CALIDAD Y PRECIO:EL ARTE DE AMÉRICA LATINA BUSCA ENAMORAR A NUEVA YORK

Empezó Pinta, la feria de arte moderno y contemporáneo de la región. Se presentan propuestas audaces, en plena época de subastas millonarias en la ciudad

Un símbolo de nuestro tiempo. La “disección” del dólar en el espacio, una obra del argentino Emiliano Miliyo, a pasitos de Wall Street. /PINTA

Ana María Battistozzi
Nueva York - Especial
 

La semana despuntó con la noticia de los 142,4 millones que se pagaron la noche del martes en Christie’s por los tres estudios de Lucien Freud que pintó Francis Bacon en 1969. La suma empinó en 30 millones el récord que marcó el año pasado El grito de Munch. Le siguió el Balloon Dog, escultura de acero de Jeff Koons que alcanzó 58,4 millones y esta semana marcó la suma más alta pagada hasta ahora por un artista vivo.

No se equivocó Diego Costa Peuser, el director de Pinta, la feria de arte moderno y contemporáneo latinoamericano de New York, en hacerla coincidir con los remates neoyorquinos de otoño.

La semana próxima será el turno del arte latinoamericano y muchos de los pesos pesado del coleccionismo de la región ya están aquí. Habrá que ver si comparten el espíritu comprador, aunque todo el mundo es consciente de la diferencia en cifras. Justamente, quizás resida allí el atractivo de Pinta; arte de calidad a precios todavía accesibles.

La agenda comenzó con visitas a estudios como el del argentino Fabián Marcaccio, que exhibirá el próximo año en la colección Daros de Brasil, o al Balcony del Metropolitan, espacio de acceso restringido donde se exhibe una instalación de Nicola López, una de las artistas que está en Pinta. La estrategia busca pone, en contexto a los artistas que participan.

Al promediar la tarde de ayer, los dos pisos del espléndido loft de 15 mil metros cuadrados de la calle Mercer, en pleno Soho neoyorquino se fue colmando de figuras del mundo del arte: artistas coleccionistas y gente de negocios. En los pasillo de la feria se vio entre otros a Solita Mishaan, coleccionista de Kuitca, al matrimonio Adler –importantes coleccionistas de Houston– y a Lili Scarpetta, de Colombia. También a Marta Minujin, a Facundo Gómez Minujin –hasta hace poco presidente de ArteBA– y a Alan Faena.

Más de 60 galerías de Estados Unidos, Europa y América latina se reunen en esta séptima edición para presentar 300 artistas. Ya consolidada, la feria se aventura con novedades. Básicamente, un diseño a cargo de profesionales como José Roca, asesor de arte Latinoamericano para el museo inglés Tate, Cecilia Fajardo Hill, ex colección CIFO de Miami y Museo de Arte Latinoamericano de Los Angeles, y Octavio Zaya, curador español con amplia trayectoria en Latinoamérica. Todos fueron convocados por su trabajo en el p osicionamiento del arte latinoamericano en Europa y los Estados Unidos.

Esto se completa con un programa de conferencias que tiene el apoyo del Ministerio de Cultura de la Ciudad de Buenos Aires, que además presenta aquí un espacio con una instalación del artista Emiliano Miliyo (1970) y obras de Karina El Azem (1970). Las obras de ambos tienen como referencia el ADN. Lo de Miliyo es una “disección” del dólar en el espacio, según el autor ”uno de los símbolos más pregnantes de nuestro tiempo”. Lo de El Azem es una serie de retratos llamada Inocence Project: refiere a pruebas de ADN que permitieron liberar a condenados por crímenes que no cometieron.

La sección curada por Cecilia Fajardo Hill bajo el título de Moderno articula trabajos de maestros consagrados por la modernidad latinoamericana con artistas conceptuales como las argentinas Margarita Paksa y, Marie Orensanz. En su selección, que incluye entre otras a Ana Mercedes Hoyos y Delia Cancela, hay una fuerte presencia de mujeres aunque su conjunto está lejos de ser una aproximación “de género”.

El capítulo que curó Roca fue auspiciado por Arcos Dorados y la argentina Erica Roberts, miembro del board de la Tate. Su título, Emerge: artistas muy jóvenes.

Luego hay una sección de Video que curó Octavio Zaya; y el proyecto Contemporáneo, ideado por el curador Ian Cofre partir de las galerías Arte x Arte de argentina, PanAmerican Projects de los Estados Unidos, Caja Negra, Walter Otero y Alfredo Ginochio. Aquí están las galerías de Estados Unidos más conocidas por representar a artistas de Latinoamérica. Cecilia de Torres de Nueva York, Alexandra von Hartz de Miami y Sammer Gallery, entre otras.

