El hôtel particulier que alberga en París la obra del genial malagueño reabrirá en junio tras cinco años de reformas.
La flauta de Pan (1923). Foto: Gentileza Museo Picasso
Por Nathalie Kantt / La Nación
Los
obreros sueltan las herramientas. El arquitecto encargado de la
renovación del Hotel Salé, casa del Museo Picasso desde 1985, se dirige
al grupo que visita el establecimiento en obra y dice: "Tenemos diez
minutos de silencio". En un espacio amplio y luminoso, invadido por
andamios, aprovecha para contar algunas de las grandes reformas que se
hicieron en este hôtel particulier del siglo XVII, mezcla
de clasicismo francés y estilo barroco de la época. Las paredes están
vacías.Las obras de Picasso serán instaladas en mayo, pero el edificio
es una obra de arte en sí mismo. Cerrado en 2009, el museo que alberga
la colección más importante del artista a nivel mundial reabrirá al
público en junio.
Quien haya visitado París en estos cinco años
posiblemente recuerde la desilusión al llegar hasta las enormes puertas
del museo, en una de las callecitas del Marais, y tener que contentarse
con una vista externa del establecimiento. "Necesitábamos renovar el
edificio para cumplir con las normas actuales de seguridad, de incendio y
de climatización, y también queríamos actualizar el proyecto
museográfico", explica la presidenta del museo, Anne Baldassari.
Tiraron abajo paredes, abrieron puertas, cambiaron
vidrios, sumaron cuatro lámparas colgantes de Diego Giacometti a las
cuatro existentes, mudaron las oficinas al exterior del edificio y las
obras a un depósito fuera de París, y nivelaron las salas. El resultado
es una superficie de exposición de 3800 m2 (antes era de 1600 m2), 13
salas adicionales (37 en total), un último piso más íntimo -antes
cerrado al público- en el que se exhibirá parte de la colección privada
del artista español (compuesta de una centena de obras de artistas como
Courbet, Cézanne, Vuillard, Degas, Miró y Dalí, entre otros), un nuevo atelier
destinado a la educación artística de los más chicos y un auditorio que
antes no existía. El presupuesto total fue de 44 millones de euros.
"Después de 30 años, otra reforma era necesaria", estima el arquitecto
especializado en los monumentos históricos franceses Stéphane Thouin,
encargado de supervisar la obra.
La renovación no escapó a las críticas, sobre todo
porque los trabajos se prolongaron más tiempo del previsto. Mientras el
museo estuvo cerrado, parte de las 5000 obras donadas al Estado francés
por los herederos del artista en los años 70 (4000 obras gráficas, 300
pinturas y 300 esculturas, 46 pinturas de la colección privada de
Picasso y 200.000 piezas de archivo, entre otras) fueron prestadas para
20 exposiciones itinerantes en trece países. Con los 31 millones de
euros recaudados se adquirió un nuevo hôtel particulier, para
relocalizar a medio centenar de empleados y ampliar los trabajos
inicialmente limitados presupuestariamente en una Francia en crisis.
"El público va a descubrir las obras de otra manera. La idea es salir del découpage artificial
y entrar en su dinámica interna. Habrá salas temáticas ("Retratos
viriles", "Picasso y la música", "Picasso y el cine", "Picasso y la
escultura") y grandes pasajes cronológicos con los períodos rosa, azul,
verde y polícromo", detalla Baldassari, quien confiesa que desde hace
años planean una muestra en la Argentina y en Chile, aunque hasta ahora
no han conseguido el apoyo necesario.
Serán expuestas 350 obras que irán rotando cada tres
meses. Está prevista la realización de muestras temporarias, en las que
la obra de Picasso dialogará con la de otros artistas. Tiene fecha
Miquel Barceló: enero de 2015.
Horacio Agulla se define como "fotógrafo amateur".
Aunque ya tiene una carrera extensa en el medio, es un comunicador
profesional. Comenzó con un proyecto de retratos, que es lo que más le
gusta hacer, y se dio cuenta de que había algo más. Eso que unía a los
retratados era una capacidad para salir de una vida cómoda y brindar
algo a la sociedad.
