ALFREDO HLITO:
EL HOMBRE QUE PINTÓ Y PENSÓ LA ABSTRACCIÓN
EN EL PAÍS



Se trata de pinturas y dibujos del legendario fundador de la Asociación de Arte Concreto.

La pieza del Malba. Este cuadro fue comprado en el último ArteBA.
Por Ana María Battistozzi 

Una de las noticias importantes que produjo ArteBA en su última edición fue la adquisición de una pintura de Alfredo Hlito que realizó la empresaria Silvia Breier y donó posteriormente al Malba. Importante no sólo porque con esa donación contribuyó a una presencia indispensable para la colección del museo, sino porque la acción de donar en sí misma, tan frecuente en otras sociedades, es extremadamente rara en nuestro país.
Raro es también que la obra en cuestión haya vuelto temporariamente ahora a la galería Mara, que la vendió, para integrar la exhibición antológica que le dedica al artista, como para empezar a despuntar el merecido homenaje que muy probablemente alguna institución le dedicará el año próximo, al cumplirse los veinte años de su muerte.
La exhibición está integrada por pinturas y dibujos sobre tela, tabla y papel. Pero también por una importante cantidad de bocetos, notas y documentos que le permitirán al público actualizar de una manera abarcadora la compleja experiencia de la obra de este artista que desde hace tiempo no aparecía en el horizonte de la escena local.
Figura fundamental de la vanguardia invencionista de los años cuarenta (ver recuadro) Hlito fue, con Tomás Maldonado y el poeta Edgar Bayley, uno de los que más contribuyeron a esclarecer la poética de la Asociación Arte Concreto-Invención en sus escritos. Básicamente orientada por una vocación revolucionaria en la que se mezclaban influencias del constructivismo ruso, del marxismo y de la teoría de la percepción, sin duda necesitaba de un apoyo semejante en el marco histórico en que apareció.
Artista extremadamente reflexivo y sensible, Hlito se ocupó tanto de los problemas teóricos de la pintura como de los prácticos. De este modo, plasmó sus inquietudes en dibujos y pinturas pero también en muchísimos de escritos, la mayor parte de ellos publicados entre 1953 y 1955 en la legendaria revista “Nueva Visión” que había fundado en 1951 con Tomás Maldonado y Carlos Méndez Mosquera.
Desde su temprana reflexión sobre “Representación e invención”, publicada en la Revista Arte Concreto en 1946, a los interesantes prólogos que escribió para la colección Ensayos Nueva Visión , los escritos de Hlito constituyen un capítulo indispensable para comprender los problemas de la pintura moderna pero fundamentalmente el modo como ingresó a nuestro país a partir de los años cuarenta. En ellos sobrevuela la influencia de la mejor tradición formalista que abordó u orilló la abstracción a lo largo de buena parte del arte del siglo XX.
No debiera extrañar entonces que de un pensamiento tan analítico haya derivado un trabajo en profundidad como el que el artista materializó en las sucesivas series Espectros , Simulacros , Esfinges que a su turno fueron planteando problemas del espacio, de la línea, curva o recta, el soporte o el color. Todas ellas están presentes en la selección que realizó Jorge Mara para esta exhibición. Y también en la serie de notas y cuadernos que funcionan como esbozos o apuntes de textos publicados. Todo eso ha sido magníficamente trasladado al libro que acompaña la muestra, otro de los lujos en que se empeña el galerista: una excelente edición en tapa dura con impecables reproducciones, un texto de la joven investigadora María Amalia García y una selección de textos del propio Hlito que realizó en 2007 el poeta y ensayista Rodolfo Alonso.

