ART BASEL SORTEA LA CRISIS
Y CONSOLIDA EL ARTE COMO VALOR REFUGIO


Basilea (Suiza), 13 - Hoteles llenos desde hace meses, coches de lujo en cada rincón de la ciudad, restaurantes a rebosar, gente guapa y mucho dinero. Basilea acoge desde mañana la 43 edición de Art Basel y es estos días el reflejo más claro de que el mundo del arte vive de espaldas a la crisis.
Visitar esta feria, la más importante de arte internacional del mundo, sirve para darse cuenta de que los problemas de liquidez de los bancos y la crisis de deuda en Europa no afectan a este sector, sino más bien al contrario.
La 43 edición de esta cita bate todos los récords, con más de 300 galerías de 36 países, que presentan el trabajo de 2.500 artistas de los siglos XX y XXI y que se frotan las manos, conscientes de que el arte es hoy en día, como el franco suizo o como el oro, el valor refugio que buscan los inversores para guardar su dinero.
"El arte es un refugio y, en los tiempos de crisis financiera como el que se vive, el refugio del arte es un refugio seguro. Ha ocurrido en Buenos Aires, está ocurriendo aquí. 
Estas burbujas de compradores y de liquidez que se respiran aquí no son algo muy coherente con lo que uno lee en los periódicos", dice a Efe Orly Benzacar, una galerista argentina que acude a Art Basel por quinta vez. 
"Yo no soy experta en economía, pero lo que veo cuando hay crisis económica es que hay un levantón del mercado del arte", agrega Benzacar, que hace un gran sacrificio económico para poder estar en contacto con los bolsillos más solventes del planeta.

Trabajo artístico 'Tentación' del artista escandinavo Elmgreen, expuesto en la galería Perrotin de París, durante la presentación a la prensa del evento internacional artístico 'Art 43 Basel', en Basilea, Suiza, el martes 12 de junio de 2012. Art 43 se caracteriza por sus más de 300 galerías de arte de todos los continentes. 'Art 43' muestra los trabajos de 2.500 artistas de arte contemporáneo de más de 300 galerías de arte de todo el mundo del 14 al 17 de junio. EFE

Hacen lo propio cientos de galerías de todo el mundo, la mayoría de las cuales (700 sobre un total de 1.000) no logran llegar a esta ciudad del norte de Suiza de larga tradición cultural donde hace más de 40 años los galeristas locales decidieron fundar Art Basel.
El codirector de la feria, Marc Spiegler, comenta a Efe que la gente "trabaja muy duro para estar aquí durante tres o cuatro días" y hacer llegar sus propuestas a los inversores y los coleccionistas, conscientes de que Art Basel es el gran escaparate del arte mundial.
"Este es el testimonio verdadero de la calidad del trabajo que se presenta aquí", defiende Spiegler, que asegura que la inversión en el arte ya no conoce ni de regiones ni de sectores económicos.
"No hay un sector especial de donde vengan los coleccionistas. Hay industriales, gente de las finanzas, los medios de comunicación y la tecnología. De Asia, de Europa y de América del Norte. No hay un único perfil para describirlo, porque el número de coleccionistas se ha incrementado con tanta fuerza en los últimos diez años que realmente viene de todos los sectores", explica Spiegler.
No obstante, Art Basel mantiene su voluntad de crecimiento y mira a Oriente, donde en mayo de 2013 presentará una nueva edición de la feria en Hong Kong con la participación de más de 250 galerías, la mitad de ellas radicadas en las regiones de Asia y Asia-Pacífico.


Sus responsables responden así al importante desarrollo del mercado asiático del arte en los últimos años.
"La exposición aspira a jugar un rol central como creadora de puentes entre la escena artística occidental y la creciente escena de Asia", afirma Annette Schönholzer, codirectora de la feria.
Como cada año, Art Basel se divide en varios sectores, que ofrecen la versión más comercial del arte, a través de las galerías, y las propuestas artísticas en secciones como "Art Unlimited", obras de gran formato desplegadas en una superficie de 17.000 metros cuadrados.
Este año, 62 proyectos forman parte de "Art Unlimited", la sección más visitada por los aficionados, con nombres conocidos como los de Ugo Rondinone, Bruce Nauman, Roni Horn y Gilbert & George.
En esta edición repite también la sección "Art Parcours", que invita a los visitantes a salir del recinto de Art Basel y trasladarse al barrio viejo de St-Johann, junto a orillas del Rin, para disfrutar de la metamorfosis del entorno que han realizado artistas como Rodney Graham o Dieter Roth.
La organización ha puesto especial énfasis este año en la promoción de "Art Feature", un sector dejado en manos de los comisarios artísticos de Art Basel; y de "Art Statement", donde se ofrecen las exposiciones personales de 27 artistas jóvenes.

