sino rotas a martillazos. Lo que se “retiró” fue cortado para revestir la rampa. Varios vecinos tienen pedazos del Carrara en sus casas que muestran los martillazos y hasta en este suplemento hay uno, grande y cascado, a disposición de los legisladores.
Pero Ortemberg no se deja intimidar por estos detalles y continúa diciendo que “esta opción soluciona dos temas: uno, el suscitado por el cambio de niveles y el otro, dando respuesta a la ley 962 de accesibilidad de un modo definitivo y acorde con la categoría de edificio del que se trata”. Uno pensaría que Buschiazzo también debió pensar que su Carrara estaría allí de “modo definitivo” y que no habría un Ortemberg en su futuro para demolerlo. Tal vez este Ortemberg podría pensar que en el futuro habrá otro Ortemberg que destruya su obra.
En fin, Ortemberg hasta completa diciendo que consideró y se negó a crear un “patio inglés” a la altura de los escalones, esto es, dejar en ese fragmento el nivel original de la vereda. Esto le creaba problemas de desagües y “discontinuidad” en la vereda de Junín. Es obvio que en ningún momento se le ocurrió a este Ortemberg pensar en el futuro Ortemberg que podría querer desenterrar los escalones y bajar el nivel de la vereda. Lo que decidió fue destruir los escalones a martillazos.
Total, los funcionarios públicos no tienen que responder por lo que rompen. Sábato y Ortemberg, arquitectos ambos, estropearon una obra de uno de los fundadores de su disciplina entre nosotros. También rompieron a martillazos un material irreemplazable. Este suplemento llamó a varias marmolerías para ver quién tiene Carrara y escuchó muchas veces que esa piedra ya no existe más. La novedad es que ya no hay ninguna piedra que venga con cinco centímetros de grosor, porque en esta posmodernidad es inimaginable que nadie haga semejante gasto. Para buscar así, recomiendan los del gremio, hay que ir a demoliciones anticuarias y llevar una chequera de las más robustas.
Pero esto no les interesa a Sábato y Ortemberg. No era su mármol ni su peristilo. Y es tan fácil escribir cartas haciéndose los suecos...

LA CARTA DE ORTEMBERG AL PRESIDENTE DE LA COMISIÓN NACIONAL DE MONUMENTOS, MUSEOS Y LUGARES HISTÓRICOS, PREGUNTÁNDOLE CÓMO SE INTERVIENE UN LUGAR HISTÓRICO UNA SEMANA DESPUÉS DE DEMOLERLO. 


Fuente: Página 12

HETEROGÉNEA COLGADA DE CUADROS EN PALERMO CHICO Y SU ILUMINACIÓN

Una acuarela de Jorge Larco, tres grabados de descripción científica de distintas variedades de narcisos con passe-partouts franceses hechos a mano, un óleo de Camy con su marco Luis XIV y dos motivos florales japoneses también pintados a mano. El detalle importante: la mezcla en el ambiente de la moderna iluminación halógena para poner en valor las obras de arte con la tradicional iluminación incandescente proveniente de las clásicas lámparas con pantallas de pergamino. Es precisamente esa mezcla lo que hará que el efecto general no quede frío.

Dos litografías del famoso naturalista norteamericano John James Audubon (1785-1851), uno con el pavo salvaje macho de América del Norte y el otro con el flamenco rosado de todo nuestro continente. Las dos enmarcadas del mismo modo, con molduras doradas a la hoja, al agua, bruñidas, desgastadas y patinadas, vidrios negros y anchos filetes de oro, también a la hoja. En las paredes, papel Sanderson con hojas y pimpollos cerrados de Rhododendros cada tanto, sobre fondo negro.

Cuadros pintados al óleo, uno de ellos del italiano Carlo Brancaccio (1861-1920), varios dibujos y algún grabado, con temas urbanos y rurales varios, un desnudo femenino y unas flores pintados por Rodolfo Alcorta, dibujos de animales de Luis A. Cordiviola (1892-1967), una escena parisina, etc.. Todos tienen imágenes, medios, técnicas, marcos y tamaños muy disímiles, pero "trabajan" en conjunto con armonía, apoyándose y exaltándose en la diversidad. Sobre el lado derecho de la chimenea, una cabeza femenina hecha en bronce a la cera perdida y también puesta en valor por la iluminación halógena.

Otro ángulo de lo mismo. La iluminación con spots con lámparas AR-70, con reflector metálico y bulbo apantallado sumada a los colores casi complementarios del plumaje del flamenco y de los Rhododendros con los verdes de las hojas del papel, le otorgan una vibración muy especial al conjunto. Las dos grandes bizcocheras con forma de colmenas complementan a la atractiva colección de 270 viejas mieleras de cerámica, porcelana, cristal, etc., que, por encargo de su dueña formé en un tiempo record de 2 a 3 años.

Desde el comedor, a través de la arcada, se ve la composición de cuadros hecha en la pared principal del living. Todo tiene una excelente definición de imagen y se han logrado niveles muy aceptables de confort visual medio.Los colores, las formas, calidades y texturas, los brillos y detalles, tanto de los cuadros como los de las mieleras que integran esta curiosa colección, se pueden ver y apreciar al máximo de sus posibilidades en tanto y en cuanto exista el imprescindible apoyo que da la moderna iluminación halógena. Ver para creer. El día y la noche: vale la pena experimentar el antes y el después.

El "no color" del blanco semimate de las carpinterías y del negro mate del fondo del papel actúa por contraste y oposición, subrayando las distintas gamas de colores, tanto del papel como de las litografías de Audubon, como también de las de la variada colección de mieleras y dándoles un atractivo y un brillo adicionales.

FOTOS DIEGO GAONA

COMO EL ARTE, QUE ENTRETEJE NADERÍAS Jorge Luis Borges, 1899-1986

El Remordimiento

He cometido el peor de los pecados
que un hombre puede cometer. No he sido
feliz. Que los glaciares del olvido
me arrastren y me pierdan, despiadados.

Mis padres me engendraron para el juego
arriesgado y hermoso de la vida,
para la tierra, el agua, el aire, el fuego.
Los defraudé. No fui feliz.

Cumplida no fue su joven voluntad.
Mi mente se aplicó a las simétricas porfías
del arte, que entreteje naderías.

Me legaron valor. No fui valiente.
No me abandona. Siempre está a mi lado
La sombra de haber sido un desdichado.

Jorge Luis Borges
>Esa sola frase justificaba incluir este lindo verso de Borges.
"Mi mente se aplicó a las simétricas porfías del arte, que entreteje naderías."
¡Qué manera más estética, poética y artística de ironizar sobre la sublime misión
del arte! Sólo un genio como J.L.B. podía hacerlo de ese modo.

P. L. B.

CEGADOR EFECTO JUNTO A "EL SEGADOR" Devastadora lluvia de meteoritos en la Plaza Rubén Darío de Buenos Aires

EL SEGADOR DE CONSTANTIN-EMILE MEUNIER, ESCUELA BELGA, 1831-1905. JUNTO A EL SEMBRADOR, TAMBIÉN DEL MISMO AUTOR, ESTABAN EN LA PLAZA DESDE 1939. AHORA AMBOS HAN QUEDADO TOTALMENTE SEPULTADOS POR ESTA DEVASTADORA LLUVIA DE METEORITOS PROVOCADA AHÍ.




EL MAPA DEL "PASEO DE LAS ESCULTURAS" CON EL DETALLE DE ESTA CAÓTICA LLUVIA DE METEORITOS CAÍDA EN LA PLAZA RUBÉN DARÍO.