Así nació Mecenas, la exposición que se exhibe
en el Centro Cultural Recoleta. Son 26 fotos que retratan a gente que
posibilita cosas. Desde Alejandro Cordero, que patrocinó becas a músicos
del Teatro Colón, hasta Margarita Barrientos, que da de comer a los
chicos en Los Piletones.
Son los "transformadores", como les dice Agulla, los
que generan un cambio en la sociedad a partir de un pequeño gesto; no es
necesario ser rico o tener mucho. "Todos tenemos un mecenas dentro -se
explaya Agulla-. Éste es el mensaje."
Cada foto tiene su historia y su anécdota. Entre los
retratados están quienes con sus acciones cambiaron el rumbo de su campo
de acción, como Ronald Shakespear y Jacobo Fiterman, y aquellos que
desarrollan una labor social, como Patricio Grehan, de la ONG Las Tunas,
o los doctores Adrián y Mariela Gadano, de la Fundación Icalma, que
brindan atención médica voluntaria en lugares carenciados. El espectro
es amplio e inclusivo más allá de nuestro país: también figura el líder
cristiano Doug Coe, que propicia desde Estados Unidos el diálogo
interreligioso para alcanzar la paz.
A Agulla -hijo de un periodista, hermano de un publicista y padre de dos rugbiers de
trayectoria internacional- le gustaría que la exposición se amplíe y
pueda itinerar por el país para mostrar, como un mensaje inspirador, los
mecenas que hay en todos lados.
Ficha. Mecenas, fotografías de Horacio Agulla, en el Centro Cultural Recoleta (Junín 1930), hasta el 27 de marzo..
Victoria Ocampo legó la casona al organismo para preservarla de los "vaivenes políticos"; controversia por el destino oficial de un lugar histórico.
La famosa casa fue el lugar de encuentro de grandes personalidades. Foto: Archivo
Por María Pagano
La emblemática casona de la escritora e intelectual argentina Victoria Ocampo en Beccar, San Isidro, propiedad de la Organización de las Naciones Unidas para la Ciencia y la Cultura (Unesco) desde hace más de 40 años, sufriría un cambio impensado para su dueña original. Por decisión del organismo internacional, el uso de Villa Ocampo pasaría a manos de la secretaría de Cultura para la creación del Centro Internacional sobre Políticas de Diversidad Cultural, Desarrollo y Creatividad.
Aunque la firma del acuerdo entre ambas partes está pendiente, la cesión consta en un documento oficial de la Unesco con fecha del pasado 7 de marzo. En dicho documento se expresa la "necesidad de utilizar la Villa Ocampo de forma más estratégica y con una mejor relación costo/eficacia".
En tanto, distintas personalidades vinculadas con la historia y la conservación de Villa Ocampo, como Ivonne Bordelois, Sonia Berjman, Rosa Zemborain y Fabio Grementieri, entre otros, manifestaron una "gran preocupación" por el futuro de la casa y el destino de su patrimonio. Expresaron que la responsabilidad sobre la casa "es tarea de la Unesco" y que "no puede ser delegada a un tercero, y mucho menos al Estado, ya que así lo pidió explícitamente Victoria Ocampo".
En 1973, seis años antes de su muerte, Victoria Ocampo había donado la propiedad al organismo con sede central en París para "realizar los objetivos de la Unesco" y "servir a la promoción, el estudio y la experimentación de actividades vinculadas a la cultura", con el propósito de protegerla, según lo expresó la intelectual argentina, "del contragolpe de los vaivenes políticos".
Según consta en el documento oficial de la Unesco, el recinto de Villa Ocampo, propiedad del organismo internacional desde 1979, será concedida en comodato al gobierno argentino. Si bien el organismo internacional conservará la propiedad de la Villa, le otorgará al Estado la casona y el predio en "préstamo de uso" para la creación de un "centro de categoría 2" bajo los auspicios de la Unesco. No se especifica un plazo y se estipula que la cesión es gratuita, aunque los costos de mantenimiento quedarían a cargo del Gobierno.
Entre los objetivos de dicho centro se enumeran la "promoción del diálogo sobre la diversidad, el desarrollo y la creatividad", y la promoción de "actividades destinadas a impulsar las economías culturales y creativas". De acuerdo con el mismo documento de la Unesco, el Gobierno se compromete a "velar porque el centro se ajuste al uso de la Villa deseado por la señora Ocampo y reflejado en su donación".