Fuente: Revista Ñ Clarín

PROMETEO, UNA EXPERIENCIA ESTÉTICA POR LA EMANCIPACIÓN DEL SONIDO

El Teatro Colón presenta en calidad de estreno latinoamericano Prometeo, tragedia dell'ascolt, obra cumbre del compositor veneciano Luigi Nono . Un esfuerzo titánico y una puesta novedosa con el público rodeado por los músicos

EXPERIENCIA. En el Prometeo de Luigi Nono la música llega a los oídos del público desde distintos lugares del Teatro Colón. PRENSA TEATRO COLON / MAXIMO PARPAGNOLI

Por Gustavo Fernández Walker

El nombre mismo es ya una señal de algo osado y monumental. Prometeo era el nombre del titán que entregó a los hombres el fuego robado a los dioses. El Prometeo moderno bautizó Mary Shelley a su Frankenstein, dispuesto a descubrir nada menos que la llama de la vida. Y Prometeo, tragedia dell'ascolto es el nombre de la obra cumbre del compositor Luigi Nono (Venecia, 1924-1990), una ópera asombrosa y genial que este fin de semana podrá escucharse en el Teatro Colón, con el esfuerzo conjunto del Ciclo de Conciertos de Música Contemporánea del Teatro San Martín y Colón Contemporáneo y en calidad de estreno latinoamericano.

Y la palabra clave es, en efecto, "escuchar". El propósito de Nono es nada menos que "liberar" la escucha del habitual sometimiento a la visión, al movimiento. Crear un ámbito en el que los sonidos mismos constituyen el drama. La obra fue estrenada en Venecia en 1984, en una vieja iglesia "secularizada", en la que el arquitecto Renzo Piano, siguiendo las indicaciones de Nono, diseñó una imponente estructura de madera en la que público e intérpretes estaban dispuestos de una manera particular, pensada especialmente para provocar un nuevo tipo de experiencia musical. El texto de la obra fue creado junto al filósofo Massimo Cacciari, a partir de textos de Esquilo, Hesíodo, Sófocles, Rilke y Walter Benjamin, entre otras fuentes. La música llega a los oídos del público desde distintos lugares de la estructura: uno se encuentra rodeado, sumergido en los sonidos generados por los diversos grupos instrumentales, recitadores, coro, solistas y parlantes en los que el sonido se procesa en tiempo real.

La estructura diseñada por Renzo Piano parecía una enorme nave, y funcionaba a la vez como sala y como caja de resonancia. El resultado de la aplicación conjunta de técnicas de construcción naval y de luthería. El proyecto original contemplaba la posibilidad de trasladar la estructura a los lugares en los que se hicieran nuevas representaciones, pero un año después del estreno, para la presentación en La Scala de Milán, en 1985, Nono cambió de idea: además de una serie de modificaciones a la partitura, los enormes costos de producción que implicaba el traslado del espacio original lo convencieron de imaginar las sucesivas presentaciones adaptadas a los lugares en los que se llevarían a cabo. Así se estrenó la obra en Frankfurt, París, Bruselas, Londres y Berlín. Y así, también, llega ahora al Teatro Colón, este fin de semana (sábado a las 20.30 y domingo a las 17.00), a cargo de grandes artistas cuya enumeración ocuparía toda esta página: así de "titánico" es el esfuerzo que implica la producción de este Prometeo.

Para dar una idea de todo el trabajo que hay detrás de la obra, baste mencionar que los preparativos comenzaron hace más de un año. Así lo cuenta André Richard, el encargado de todas las sucesivas "reencarnaciones" de la obra en diversas salas del mundo: "hicimos una especie de scanner del Colón, para tomar como punto de partida la estructura del teatro. Es un desafío, similar a lo que nos ocurrió en La Scala en 1985: un teatro consagrado a la ópera, una arquitectura centenaria en la que el público está acostumbrado a tener a los músicos de frente, sobre el escenario. Pero la idea de Nono es cambiar todo esto: el público está ahora en el centro, rodeado de los músicos, a los que hay que ubicar en diversos grupos en los palcos, a diversas alturas".

TELEDIRIGIDOS. Los músicos tocan también en los palcos, y siguen al director a través de pantallas. PRENSA TEATRO COLÓN / MÁXIMO PARPAGNOLI

-¿Cuánto cambia la obra, entonces, en cada nueva representación?

-Cuando Nono concibió esta partitura, tenía en mente una cierta concepción del espacio, plasmada en la estructura de madera de Renzo Piano. Pero para el segundo estreno, en La Scala, se hicieron muchas modificaciones. Uno puede intervenir en el espacio de una cierta manera, pero hay una relación entre la orquesta, los solistas y la electrónica que corresponde a la concepción original de la obra y que no se puede modificar. Después de mucho trabajo, encontramos la solución para el Teatro Colón, y debo decir que estoy fascinado por el sonido de la sala. No sólo por lo que llega desde el escenario, sino por cómo suenan los instrumentos fuera de la caja acústica. Me sorprendió lo bellos que son los sonidos interpretados desde los palcos. Es verdaderamente un milagro.

-Hay una suerte de paradoja: los procedimientos para lograr la "emancipación" del sonido respecto de la vista son tan novedosos que es difícil no sentir el deseo de observar cómo son generados.

-Pero eso es así porque nosotros no podemos separar la escucha de la vista. En esta tragedia dell'ascolto, precisamente, lo que se busca es reducir al mínimo el movimiento, los decorados, todo aquello que no sea el sonido mismo. Pero si uno piensa en la estructura original de Piano, eso se lograba mediante una verdadera experiencia estética, condicionada por la arquitectura. En cierto modo, esa influencia de la arquitectura en lo sonoro tiene un antecedente en Bayreuth: cuando Wagner escribe una ópera especialmente para ese teatro, como Parsifal, modifica su escritura completamente.