Bajo el título "La milla de los museos, más arte en la ciudad", la periodista Alicia De Arteaga escribió lo siguiente en su columna Martes Visuales en el diario La Nación de Buenos Aires del 23 de junio de 2009:

"Con la inauguración de la muestra de esculturas al aire libre de Bastón Díaz en la plaza Rubén Darío, se consolida el proyecto de Hernán Lombardi, alentado por su jefe Mauricio Macri, de darle forma definitiva a la milla de los museos en Buenos Aires. Al triángulo del arte formado por el Centro Cultural Recoleta, el Palais de Glace y el Bellas Artes se suma ahora la exposición sin límites de la obra de Bastón Díaz, curada por Elio Kapsuck.
Son 31 esculturas monumentales, realizadas en una singular aleación de acero y cobre, inspiradas en los viajes y en los argentinos descendidos de los barcos, esa ola inmigratoria que dio forma a la identidad nacional. Bastón Díaz, de 62 años, se formó en las Escuelas Raggio y en la Manuel Belgrano y, en París, en la Ecole de Beaux Arts, en la Sorbona y en la Universidad de Vincennes. Su obra conquista el espacio de manera singular, como lo hizo todos estos años en una soñada isla del Tigre, propiedad del empresario Claudio Stamato.
La muestra al aire libre, que cuenta con el apoyo de la galería Daniel Maman, avanza en la idea de sumar iniciativa privada en proyectos de visibilidad pública, tema muy caro al ingeniero Lombardi, al que le gusta hablar de democratización del espacio público y de ofrecer "bienes culturales en un lugar de libre acceso". Las muestras se renovarán cada ocho meses, con expresiones de artistas argentinos contemporáneos. El modelo tiene antecedentes en el mundo entero, desde Washington hasta Nueva York (Frick Collection, Metropolitan, Guggenheim) y en Madrid, donde se completa el triángulo de las Bellas Artes con el Prado, el Museo Thyssen y el Reina Sofía, emplazado en Atocha. El año último, sobre el Paseo del Prado, se inauguró una nueva escala: la Caixa Forum, un centro cultural que funciona en una usina refuncionalizada por Herzog y De Meuron.
Lombardi suele mirar con atención lo que sucede en el mundo. En el caso porteño, la puesta en valor de la plaza contigua al MNBA será también una oportunidad para recuperar un entorno que, como el basamento del monumento a Alvear, de Bourdelle, ofrece una cara más cercana al despojo que al arte. Al mismo tiempo, consolida la idea de la milla del arte, que va desde Bellas Artes hasta el Sívori, en los bosques de Palermo.
Pero hay más: se estudia la posibilidad de consolidar la idea de otra milla del arte mirando al Sur, de la Colección Fortabat a La Boca, en una línea imaginaria que una el Mamba de la avenida San Juan, el Patronato de la Infancia, futuro Centro Cultural de España, y la Fundación Proa de La Boca.
La Colección Fortabat lanzó la semana pasada el premio Arnet A Cielo Abierto, que seleccionará una obra para ser exhibida de manera permanente frente al Dique 4. Será el primer eslabón de un programa que busca incorporar arte contemporáneo al espacio público del último barrio porteño. Si todo sale como está previsto, la Colección Fortabat y la Fundación Proa podrían estar unidas por un transporte permanente (¿y gratuito?) que recorriera la milla del arte "mirando al Sur".

Bajo el título "La milla de los museos, más arte en la ciudad", la periodista Alicia De Arteaga escribió lo siguiente en su columna Martes Visuales en el diario La Nación de Buenos Aires del 23 de junio de 2009:
"Con la inauguración de la muestra de esculturas al aire libre de Bastón Díaz en la plaza Rubén Darío, se consolida el proyecto de Hernán Lombardi, alentado por su jefe Mauricio Macri, de darle forma definitiva a la milla de los museos en Buenos Aires. Al triángulo del arte formado por el Centro Cultural Recoleta, el Palais de Glace y el Bellas Artes se suma ahora la exposición sin límites de la obra de Bastón Díaz, curada por Elio Kapsuck.
Son 31 esculturas monumentales, realizadas en una singular aleación de acero y cobre, inspiradas en los viajes y en los argentinos descendidos de los barcos, esa ola inmigratoria que dio forma a la identidad nacional. Bastón Díaz, de 62 años, se formó en las Escuelas Raggio y en la Manuel Belgrano y, en París, en la Ecole de Beaux Arts, en la Sorbona y en la Universidad de Vincennes. Su obra conquista el espacio de manera singular, como lo hizo todos estos años en una soñada isla del Tigre, propiedad del empresario Claudio Stamato.
La muestra al aire libre, que cuenta con el apoyo de la galería Daniel Maman, avanza en la idea de sumar iniciativa privada en proyectos de visibilidad pública, tema muy caro al ingeniero Lombardi, al que le gusta hablar de democratización del espacio público y de ofrecer "bienes culturales en un lugar de libre acceso". Las muestras se renovarán cada ocho meses, con expresiones de artistas argentinos contemporáneos. El modelo tiene antecedentes en el mundo entero, desde Washington hasta Nueva York (Frick Collection, Metropolitan, Guggenheim) y en Madrid, donde se completa el triángulo de las Bellas Artes con el Prado, el Museo Thyssen y el Reina Sofía, emplazado en Atocha. El año último, sobre el Paseo del Prado, se inauguró una nueva escala: la Caixa Forum, un centro cultural que funciona en una usina refuncionalizada por Herzog y De Meuron.
Lombardi suele mirar con atención lo que sucede en el mundo. En el caso porteño, la puesta en valor de la plaza contigua al MNBA será también una oportunidad para recuperar un entorno que, como el basamento del monumento a Alvear, de Bourdelle, ofrece una cara más cercana al despojo que al arte. Al mismo tiempo, consolida la idea de la milla del arte, que va desde Bellas Artes hasta el Sívori, en los bosques de Palermo.
Pero hay más: se estudia la posibilidad de consolidar la idea de otra milla del arte mirando al Sur, de la Colección Fortabat a La Boca, en una línea imaginaria que una el Mamba de la avenida San Juan, el Patronato de la Infancia, futuro Centro Cultural de España, y la Fundación Proa de La Boca.
La Colección Fortabat lanzó la semana pasada el premio Arnet A Cielo Abierto, que seleccionará una obra para ser exhibida de manera permanente frente al Dique 4. Será el primer eslabón de un programa que busca incorporar arte contemporáneo al espacio público del último barrio porteño. Si todo sale como está previsto, la Colección Fortabat y la Fundación Proa podrían estar unidas por un transporte permanente (¿y gratuito?) que recorriera la milla del arte "mirando al Sur".

NUESTRA OPINIÓN:

A la Sra. De Arteaga, yo le contesto lo siguiente: Considero que, visualmente es una aberración lo que se ha hecho. Es más que evidente que se ha forzado una situación y que se han dispuesto muchas más obras que las que ese espacio toleraba. Han logrado un enorme caos visual, con un cúmulo de información tal que impide la adecuada percepción sensorial de las obras expuestas. El terrible ruido visual que se ha fabricado no deja ver nada. Quien emplazó esas esculturas no tiene la más remota idea de lo que es poner en valor esculturas en forma adecuada: Es muy importante considerar cómo interactúa el espacio circundante con la obra al momento de emplazar esculturas. Y como ocurre con la música, el silencio valoriza a la nota. Si no, el bombardeo de información es tal, que ocurre lo que se ha hecho en este caso: un enorme caos visual sin ton ni son. No han quedado puestas en valor ni la Plaza Rubén Darío ni las nuevas 31 esculturas de Bastón Díaz que se metieron a presión ignorando absolutamente el diseño previo de la plaza. En él, jugaban un papel capital las esculturas preexistentes, entre otras, por El Sembrador y El Segador del belga Constantin –Emile Meunier, el Rubén Darío del argentino José Fioravanti, La Primavera de Leon Ernest Drivier, La Agonía del Centauro del gran Antoine Bourdelle y el monumento a Raoul Wallenberg. Y ya era mucho pedir, pero, si hiláramos más fino, tampoco debió haberse ignorado el peso visual muy cercano del George Canning de Alberto Lagos, del monumento al General Bartolomé Mitre de Eduardo Ruvino Torino, del General José Artigas de José Luis Zorrilla de San Martín, de la Froralis Genérica de Eduardo Catalano, de la Eva Perón de Ricardo Gianetti, del monumento a Juan Pablo II y del edificio de la Biblioteca Nacional y del edificio de Canal 7. No están en discusión ni la calidad ni la estética de las obras de Bastón Díaz. Lo que se discute es el lugar y el espantoso modo de emplazarlas. Se ha querido ponerlas en valor y se ha conseguido el efecto exactamente inverso. Es muy común que los mismos escultores no puedan objetivar y tomar distancia sobre la obra propia y que no vean detalles tan obvios como los que se están señalando aquí. Si no, Bastón Díaz no hubiera permitido la aberración visual que se ha hecho en esta plaza de Buenos Aires con tal de vender. Y como si fuera poco, se les han puesto alrededor unos horribles corrales de caño dignos del galpón de los chanchos de la Rural, que ni protejen en forma efectiva ni aportan nada estético a las obras de Díaz. Concretamente propongo que se revise a fondo al caótico depositorio escultórico en que se ha convertido la lonja de terreno que va desde el monumento al Brigadier General Carlos María de Alvear de Antoine Bourdelle, donde nace la Avenida Alvear, hasta el General Urquiza de Héctor Rocha y Renzo Baldi, en el cruce de las avenidas Figueroa Alcorta y Sarmiento y hasta el Monumento de los Españoles. Toda residente extranjero, institución u ONG que dona alguna escultura a la Ciudad, quiere tener su donación luciendo sobre el llamado Camino Real. Oh casualidad… desde el punto de vista del marketing, se considera que por Libertador y por Figueroa Alcorta, respectivamente ingresa y egresa de Buenos Aires el público calificado como ABC1. En este caso particular, ha privado el interés comercial del galerista promotor de la idea por encima del supuesto interés cultural, de difusión y de democratización de la cultura del proyecto. No nos disfracen las cosas. Que no nos subestimen a ese punto al pretendan hacernos creer que es una cosa cuando es obvio que es otra. Si no, no se forzaba de tal manera la colocación de treinta y una esculturas METIDAS A PRESIÓN donde ya había importantes esculturas preexistentes, como si ellas no hubieran ni existido. Es ése un espacio público, y es por lo tanto de todos y cada uno de los habitantes de la Ciudad. ¿Por qué tienen que convertirlo en un showroom de ventas a cielo abierto al servicio exclusivo de tal o cual galería privada? Descreo de esos gestos supuestamente tan "desinteresados", de esos desprendimientos, cuando provienen de un galerista que está tan, tan interesado en sacar el proyecto adelante. Hace mucho que dejé de creer en Papa Noel. Este proyecto no me hubiera parecido mal hacerlo por ejemplo en Puerto Madero, donde también hay buen poder adquisitivo, mucho turismo local e internacional, etc. y el terreno estaba casi virgen. Pero me parece atroz forzar una situación como se la forzó, fregándose en todo lo preexistente como si no hubiera existido, reventándolo. Y que eso mismo confirma el interés pecuniario que hay atrás, aunque se pretenda vendérnoslo como cultural. Una cuestión de valores. Yo prefiero que en el espacio público de todos, que los valores que priven sean los culturales y no los monetarios. Así, el tema es parejo para todos. Y que se hagan las cosas con criterio visual, armonía y buen gusto. Creo también que al Soberano se lo educa a través del arte y también de los buenos ejemplos. No creo que éste sea uno. El galerista Daniel Mamán, en las invitaciones que para asistir al acto de inauguración mandó por correo electrónico no ha tenido ningún problema en incluirse él mismo como "galerista e impulsor del proyecto". Creo que huelgan las palabras. Me parece que ni él ni ningún otro galerista debería tomar una plaza de la Ciudad como coto de caza propio. Tenemos que recuperar el respeto por nuestros espacios públicos. Por su misma condición de públicos, nadie debería utilizarlos como privados y lucrar con ellos. Y la ley debería ser pareja para todo el Mundo, sin excepciones. Aunque la excusa fueran el arte y la cultura. Y nuestras autoridades deberían ser las primeras en velar celosamente para que éso se cumpliera en forma estricta, a rajatabla. Este proyecto supuestamente cultural tiene para mí poco de ético y demasiado de antiestético.

P. L. B.

ANTIGUAS LITOGRAFÍAS INGLESAS CON TEMAS BOTÁNICOSSydenham Teast Edwards Escuela Inglesa, 1768-1819

Aunque bastante difundidos como tema, los grabados antiguos con temas botánicos de descripción científica son un buen motivo para armar una linda colección temática. Son un clásico: alegres, de buen gusto, muy decorativos y también muy buscados. Quedan bien en todas partes. Éstos que se ven aquí, son litografías, grabado en piedra, de Sydenham Teast Edwards, Escuela Inglesa, 1768-1819.
La litografía es una técnica fascinante de grabado, con posibilidades infinitas, con una cantidad enorme de estadios previos a la obtención de la primera copia impresa. Permite un alto grado de sutileza y en el nivel de los detalles. Se hace grabando una imagen sobre grandes y pesadas piedras especiales, llamadas calcográficas o litográficas, obtenidas en canteras especiales, y luego estampando esa imagen en papel especial con la ayuda de una prensa o tórculo. Un artista que logró cosas maravillosamente sutiles en litografía, fue el genial y refinadísimo Henri de Toulouse- Lautrec, Escuela Francesa,1864-1901. Por su misma antigüedad, estos grabados suelen estar bastante manchados de humedad por haber sido mal enmarcados o por haber estado colgados en lugares muy húmedos y suelen tener "foxing", que es como se llama a las manchas originadas por pequeñas partículas de metal que estando dentro de la pasta del papel se oxidan por efecto de la humedad persistente, estar fotoxidados por la luz solar o artificial inapropiada, y por su papel tener acumulados altos grados de acidez. Antiguamente no existían los papeles libres de ácido de hoy en día.Todo esos males, por lo general, se tratan. Se les devuelve su aspecto y lozanía originarios y se les agrega una reserva de alcalinidad para prolongar su supervivencia en el tiempo. Pero es muy importante que traten estos problemas, muy específicos y puntuales, verdaderos especialistas, restauradores profesionales especializados en obras sobre papel. Entre muchos otros requisitos, hay que saber mucha física y mucha química para ser un buen restaurador de obras de arte sobre papel. He visto cosas terribles, muchas veces irreversibles, hechas por gente improvisada, audaz y totalmente inconsciente, que se mete a hacer restauraciones caseras tentando técnicas o recetas supuestamente infalibles y transmitidas por amigos o parientes. Y muchas veces el supuesto remedio suele ser mucho peor que la misma enfermedad y hasta llega a matar al enfermo. Con respecto a la manera de enmarcarlas, hay maneras de hacerlo con las que quedan muy impactantes y, lo que es muy importante, preservadas, como para prolongar su supervivencia por muchísimos más años. Una vez restauradas, enmarcadas y colgadas con gracia y personalidad, terminará el proceso iniciado con la compra, cuando cada litografía quede debidamente PUESTA EN VALOR y luciendo al máximo de sus posibilidades.

P. L. B.

YAGUANÉ - Elegía, 1996

DIEGO VELÁZQUEZ, 1599-1660, LAS MENINAS, FRAGMENTO

YAGUANÉ - Elegía

Nunca pensé
que el aterido,
deplorable esqueleto
que meneándose encontrara,
implorante,
en aquella gélida tarde gris plomo…
Aquel andrajo de costillas prominentes
y patazas de oso,
se convertiría con el paso del tiempo
en el
dócil gentilperro rubicundo del
gesto adusto y familiar.
En el agradecido, infaltable
compañero de nuestros plácidos días
junto al Salado.
En el centinela solitario de la sacrificada y
blanquinegra rutina diaria del tambo.
En ese verosímil perro velazqueño
que por propia elección
emigró de alguna tela
con sus dignidades de Habsburgo,
su gravedad de esfinge
y ese inconmovible sentido del deber.
Que el vigor de su tensa anatomía de atleta
impondría su dominio
a las caninas jerarquías lugareñas:
Primus inter pares.
Luego de pasear su austera, esquiva gracia
de saltimbanqui entre los cardos.
Que sus visitas serían tan esperadas por todos,
Aún desperezándose después de sus siempre estéticas siestas
constantemente alerta
en la galería, o bajo la vieja glicina
o junto a la persistencia del cedrón.
Que su manto erizado de Aguará nos daría protección
ante las incursiones de
indeseables cazadores foráneos.
Qué duro será volver y que no esté
dando el presente, pasando revista, corriendo al toro.
Apareciendo casi mágicamente,
al transponer los alambres tejidos
con la facilidad de una ratona.
Saludando cuerpo a tierra,
reptando y pidiendo de su tan particular manera
las caricias que tanto le gustaban.
Qué raro ver la tarde de la pampa
en el horizonte
sin su mestiza armonía, ni su figura de hidalgo,
displicente,
trajinándolo
por las serpenteantes y fatigadas sendas vacunas.
Será duro
hacerse a la idea
de que no tendremos ya
ése,
su especial humor,
su atractiva manera de ser.
Debes saberlo, Yaguané,
esperamos que el crujir de las
amarronadas hojas de la magnolia contra el piso
nos anuncie
de una vez
que has vuelto.