ARTE CONCRETO

Fundador. Hlito fue co- fundador del Movimiento de Arte Concreto-Invención y firmó, –en 1946, junto con Raúl Lozza, Enio Iommi, Lidy Prati, Manuel Espinosa, Claudio Girola y Tomás Maldonado– el Manifiesto Invencionista. Los entonces jóvenes y revolucionarios artistas afirmaban: “La ficción representativa llega a su fin La estética científica reemplazará a la milenaria estética especulativa e idealista. Las deliberaciones acerca de la naturaleza de ‘lo bello’ ya carecen de sentido. La metafísica de ‘lo bello’ se ha muerto de debilitación. Lo relevante ahora es la física de la belleza.” Iniciaron una corriente fundamental.

Fuente:clarin.com

MIRADAS CRUZADAS



El espacio expositivo no es el único territorio común de Pepe Mateos y Tony Valdez. Comparten también el interés por la mirada.

Pepe Mateos tiene la capacidad de meterse de lleno en los conflictos sociales para señalar la herida y, en un solo movimiento, dejar ahí expuesta la fractura social. Lo hace captando sutiles cruces de miradas, gestos amasados por la furia o el dolor, sombras de la vida. Cada imagen es fotoperiodismo puro, duro y poético. La mirada ida y el cuerpo como coraza de ese hombre que parece salido de una pintura de Otto Dix, en la estación de Glew, en medio de un paro de trenes. O esas dos mujeres del comedor popular de la Villa 31 en una especie de “Sin pan y sin trabajo” contemporáneo. Y qué decir de los pasajeros cruzando las vías del ferrocarril, escapando, entre el humo denso: una foto potente (en la que no se muestra el fuego) que fue tapa del diario.
A Mateos le tocó cubrir muchos incendios en trenes y en villas. Sus fotos son efectivas, precisas: ahí está ese hombre en primer plano abandonando el asentamiento en llamas de Bajo Flores donde cientos de vecinos quedaron sin casa. Lleva un toallón al cuello, carga un parlante y un par de bolsas chicas de nylon: es todo lo que le quedó. Y esa foto condensa toda una vida.

Miradas cruzadas

Las fotografías de Mateos son fragmentos que reconstruyen la última década. Son imágenes que conmueven, perturban, sublevan. Nunca anestesian. Tienen una potencia singular porque son parte de nuestra historia compartida. Y a veces, cuenta Mateos, por más que quiera, no puede olvidarlas.
Hay fotos que son como escenas de películas. En muchas se evidencia el vértigo de la cobertura y simultáneamente la precisión de la imagen que no necesita epígrafe. Algunas devinieron testimonio y prueba irrefutable. Ahí está una de las fotografías que capturó en el hall de la estación de Avellaneda. Mateos tomó más de 200 imágenes, que, junto a las de otros fotógrafos, fueron incorporadas a la causa. La secuencia mostró la entrada del ex comisario Alfredo Luis Fanchiotti en la estación de Avellaneda y los instantes finales de Darío Santillán. En la foto expuesta se ve al ex comisario apuntándole, itaka en mano, a Santillán, parado junto a Maximiliano Kosteki agonizando en el suelo. Además de suministrar las fotografías, Mateos declaró como testigo durante el juicio oral por la masacre.
La de Avellaneda es una de esas vivencias que, cuenta Mateos, se le quedan ahí, pegadas bajo la piel. Hubo otras con esa misma intensidad: la cobertura del 19 de diciembre de 2001 en Plaza de Mayo, en un momento en que estaba tomando fotos en otras secciones, como la de moda. Cuenta Mateos que estaba en la plaza y pensó que aquella jornada tenía que fotografiarla. Fue al diario a buscar el equipo: cuando volvió, la represión ya había comenzado. Y en 2009, una semana antes del veredicto del juicio por la tragedia de Cromañón, cuando entró en el local incendiado: “Las paredes estaban llenas de hollín donde quedaron grabadas las huellas de los cuerpos y las manos buscando la única puerta de salida en la oscuridad”, recuerda Mateos de esa foto que fue tapa del diario.
En algunas fotos hay cruces de miradas sublimes, como el de esas damas que toman el té en Las Violetas y las mujeres de sectores populares en la calle o el de la “mala junta” de sacerdotes y oficiales. A unos pasos, un chico inolvidable mira de frente al espectador en el incendio en Villa El Cartón. “Me fascina esa dinámica de los grupos que están ligados por algo que no puede definirse, algo invisible”, dice el fotógrafo.