Fuente:EFE

EL ARTE SE CONVIERTE EN UN VALOR REFUGIO
EN TIEMPOS DE CRISIS



Añadir leyendaUn visitante de la feria de arte Art Basel, en Alemania, contempla dos obras de Tony Matelli el martes 12 de junio. Las obras de arte, aunque siguen siendo esencialmente adquiridas por coleccionistas, se convierten en un valor refugio en tiempos de crisis económica y atraen a inversores en busca de diversificación, sobre todo en Asia.

Por André Lehmann

Las obras de arte, aunque siguen siendo esencialmente adquiridas por coleccionistas, se convierten en un valor refugio en tiempos de crisis económica y atraen a inversores en busca de diversificación, sobre todo en Asia.
"Hay un enorme mercado de arte que emerge en Asia", estima Marc Spiegler, director de la feria internacional Art Basel, la mayor feria de arte contemporáneo del mundo, que abre sus puertas al público el jueves en Basilea (norte).
"El potencial es enorme en Asia", donde los coleccionistas se interesan cada vez más por el arte europeo, explica en una entrevista con la AFP. Para responder a esta tendencia, esta feria mundial, igualmente presente en Miami, decidió abrir sus puertas el año próximo en Hong Kong.
La situación es especial en China, explica Shengtian Zheng, jefe de redacción del Diario de Arte contemporáneo chino Yishu.
El mercado de arte existe en China únicamente desde hace unos diez años y los coleccionistas son en su mayoría personas que han hecho fortuna recientemente.
"Muchos de esos coleccionistas ven en sus compras únicamente una manera de invertir. Antes, invertían en el arte chino. Pero los precios se han disparado, y entonces ahora miran hacia los artistas europeos", indicó.
Según Shengtian Zheng, la opción de la compra se basa sobre todo en la valorización potencial de una obra.
En otras partes del mundo, la compra de arte sigue estando guiada esencialmente por el placer de adquirir y poseer una obra, insisten los especialistas. Aproximadamente el 80% de las personas que adquieren obras son apasionados, mientras que el otro 20% son inversores, recalca también Spiegler.
"Nuestros clientes están muy informados del mercado, conocen muy bien los artistas y los precios", explica Janis Gardner Cecil, directora de la galería neoyorquina Edward Tyler Nahem.
Pero sus clientes "van ante todo a comprar algo que les guste, aunque también a considerar el valor de su inversión", matiza.
Si los galeristas presentes en Art Basel prefieren hablar de la pasión por el arte, los especialistas en finanzas no dudan en hablar de inversión segura en periodo de crisis económica.
"Como los mercados financieros tradicionales son siempre muy volátiles y las tasas de interés históricamente bajas, la idea de que el arte, el vino, las antigüedades y otros objetos de colección pueden reportar ganancias, en relación a la inversión, es algo ciertamente seductor", indican los especialistas de Barclays Wealth en un reciente estudio.
Teniendo en cuenta la desconfianza que hay con respecto a los productos financieros, que han sufrido fuertes pérdidas durante la crisis, "no es sorprendente que un creciente número de inversores haya reforzado sus negocios en el mundo del arte, el vino y otros objetos de colección", añaden.
Entre los coleccionistas, según las estimaciones de Barclays Wealth, las obras de arte ocupan un segundo lugar detrás de las joyas, pero superan a los muebles antiguos y a los grandes vinos.
"Antes, los clientes querían sólo acciones, obligaciones y un poco de finca, pero ahora quieren que los activos sean muy diversificados y velan por colocar una parte de su fortuna (...) en el arte", subraya Phillip Hoffman, director general del fondo de inversiones especializado en arte "Fine Art Fund".
La 43ª edición de Art Basel se lleva a cabo hasta el domingo en Basilea y reúne a más de 300 galerías de 36 países que exponen las obras de unos 2.500 artistas de los siglos XX y XXI.