Pedro L. Baliña
septiembre de 1996

GRANDES PULMONES URBANOS DEL MUNDO:EL CENTRAL PARK DE NEW YORK

HOMENAJE A FEDERICO MANUEL PERALTA RAMOS1939-1992, EN SUS 70 AÑOSTODO LO GORDO, A UN COSTADO

CUIDADO CON LA PINTURA

El Museo de Arte Moderno presenta una muestra antológica de Federico Peralta Ramos, insólito creador de los años sesenta. Aún cuando muchos lo recuerdan como un insólito personaje, casi de culto, producto de los míticos años sesenta, Federico Manuel Peralta Ramos es casi un desconocido como artista. Sin embargo, fue un creador que supo trabajar fuera de las corrientes principales. Su estética, de una simplicidad sin pretensiones, se convirtió en un implícito asalto a la cultura que se reconocía como seria. Por lo general, no participó en los grupos o acciones impulsados por los artistas de su generación, pero estuvo cerca de ellos. Con Marta Minujín, su gran amiga, compartió la intención de convertir el viejo arte en un nuevo "arte de vivir".
Federico Manuel Peralta Ramos coincidió desde sus comienzos con los propósitos de grupo Fluxus, un movimiento internacional de arte iconoclasta, integrado hacia 1960. En un manifiesto, George Maciunas, cabeza visible del colectivo, había anotado algunos principios que podría compartir Peralta Ramos: "Purgad el mundo de la cultura `intelectual´, profesional y comercializada; purgad el mundo de arte muerto, de imitaciones, de arte artificial, de arte abstracto, de arte ilusionista, de arte matemático. Promoved el arte vivo, el antiarte, promoved la realidad del no-arte que pueda ser captado por toda la gente, no sólo críticos, diletantes y profesionales".
La excelente exposición antológica de Peralta Ramos, que se presenta en el Museo de Arte Moderno con la curaduría de Clelia Taricco, recorre treinta años de su creación. A través de un centenar de trabajos, se puede seguir su producción, desde las primeras pinturas informalistas que mostró en la galería Rubbers en 1960 y 1961, hasta las escrituras de comienzos de los noventa.Un artista diferente
Peralta Ramos adquirió repentina popularidad con la instalación (la denominación no existía en esa época) que presentó, en 1965, en el Premio Nacional de Instituto Di Tella, con el título Nosotros afuera . El conjunto estaba integrado por una gran pintura, un obelisco, y un enorme huevo de 4,50 metros de ancho x 2,60 metros de alto, realizado en yeso, con una estructura interior de madera y metal desplegado.
En 1967 expuso pinturas en la galería Vignes con el lema "Todo lo gordo a un costado"; era su quinta muestra personal. Un año más tarde obtuvo la prestigiosa beca de la Fundación Guggenheim, dotada de seis mil dólares. Cuando recibió el primer envío de dinero, en febrero de 1969, lo invirtió en una gran cena para veinticinco personas (amigos y familiares), en el Hotel Alvear. Peralta Ramos, años después, afirmó que "en vez de `pintar´ una comida, di una comida". La cena fue el inicio de las acciones que realizó hasta sus últimos días, utilizando medios no artísticos y subrayando la tendencia a la diversión.
En esa vía puede interpretarse la compra de un toro reservado gran campeón, un charolais, que había hecho, en 1967, en un remate de la Sociedad Rural Argentina. El animal, que le fue adjudicado en 1.150.000 pesos, estaba destinado, según el artista, a su exhibición "como una obra de arte vivo". Por supuesto, la venta debió ser anulada. La acción, aunque no se cumplió en su totalidad, no deja de remitir a la exposición que dos años más tarde presentó Janis Kounellis (integrante del grupo Arte Povera italiano), en una galería de Roma, integrada por doce caballos vivos. Mucho después, en 1997, en la Documenta de Kassel, la alemana Rosemarie Troquel expuso un grupo familiar de cerdos.
En la década de los setenta, Peralta Ramos abandonó los medios tradicionales, como la pintura, para inclinarse por un tipo de creación siempre dotada de humor, concretada en ambientaciones, algunas veces acompañadas de performances, objetos y textos con breves frases manuscritas. En 1968 creó una "nueva religión", que bautizó "Gánica" ("ser gánico significa hacer siempre lo que uno tiene ganas"). En esa ocasión hizo imprimir un texto con los veintitrés preceptos de su religión: "A Dios hay que dejarlo tranquilo", "Perder tiempo", "No perder tiempo", "Vivir poéticamente", "Jugar con todo", "No endiosar nada", "Flotar", etcétera.
En 1971 expuso Cuidado con la pintura , una instalación compuesta por la frase escrita sobre papel y un trabuco de cerámica. Un año más tarde, en el Centro de Arte y Comunicación (CAYC), con el título El objeto es el sujeto , se exhibió a sí mismo "como si fuera" una obra de arte. En 1976, Antonio Berni lo invitó a participar en una muestra con el título "Creencias y supersticiones de siempre". El creador de Juanito Laguna presentó la conocida instalación La difunta Correa ; Peralta Ramos exhibió La tumba de Tutankamón , con una momia revivida que contestaba las preguntas de los visitantes.
Desde fines de los años setenta, abundan en la producción de Peralta Ramos las frases sobre papel o tela tensada en bastidores. Con grandes letras escribió, por ejemplo: "Para no ser un recuerdo hay que ser un re-loco"; "Soy como un boomerang que no quiso volver porque se encontró con Dios"; "Arte que me hiciste mal y sin embargo te quiero". Estas obras no dejan de recordar la poesía visual, que atiende tanto a la "forma" de la letra como al contenido de lo escrito.
En 1969, Peralta Ramos comenzó a colaborar en un programa de televisión de Tato Bores, donde, siempre vestido con un impecable traje azul de saco cruzado, realizaba una intervención, casi una performance . En 1970 grabó un disco, editado por Columbia Records, con dos temas de los que era autor: "Tengo algo adentro que se llama coso" y "Soy un pedazo de atmósfera". Muchas veces, en las bo"tes de moda, improvisaba pequeñas actuaciones, en las que casi nunca faltaba el recitado de "La hora de los magos", de Jorge de la Vega.
Federico Manuel Peralta Ramos nació en Mar del Plata en 1939 y murió el 30 de agosto de 1992. Su analista decía que no era loco sino psicodiferente. Antes que cualquier otra cosa, era un artista diferente que quería hacer, por diversos caminos, una obra simple, divertida, concentrada en insignificancias, sin valor comercial ni institucional. Alguna vez escribió, "El arte es hacer reír y pensar a la gente". Por ello, siempre se mantuvo alejado de toda forma de arte que pareciera complejo, intelectual, expresivo, inspirado y de valor comercial.