Miradas cruzadas

Tony Valdez, por su parte, cuenta que los retratos le permiten mostrar una faceta menos conocida de su trabajo. Le gusta tomarse su tiempo, lograr cierta empatía con el personaje a fotografiar. Valdez también viene del fotoperiodismo. Cubrió las jornadas de protesta contra Pinochet mientras estaba en el gobierno. Hizo un ensayo fotográfico sobre el HIV poniendo el foco en la vida cotidiana de Roberto Jáuregui. Estuvo en El Salvador cuando terminaba la guerra civil y en el Amazonas boliviano durante la quema de cultivos de coca cuando intervinieron por primera vez los marines americanos.
Para esta muestra seleccionó medio centenar de retratos de los últimos treinta años. Valdez pone en el centro de sus fotografías la mirada: ahí, intuye, se devela y rebela lo más íntimo. Un núcleo estructural a veces ominoso, a veces trágico; en todos los casos, atractivo. Son fotografías tomadas en la Argentina para medios gráficos nacionales e internacionales, con distintas técnicas que van desde una cámara con cajón pasando por una digital hasta un iphone. Por ahí desfilan personajes del arte, la literatura, el cine, la política: George Soros, Andrés Calamaro, Lito Nebbia, Guillermo Kuitca, Raúl Alfonsín, Rep, Daniel Melingo, Francois Mitterrand, Salman Rushdie, Mijail Gorbachov, Luciano Pavarotti, Martin Parr, Fito Páez, Moshen Rabbani, el Tata Cedrón, Isabel Martínez, entre otros.
Hay primeros planos intensos: Alfredo Yabrán mirando hacia arriba (los bordes del negativo sin retocar provocan un efecto extraño), la expresión torva de Rico que se cruza a unas fotos de distancia con la mirada de Werner Herzog, transparente, de águila, dirá con precisión Valdez. Y un primerísimo plano de Bussi que impresiona: los ojos desorbitados de furia.
Más allá, Maradona, completamente abstraído, sonriendo solo mientras camina después de un entrenamiento. Otros, en cambio, posan. Hay tiempo para arreglarse, sí, pero, uno intuye, pocas posibilidades de controlar la mirada, el gesto. Como si la propia piel, frente a la cámara, los abandonara.
El martes 12 de junio a las 19 Tony Valdez realizara una visita guiada por su muestra.