Para Fabio Grementieri, especialista en patrimonio y director del Programa de Preservación en la Universidad Torcuato Di Tella (UTDT), la decisión de la Unesco "desnaturaliza y no respeta el legado de Victoria Ocampo". A su vez, agregó que, "por la redacción del convenio, es incierto quién y cómo se hará cargo de la conservación del patrimonio inmueble, paisajístico, inmaterial y arquitectónico de la casa. La Unesco está en una política de reducción de gastos y Villa Ocampo aparece como una de las variables de ajuste", expresó Grementieri.
Hasta la fecha, el mantenimiento de Villa Ocampo fue afrontado con fondos de la Unesco, contribuciones particulares, aportes de empresas privadas y entidades públicas, como la Municipalidad de San Isidro. Lo que Grementieri, junto con otras personalidades de la cultura, propone es que las dificultades financieras podrían ser subsanadas con aportes privados y públicos, sin alterar "la independencia política e intelectual" y el "éxito" de la actual gestión.
El factor económico dentro de la Unesco a nivel global fue determinante para desprenderse de la administración de Villa Ocampo. Según fuentes consultadas por la nacion, desde hace tres años Estados Unidos dejó de pagar su cuota parte en la Unesco, que ascendía a unos 70 millones de dólares anuales. Sumado, esto provocó un déficit presupuestario total, por el trienio, de 270 millones. En esas condiciones el presupuesto bianual de la organización se redujo de 653 a 507 millones de dólares. Según comentaron en la Unesco, la situación financiera es tan grave que, por primera vez, esta organización de preservación del patrimonio mundial está pensando en lanzar un plan de despidos.
En estas condiciones la Unesco no puede mantener Villa Ocampo, que, con salarios incluidos, significa un gasto de unos 500.000 dólares anuales. El argumento, además, es que el edificio tampoco desarrolla actividades fundamentales como para justificar esos costos. Por esa razón, la organización buscó la forma de obtener la colaboración del Ministerio de Cultura. "No hubo presiones ni solicitud del gobierno argentino", aclararon.
En 2003 se emprendió la restauración de Villa Ocampo, que incluyó la recuperación del inmueble, del mobiliario, del jardín y de la biblioteca, y fue financiada por la Unesco y el Gobierno. A lo largo del siglo XX, la casa fue lugar de encuentro de intelectuales y artistas de todo el mundo, como Jorge Luis Borges, Rabindranath Tagore, André Malraux, Waldo Frank, Gabriela Mistral, Igor Stravinsky, Graham Greene, Le Corbusier y Albert Camus.
Exhiben 100 piezas del performer alemán, uno de los creadores fundamentales del siglo XX.
En acción. Una obra de Beuys. Su arte apuntaba a la filosofía
Por Ana María Battistozzi
Tres artistas son fundamentales a la hora de considerar las
posibilidades del arte actual, dijo Sir Norman Rosenthal a punto de
concluir el siglo XX y señaló a Duchamp, Andy Warhol y Joseph Beuys. La
opinión de este historiador, que en los años 70 dirigió el Institute of
Contemporary Art de Londres, importa por el profundo conocimiento que
tenía del rol que le cupo a cada uno en transformar la idea de arte que
se tuvo hasta los años 60. Pero tanto más por la estrecha relación que
mantuvo con Beuys (1921-1986), el protagonista de la muestra que abre
mañana en la Fundación Proa.
¿Cómo explicar su arte al público
argentino? Parafraseando el interrogante que acompañó una de sus famosas
performances de 1965 (¿Como explicar una pintura a una liebre muerta?)
habrá que admitir una primera dificultad. El arte de Beuys, como la
performance de la liebre muerta, es en cierto modo un susurro que
adquiere sentido en una particular escena que apunta a promover una reflexión filosófica.
Se diría que los objetos que articulan sus exhibiciones son apenas el
eco, residuos de sus provocadoras acciones destinadas a problematizar
cuestiones del arte y de la vida.