-Las dimensiones de Prometeo son, también, "wagnerianas"...

-En el caso de Nono, creo que tiene que ver con el hecho de que se trata de una personalidad profundamente identificada con su ciudad. Nono es veneciano, y en Venecia el tiempo es completamente diverso respecto de otras ciudades. Por lo pronto, no hay autos. Hay que caminar, atravesar puentes, ocasionalmente tomar un vaporetto... Los desplazamientos son mayores, toman más tiempo, demandan más energía. Y la música de Nono es así, especialmente en sus últimas obras. Tienen una concepción del tiempo totalmente diferente de la habitual: Prometeo tiene un ritmo que, para mí, es "veneciano". Hay gente que se desespera porque parece que transcurre un tiempo larguísimo y que no pasa nada. No puedo hablar por los otros, pero una vez que una persona acepta esta nueva situación de la escucha puede tener una experiencia completamente extraordinaria, fuera de lo normal. Se produce una suerte de epifanía, y eso lo noté en todos los lugares en los que se hizo esta obra. Todos terminan absolutamente fascinados.

AGENDA:

Teatro Colón. Cerrito 628

16.11.2013 • 08:30 pm
17.11.2013 • 05:00 pm

Fuente: Revista Ñ Clarín

DESTRUYEN MARFIL CLANDESTINO

Varios colmillos de marfil tallados se amontonan en una plataforma en el Repositorio Nacional de Vida Silvestre, en Rocky Mountain, Colorado, EE.UU., ayer, miércoles 13 de noviembre de 2013.
Son parte de más de 6 toneladas de colmillos de marfil y esculturas por valor de millones de dólares que serán aplastados en la instalación el jueves.
Los artículos fueron incautados a contrabandistas, comerciantes y turistas en los puertos de entrada de Estados Unidos después de una prohibición global sobre el comercio de marfil que entró en vigor en 1989.

Fuente: AP/Ed Andrieski

FUE PREMIADA POR UN DIBUJO Y VIAJÓ A MÉXICO

La cordobesa Milagros Chuquimago, de 10 años, ganó un concurso de pintura infantil sobre el cuidado del agua.

En el cole. Milagros muestra la medalla y el diploma que trajo del Norte.

Córdoba. Corresponsalía Lucas Cruzado

Aunque ya pasaron varias semanas, el primer viaje en avión y la distinción que recibió en México aún perduran en la sonrisa de Milagros. “Fue hermoso. Me encantaron los parques y la calidez de la gente”, le dice a Clarín Educación, tímida, vestida con un impecable guardapolvo blanco.

Esta cordobesa de apenas 10 añitos fue premiada en México gracias a un dibujo que envió para participar del concurso “ Pintura Infantil ” en el marco del programa "Escuelas México", una iniciativa cuyo objetivo principal es apoyar la infraestructura y equipamientos de colegios que llevan el nombre de ese país, sus héroes o ciudades.

“Yo dibujé un hombre sacando basura del agua y escribí algo referido a eso. Se ve que les gustó”, cuenta Milagros Flores Chuquimago, que actualmente cursa quinto grado en el colegio República de México en Córdoba capital. La niña, que representó al país, fue galardonada con una medalla y un diploma junto a 31 jóvenes más de distintos países de América Latina. “Fueron cuatro días increíbles en los que aprendimos muchísimo. Conocimos lugares con historia y mantuvimos un intercambio cultural impresionante”, explica Bibiana Flores, la directora de este modesto colegio público, que acompañó a la pequeña debido a que sus papás no podían hacerlo.

El certamen tuvo como temática el cuidado del agua, en coincidencia con la designación de la UNESCO del año de la cooperación internacional en esa esfera, decidida por la Asamblea General de Naciones Unidas en 2010. “Nosotros mandamos unos 100 dibujitos”, aclaró la directora del colegio que tuvo sus inicios dentro de un vagón de tren y que el pasado 16 de septiembre –en coincidencia con la fecha de la independencia mexicana– festejó sus 53 años de vida.

Durante la estadía en el país del norte, que se inició el 8 de julio y cuyos gastos fueron costeados por la embajada de México, Milagros y Bibiana pudieron conocer museos y universidades, entre otros lugares. “Quedamos sorprendidas por el compromiso que nos demostraron”, dice la directora de 44 años.

Además de los concursos “Pintura Infantil” y “Mejor Alumno de Sexto Grado”, este año la Embajada de México en Argentina distribuyó más de 10 mil dólares a las distintas Escuelas México del país.

Fuente: clarin.com

SUBASTARON UN DIAMANTE ROSA A UN PRECIO RÉCORD DE US$ 83 MILLONES

Se trata de el Pink Star de 59,60 quilates. Se convirtió en el diamante más caro de la historia.

El diamante Pink Star batió el récord al ser subastado en Ginebra, Suiza. (REUTERS)

El diamante rosa de 59,60 quilates llamado “Pink Star” se convirtió en el más caro del mundo jamás vendido, luego de que lo subastaron en Suiza por 83 millones de dólares.