Jorge López Anaya

TODO LO GORDO A UN COSTADO

Acompañé a mi madre a la inauguración de "Todo lo Gordo a un Costado" en la Galería Vignes, en 1967. Fede había tomado partes mínimas de pinturas al óleo y las había ampliado miles de veces. El efecto visual que había conseguido era de grandes "chorizos" de materia coloreados, que se superponían y cruzaban los soportes que había usado de un borde a otro. Todo transcurría dentro de lo esperado hasta que, al poco rato de estar nosotros en la inauguración, empezaron a desprenderse grandes pedazos de materia y a caer pesadamente y a estallar contra el piso. Fede corría a conseguir un pegamento, a recoger los pedazos del piso, muchos se hicieron mil añicos, seguramente por ser de yeso, e iba pegándolos todo lo mejor que podía. El espectáculo era dantesco. La repentina necesidad de restaurar sus propias obras lo mantuvo inquieto e hiperactivo a este singular artista tan querido por nosotros y por mucha gente que lo conocía sólo de cruzárserlo en la calle, en los bares que frecuentaba o bien de verlo haciendo sus esperadas participaciones en el programa de Tato Bores los domingos a la noche.
P.L.B.

DAMOS UN SERVICIO NADA COMUN

CESÁREO BERNALDO DE QUIRÓS, Esc. Arg., 1881-1968, "PAISAJE", ÓLEO SOBRE TABLA, ÉPOCA DEL CANADÁ. COMPRADO Y PUESTO EN VALOR PARA UNA IMPORTANTE COLECCIÓN PRIVADA.

DAMOS UN SERVICIO PROFESIONAL MUY COMPLETO Y NADA COMÚN: ASESORAMIENTO PARA COMPRAR, ARMAMOS SU COLECCIÓN, NOS OCUPAMOS DE LA COMPRA EN SÍ, PIEZA POR PIEZA, Y, A PARTIR DE AHÍ, HACEMOS EL SEGUIMIENTO INTEGRAL DE LA RESTAURACIÓN, CONSERVACIÓN Y LIMPIEZA DE SUS OBRAS, DE SU ENMARCADO O BASES, DE SU COLOCACIÓN Y AMBIENTACIÓN, Y FINALMENTE, DE LA ILUMINACIÓN DE LAS OBRAS CON TODO LO QUE NOS OFRECE LA MARAVILLOSA TECNOLOGÍA LUMINOTÉCNICA DE HOY EN DÍA. LA SUMA DE TODAS ESAS ACCIONES CON LA OBRA DE ARTE COMO PROTAGONISTA ABSOLUTA, RESULTA EN QUE CADA OBRA QUEDE DEBIDAMENTE PUESTA EN VALOR. LA GENTE SE SORPRENDE CON LOS RESULTADOS. NO DUDE EN CONSULTARNOS: AL CEL. (15) 5423-4998 Ó EN CONTACTARNOS POR E-MAIL : plbal@hotmail.com

FOTOS QUE HABLAN...SILVINA OCAMPO por PEPE FERNÁNDEZ, el de la "Zamba para Pepe" de María Elena Walsh

HOMENAJE A PEPE FERNÁNDEZ

Villa Ocampo rinde homenaje al célebre fotógrafo argentino Pepe Fernández (Buenos Aires, 1928 - París, 2006), con 11 retratos de escritores.
Su solo nombre, asociado durante más de cuarenta años a la ciudad en la que eligió vivir, París, se ha convertido en leyenda. No sólo porque María Elena Walsh le dedicó una de sus canciones más conmovedoras – “Zamba para Pepe” –, sino porque su personalidad singular atraía a todo aquel que lo conociera. De modesto profesor de piano en Ramos Mejía a fotógrafo célebre en París, su trayectoria es asombrosa y colorida como pocas. Infinidad de anécdotas (inverosímiles algunas, rigurosamente verídicas todas) tejieron su reputación de duende –del que algo tenía su menuda y movediza apariencia física–, de hombre generoso y hospitalario, capaz de albergar y orientar en el laberinto parisiense a los recién llegados inexpertos.
La llana simpatía de su trato, el sentido del humor (que no dejaba de ser punzante cuando la situación lo autorizaba), la auténtica admiración que expresaba ante el talento ajeno, le certeza y la originalidad de su juicio estético, le valieron la amistad de artistas y creadores de fama mundial, argentinos y extranjeros. La condición de corresponsal gráfico de la porteña Editorial Abril en Europa, le permitió conocer y tratar –y en muchos casos, trabar con ellas perdurable amistad– a algunas de las personalidades más importantes del mundo en el siglo XX. Las retrató con agudeza y elegancia, con la mirada inquisitiva y profunda de un verdadero “degustador de almas”. Entre los muchos oficios que Pepe desempeñó en su vida –profesor de piano en Ramos Mejía y director de fotonovelas en Buenos Aires; y, ya en París, encargado del guardarropa en una “boîte de nuit”, conserje de hotel, empleado en la Energía Atómica de Francia, etcétera–,el de fotógrafo fue el que más satisfacciones le dio. Baste decir que la foto de Borges, de pie sobre el pavimento estrellado del vestíbulo de L´Hôtel, en París, reproducida en el mundo entero, le pertenece, para reconocer su talento. En sus muchas, diversas actividades, Pepe desplegó siempre dos cualidades básicas: curiosidad y entusiasmo. Puntales de una vida intensa, apasionada, que en modo alguno ha terminado con su desaparición física.

Ernesto Schoo


ZAMBA PARA PEPE

María Elena Walsh

Hace muchos años que te fuiste
y sin una lágrima te despedí.
Como el argentino de los tangos,
te quedaste solo en París
y ya lo canjeaste por neblina
al sol de tu país.
Hace muchos años que te quiero
y hace muchos más que te olvidas de mí.
Dicen que no vas a volver nunca
y tal vez yo no vuelva allí.
Te veré una noche por Corrientes
esquina Rivolí.
Cuando un amigo se va
nadie nos devolverá
todo el corazón que le prestamos,
tanta compartida soledad.
Un amigo nuevo no es lo mismo, Pepe,
nos quiere por la mitad.
Todo cambia desde que te fuiste,
ya los argentinos no somos así.
Estamos mirándonos por dentro
y olvidándonos de París.
De nuestras cenizas renacemos
humanos al morir.
Quedan pocos de los que decían
que en este país no se puede vivir.
Ya bajo las manos del escudo
el palito ha echado raíz
y un montón de efímeros laureles
supimos conseguir.

EDUARDO SÍVORI, Escuela Argentina, 1847-1918 Acuarelas de la Colección deARTURO R. BULLRICH

Cinco acuarelas del gran pintor argentino que fue Eduardo Sívori, 1847-1918, que fueron de la colección de Arturo R. Bullrich y que fueron rematadas por la firma Bullrich, Gaona, Wernicke de Buenos Aires, en octubre de 2008.

LA CULTURA TIENE SU MERCADO ILEGAL

EL HERACLES ARQUERO DE ANTOINE BOURDELLE. LE HE PEDIDO AL GOBIERNO DE LA CIUDAD AUTÓNOMA DE BUENOS AIRES, EN CUYA JURISDICCIÓN ESTÁ ESTA ESCULTURA, QUE SE PONGA DE ACUERDO CON LA SECRETARÍA DE CULTURA DE LA PRESIDENCIA DE LA NACIÓN Y QUE SE LA GUARDE EN EL MUSEO NACIONAL DE BELLAS ARTES A FIN DE PRESERVARLA PARA LAS FUTURAS GENERACIONES.

Foto Julio R. Sosa
EL RELOJ QUE PERTENECIÓ A MANUEL BELGRANO, FUE ROBADO DEL MUSEO HISTÓRICO NACIONAL

CUATRO TONELADAS DE FÓSILES FUERON REPATRIADOS EL AÑO PASADO.

UNA LAPICERA DEL PRESIDENTE ORTIZ FUE ROBADA DE CASA DE GOBIERNO.