Hijo de la posguerra y parte
activa del espíritu que modeló el 68 a escala mundial, Beuys estaba
convencido de que cualquiera puede ser un artista y que la sociedad en
sí misma era la gran obra de arte por hacer. Así fue que tomó forma su
particular concepto de escultura, que llamó “escultura social”.
La
materia con que se empeñó en trabajar este artista fue la conciencia
de los hombres. Y el eje de su acción estuvo dirigido a transformar
estructuras mentales. Frente a la naturaleza, como en relación con la
ciencia o la participación política. Los medios que utilizó fueron
diversos: fue maestro y por momentos un chamán al rescate del ritual
convencido que la racionalidad limitó a los hombres.
“Enseñar es
mi gran obra” le confesó al crítico de Artforum Willoughby Sharp en 1969
y a esa actividad dedicó la mayor parte de sus energías apelando a la
antroposofía, a la poesía romántica alemana, a la filosofía de las
religiones y a la filosofía de la ciencia.
El dibujo en este
sentido fue un instrumento clave y una parte fundamental de su
producción. Artista que se autodefinía como “un conformador sensitivo
que perseguía la sustancia de las cosas”, en esa dirección hay que
rastrear el significado de los objetos que produjo: como parte de un
sistema de relaciones destinadas a mostrar analogías entre arte, ciencia
y sociedad.
Un acontecimiento de su vida resulta fundamental
para explicar el tipo de materialidad que asume esa parte su obra: el
accidente que tuvo durante la Segunda Guerra y es parte de su leyenda
como artista. Aunque se sospeche que es parte de una ficción que él
mismo construyó. Según ese relato, el avión en el que viajaba fue
derribado por las posiciones rusas y él fue rescatado y cuidado por una
tribu de tártaros que lo envolvió en fieltro y le curó las quemaduras
con grasa.
Todos los materiales que formaron parte de aquella
circunstancia –el fieltro, la grasa, la miel, y las conexiones de
energía– adquieren en su obra una rotunda significación.
Hermenegildo Sábat , "Menchi" para sus amigos y cientos de miles de lectores que lo siguen desde hace años, es un artista tan cuidadoso con el uso de las palabras, la precisión con la que las elige, que por momentos uno sospecha que tiene miedo de gastarlas. Pero no es ésa la razón por la que sus caricaturas son mudas. La pregunta -¿por qué dibujos sin texto?- lo ha seguido durante años como un mantra, desde que Jacobo Timerman lanzó el diario La Opinión, en 1971, y lo contrató como ilustrador.
Sábat lo recuerda así. "La condición para trabajar en el nuevo diario fue que mis dibujos carecieran por completo de palabras. Comprendí que la Argentina es un país extraño, en el que la gente está más predispuesta a pelear por las palabras que por las ideas. Lo peor es que no ha cambiado, es algo que se puede comprobar todos los días. Entonces, me pareció que agregar textos a una caricatura no sumaría nada. En un dibujo el observador ve lo que quiere ver y punto. Ese es el trato. Picasso preguntó más de una vez: "¿Quiere que le explique este cuadro?" Su advertencia era: "Entenderá la explicación, pero no el cuadro".
Cuando La Opinión, inspirada vagamente en el diario Le Monde, decidió que no publicaría fotos como parte de los contenidos, los dibujos de Sábat lograron un impacto inmediato en los lectores, la clase política, los medios y el mundo de los negocios. Una escena congela ese instante. Es Timerman recorriendo la redacción y agitando un ejemplar del Buenos Aires Herald en el que Robert Cox, su director, ha escrito: "¿Teniendo a Sábat, quién necesita las fotos?"
El eterno malentendido acerca de la función que cumple la caricatura cuando se ocupa del poder alentó a más de un funcionario de la Casa Rosada, incluidos ministros y presidentes de facto, a considerar a Sábat como un dibujante maldito. El artista talentoso, pero de mal genio y peores intenciones que busca su lugar en el mundo ridiculizando a quienes conducen los destinos del país. Ocurrió en los temibles años de la dictadura y continuó, con algunas excepciones, en la democracia recuperada.