Fuente: AFP

GOOGLE INSTALA IMÁGENES 3D
EN EL PALACIO DE VERSALLES



Una de las fuentes frente al palacio de Versalles, el 4 de abril de 2009. El rey de internet, el gigante estadounidense Google, se instala en las dependencias de Luis XIV para mostrar por primera vez sus imágenes en 3D del palacio de Versalles.

Por Pascale Mollard-Chebenoit 

El rey de Internet, el gigante estadounidense Google, se instala en las dependencias de Luis XIV para mostrar por primera vez sus imágenes en 3D del palacio de Versalles y contar a los visitantes la compleja historia del lugar.
La galería de la historia del palacio, que mezcla obras originales, maquetas y dispositivos multimedia, es "fruto de una colaboración ejemplar" entre el establecimiento público y Google, declaró el miércoles Catherine Pégard, presidenta del palacio de Versalles en una rueda de prensa.
"Es la primera vez que Google se instala en un espacio físico de museo de forma algo permanente. No conozco ninguna otra experiencia en el mundo, incluido Estados Unidos", declaró a la AFP Carlo d'Asaro Biondo, presidente de operaciones de Google en Europa del sur y del este, Oriente Medio y África.
"Estoy muy contento porque se trata de la primera gran manifestación física del Instituto Cultural Google que he querido crear tras mi llegada en 2009" y que ha sido lanzada recientemente, añadió.
La galería de la historia del palacio, que se abre este jueves al público, propone once nuevas salas -cuatro multimedia- situadas en la planta baja del ala norte del palacio, justo antes del recorrido muy visitado de los grandes apartamentos. Se trata de los apartamentos de los príncipes de sangre, que fueron radicalmente transformados en el siglo XIX bajo Luis Felipe.
La nueva escenografía, realizada por la agencia Projectiles, es resueltamente moderna, muy estructurada y reversible. Unas 90 obras (pinturas, esculturas con las que cuenta Versalles) están presentadas bajo una iluminación sofisticada. Un tercio de estos objetos nunca habían sido expuestos.
El palacio de Versalles ha velado por que no haya confrontaciones entre las obras antiguas y el multimedia. "Era un principio intangible", explicó a la AFP Béatrix Saule, directora general del establecimiento.
Las películas 3D de Google, con detalles extremadamente concretos, sobre la historia de la construcción del palacio real y de sus jardines serán proyectados en salas especiales que se alternan con salas tradicionales. Una web www.versailles3d.com también ha sido desarrollada, al igual que un juego interactivo en línea.
Google ha aportado un mecenazgo y un apoyo financiero cuya cuantía no quiere revelar. Unas 50 personas han sido movilizadas durante casi un año en Versalles, al igual que ingenieros de Google en París, Nueva York y Colorado.
"Es la reconstrucción en 3D más avanzada que jamas hayamos hecho", declaró el ingeniero Steve Crossan, quien dirige el Instituto Cultural de Google en París.
El hecho de que Google esté físicamente presente en el palacio de Luis XIV es "extraordinario" para d'Asaro Biondo. "Es una muestra de respeto recíproco, un símbolo de toda la evolución que Google ha tenido que hacer sobre la cultura y los derechos de autor estos últimos años y que nos lleva a firmar acuerdos", incluido uno sobre la digitalización de algunos libros en Francia, anunciado esta semana, añadió. "Google tiene que crear sus raíces locales y para ello debe respetar las culturas locales", subrayó el italiano.
Versalles y Google colaboran desde hace años. Primero con Google Street View. Luego con Google Art Project (plataforma de visita virtual de los museos) en la que participó el palacio de Versalles desde el inicio, en febrero de 2011.
Google extenderá esta experiencia de presencia física en otros sitios. La empresa "ha puesto el sitio de Pompeya en la web y querría crear un lugar allí", indica d'Asaro Biondo. Lo mismo ocurre con Roma, que ha sido reconstruida en 3D. "Ahora, nos gustaría encontrar lugares para mostrar todo eso", dice.