Fue vendido por 73,9 millones de dólares (55,1 millones de euros), importe que se eleva a 83,2 millones (62,3 millones de euros) al agregarse los impuestos y comisiones que el comprador tendrá que pagar, según informó la casa de subastas Sotheby's.

David Bennett, presidente de la división joyería para Europa y Medio Oriente de la casa bajó el martillo tras cinco minutos de dura puja en un hotel de Ginebra.

Esta piedra preciosa se convirtió así en el diamante más caro jamás vendido en una subasta. Hubo unos 250 personas presentes en la sala.

El mismo tiene un color rosa intenso ("fancy vivid pink"), su forma es ovalada y es completamente puro y destronó así al “Graff Pink”, de 24,78 quilates que alcanzó los 46,2 millones de dólares en 2010.

La casa vendedora había valorado este diamante en 60 millones de dólares y el precio con el que empezó la puja fue de 52 millones.

El mes pasado, un diamante blanco de 118,28 quilates fue subastado por más de 30 millones de dólares, en lo que fue el récord mundial para esta variedad de piedra preciosa. Sin embargo, aún no pueden competir con los valores que alcanzan los diamantes rosas.

El diamante Pink Star batió el récord al ser subastado en Ginebra, Suiza. (AFP)

 Fuente: clarin.com

SUBASTARON EN NUEVA YORK EL WARHOL MÁS CARO DE LA HISTORIA

Pagaron US$ 105,4 millones por el cuadro “Silver car crash”.

De remate. La obra del estadounidense Warhol, expuesta en Sotheby’s./AFP

Otro récord en el mundo de las artes: anoche, durante la subasta de arte contemporáneo en la galería Sotheby’s de Nueva York, se vendió un cuadro de Andy Warhol en 105,4 millones de dólares. La obra titulada “Silver Car Crash (Double Disaster)” es la más cara de todas las que realizó el artista estadounidense, fallecido en 1987.

“Este es mi favorito”, dijo el moderador de la subasta de Sotheby’s cuando anunció el inicio de la puja. Aunque los organizadores de la subasta tenían la sensación de que esa iba a ser una jornada con precios récord, sus estimaciones quedaron cortas debido a que creían que el cuadro se iba vender por unos 80 millones de dólares, 25 millones menos.

La obra récord es una serigrafía con espray sobre un lienzo de 2,67 metros de alto por 4,17 metros de ancho. Es el más grande y oscuro que el artista realizó en toda su carrera. En el cuadro, que fue realizado en 1963 y que forma parte de la serie denominada “Death and disasters” (Muerte y desastres), se aprecian en el lado izquierdo múltiples imágenes de un auto plateado chocado, mientras que a la derecha solo se ve un fondo gris.

“Silver Car Crash (Double Disaster)” ha pasado por varias manos antes de este remate: primero perteneció a la galería Gagosian, luego fue adquirido por los italianos Beatrice Reineri y Gian Enzo Sperone y después fue propiedad del famoso galerista suizo Brono Bischofberger.

Ayer, también se subastaron otras obras del gurú del Pop Art, como el colorido retrato a Liz Taylor, que se vendió por “solo” 20,3 millones de dólares, quedando por debajo de las estimaciones de la casa de subastas.

Otras obras del creador de la frase “Todo el mundo merece sus 15 minutos de fama” que salieron a la venta anoche fueron “Flores” (11,4 millones de dólares), “Cinco muertes en turquesa” (7,3 millones), “La estatua de la libertad” (3,2 millones), “Camuflaje” (2,8 millones) y “Round Jackie” (1,05 millones).

De esta manera, Warhol se sumó a la fiebre de los precios desorbitados en subastas, que el martes convertía al tríptico “Three Studies of Lucien Freud” (Tres estudios de Lucien Freud), del pintor irlandés Francis Bacon, en el cuadro más caro jamás subastado al alcanzar los 142,4 millones de dólares.

En la subasta de anteayer, que fue realizada por la casa Christie’s en Nueva York, también salieron a la venta otras obras de Warhol que alcanzaron precios desorbitantes, como su cuadro dedicado a Coca Cola que fue comprado por 57,3 millones de dólares y “Mercedes-Benz W 196 R Grand Prix Car”, que alcanzó el precio de 11,5 millones de dólares.

Fuente: clarin.com

LOS DETALLES EXTREMOS DE RON MUECK

Viene de una familia de fabricantes de muñecas y con sus gigantes cultiva un extraño realismo a gran escala. El sábado abre la primera muestra en Sudamérica del artista australiano.

Pareja debajo de una sombrilla. Una de las nueve esculturas gigantes de Mueck que decoran Proa. EMILIANA MIGUELEZ

Por Mercedes Pérez Bergliaffa

Al contrario de lo que pasa con las grandes figuras del arte internacional, al australiano Ron Mueck (Melbourne, 1958) no le gusta el llamado “mundillo del arte” y tampoco hablar sobre su obra. “Lo único que quiere respecto al arte es estar en su taller trabajando”, explica amablemente Grazia Quaroni –curadora italiana de la Fondation Cartier de París y de la muestra que Mueck inaugurará el sábado en la Fundación Proa. Allí se expondrá la espléndida Ron Mueck; y será la primera vez que sus trabajos se muestren en América del Sur.