La presidenta Cristina Kirchner fue la última en dedicarle un párrafo de furia. Lo hizo en la guerra del campo, en el marco imponente de una Plaza de Mayo colmada de gente cercana al Gobierno. Fue la respuesta por haberla dibujado con la boca sellada, que ella interpretó como "un mensaje cuasi mafioso". Meses más tarde, un viernes, el 7D, volvió a ocuparse de él por dibujarla con un golpe en el rostro , en referencia al fallo judicial adverso al Gobierno. Hubo reacciones a favor y en contra que se prolongaron varios días y la Legislatura porteña reunió votos suficientes para acusarlo de cometer un "acto de violencia de género". El filósofo José Pablo Feinmann tiró por la borda toda pretensión dialéctica y le aconsejó al autor de la caricatura "que no dibuje lo que piensa".
Cuando Sábat ingresó a Clarín, en 1973, le ofrecieron un despacho, pero él pidió una ventana. "Todavía la tengo", dice. Sus nuevos compañeros empezaron a tratarlo con esa suerte de afecto y respeto que inspiran aquellos que compartiendo una misma profesión logran algo diferente.
Sabía que cuando se trabaja en un diario no hay peor enemigo que la repetición, a la que hay que combatir todo el tiempo. Entendió que sus dibujos debían de algún modo trascender lo evidente, la noticia que conmueve, que paraliza un país. Con su técnica de pintor y dibujante, sumada a su exquisita sensibilidad, se propuso dar testimonio en las páginas del diario de las corrientes más profundas que movilizan, detienen o confunden a una sociedad. Pero con el convencimiento de que "ninguna caricatura puede derribar un gobierno".
Continuador de una rica tradición que se remonta a Honoré Daumier, Francisco de Goya y, en una geografía más cercana, a Juan Carlos Colombres, Oski y Divito, entre otros, Sábat insiste en que "la caricatura sólo se puede entender como una manifestación de humor político". Cuando dibuja, lo hace siempre a partir de una foto y, en el momento de la verdad, que es al tomar el lápiz, se aferra a una disciplina que a su edad ya no debería tener secretos. La describe en ocho palabras: "Mantengo el corazón caliente y la mano helada". Al pasar, como quien hace un guiño, comenta: "No es lo mismo dibujar a la Madre Teresa que a Luis D'Elía".
La tarde del reto presidencial Sábat estaba en la redacción, viendo y escuchando por cadena cómo su nombre era asociado a la palabra "cuasimafioso". Se sintió triste, desorientado, confundido en el tiempo. "Recordé cosas que había publicado en el gobierno de Isabel Perón y me di cuenta de que comparadas con éstas eran violentísimas. La única vez que me llamaron de la Casa Rosada en esa época fue porque los intrigaba una caricatura que había hecho del secretario general de la Presidencia, el coronel Vicente Damasco. Yo le había agregado al dibujo un sellito con forma de ardilla y eso disparó alguna alarma, pensaron en un mensaje oculto, algo críptico. Pero se aclaró enseguida. Dibujé a María Julia Alsogaray varias veces y nadie abrió la boca. Cuando el gobierno de Menem estableció las relaciones carnales con Estados Unidos y Gran Bretaña, lo hice al canciller Di Tella con los lienzos bajos."
Sábat no duda de que los gobiernos de Alfonsín y de Menem fueron los más tolerantes con el periodismo político. Del golpe militar de 1976, en cambio, recuerda que una de las primeras órdenes que llegaron a las redacciones fue la prohibición de dibujar o hacer caricaturas de los miembros de la Junta Militar. La veda se cumplió a rajatabla por dos años y terminó, de manera poco ortodoxa, en medio del bullicio y la agitación del Mundial 78.
Sin tener ninguna certeza sobre el destino final del trabajo, Sábat dibujó por su cuenta una caricatura de Videla, Massera y Agosti y lo sumó a João Havelange, el presidente de la FIFA. "El domingo previo a la final acordamos que lo publicaríamos en la página 3 del diario LA NACION no se quedó atrás y el martes siguiente también publicó un dibujo de Videla." Era una fisura que se abría en la compuerta de la veda.