Fuente: AFP

ALEMANIA DEVUELVE A PERÚ
UNA MOMIA PREHISPÁNICA SUSTRAÍDA EN 1986



La momia prehispánica peruana devuelta por Alemania a Perú, tras ser sustraída en 1986, en una imagen distribuida este jueves por el ministerio de Exteriores peruano.

Una momia de 600 años de antigüedad, sustraída en 1986 de Perú, retornó este jueves al país desde Alemania junto con el presidente peruano, Ollanta Humala, quien la recibió durante su visita a Berlín, informó el ministerio de Exteriores peruano.
La reliquia fue devuelta a las autoridades peruanas por representantes del museo Etnológico de Munich, que determinaron que se trataba de una momia de origen peruano.
El cuerpo momificado había sido hallado en la década de 1980 en alrededores del nevado Alpamayo, en la denominada Cordillera Blanca, en la región Áncash (norte).
La cancillería no entró en detalles sobre quién la sustrajo ni desde cuándo estaba en Alemania, y señaló que la momia había sido entregada a una revista de Munich que a su vez la hizo llegar a las autoridades del museo de Bavaria.
La momia fue devuelta en el marco de la visita oficial del presidente Humala a Alemania y llegó este jueves a Lima en el avión presidencial que lo trajo tras cumplir eata semana una gira por Suiza, Alemania y Francia.

Fuente: AFP

LOS NOVIOS DE MARY GORMAN


CUADERNOS PRIVADOS

Los novios de Mary Gorman

Por Laura Ramos


Por Laura Ramos
Los padres de Mary Gorman, la primera maestra norteamericana reclutada para trabajar en San Juan, se opusieron a que su hija viajara sola a través del Atlántico. Su padre, un clérigo bautista, se empecinó en que debían encontrar a un matrimonio respetable que oficiara de chaperón durante el viaje en barco. En octubre de 1869 la pareja Hazen Springs, que vivía en Buenos Aires y estaba de visita en ese momento en Boston, anunció que estaba a punto de regresar y se ofreció a acompañarla. Poco antes, en un crucero por el Caribe, Mary Gorman había conocido a un pariente de los Hazen, el joven John Bean, de Maine, que también aspiraba a viajar a Sudamérica. Su esperanza era hacer fortuna con un tío radicado en la ciudad, el banquero Andrew Bean.
Mientras en Boston se organizaba el viaje, Sarmiento esperaba impaciente: “¡Cuánto lamento que la señorita Gorman no haya llegado! Tengo suficientes para ella y dos más. Cuento con ella” le escribió a su amiga Mary Mann. Entretanto, había persuadido a las autoridades de San Juan para que construyeran un edificio modelo para la primera escuela normal. Mientras se encontraba en misión diplomática en Estados Unidos envió los planos y dirigió la obra por correspondencia: llegó a mandar por barco escritorios, relojes, mapas, cuatro máquinas de coser, un gran piano, libros y semillas para plantar en los jardines. La escuela se alzó en un solar ubicado frente a la tienda donde él había trabajado como dependiente cuando era un jovencito.