Raquel San Martín
LA NACIÓNDisimulados en el equipaje, escondidos entre objetos legítimamente exportables, robados entre otros bienes de una casa, ocultos entre la ropa de alguien que visita una biblioteca, los bienes culturales representan un renglón específico y valioso del tráfico ilícito de objetos.
Según datos de Interpol, hasta la mitad de 2008 se denunciaron en la Argentina 519 objetos robados, entre cuadros, libros antiguos, monedas y billetes, platería y fósiles, que pasaron a engrosar una industria que, a nivel mundial, moviliza unos 7000 millones de dólares cada año, y que está en el tercer lugar del ranking de mercados ilegales, después del tráfico de drogas y de armas.
La ciudad de Buenos Aires y la provincia son los lugares donde más robos de objetos culturales se denuncian (fueron el 66% en 2008; el 65% en 2007, y el 75% en 2006).
Las cifras de Interpol dicen que en 2007 se denunciaron en la Argentina 752 objetos robados, principalmente libros antiguos (36%), antigüedades (28%), cuadros (11%) y platería (10%). En 2006, fueron 888 objetos, mayormente grabados (66%), libros antiguos (11%) y objetos arqueológicos (7%). En el país, durante 2008, el tráfico ilegal de bienes movilizó más de 3 millones de dólares.
Interpol tiene datos hasta mediados del año pasado. "Es difícil hacer una proyección para la segunda parte del año en el robo de objetos culturales, porque no hay obligación de denunciarlo. Ahora aparece gente denunciando objetos que le robaron hace cinco años", dijo a LA NACION Marcelo El Haibe, responsable del área de Protección del Patrimonio Cultural de Interpol. "Hay más denuncias porque la gente se da cuenta de que tiene más chances de recuperarlos", analizó.
La búsqueda de estos bienes, que comienza con su publicación en Internet, puede tener recorridos cinematográficos, desde un mercado de pulgas porteño hasta una galería parisina. Así ocurrió, por ejemplo, con la recuperación, en 2005, de tres valiosos cuadros (de Renoir, Cézanne y Gauguin), que habían sido parte del botín robado en 1980 en el Museo Nacional de Bellas Artes, y que se rastrearon hasta París. En 2008, en tanto, se repatriaron cuatro toneladas de fósiles que habían sido halladas en febrero de 2006 en una feria de paleontología en Arizona.
Para "crear conciencia sobre la ilicitud del tráfico de bienes culturales", la Secretaría de Cultura de la Nación acaba de lanzar la segunda edición de una campaña, con carteles y afiches que se exhiben en 16 aeropuertos y 100 puestos de frontera, un video institucional que se emitirá por televisión, un sitio de Internet y una campaña que llegará por correo electrónico.
Los afiches utilizan 14 pares de imágenes que, por oposición, señalan los bienes históricos, arqueológicos y artísticos que hay que preservar. Este año se agregaron más imágenes, se les dio más peso a los bienes artísticos y se incorporaron obras recuperadas. La primera campaña se hizo desde el 15 de diciembre de 2006 y durante 2007.
Controles débiles
Lejos del mundo del arte o las antigüedades, el listado de bienes culturales en peligro incluye el patrimonio histórico y arqueológico que guardan iglesias, museos, yacimientos y la naturaleza. En el Sur hay más robos de restos paleontológicos; en el Norte, de restos arqueológicos; en Buenos Aires, Mendoza y Córdoba, de libros y obras de arte. La distinción no sólo se explica por la disponibilidad de esos bienes en cada lugar, sino por la debilidad de los controles en muchas zonas del interior.
"Hay muchos robos porque son bienes fáciles de disimular en un equipaje. Y también se esconden en el envío de grandes volúmenes de bienes lícitos. Los fósiles recuperados estaban en cajones con piedras legítimamente exportables", dijo el secretario de Cultura, José Nun.
Pesa también la poca conciencia social sobre el tema. "Hay zonas en la Patagonia en las que uno se pone a excavar y encuentra fósiles. Hay que tener conciencia de que es necesario declararlo." En ciertos lugares del país, afirmó, hay objetos valiosos que pueden comprarse por poco dinero. "El Estado debería intervenir más en el entrenamiento del personal aduanero. Si puede reconocer estos bienes, va a poder vigilar mejor lo que ocurre", dijo Nun.
La policía puede hacer una tipología de los autores de estos robos. "En cuadros y otros objetos de arte, suelen ser ladrones ocasionales que entran en una casa y se encuentran con eso", dijo El Haibe. "Por eso en los mercados de pulgas se suelen encontrar cosas interesantes", señaló.
Con los libros antiguos, se necesita más conocimiento. "Son ladrones especializados, porque saben lo que se roban", explicó.
Sin rastros
El reloj de Belgrano. El 30 de junio de 2007 desapareció un reloj de oro que perteneció a Manuel Belgrano, que se exponía en el Museo Histórico Nacional.
Robos exprés. En febrero de 2008, en menos de 24 horas, una momia indígena de 900 años de antigüedad y más de 400 monedas de oro y de plata fueron sustraídas en un museo de La Boca y en el Museo del Banco Nación, respectivamente.
A plena luz del día. Una lapicera que perteneció al presidente Roberto Ortiz desapareció de la Casa Rosada en agosto de 2008.
En la Justicia. Por estos tres robos, hay tres personas procesadas. Los objetos no aparecieron.
Cinematográfico. El 26 de julio de 2008, 15 obras de Berni fueron robadas cuando eran trasladadas en un camión. No hay novedades en la investigación.


Fuente: lanacion.com

UNA COLECCIÓN DE CHANCHOS ALFILETEROS EDUARDIANOS DE PLATA, ETC. 1901-1910

EL REY EDUARDO VII
DE GRAN BRETAÑA
E IRLANDA DEL NORTE,
A QUIEN DEBE SU NOMBRE
EL PERÍODO EDUARDIANO.
ERA HIJO DE LA LONGEVA
REINA VICTORIA.

Armé esta colección a partir de dos alfileteros eduardianos de plata sellada que su dueño recibió de su madre, anticuaria de profesión, hace unos diez años. La colección se diversificó y extendió a otros chanchos de metal no estrictamente de plata y tampoco alfileteros: hay uno que es tintero, varios que son sólo adornos, otro que es caja para botones con el chancho alfiletero "parado"arriba y otro que es una fosforera. Los hay parados, sentados, con base y sin, de plata sellada, de bronce, de peltre, de metal plateado, es de muy reciente formación: tiene sólo unos dos años. Cuenta hoy con unas treinta y cinco piezas conseguidas en la feria de San Pedro Telmo de Buenos Aires ó compradas a particulares y comerciantes de Gran Bretaña, Francia, Islas de Man, Wight y Guernsey, a través de remates de antigüedades y objetos de arte. Se halla en plena formación y creciendo a muy buen ritmo: se ha triplicado en cantidad de piezas desde fines de 2006.

P.L.B.
Fotos Lic. Diego Gaona.

El período eduardiano o la era eduardiana en el Reino Unido es el período que cubre el reinado de Eduardo VII, y se extiende desde 1901 a 1910. El fallecimiento de la reina Victoria en enero de 1901 y la sucesión de su hijo Eduardo, marcaron el inicio de un nuevo siglo y el final de la época victoriana. Aunque Victoria había rechazado a la sociedad, Eduardo era el líder de una élite a la moda que estableció un estilo influenciado por el arte y la moda de Europa continental, posiblemente debido a la afición de viajar del rey. La era estuvo marcada por cambios significantes en la política a medida que sectores de la sociedad que habían sido ampliamente excluidos del ejercicio del poder en el pasado como los obreros plebeyos y las mujeres, se volvieron cada vez más politizados. Frecuentemente el período se extiende más allá de la muerte de Eduardo en 1910, y llega a incluir el año del hundimiento del RMS Titanic en 1912, el inicio de la Primera Guerra Mundial en 1914, e inclusive el final de la guerra en 1918. La guerra selló el final del período a medida que el estilo de vida eduardiana, con su inherente desbalance de riqueza y poder, se volvieron altamente anacrónicos a la vista de una población sufriente que se enfrentaba a la guerra, y la era fue expuesta a los nuevos medios de comunicación que despreciaron las injusticias de la división de clases.