Fuente: Revista Ñ Clarín

DOCUMENTA, O CUANDO CASI NO SE DIFERENCIA EL ARTE DE LO QUE NO LO ES

Se realiza en Kassel, Alemania y convoca a los más novedosos artistas del mundo.
Santorium. Una vista de la instalación del artista mexicano Pedro Reyes. En la muestra participan 180 artistas.
A partir de mañana y por los próximos cien días permanecerá abierta al público Documenta13, la gran muestra de arte internacional que tiene lugar cada cinco años en la ciudad alemana de Kassel. Nacida en 1955 como apartado de una muestra de Floricultura, en medio de la compleja reconstrucción alemana tras la guerra, su primer objetivo fue histórico y moderno a la vez: reivindicar ante el pueblo alemán el arte de vanguardia que había sido expulsado y censurado por Hitler como “arte degenerado”.
La respuesta del público a esa primera exhibición fue tan entusiasta (acudieron más de 130 mil personas) que animó a los organizadores a repetir algo similar. A partir de allí se organizó como exhibición regular y creció fundamentalmente con la participación de artistas modernos y contemporáneos de Europa y Estados Unidos. Al mismo tiempo, la periodicidad de cinco años, consagrada definitivamente a partir de 1972, permitió concebir proyectos cada vez más ambiciosos desde el punto de vista teórico.
Así podría decirse que desde fines de los años 60 Documenta se instaló como plataforma para lo nuevo y a su turno fue presentando cada una de las irrupciones que definieron el arte de la posguerra. Esa lógica de lo nuevo, propia de la vanguardia, mantiene hoy una rotunda vigencia que se confirma con las intenciones manifiestas por cada curador ante cada edición.
Con todo, esta vez la curadora Carolyn Christov Bakarviev, nacida en New Jersey pero de larga trayectoria profesional en Europa, ha hablado de un visión “holística y no logocéntrica”, lo que no es una gran novedad. En verdad se trata de ideas que circulan en el horizonte desde la irrupción de la posmodernidad. Y en el medio surgen también afirmaciones que, sacadas del contexto de debate, al gran público le resultan urticantes tal como “la diferencia entre lo que es arte y lo que no es arte es irrelevante” o “una exhibición se ha convertido en un estado mental”.
Lo más interesante de todo lo que rodea a la Documenta 13 que arranca mañana pareciera ser lo que puede generar el eje “procesos de destrucción y reconstrucción”, uno de los que emergen en esto que se postula como un laboratorio de ideas para el mundo del arte. Será interesante comprobar por caso cómo es tratado por los artistas este concepto en un mundo, como el que habitamos, que ha asistido a ejemplos dramáticos como lo que ocurrió con la destrucción- reconstrucción de Irak .
Si hasta la Documenta X los artistas pertenecían mayoritariamente a Estados Unidos y Europa, hay que destacar que en ésta y las últimas ediciones la participación de otras geografías ha ido en aumento. La representación de América Latina es más robusta, con artistas mexicanos, entre otros y la surrealista brasileña María Martins –de quien el MALBA tiene obra–. De nuestro país, Guillermo Faivovich y Nicolás Goldberg fueron invitados con el proyecto que trajo polémica Una guía a Campo del Cielo , (ver recuadro) y AdriÁn Villar Rojas, el joven que representó al país en la última Bienal de Venecia.

DOS OBRAS - HITO


“7000 robles”: es una obra de Joseph Beuys. Y de muchos de los habitantes de Kassel, la sede de la muestra. Beuys la presentó en la edición de 1980 y no fue terminada hasta 1985, un año después de su muerte. Consistió en plantar 7000 robles y, a su lado, una columna de basalto. La obra no fue comprendida en un principio, pero ahora goza de mucha popularidad: el artista creó un pulmón para la ciudad.
1001 Chinos: esa fue la obra del artista Ai Weiwei en la edición 2007 de Documenta: se llevó a vivir a Kassel a 1001 compatriotas suyos. Caro y complicado: sobre los costos económicos de semejante traslado no hay nada que aclarar. Pero a eso hay que sumarle la política del gobierno de China, que obliga a sus ciudadanos a pedir autorización para viajar.


Fuente: clarin.com

LA MURALLA CHINA MIDE EL DOBLE DE LO QUE SE SABÍA



Luego de realizada la primera medición integral su extensión alcanza los 21.196 kilómetros. Es superior a la distancia que hay entre Beijing y Ushuaia.