Según informa Alice Houston Luiggi en su libro 65 valientes , apenas llegó al puerto de Buenos Aires Mary Gorman fue invitada por la familia Bean a hospedarse en su quinta de la avenida Alvear, cuyos jardines eran famosos por un ombú de tronco diez veces más ancho que los comunes y descendían hasta el Río de la Plata. Pero la influencia de la familia Bean sobre Mary Gorman, en particular la de su enamorado John Bean, no fue beneficiosa para el proyecto de Sarmiento. Los miembros de la comunidad norteamericana se escandalizaron ante la perspectiva de que la joven emprendiera la travesía. Un viaje de quince días en diligencia, a través de caminos semipoblados y asechados por indios y saltadores les parecía inapropiado. En un artículo del 3 de agosto de 1869, el mismo año en que viajó Mary, el diario la Nación informaba que los indios estaban invadiendo Mendoza, Santa Fe y Córdoba. “El degüello es una plaga en la Argentina, como la fiebre amarilla en otras partes”, escribía Sarmiento dos años antes a la viuda de su amigo Alberastain.
Desde que Mary Gorman se resistió a viajar a San Juan, toda la simpatía que había despertado en Sarmiento se disipó: “No he de ser más cuidadoso de Miss Gorman que de mis hermanas y familia que viven en San Juan”, decía, según consigna Jorge Crespo en Las maestras de Sarmiento . A la espera de una plaza en una escuela pública de Buenos Aires, Mary rechazó varios ofrecimientos para trabajar en escuelas privadas, pero Sarmiento se había desentendido de ella, muy ofuscado. Por fin, decepcionada por no dirigir una escuela normal, en enero de 1870 asumió la conducción de la escuela primaria N° 12, pero los sueldos no llegaron a hacerse efectivos. Juana Manso explicó en una carta a Mary Mann que las razones eran: “1. Porque era gringa; 2. Porque esa gringa son los ojos de Juana Manso. Muchas veces he visto a la pobre señorita Gorman, pálida y abatida, a pesar de su resignación angelical, traicionando ese mudo pesar la tristeza de su corazón al verse maltratada y desconocida…”. A fines de junio aún no había cobrado. Su novio, desde la estancia Tatay donde trabajaba, le escribió: “Cuando nos casemos mi primer esfuerzo será devolverle la alegría que tenía cuando nos encontramos”. Mary Gorman recuperó la alegría, pero no junto a John Bean, que murió atacado por la fiebre amarilla antes de que pasara un mes. Mary recobró los colores con su mejor amigo, John Sewall, un joven cambista inglés.
La epidemia se había desatado en enero de 1871, con tal furor que en cinco meses se cobró a uno de cada diez mil habitantes de Buenos Aires. Mary, también enferma, cuidó a once afectados, entre miembros de la familia y sirvientes. La quinta de los Bean atraía naturalmente a las nubes de mosquitos que ascendían desde el cercano Río de la Plata. Murieron siete personas y se salvaron cuatro, Mary entre ellos. A fines de 1872 renunció a su cargo en la escuela, reabierta después de la epidemia, y al año siguiente se casó en la iglesia anglicana.
Su marido dirigía la estancia Curumalán, situada entre Buenos Aires y Bahía Blanca, que pertenecía a los Baring Brothers, unos banqueros no muy honestos, según la pluma afilada de mi padre. Unos años después, los Sewall compraron su propia estancia y, de acuerdo con el diario de otra maestra, Sara Eccleston, “vivieron aquí veintidós años e hicieron fortuna”. La Escuela Normal de San Juan tuvo que esperar a su directora norteamericana unos años más.