NOTA:

Sir Edward Elgar compuso la marcha Pompa y Circunstancia Nro.1, tan conocida hoy en día y que oficia como de un segundo himno nacional británico - Land of Hope and Glory -, especialmente para la coronación de Eduardo VII. La marcha da el ritmo exacto para el paso del rey con su capa de armiño y con todos los atributos del poder dentro de la Abadía de Westminster, el día de la coronación. Por eso mismo, la marcha se adecua tan bien para casamientos. Muchas novias la usan para entrar a la iglesia al casarse.

GRANDES ESCULTORES ARGENTINOS JOSÉ FIORAVANTI, 1896 -1977

Monumento a la Bandera, Rosario, Provincia de Santa Fe.  La obra en su conjunto simboliza la nave de la Patria surcando las aguas del mar de la eternidad en procura de un destino glorioso. A través de los diferentes conjuntos escultóricos se representan valores económicos, espirituales, históricos, geográficos y telúricos de nuestra Nación.

José Fioravanti                                              Los célebres lobos marinos de la rambla del Casino de Mar del Plata,                                                                       junto a los cuales se han fotografiado tantos miles y miles de turistas.

La típica foto familiar para el recuerdo.

Los lobos marinos de Fioravanti se han convertido en el símbolo de Mar del Plata y figuran desde en logos de hoteles de turismo hasta packagings de los más variados productos regionales.Fueron esculpidos por Fioravanti en piedra caliza extraída de canteras locales.

 

José Fioravanti nació en Buenos Aires en 1896 y murió en la misma ciudad en 1977. Autodidacto, se inició muy joven en el arte, concurriendo luego a algunos talleres particulares. Expuso por primera vez en 1912, a los 16 años de edad, presentándose en el Salón Nacional. A los 23 años, consiguió el Primer Premio en el Salón Nacional con su obra Mi hermana María (1919). En 1924 viajó a recorrer Europa, expuso en el Museo de Arte Moderno de Madrid y en el Museo de Luxemburgo de París. Regresó a la Argentina en 1927, realizando dos exposiciones individuales en Buenos Aires. En 1929 viajó por segunda vez a Europa, residiendo en París hasta 1935. De esta época son las obras Vieja vasca y el grupo escultórico de mármol El tributo. De su visión romántica y profunda de la vida merecen destacarse Resurrexit y Ariel caído. A partir de 1935 se instaló en Buenos Aires, donde retomó la amistad con sus antiguos compañeros, entre ellos Alfredo Bigatti, con el que realizó importantes y significativas esculturas.Fue designado profesor en la Escuela Superior de Bellas Artes. En 1936 Fioravanti obtuvo el Gran Premio del Salón Nacional con Mujer con libro, retrato de la que fue su esposa, la pintora Ludvilla Feodorounam. Realizó también un busto del pintor Antonio Pedone. Años más tarde, en 1958, recibió la medalla de oro que anualmente concede el Consejo Internacional de Buenos Aires a la labor de un artista plástico. Entre sus obras emplazadas en Buenos Aires figuran: Monumento a Avellaneda, Monumento a Roque Sáenz Peña (Diagonal Norte y Florida), Monumento a Roosvelt, Monumento a Simón Bolívar (Parque Rivadavia). Su obra cumbre es el Monumento a la Bandera, grandiosa obra emplazada en las barrancas del Río Paraná, en la ciudad de Rosario, hecha en colaboración con Alfredo Bigatti y los arquitectos Ángel F. Guido y Alejandro Bustillo. Puede verse obra suya en un gran número de museos de España, Francia, Luxemburgo, Italia y Estados Unidos.

Monumento a la Bandera, Madre Patria.

Escultor monumental prolífico, es escasa la bibliografía que profundiza en su obra. Tal vez sea uno de los escultores con mayor incidencia en el imaginario de la iconografía popular, pero a quien casi nadie conoce, de cuya obra casi nadie habló y cuyas obras han sido maltratadas o directamente robadas sin que a nadie llamara la atención. La obra de Fioravanti es permeable a un análisis evolutivo tanto desde el punto de vista del tratamiento arquitectónico de los soportes (basamentos, pedestales y muros) como desde el análisis formal de las esculturas de bulto y relieves, ya que en todos sus monumentos aparece la tríada: soporte arquitectónico / esculturas / relieves. Desde el punto de vista del tratamiento arquitectónico, sus primeros monumentos se presentan como una masa compacta sobre la cual se ubican las figuras y relieves. El caso ejemplar es el Monumento a Nicolás Avellaneda, concebido su soporte como una pirámide escalonada de tipo egipcio o, si se quiere, de un zigurat mesopotámico en cuyos diversos niveles se van ubicando los personajes y relieves.

Monumento a la Bandera, Los Andes.

A medida que avanza en su carrera, los monumentos “montaña” se van transformando en monumentos oradados con espacios interiores para ser recorridos como en el caso de los monumentos a Bolívar y a Roosevelt, en donde la montaña vertical da paso a una plataforma horizontal apta para la circulación humana. Un análisis formal de sus primeros monumentos de la década del ‘30 y ‘40, muestra al artista bajo una doble influencia –arcaica y vanguardista a la vez– que lo distancia de la escultura academicista ecléctica. Por un lado, exhibe una influencia arcaizante, tal vez consecuencia de su paso e interés por Egipto; por otro lado, sus figuras humanas se pueden relacionar con las propuestas innovadoras de Aristide Maillol.

Monumento a la Bandera, Río Paraná.

En esta etapa sus retratos recibieron la calificación de “esencialistas” (Rodríguez, 1963:18), ya que los retratos de estas obras aparecen en actitud hierática y con algunos rasgos fisonómicos “esenciales” que permiten identificar a la escultura con el personaje representado, como en los casos de los monumentos a Avellaneda, Sáenz Peña, y Bolívar. A medida de que su carrera avanza, incorpora el bronce como material (en sus inicios la piedra era su material predilecto) para la realización de las esculturas y aplica rasgos psicológicos y realistas en el tratamiento de los retratos como en el caso de los monumentos a Roosevelt y a Mujica Láinez.

Monumento a la Bandera, El Norte, relieve.

Monumento ‘Canto a la Argentina’ de Rubén Darío, Plaza Rubén Darío, Avenida del Libertador y  Austria, Buenos Aires.

El Pegaso rampante de Rubén Darío

El que equivocadamente la gente llama "Monumento a Rubén Darío", obra del gran se llama en realidad  "Monumento a Canto a la Argentina" de Rubén Darío". 

Es el monumento que Fioravanti hizo a ese largo poema dedicado por Rubén Darío a la Argentina y no a su autor como tal. Este monumento dedicado a "Canto a la Argentina" de Rubén Darío, poeta nicaragüense iniciador del modernismo literario hispanoamericano, que asimismo dedicó, por encargo del diario La Nación, una composición "Canto a la Argentina"en coincidencia con el Centenario de la Revolución de Mayo de1810. Este extenso poema (con más de 1.000 versos, es el más largo de los que escribió el autor), destaca el carácter de tierra de acogida para inmigrantes de todo el mundo de nuestro país, y enaltece, como símbolos de su prosperidad, a la Pampa, a Buenos Aires y al Río de la Plata. 

En una línea similar está su poema, "Oda a Mitre", dedicado al prócer argentino Bartolomé Mitre.El monumento representa en el bronce los conjuros fantásticos que enlazan y señalan el espíritu Argentino, su territorio Pampeano, Buenos Aires y el Río de la Plata como gigantescos símbolos de prosperidad y testimonio. El símbolo más característico de la poesía de Darío es el cisne, identificado con el Modernismo hasta el punto de que cuando el poeta mexicano Enrique González Martínez quiso derogar esta estética lo hizo con un poema en el que exhortaba a "torcerle el cuello al cisne". La presencia del cisne es obsesiva en la obra de Darío, desde Prosas profanas, donde el autor le dedica los poemas "Blasón" y "El cisne", hasta Cantos de vida y esperanza, una de cuyas secciones se titula también "Los cisnes". Salinas explica la connotación erótica del cisne, en relación con el mito, al que Darío se refiere en varias ocasiones, de Júpiter y Leda. Sin embargo, se trata de un símbolo ambivalente, que en ocasiones funciona como emblema de la belleza y otras simboliza al propio poeta.