Sin embargo, nada era blanco o negro en la relación de la Casa Rosada con los medios. Una noche, en la hora del cierre del diario, alguien, a quien Sábat prefiere llamar Miguel Strogoff, le advirtió que el general Guillermo Suárez Mason estaba en llamas. La cinta con la amenaza decía: "Si ese boludo insiste con los dibujitos lo vamos a tirar al río".
Sábat lo tomó como algo que no aportaba nada, una anécdota que no iba a fortalecer ni a cambiar su actitud. "¿Qué iba a hacer? ¿Iba a ir a casa a asustarla a Blanca, mi mujer? Si a todo el mundo lo amenazaron."
Hacer humor en esos años le permitió a Sábat ser testigo de situaciones que habrían desconcertado al propio Freud. Gobernantes poseídos de una vanidad tan inflamada que terminaban confundidos en el propio laberinto que habían creado desde el poder. ¿Cómo explicar el pedido del almirante Emilio Eduardo Massera a los editores del diario para que le hicieran llegar el original de una caricatura en la que se lo ve sonriendo, orgulloso, mientras se observa en el espejo?
¿Qué fue lo que llevó al ministro del Interior, Albano Harguindeguy, a pedir una caricatura que lo muestra sentado en su despacho con el rostro y el uniforme salpicado con sangre? ¿Por qué la enmarcó, como algo que se atesora, y la llevó a su domicilio?
Sábat no tiene respuestas para estos comportamientos, pero advierte que nunca hay que menospreciar la adicción a la vanidad, en política o en cualquier ámbito sin límites precisos para el ejercicio del poder. Reconoce, sin embargo, que a los 80 años tiene más motivos para preocuparse por el presente que de lo que pasó. "Soy un tipo grande, no tengo mucho tiempo más, no compito con nadie. Lo digo en estos días en que se ha hecho un homenaje memorable a Juan Carlos Colombres. Su revista, Tía Vicenta, fue extraordinaria, sin querer con esto subestimar a Humor.
Lo alarma que la falta de respeto sea hoy una constante de la sociedad argentina. Cuando no hay respeto por el otro, dice, es porque primero se ha perdido el respeto por uno mismo. Es un país que cada tanto, como si fuese una moda, decide cambiar su historia y recrear el pasado.
"Me sorprende el alto grado de confusión que existe en este momento respecto de mi trabajo. Vuelvo sobre algunos dibujos que publiqué en la dictadura y me llama la atención no haber sido boleta. Vivimos en un país que va de frustración en frustración, con precariedad institucional y una enorme involución, repudiable desde donde la mires. No me gusta ocuparme de mí, nunca lo hago. Pero ocurre que gente indudablemente culta, porque lo es, tras escuchar a la Presidenta se ha referido de manera muy despectiva a mi trabajo. Yo me pregunto a cambio de qué. Lo habrán hecho por un viaje a París, o por dos sueldos, eso no lo sé."
El Sábat caricaturista, con su éxito masivo, ha hecho menos perceptibles a los otros Sábat. El pintor, el poeta, el fotógrafo, el ensayista, el presidente de la Academia Nacional de Periodismo, el músico y el autor de más de quince libros sobre los temas más diversos, como Scat, Al Troesma con cariño, Georgie Dear, Seré breve, Monsieur Lautrec, Tango mío, Haberlo sabido antes y Siempre dije que ese tipo no me gusta, entre otros. Si los lectores que lo siguen a diario pudieran asomarse a este otro universo creativo comprenderían que, después de todo, sólo han visto la mitad del mazo.
La colectividad afirma que toda esa zona del sur hoy sólo es sinónimo de inseguridad.
Desarmado. El Monumento a Colón, desde la Rosada, con las piezas en la plaza / GUSTAVO ORTIZ
Por Silvia Gómez
Con el Monumento a Colón de-sarmado y la decisión de mudarlo ya
tomada, comenzó un nuevo capítulo de esta historia que tiene como
protagonistas a los gobiernos de Nación y Ciudad y a la comunidad
italiana que, desgastada por la situación, se encuentra dividida entre
aquellos que no aceptan la mudanza y quienes sí, por miedo a no verlo en
pie nunca más.