Fuente: clarin.com


TODAS LAS VIDAS Y LAS IMÁGENES DE TINA MODOTTI


"Fotógrafa y revolucionaria", la muestra con más de cien imágenes de artista italiana convertida en mito que se exhibe en el CC Borges, pone foco en el período en que “hace espejo con México”, abraza el comunismo y logra su mayor contribución: el uso de los símbolos políticos en la fotografía.




Por Marcela Mazzei

Su fotografía fue mutando al paso de una vida presurosa, que ancló en mito. Tina Modotti fue artista autodidacta a principios del siglo XX, dueña de una subjetividad que magnificó el compromiso social que había abrazado al conocer el México posrevolucionario, que imprimió en su obra carácter documental y en ella la ideología que la acompañó hasta la muerte. De manera irreparable, el mito entró en competencia con la artista, nacida en Italia en 1896, que emigró sola a los 16 años a Estados Unidos detrás de su padre. Allí, advertido su perfil de femme fatale clásica trabajó de modelo, filmó películas mudas en Hollywood, se convirtió en musa primero del pintor Roubaix de L´Abrie Richey y luego del padre de la fotografía pura, Edward Weston, quien le enseñó el oficio a cambio de cuidar de su casa y su pequeño hijo. Con el tiempo, se convirtió en su amante y juntos llegaron a México.
“Jamás ha anidado en ella la idea de construir ningún tipo de personaje, todo lo opuesto”, desafía Blanca María Monzón, curadora junto al alemán Reinhard Schultz de Tina Modotti. Fotógrafa y revolucionaria, la muestra con más de cien imágenes de la artista que hasta julio se exhiben en el Centro Cultural Borges. Por eso, más allá de lo fascinante de su vertiginosa vida y de la gente que Modotti conoció, prefiere hablar del sujeto textual y social que da lugar a este sujeto histórico llamado Tima Modotti. “Ergo, detesto absolutamente todos los mitos y mentiras que rodean su figura, porque realmente fue una mujer no convencional para su época, de una ductilidad y capacidad de aprendizaje poco frecuentes”.
En las paredes de CC Borges, el recorrido por las fotografías es cronológico, en función de la línea curatorial: una vida intensa en hechos, personajes y rumbos que se manifiesta en la evolución de su obra. Allí están las imágenes que Modotti y Weston tomaron en la carpa de un circo ruso: para entonces ya habían disuelto su relación personal y Modotti se emancipó también de su maestro para desarrollar una forma de expresión propia. Mientras Weston disparó a las estructuras del techo, la aprendiz integró a las personas sentadas en las gradas. En esta primera fase de su carrera, Tina Modotti creó algunas de sus obras más famosas como "Flor de manita", de la serie Flores y plantas, y "Rosas", la fotografía que en 1991 adquirió la feminista Susie Tomkins en 165 mil dólares en disputa con Madonna, coleccionista también de Frida Kahlo. Dos años después, “Calas” –de la misma serie– se vendió en Christie’s Nueva York en 189.500 dólares, un precio récord hasta el momento.
Organizada por la Galería Bilderwelt de Berlín, la muestra tuvo a Reinhard Schultz, su curador, presente en la inauguración. Experto aficionado, investigador y coleccionista de la obra de Modotti, Schultz comparte datos casi secretos de la biografía y su pesquisa personal detrás de las huellas de Modotti, en dosis iguales. Hacia un lado de la sala, iluminada por la calidez del anaranjado de algunas paredes, la atmósfera mexicana de la década de 20 se aparece en un puñado de retratos de campesinos, pescadores, una pila de heno, un niño trabajador… por la misma época en que Diego Rivera y Frida Kahlo estaban vivos y artistas e intelectuales del mundo entero se involucraban con el movimiento revolucionario y conformaban la vanguardia.
“No mucha gente sabe esto –advierte Reinhard Schultz–, pero Modotti era fotógrafa de los muralistas. Cuando Rivera mostró por primera vez su trabajo, las fotos eran de ella. El año pasado se exhibieron 60 de estas fotos que tomó de Rivera y su trabajo, que nunca se habían mostrado antes”. Contó que Modotti realizó este trabajo junto al enigmático escritor alemán B. Traven, que son más que meras fotografías de obra y que 120 de ellas están en poder de la viuda del autor que se había interesado en ella como él y tantos otros, cuando por casualidad se toparon con el enigma y convirtieron esa búsqueda en un pilar de sus vidas. En 1989, Schultz compró en México la primera foto de ella, pero su interés se remonta a 1982, cuando la galería White Chapel de Londres organizó la primera exposición de Tina Modotti en Alemania, junto a Frida Kalho. “Entonces un amigo mío hizo una película de una hora sobre ella para la televisión; y otra amiga, también interesada, escribió una biografía que investigó durante 10 años, y viajó a México, a Italia fuimos juntos, y esta biografía se publicó en 1989. Después continué haciéndome de sus fotos a medida que estaban disponibles”.
Todavía en México, Tina Modotti documentó las condiciones de extrema pobreza del pueblo en el barrio Colonia de la Bolsa, como un antecedente del paso siguiente. Su creciente compromiso la llevó a sumarse en 1927 al Partido Comunista Mexicano, hecho que tuvo correlato en la fotografía. Después de los estudios formales que habían sido los edificios y las plantas de sus primeros trabajos, hacia fines de la década del 20 Modotti se dedicó a documentar la obra de la Revolución –allí se inscriben las imágenes de asambleas de campesinos y su empleo en el periódico El Machete, hasta la síntesis de sus emblemáticos bodegones con martillos, hoces, sombreros, guitarras y mazorcas de maíz.   
Señalando una de las imágenes de esta serie, el curador alemán es categórico: “Es el estado político más fuerte al que alguien puede llegar, y nadie había usado este tipo de simbolismo político en fotografía antes de ella; es una contribución única”. Con los resultados políticos de la revolución mexicana todavía vívidos, su “bodegones” también funcionan como propaganda política: “Todo el mundo en México utilizaba símbolos muy claros porque es más fácil de comprender que si haces un discurso largo y lo escribes”, agregó Schultz sobre su perfil militante.