Esta es la estrofa que se lee en la parte posterior del monumento de Fioravanti:

                                                  ¡Argentina tu día a llegado!

                                                  ¡Buenos Aires amada ciudad!

                                                  El Pegaso de estrellas herrado

                                                  Sobre ti vuela en vuelo inspirado

                                                  Oíd mortales, el grito sagrado:

                                                  ¡Libertad! ¡Libertad! ¡Libertad!

El "Monumento a Canto a la Argentina de Rubén Darío", cuando todavía estaba junto a la Biblioteca Nacional. 

     Monumento a Roque Sáenz Peña, Diagonal Norte y Florida, Buenos Aires.

                                   Monumento a Roque Sáenz Peña, Diagonal Norte y Florida, Buenos Aires.


Escultura. El monumento ha sido realizado en piedra Mar del Plata, la figura del eminente hombre público, en actitud sedente, con sus manos, apoyando sobre un libro, representa al hombre de estado. Completan el monumento, dos grupos escultóricos, uno de los cuales representa La Acogida, estando constituído por un desnudo femenino y un niño. El otro grupo esta representado por un hombre, con la espada y la tabla de la Ley significa "El Voto Obligado". En la parte posterior, de este monumento, completando la arquitectura de la base, se encuentra una fuente vertedero, que encuadra un relieve de un desnudo femenino, que representa la idea de Roque Saenz Peña, de América para la Humanidad. La Comisión Ejecutiva del Monumento del Dr. Roque Saenz Peña, fue la encargada de la erección del mismo, cuyo gasto fue cubierto por suscripción popular, fijándose la plazoleta formada por la intersección de la Diagonal Norte y las calles Florida y Bartolomé Mitre, para su ubicación de acuerdo con lo dispuesto por Ley N° 11.229, promulgada el 04/10/1923. Se dió posesión del terreno a la Comisión Ejecutiva para su ubicación en el lugar actual, por Resolución del 16/07/1936.

                       Monumento a Simón Bolívar, Parque Rivadavia, barrio de Caballito, Buenos Aires. 


Escultura.Este monumento esta contituído por tres piezas de mampostería, enchapadas en mármol travertino nacional, representando un arco de triunfo, encontrándose en su friso, la leyenda: " A Simón Bolvar, la Nación Argentina ", sobre el centro del fuste, en sus laterales, se hallan dos relieves, que simbolizan " El Juramento " y " La Entrevista de Guayaquil ". En el centro y hacia el frente de la obra arquitectónica se encuentra la figura del prócer, realizada en bronce, sobre una base de mampostería, enchapada en mármol traventino nacional. Sobre los extremos, y en una misma línea, se hallan dos desnudos, que representan " La Inspiración " y " La Gloria ". El Poder Ejecutivo Decreta bajo el N° 50.465, el 23/10/1934 una Ley designando a una Comisión Nacional de Homenaje a Simón Bolívar, presidida por el General Esteban Vaccarazza, teniendo por finalidad realizar una suscripción popular.

Monumento a Simón Bolívar, Parque Rivadavia, Caballito, Buenos Aires.

Altorelieve, cemento, 2,30 X 7,00 metros, Teatro San Martín, hall del segundo piso, Buenos Aires.

El altorelieve del Teatro San Martín, de noche, en semipenumbra.

Monumento a Franklin Delano Roosevelt, Plaza Seeber, Palermo, Buenos Aires.

El monumento a Roosevelt presenta unos cambios importantes respecto a sus retratos anteriores. En primer lugar pareciera acercarse al retrato de tipo psicológico impresionista propio de Rodin, y se aleja de sus propuestas primigenias de retratos “esencialistas” arcaicos. Roosevelt le presentó al artista un problema nuevo respecto a los personajes anteriores de sus monumentos. Y es que Roosevelt había sido fotografiado y filmado muchas veces frente al escaso archivo de imágenes de los personajes del siglo XIX tratados por el escultor. Roosevelt fue uno de los protagonistas de la Segunda Guerra Mundial cuya imagen se difundió por los medios de comunicación masiva. Fioravanti tuvo que tomar en cuenta la popularidad del personaje “mediático” y, a la vez que desarrolló cierta fidelidad realista al modelo, por otro lado no compitió en verosimilitud con los medios audiovisuales. Evitó así caer así en el efecto facsimilar e ingenuo del retrato hiperrealista. Fioravanti aprovechó las limitaciones físicas de Roosevelt, que se vio obligado a trasladarse en silla de ruedas durante los acontecimientos políticos que le dieron mayor visibilidad, y ubicó al político sedente en el centro de la escena, en contraste con las alegorías de pie que se sitúan a ambos laterales, enfatizando la jerarquía política del líder que permanece en su silla como en un trono.


La alegoría de la libertad en el monumento a Roosevelt

El monumento a Roosevelt está conformado por una plataforma de mármol travertino a la veta casi a nivel del suelo de donde surgen tres pedestales independientes en el que se ubican respectivamente tres figuras humanas en bronce. En el centro, el retrato sedente del líder y a ambos laterales, las dos alegorías en esculturas de bulto. Además, en las caras laterales y el lado posterior del pedestal del homenajeado, se ubican relieves alegóricos. La figura masculina de las alegorías es una estatua titulada “Combate contra el mal” que es, en realidad, una original alegoría de la fatalidad. En este caso, a diferencia de la tradición de la historia de la escultura que representa la alegoría de la fatalidad en la figura de una serpiente que vence a los justos, aquí aparece la alegoría de la fatalidad vencida encarnada en una serpiente decapitada por la potente imagen de la figura masculina. Tal vez represente el fascismo vencido en la Segunda Guerra Mundial por las fuerzas aliadas comandadas por el ex presidente. Tanto la figura masculina como la serpiente también pueden ser tomadas como una alegoría de la guerra. La figura femenina recibe el título de “Libertad de religión” y la podemos tomar como una alegoría de la libertad. Frente a la figura severa con la que Bourdelle presentó a la libertad en su monumento a Alvear, aquí la alegoría aparece representada por una mujer estilizada de gran erotismo y movimiento aunque de esquemático tratamiento del rostro. Como contraste frente a la alegoría masculina que se eleva del otro lado de Roosevelt, en lugar de portar una serpiente vencida, muestra una paloma a punto de levantar vuelo. Aquí la alegoría de la libertad también puede ser tomada como representación de la paz. De este modo, la estructura del monumento presentaría una conformación simétrica: al lado izquierdo de Roosevelt, la alegoría de la trilogía democracia/libertad/paz, y del lado derecho la alegoría de la trilogía fascismo/fatalidad/guerra.

                                       Monumento a Nicolás Avellaneda, Plaza Jardines de Invierno, Palermo.

Este impactante Monumento a Nicolás Avellaneda, se construyó en homenaje a este presidente argentino, oriundo de la Provincia de Tucumán, quien gobernara nuestra Nación desde el año 1874 hasta el año 1880. Este monumento fue esculpido en mármol y se levanta sobre un enorme basamento de piedra. Sus dimensiones son muy grandes y al estar colocado entre tanto verde, se destaca por el color cobrizo pálido, que lo hace aparecer imponente. En la cima del grupo escultórico se alza la figura de Avellaneda, de pie y mirando al horizonte.

Monumento a Nicolás Avellaneda, Parque Tres de Febrero, Palermo.

Consta además de cuatro bellísimas figuras femeninas de fantástica factura, que miran hacia los cuatro puntos cardinales. Rodeando a esas figuras se admiran relieves que representan los diferentes procesos acaecidos durante el Proceso de Federalización de Buenos Aires. Esta fabulosa obra fue realizada por Fioravanti en el año 1935. Nicolás Avellaneda (1836-1885) fue un notable político argentino, presidente de nuestra República. Durante su mandato se terminó la conquista de la Patagonia y se federalizó la Ciudad de Buenos Aires.

Homenaje a Beethoven, Plaza Lavalle, Buenos Aires. Donación de la Asociación Wagneriana.