La Muralla china mide el doble de lo que se sabía

La suma es asombrosa no sólo por su magnitud, sino sobre todo porque China ocupa a lo largo 5.500 kilómetros de norte a sur, lo que muestra la sinuosidad de la construcción.
Cabe recordar que las obras de la Muralla comenzaron hace 2.200 años y su estructura se extiende por 15 provincias, abarca regiones autónomas y municipalidades del país, como Beijing, Tianjin, Hebei, Shanxi, Mongolia Interior, Liaoning, Jilin, Heilongjiang, Shandong, Henan, Shaanxi, Gansu, Qinghai, Ningxia y Xinjiang.
La fortificación es una serie de sistemas defensivos no contiguos que incluyen murallas, barreras naturales y trincheras. Fue construida en el norte del país entre el año 475 antes de Cristo y el 1644 de nuestra era. Su función principal era contener las invasiones de los mongoles, según informa el diario Clarín.
En cuanto a su estado general, la edificación nombrada Patrimonio de la Humanidad por la Unesco en el año 1987 está seriamente afectada por el robo de piedras y ladrillos, que es bastante habitual. Además los cultivos también erosionan el monumento, atraviesa zonas desérticas y enfrentó fenómenos naturales como terremotos, inundaciones, lluvia y viento que afectaron al monumento.

Fuente: infobae.com

LAS 19 MEJORES FRASES DE RAY BRADBURY



Las 19 mejores frases de Ray Bradbury


A modo de homenaje al maestro de la ciencia ficción recientemente fallecido, una selección de sus mejores declaraciones

Hay peores cosas que quemar libros, una de ellas es no leerlos.

Sin bibliotecas, ¿que nos quedaría?; no tendríamos pasado ni futuro.

No pienses. Pensar es el enemigo de la creatividad. Es auto consciente, y cualquier cosa auto consciente es terrible. No debes intentar hacer cosas. Simplemente debes hacerlas.

…La biblioteca, por otro lado, no tiene límites. La información está ahí para que la interpretes. No hay nadie que te diga que pensar, que te diga si eres bueno o no. Lo descubres por ti mismo.

No intento describir el futuro. Intento prevenirlo.

Hay solo dos cosas con las que uno se puede acostar: una persona y un libro.

Sólo podemos progresar y desarrollarnos si admitimos que no somos perfectos y vivimos de acuerdo con esta verdad.

Un libro es un arma cargada.

El amor es la respuesta a todo. Es la única razón para hacerlo todo. Si no escribes historias que amas, nunca funcionará. Si no escribes historias que otras personas aman, nunca funcionará.

Toca un científico y tocarás un niño.

Si escondes tu ignorancia, nadie te molestará, pero nunca aprenderás.

Los misterios abundan donde la mayoría busca respuestas.

Pasé tres días a la semana durante 10 años educándome en la biblioteca pública, y es mejor que el colegio. Las personas deberían educarse a sí mismas; una educación completa sin dinero de por medio. Al final de esos 10 años, leí cada libro de la biblioteca y escribí miles de historias.

Tienes que saber cómo aceptar el rechazo y rechazar la aceptación.

La divagación es el alma del ingenio.

La ciencia ficción te balancea en el acantilado. La fantasía te empuja.

Mi trabajo es ayudarte a estar enamorado.

Somos el milagro de la fuerza y la materia convirtiéndose a sí mismas en imaginación y voluntad.

La vida termina como el resplandor de un film, una chispa en la pantalla.




Fuente: infobae.com

LA OBRA DE MIRÓ "PINTURA (ESTRELLA AZUL)"
SERÁ SUBASTADO EN JUNIO EN LONDRES




Una mujer visitando la exposición 'Miró! Poesía y luz', dedicada al artista español, en Chiostro del Bramante, en Roma, el 15 de marzo pasado. Ochenta pinturas y esculturas se exponen en el íntimo claustro romano hasta el 10 de junio.