SINTESIS. Modotti usó símbolos políticos en el contexto de su trabajo para el PC, y ese fue su gran aporte a la fotografía.

El año en que todo cambió
En enero de 1929, revolucionario cubano Julio Antonio Mella –cofundador del PC de ese país– y amante de Modotti, fue asesinado a tiros delante de ella en plena calle. Una campaña mediática la acusó de cómplice. “El fue el gran amor de su vida, Tina Modotti sufrió mucho esa pérdida…con lo idealista que era ella, estar con alguien con ese grado de idealismo… una figura actualmente absolutamente revalorizada”, evalúa Blanca Monzón, mientras destaca un breve manifiesto en la misma pared que exhibe el rostro sin vida de Mella retratado por su amada, uno de los escritos de su puño y letra que se incluyeron en la muestra: “Una mañana revisábamos cosas viejas que se dejan aquí en algunos baúles, he destrozado muchas cosas, esto duele a veces, pero bendito sea el nada. (…) Desde ahora en adelante todas mis propiedades solo tendrán que ver con la fotografía; el resto, incluso cosas que amo, cosas concretas, las someteré a una metamorfosis, las transformaré de cosas concretas en cosas abstractas para así poder poseerlas para siempre en el corazón”.
A finales de 1929, realizó su primera exposición individual, y probablemente la más importante, en la Biblioteca Nacional de la Ciudad de México. Para 1930 ya había sido acusada de conspiración contra el presidente mexicano, encarcelada durante 12 días y luego expulsada del país. Se exilió en Berlín y de allí deambuló por Moscú, París y España, antes de su regreso a México en 1939. Durante su estancia en Berlín, el fotógrafo Lotte Jacobi organizó una importante exposición de sus obras y según Pablo Neruda, Tina Modotti lanzó su cámara Graflex al río Moskva, cuando vivía en Moscú.
“El movimiento comunista se convirtió en un factor dominante en la vida de Tina Modotti, porque no tenía a dónde ir en 1930. En Berlín no tenía ingresos –tampoco de la fotografía– ni amigos que cuidaran de ella, pero en Moscú estaba el partido comunista que la tomó, la integró, le dio un trabajo, un lugar donde quedarse. Trabajó para el Socorro Rojo sobre todo en Moscú, y por ellos fue también a la Guerra Civil Española, donde cuidó niños hasta el final de la guerra, cuando regresó a México”, revela el curador alemán. En esos años se hace amiga de Pablo Neruda, Rafael Alberti, Miguel Hernández.
Según Blanca Monzón, “hay ciertos detalles cuasi dramáticos en su vida que hacen que las leyendas oralmente vayan transformando y distorsionando los hechos”. Una “lamentable” película sobre Frida Kahlo donde aparece su personaje es el ejemplo más cabal. Pero hay más. El rumor de que Modotti había sido espía rusa se expandió alimentado por el silencio. “Nadie sabe con quién ella se relacionaba en Moscú, en cuántas misiones participó… porque iba en misiones secretas con el Socorro Rojo a otros países como Austria y aunque fuimos a Moscú no pudimos hallar esta información”, relata Schultz. “Pero nunca fue una espía rusa, ni participó del asesinato de Trostky… Hay una increíble confusión, pero el origen de la mayoría de esos errores son las controvertidas posiciones políticas que la gente tiene. No están basadas en hechos”.
En Viena, donde Modotti alguna vez estuvo en misión secreta, un curador escribió a propósito de la visita de esta misma muestra. "Aunque fue el cielo de México el que le dio luz a las fotografías de Tina Modotti, no es mérito de esta luz el hecho de que de su cámara fotográfica saliesen cuadros perfectos. El secreto de sus obras está en el hecho de que con la mirada de la bondad estas obras hacen más visible el mundo. Esta mirada quiso que los paisajes del trabajo, los productos del trabajo y los medios de producción, las plantaciones de caña de azúcar, la hoz mexicana, las ollas de terracota, las manos con una pala, las guitarras, los sombreros, las mazorcas de maíz tengan más gracia que las verdes praderas de la suiza. Sólo que la gente de este mundo no está feliz, ¿por qué? Es esta la pregunta contenida en su fotografía”.
Además de gran parte de la obra conocida de Tina Modotti, se exhiben fotografías de ella tomadas por el genial Weston, esas que la muestran en pose tan femenina; y en la misma sala se puede ver una de las dos películas mudas en las cuales actúa Tina Modotti; más un documental canadiense de 2009 que comparte ideales con los curadores y se proyecta los domingos después de una visita guiada.
Terminada la Guerra Civil Española, Tina Modotti regresó a México y pocos años después murió mientras viajaba en un taxi. Muchos años después, su historia revive en forma de mito y permite la perma. Una artista con sólo tres niveles de la primaria que realizó en solo siete años un aporte personal y único a la historia de la fotografía, una obra que a otros artistas, en caso que lo consigan, les lleva toda una vida y que sigue enamorando a los amantes del arte que siguen su huella en busca de alguna respuesta sobre este mundo. 