En Proa, las nueve esculturas de Mueck (lleva hechas nada más que 40) representan figuras de personas, salvo una que es la de un pollo a medio degollar y desplumado y se llama Naturaleza muerta, igual que el género típico de la historia del arte. La diferencia es que está presentado de forma insólita: a escala gigante, en formato escultura y con detalles innumerables.

Más tarde la curadora dirá que, para un artista como Mueck, que presta tanta atención a las pieles, que trabaja con un nivel de observación extremadamente incisivo, poder realizar la piel de un pollo a una escala tan grande es una celebración. Y justamente lo que intriga, impresiona e interpela en esta muestra es el nivel de detalle extremo. Las obras de personas parecen más reales que la realidad misma: tienen canas, grosores y pesos; las pieles tienen venas, arrugas y callos, y hasta cierta rosácea, ojeras, colgajos que demuestran el paso del tiempo y pliegues nada compasivos. “Claro que esto no se trata de hiperrealismo, no tiene que ver con esa corriente artística. Para eso, las esculturas deberían tener una escala 1 a 1; y éstas no la tienen”, explica Quaroni. Pero si esto no es hiperrealismo, ¿entonces qué es? “Es una forma de realismo muy rara que pocos artistas en el mundo realizan”, explica la curadora. Sus primeros trucos los aprendió con su familia, tradicionales fabricantes de muñecas.

Ahora, sus muñecos son más grandes y la escala es precisamente un aspecto fundamental de su obra. Sus hombres y mujeres son, o gigantes, o muy pequeños: uno –parado al lado- puede ser una hormiga o lo opuesto, un Goliat.

El primer trabajo de la exposición es Máscara II; y es una de las obras más antiguas del artista. Fíjese que tiene un solo costado y que además, está hecha en resina –una materia dura– mientras que para el resto de las obras Mueck usó silicona –un material mucho más flexible, semejante a una goma. “Esa primera máscara de Mueck podría ser un autorretrato, aunque el artista no lo considera así”, explica Quaroni. “En realidad, ninguno de los personajes de la exposición son una persona determinada sino alguien que el artista imaginó. Aunque a veces pueden estar basados en la realidad”.

El hombre en el bote – Deriva – pareciera ir hacia el fin de todo lo existente. La pareja anciana, gigante, ubicada en medio de la sala – Pareja debajo de una sombrilla –, no se abraza: se agarran por el brazo. Ella tiene anillo, él no. “Estas esculturas actúan como disparadores de historias: significan todo lo que cada uno de ustedes se imagine”, cuenta Quaroni. La mujer con el bebé: ella mira al frente; y el bebé la mira a ella, sin respuesta.

Muy pocas veces –o quizás, nunca más– podrá ver una exposición tan movilizante e impresionante como ésta. Vaya a Proa. Reconózcase a sí mismo en estas personas supra-reales . Y observe un detalle que no es nada menor: ninguna de ellas, nunca, a pesar de toda su realidad, lo mirará directamente a los ojos.

Agenda

Ron Mueck

Cuándo: Hasta el 23 de febrero, de martes a domingo, de 11 a 19.

Lugar: Fundación Proa (Av. Pedro de Mendoza 1929)

Entrada: Público general $15. Docentes y estudiantes $10. Jubilados $5. Martes, gratis.

Fuente: Revista Ñ Clarín

LA HIJASTRA DE PICASSO DENUNCIA QUE ROBARON 407 OBRAS DEL AUTOR

Catherine Huntin-Blay, hija de Jacqueline Picasso, dijo que desaparecieron en los últimos años y que se trata de dibujos, litografías y catálogos realizados por el pintor español.

Päblo Picasso, retrato de Edward Quinn

Catherine Huntin-Blay, hija de Jacqueline Picasso, asegura que le han sido robadas en los últimos años un total de 407 obras de Pablo Picasso entre dibujos, litografías y catálogos realizados por el pintor español.

La hijastra de Picasso, de 65 años, cuenta hoy al diario Le Parisien que en 2011 advirtió la desaparición de algunas de las obras que heredó de su madre cuando una galería puso a la venta unos dibujos que, alertada por la Picasso Administration, comprobó que eran suyos. Esta entidad, con sede en París, gestiona los derechos de los herederos del artista español.

La investigación de la desaparición de las obras de la hija de la última mujer de Picasso comenzó hace dos años y ha permitido arrojar luz sobre la manera en la que una "trama bien organizada", como la denomina la publicación, se hizo con cientos de obras del artista a lo largo de varios años.

"Quise verificar si tenía las obras, archivadas en sus clasificadores, en papel no ácido: ­ya no estaban! Eso desencadenó el resto", explica esta mujer de 65 años que desde 2010 abre al público en su castillo de Vauvenargues parte de su colección.
Hutin-Blay cree que los robos se cometieron entre 2005 y 2007 y que cuando lo descubrió, hace dos años, sospechó "de todo el mundo".
Según la publicación, también ha sido víctima de robo de obras de Picasso Sylvie Baltazart-Eon, de 58 años, hija de Aimé Maeght, marchante del malagueño, y que vive en una casa vecina a la de Hutin-Blay.