Descartada la posibilidad de mudar el grupo
escultórico a la plaza Rubén Darío (en Recoleta, donde lo quería una
parte de la colectividad), la Ciudad lanzó una propuesta para reubicarlo
en el cruce de las avenidas Paseo Colón, Martín García y Almirante
Brown, justo en el límite de los barrios de La Boca y San Telmo, y a
metros del histórico Parque Lezama.
“Es un barrio que tiene mucho que ver con la inmigración italiana.
La idea es que el monumento se destaque como un punto de referencia.
Estamos convencidos de que tiene una significación que no tendría en
Recoleta”, opinó Claudio Avruj, subsecretario de Derechos Humanos y
Pluralismo Cultural porteño. El grupo escultórico –donado por la
colectividad italiana e inaugurado en 1921– es el cuarto en altura de la
Ciudad, después del Obelisco, la Torre Monumental (ex de los Ingleses) y
el Monumento de los Españoles.
Esta semana, en una reunión de la
que participaron diferentes ministerios porteños, evaluaron esta nueva
propuesta y dieron por terminados los estudios de suelo realizados en la
Rubén Darío: “Por debajo de esa plaza hay un caño maestro de agua potable
y el peso del monumento podría provocar algún problema en el futuro”,
dijeron desde el Gobierno. El conjunto escultórico, tallado en mármol de
Carrara, pesa unas 623 toneladas. Y esa plaza es un espacio verde con
sus propios usos: está el Museo de Bellas Artes, un sector de juegos,
una estación saludable, el Paseo de las Esculturas (hoy con 45 obras de
Carlos Regazzoni) y el estanque Urquiza, en funcionamiento.
Consultada por Clarín, la empresa de aguas AySA confirmó que existen caños maestros que cruzan esa zona de la Ciudad.
Pero
la idea de mudarlo a La Boca-San Telmo, por fin puso de acuerdo a la
comunidad italiana: unos y otros rechazan la propuesta. “Conocemos muy
bien el sur de la Ciudad. Nuestros abuelos llegaron a La Boca y vivieron
en los conventillos que hoy sólo transmiten inseguridad. El Parque
Lezama está lleno de monumentos destruidos y el espacio público de San
Telmo está descontrolado de vendedores ambulantes. Es una mala idea”,
opinó Dario Signorini, de Fediba.
El cruce. Buscan emplazarlo en Paseo Colón y Martín García, límite con La Boca. / ANDRES D’ELIA
Desde el Círculo Italiano y otra decena de asociaciones (como Unione e Benevolenza y la Nazionale
), rechazan cualquier mudanza: “No vamos a ceder al traslado, porque no
aceptamos violar la ley. Tampoco consentimos este pisoteo a la
República –los gobiernos desoyen fallos de la Justicia– y la
discriminación a la comunidad italiana”, dijo Alejandro Marocco, abogado
de las asociaciones.
El Gobierno porteño también habría evaluado colocarla en la plazoleta donde se juntan las avenidas Libertador y Alcorta.
En
relación a los barrios de San Telmo y La Boca, Avruj consideró que “es
importante ver el panorama en el futuro, porque la Ciudad está
promoviendo allí el Distrito de las Artes, a pocos minutos funciona el
Centro Metropolitano de Diseño, están los museos Mamba y Macba, y la
Usina del Arte. El monumento tendrá una ubicación de privilegio”.
Una obra maestra de Rembrandt valuada en más de 5
millones de dólares fue hallada en Niza y devuelta a sus dueños
legítimos 15 años después de su desaparición.
El encantador óleo "Niño con una burbuja de jabón" fue robado del Museo Draguignan en julio de 1999 por asaltantes. AP
El encantador óleo "Niño con una burbuja de jabón", con un impresionante claroscuro, fue robado del Museo Draguignan en julio de 1999 por asaltantes que entraron desde una biblioteca contigua en medio de las celebraciones nacionales por el Día de la Toma de la Bastilla. Las autoridades recuperaron la obra del siglo XVII el martes, en una casa de Niza y la devolvieron a la curadora Jeanine Bussieres el jueves en una ceremonia emotiva. "Estamos sumamente felices... este Rembrandt era una de nuestras obras maestras. El niño en la pintura sonríe porque tiene una burbuja de jabón, pero ahora podría estar sonriendo porque regresó con nosotros", dijo Bussieres a la AP.