Tina Modotti. Fotógrafa y revolucionaria
Del 23 de mayo al 7 de julio
Centro Cultural Borges
Viamonte esq. San Martín
Entrada 15 pesos

MUESTRA DEL ARTISTA HÚNGARO QUE CREABA MUNDOS EN UNOS TRAZOS




Lajos Szalay nació en Hungría pero vivió años en Tucumán. Para Picasso, era el mejor después de él.
Aguafuerte porteña. Plaza de Mayo según Szalay 
Por Julia Villaro
La misma línea nerviosa habita todas las obras: si Lajos Szalay desenvainara su pluma como un cuchillo, todos sus dibujos vivirían de un mismo toque de gracia.
Szalay nació en Hungría en 1909 y en 1930 estaba en París estudiando con Picasso. Le fue bien: cuenta la leyenda que Picasso dijo que Szalay era “el más grande dibujante, después de mí”.
En 1948 ganó una beca Unesco y se vino para la Argentina, donde enseguida estaba enseñando en la Universidad Nacional de Tucumán. Con él había gente como Lino Enea Spilimbergo y Pompeyo Audivert. Entre sus alumnos estaba, por ejemplo, Carlos Alonso. Aquí editó tres libros de imágenes. Uno, Impresiones de un inmigrante, da cuenta de su mirada de Buenos Aires.
En 1960 se fue a los Estados Unidos, pero cuando murió, en 1995, estaba otra vez en Hungría. Y ahora sus obras se exponen acá, en el Museo Sívori, frente al puente del Rosedal.

Una mirada a la historia. El dibujo se titula “Marx y Engels”.
El dibujo de Lajos es esencial: tinta negra sobre hoja blanca. Pero su esencia es descarnada, dislocada, sus líneas son cuerdas, tendones, arterias, sus anatomías imposibles puestas ahí, arrojadas a la existencia, se retuercen en una mueca tormentosa pero atractiva.
Szalay expone su drama, que más allá del de las guerras y las injusticias es el drama de la existencia humana, su necesidad de sacrificarse, de rebelarse y de creer en un dios.
En su obra hay lugar para múltiples mitologías y su trabajo como ilustrador no hace más que intensificar su necesidad de crear una cosmogonía propia, un relato personal de cómo empezó el Universo. 
Este es el lado claro de un dibujante que, a primera vista, puede parecer oscuro, con sus personajes deformados, o con ojos que en la misma línea mutan en lágrima, pero que sostienen el sol en una mano y la luna en la otra.

Una mirada a la historia. El dibujo se titula “Marx y Engels”.
Desde su llegada a la Argentina, Szalay ejerció una importante influencia sobre el panorama artístico: su trabajo no sólo ayudó a conceder al dibujo la importancia que merece como práctica artística en sí misma –y no sólo mero preliminar de la pintura– sino que muchos de los protagonistas más importantes del arte argentino del siglo XX aprendieron de sus quiebres, de su “línea mosca, que zumba alrededor de las formas”, como él mismo la definía.
Cuesta comprender algunas imágenes, pero si le damos el tiempo necesario las formas emergen y el relato se impone. La reiteración educa el ojo del espectador, que a lo largo del recorrido aprende cómo encarar las obras de este artista y entonces comprendemos el sentido de una muestra tan vasta.
Si cada trazo de tinta en una hoja en blanco abre un mundo, el universo del dibujante húngaro Lajos Szalay se vuelve presencia a lo largo de nuestro recorrido por las salas de un museo acá, frente al Rosedal.


Fuente: clarin.com