Le Parisien revela que Freddy Munchenbach, un "hombre de confianza" que hacía trabajos sin precisar en el domicilio de Baltazart-Eon y luego en el de su vecina, es el sospechoso de haberse hecho con más de 600 obras en total propiedad de las dos mujeres.
Munchenbach las pasaba a Toni Celano, un litógrafo detenido en Italia en enero pasado, que pudo haber sido quien compró las obras robadas para revenderlas a la galería parisina Belle et Belle; en la trama también interviene un tal Richard P., electricista y amigo de Munchenbach, que enmarcó y exhibió en su casa litografías originales de Miró y Francis Bacon.
En total, según cuenta Le Parisien, pudieron ser robadas a ambas mujeres 265 estampas de Joan Miró, Kandinsky, Antoni T?pies, además de esculturas de Giacometti y Eduardo Chillida.

Hutin-Blay confiesa a la publicación que hasta el momento ha podido recuperar 22 obras y que la investigación continúa: "No estoy al tanto de todo. Los agentes de la brigada contra el robo son encantadores y saben mucho de arte. Tengo suerte de que se fotografió todo antes del robo".

Fuente: EFE

LOS GUERREROS DE XIAN COPARON MADRID

La exposición dedicada a los Guerreros de Xian en Madrid, donde se ha preparado una reproducción de la sección del foso 1 de la gran excavación de Xian a escala 1:1, con más de 90 guerreros y varios elementos interactivos.

Fuente: EFE

PINTURAS DE MATISSE, CHAGALL Y RODIN, ENTRE LAS OBRAS RECUPERADAS

PUBLICAN 25 OBRAS INTEGRANTES DEL TESORO DE MUNICH

Estos son algunos de los 25 cuadros recuperados del llamado "tesoro de Munich". Las obras fueron robadas durante el nazismo.

Las autoridades alemanes decidieron publicar una lista de 25 cuadros del llamado “tesoro de Munich” –las 1.400 obras de arte halladas en un departamento del barrio de Schwabing–, al considerar que hay fundadas sospechas de que se trata de arte robado a personas perseguidas por el nazismo.
Las imágenes de estas obras fueron publicadas en la página web www.lostart.de, que ayer colapsó por la cantidad de visitas. Es que el hallazgo se mantuvo en secreto durante un año y medio hasta que fue revelado por la revista Focus. Las razones para no sacar a la luz de inmediato el tesoro encontrado, según la fiscalía de Augsburgo, fue el deseo de esclarecer con tranquilidad y sin presiones la procedencia de las obras.
Las autoridades lograron determinar que 380 cuadros pertenecen al llamado “arte degenerado” –obras de las vanguardias de principios del siglo XX– desterrado de los museos, mientras que se tiene que determinar si 590 obras fueron arrancadas ilegítimamente a perseguidos por los nazis.
En la lista de 25 obras publicadas hay algunas que caben dentro de esa categoría, como dos acuarelas de Otto Dix y óleos de Marc Chagall y Henri Matisse. Además, hay otras obras, como un grabado de Antonio Canaletto o un dibujo de Eugène Delacroix, que no tienen ninguna vinculación con ese tipo de arte. También aparecen en la lista obras de Max Liebermann, Auguste Rodin, Carl Spitzweg y Honoré Daumier, este último con un cuadro titulado “Don Quijote y Sancho”, de 1865.
Los cuadros estaban en poder de Cornelius Gurlitt, hijo del marchante Hildebrandt Gurlitt, que durante los tiempos del nacionalsocialismo recibió del régimen obras del “arte degenerado” decomisadas a museos para venderlas en el extranjero.
Parte de esas obras las recibió Gurlitt y parte las compró al régimen a bajos precios. Después de la guerra, el marchante aseguró que su colección había sido destruida durante los bombardeos aliados a Dresde, por lo que el hallazgo de Múnich fue una gran sorpresa para el mundo del arte.

GALERÍAS DE RETRATOS FOTOGRÁFICOS AL AIRE LIBRE

"Inside Out" proyecto del artista callejero y fotógrafo JR, que consiste en  retratar a ciudadanos en un lugares públicos e imprimir la foto en  grandes dimensiones, cada imagen es pegada en un muro, en la fachada de  un edificio o en el techo, e incluso en escaleras y trenes, creando una  galería de arte al aire libre.
Inside Out ya se ha realizado en más de 108 países.

Fuente: AFP

LAS ESCULTURAS DE UN PAÍS EN CONSTRUCCIÓN, ENTRE ANDAMIOS

Se exhiben obras hechas entre 1895 y 1914, cuando se formalizaba el arte argentino.

Del depósito a la sala. Las obras que ahora pueden verse son patrimonio de Bellas Artes, pero rara vez se exhiben. Eduardo Schiaffino, primer director del museo compró la mayoría. Se exponen entre vigas, tablones y cajas para dar una sensación de “taller” y de obra en construcción. La puesta en sí misma funciona como una instalación. MARIA EUGENIA CERUTTI

Por Mercedes Pérez Bergliaffa

De 1895 a 1914: ese período –que fue cuando comenzó a gestarse de manera formal el arte argentino– abarca la exposición que se presenta actualmente en el Museo Nacional de Bellas Artes (MNBA). Mostrando solamente esculturas, la muestra, que es grande y exhaustiva, se pregunta y pregunta al público por qué Eduardo Schiaffino –el primer director que tuvo el museo y una figura clave de la historia del arte nacional– dedicó largos años a impulsar un tipo de obra particular –la escultura– en nuestro país.