Por Vincenzo Pinto

El óleo 'Pintura (Estrella azul)' del artista español Joan Miró será ofrecido al mejor postor en una subasta organizada el próximo 19 de junio en Londres por la casa Sotheby's, que espera obtener por él más de 24 millones de dólares.
El propio Miró (1893-1983) consideraba esta tela de color azul intenso que pintó en 1927 como uno de los cuadros "clave" de su obra, porque según él reunía "excepcionalmente la representación de la figura humana y los signos cósmicos en una sola imagen".
La obra, procedente de la colección de André Lefèvre, ex banquero y gran mecenas francés de la primera mitad del siglo XX, pasó 40 años en la caja fuerte de un banco antes de ser vendida en diciembre de 2007 por 11,6 millones de euros en una subasta organizada en París.
Tras el éxito de la importante retrospectiva del pintor catalán presentada en el último año en Londres, Barcelona y Washington y sus recientes resultados en el mercado del arte, Sotheby's estimó "Pintura (Estrella azul)" en entre 15 y 20 millones de libras (23,7-31,6 M de dólares, 18,4-24,5 M de euros).
Una pintura-poema surrealista de Miró, 'Le corps de ma brune...', estableció en febrero pasado un récord mundial para el artista al venderse por 16,8 millones de libras (26,5 millones de dólares según el cambio fijado en esa fecha) en una subasta organizada en esta misma capital por su rival Christie's.
Además del Miró, Sotheby's pondrá bajo el martillo en esta velada dedicada al arte impresionista y moderno un 'Hombre sentado' ejecutado por Pablo Picasso en 1972, estimado en hasta 9 millones de libras (14,2 M de dólares, 11 M de euros), así como obras de Pierre Bonnard, Paul Signac, Claude Monet y Marc Chagall, entre muchos otros.
Fuente: AFP

RENOIR Y PICASSO,
ESTRELLAS DE UNA SUBASTA EL 20 DE JUNIO EN LONDRES




La obra de Pablo Picasso 'Femme Assise', expuesta en la casa de subastas Christie's durante una muestra previa de la subasta de Arte Impresionista y Moderno, el 28 de octubre de 2011 en Nueva York.

Por Emmanuel Dunand

Una 'Bañista' pintada en 1888 por el francés Auguste Renoir y tres obras del español Pablo Picasso, encabezadas por 'Mujer con perro' de 1962 serán las grandes atracciones de la subasta que prepara la casa Christie's para el 20 de junio en Londres, anunciaron los organizadores.
Considerada una de las más bellas ilustraciones del tema favorito de Renoir (1841-1919), la 'Bañista' tiene un precio estimado de entre 12 y 18 millones de libras (14,9-22,4 millones de euros).
La obra, que ha formado parte de varias colecciones importantes, no ha vuelto a salir al mercado desde 1997, cuando se vendió por 20,9 millones de dólares, que es todavía el récord mundial para un desnudo del artista francés.
Junto al Renoir, Christie's ofrecerá al mejor postor en esta subasta, dedicada al arte impresionista y moderno, el óleo de Picasso (1881-1973) 'Mujer con perro', que representa a su segunda esposa, Jacqueline Roque, con su lebrel afgano Kabul, valorado en entre 6 y 9 millones de libras (7,4-11,2 M de euros).
También del artista malagueño pero de otro periodo, se subastara 'Femme Assise' (1949), una colorida celebración del milagro del nacimiento, con una estimación alta de 7,5 millones de libras (9,3 millones de euros).
Completará la propuesta 'picassiana' el grabado 'La comida frugal', ejecutado en 1904, cuando el artista sólo tenía 23 años de edad, y valorado en hasta 2,5 millones de libras (3,1 millones de euros).
En total, Christie's espera obtener más de 86,5 millones de libras con las 71 obras que pondrá a la venta en esta velada, uno de los platos fuertes de las tradicionales subastas veraniegas de la capital británica.
El miércoles, la casa Sotheby's en París adjudicó un retrato de Dora Maar, 'Cabeza de mujer' (1939), de Pablo Picasso por 6.336.000 euros en una subasta, indicó la empresa. La pintura al óleo, que representa a la que fuera musa y amante del pintor, estaba estimada en entre 3 y 5 millones de euros.
Otro cuadro del pintor de la misma época, 'Mujer sentada', fue por su parte adjudicado por 3,4 millones de euros. En total, la venta alcanzó los 9.761.500 euros.

Fuente: AFP