Decíamos que esos años conformaron en la Argentina un período decisivo: fue cuando se institucionalizó el sistema del arte local: los museos, el incipiente mercado, las academias de Bellas Artes, las asociaciones y los círculos de Bellas Artes, por ejemplo.

¿Pero qué es lo que más llama la atención de la muestra? Por un lado, que es sólo de esculturas, muchas con influencias de Auguste Rodin y la mayoría seleccionadas de los depósitos del MNBA. Por otro lado, el montaje. La curadora, María Florencia Galesio –del equipo de investigación del museo–, explica: “Como quisimos mostrar que en esa época todo se estaba construyendo, que el museo y el país eran proyectos en construcción, decidimos exhibir las esculturas… ¡en andamios!

La intención es dar una sensación de taller y de museo en elaboración”.

Por eso, si usted visita la exposición, contemplará obras antiguas mostradas de manera renovadora. Pareciera que todo se encontrara a medio hacer: hay paneles, muchos andamios, distintos tipos de luces y esculturas ubicadas en lugares poco comunes (sobre un tablón, sobre una caja, por ejemplo).

La forma en que las obras se exponen –se relacionan unas con otras y se presentan física y espacialmente– quizás compita demasiado con las obras: si uno entra en la exposición, percibe antes la museografía que los trabajos de los artistas. Es decir, la puesta en escena parece otra obra más, en clave de instalación contemporánea. Sin embargo, el riesgo de intentar exponer un conjunto de trabajos de hace más de cien años, de una manera renovadora, vale la pena y hay que celebrarlo.

¿Qué obras se pueden ver? Las que Schiaffino compraba para el museo. ¿Cuáles eran? Hay algunas de nombres muy reconocidos a nivel internacional –como Emile Bourdelle y Auguste Rodin– que Schiaffino adquiría en Europa, con el objetivo de ir formando el patrimonio del museo. Y hay otras de escultores que no son conocidos para la mayoría, como Lucio Correa Morales, Mateo Alonso, Francisco Cafferata, Víctor de Pol, Arturo Dresco, Pedro Zonza Briano, Antonio Tantardini, Jules Lagae.

Sirve ver la muestra a través de sus núcleos temáticos: “Los inicios de la colección de esculturas”, “Salones y exposiciones”, “Los calcos y la enseñanza de las bellas artes”, “Camino a la modernidad”, “Lo moderno”, y “El Salón de 1914”.

Hay que tener cuidado: esta no es una exposición de lectura simple: una visita guiada ayudará a comprenderla en su totalidad.

Agenda:

Muestra: "Memorias de las esculturas 1895-1914".

Lugar: MNBA (Av. del Libertador 1473).

Horarios: De martes a viernes de 12.30 a 20.30. Sábados y domingos de 9.30 a 20.30. Hasta el 24/11
Entrada: Gratis

Un sitio web más moderno que necesita ajustes

Impacto. “El regreso del malón”.

Con un bello despliegue gráfico, videos y los textos del catálogo razonado del Museo –una enorme obra crítica que Clarín produjo en 2010–, Bellas Artes renovó su sitio web http://mnba.gob.ar La página, funcional y fácil de navegar, abre con 4 enormes imágenes que se alternan. Dos son atemporales. Las otras corresponden a muestras en exhibición.

Debajo de esas imágenes hay cuatro cajas. La primera ofrece información de la última exposición que se inauguró y una galería de imágenes a la que, por ahora, le faltan referencias: no se sabe qué obra es la que se está mirando. Desde el museo explican que eso ocurre porque la página todavía está en un período de ajustes. Por eso, tal vez, ayer la segunda caja era un anuncio de La Noche de los Museos, que fue el sábado. Luego hay juegos para chicos e información útil de las actividades del día.
Probablemente lo más valioso sea el acceso a la colección, que también está en construcción. De las 12.717 obras del museo, hay subidas 643, que prácticamente coinciden con las del catálogo razonado. Cuando se accede a una, aparecen el texto del catálogo, obras relacionadas y, en algunos casos, un video en el que un crítico habla de la obra. Para eso el Museo abrió un canal en Youtube.
En la pestaña institucional, la bienvenida está a cargo de Marcela Cardillo, subsecretaria de Cultura, que aparece como Directora Ejecutiva del MNBA, aunque es virtualmente una interventora: Cultura omitió llamar a concurso cuando terminó el mandato del último director concursado, Guillermo Alonso. El plano del edificio también refleja una deuda: el primer piso, que en diciembre de 2012 Clarín fotografió casi listo, figura como “Próxima reinauguración”. Los plazos se desconocen.

Fuente: Revista Ñ Clarín

RÉCORD MUNDIAL: PAGAN US$ 142 MILLONES POR UNA OBRA DE FRANCIS BACON

Es el tríptico “Tres estudios de Lucien Freud” Realizado en 1969 por el pintor irlandés.

EL MÁS CARO. "Three Studies of Lucian Freud" fue pintado por Bacon en 1969. (EFE)

 
Nueva York. Afp Y Dpa

El tríptico “Three Studies of Lucien Freud” (Tres estudios de Lucien Freud), del pintor irlandés Francis Bacon, fue subastado anoche por una cifra récord: 142,4 millones de dólares.
De esta manera, la pintura se transformó en la más cara jamás rematada en el mundo.

La transacción pública fue realizada por la casa Christie’s de Nueva York, que en un principio estimaba el precio en unos 90 millones de dólares.

“La obra fue vendida por 142.405.000 dólares tras seis minutos de intensa puja en la sala y el teléfono”, afirmó mediante un comunicado Christie’s, la casa de subastas más antigua del mundo.

Hasta ayer, la obra que más valor había alcanzado en un remate era “El Grito”, el cuadro que el expresionista noruego Edvard Munch pintó en 1895, que se había vendido en mayo de 2012 por la imponente cifra de 119.922.500 dólares.

Las tres pinturas que conforman el tríptico “Three Studies of Lucien Freud” fueron realizadas en 1969 y cada una tiene d os metros de alto y casi un metro y medio de ancho. En ellas se muestra al pintor alemán Lucian Freud –nieto del padre del psicoanálisis, Sigmund Freud– sentado en una silla de madera contra un fondo anaranjado. Como era típico en Bacon –que murió en 1992–, la cara de su colega y amigo está visiblemente deformada. Ambos pintores solían retratarse mutuamente La casa de subastas no informó la identidad del flamante propietario del tríptico, ni la del vendedor. Sólo dijo que pertenecía a un coleccionista anónimo proveniente de Roma y que la obra fue puesta a la venta por un grupo inversor.

La historia de las tres pinturas que conforman la obra es curiosa:a mediados de la década del 70, los tres paneles fueron vendidos por separado y el de la derecha fue adquirido por el coleccionista anónimo, que durante 20 años luchó para reunir la pintura completa. El panel del centro lo compró a un distribuidor de París a comienzo de los 80 y el de la izquierda y último de la colección se lo vendió un coleccionista japonés a fines de la década.

No es la primera vez que un tríptico realizado por Francis Bacon se vende por una cifra récord: en 2008, la casa de subastas Sotheby remató la obra de tres partes “1976” en 86 millones de dólares, transformándose en ese momento en la pintura más cara vendida en el mundo.

La sala durante el remate del nuevo récpord de récords

Fuente: clarin.com

LO QUE CUENTAN LOS MONUMENTOS

La “Ñusta” simboliza a las vírgenes incaicas. Y la imagen refleja el rigor de la conquista.

En Parque Chacabuco. La estatua de bronce está en Asamblea y Emilio Mitre desde octubre de 1938. Y pasa desapercibida. / ROLANDO ANDRADE STRACUZZI.

Por Eduardo Parise

Está en una esquina muy transitada de los varios accesos que tiene el Parque Chacabuco. Pero si uno no lo focaliza, pasa totalmente desapercibido. Es cierto: no tiene la espectacularidad de los grandes monumentos porteños. Pero en su tamaño breve sintetiza una historia que, detrás, tiene siglos. El nombre de la pequeña estatua hecha en bronce no deja de ser una curiosidad. El artista la llamó “Ñusta (fuente incaica)”, como dice en el pedestal. Y desde el 18 de octubre de 1938 se la puede ver en Emilio Mitre y avenida Asamblea.

En la cultura del Tawantinsuyu (significa “las cuatro regiones”) del Imperio Incaico, la pureza de alma y corazón era algo de gran valor. Por eso es que en ese mundo las ñustas eran unas doncellas a las que se les daba una consideración más que especial. Se trataba de jóvenes vírgenes consagradas a Inti (el Sol), dios supremo de aquel mundo precolombino que abarcó una región andina tan vasta, a punto tal que cubría parte de los territorios que hoy integran seis países: Colombia, Ecuador, Perú, Bolivia, Chile y Argentina. La capital era la peruana Cusco.

¿Cuál era la representación de la ñusta? Simbolizaba la Tierra todavía sin fecundar; es decir: el tiempo de la primavera, época de la siembra. Y la ñusta estaba directamente relacionada con la Pacha Mama (Madre Tierra) ya fecundada y con otras figuras como la Mama Cocha (el mar) y la Mama Quilla (la Luna). Por eso, la elección de las ñustas formaba parte de la Inti Raymi (la Fiesta del Sol), aquel encuentro que se realizaba en junio de cada año en medio de bailes y sacrificios de animales (por lo general una llama de lana negra y una de lana blanca).

Algunos investigadores dicen que también aquellas jóvenes alguna vez formaban parte de un sacrificio. Creen que, por los restos hallados en distintas tumbas, muchas de esas vírgenes eran sacrificadas para ser enterradas junto al emperador cuando éste moría.

Lo concreto es que toda esa historia parece reflejarse en la imagen de bronce que es obra del escultor argentino Emilio Andina (28/5/1875 – 16/4/1935), un artista que estudió en la prestigiosa Academia de Bellas Artes de Brera, en Milán (fundada en 1776) y en el Instituto Real de Bellas Artes, en Roma. Toda aquella enseñanza la volcaría después en obras surgidas en su estudio de la calle Estados Unidos 3473, en Buenos Aires.

La obra que está en Parque Chacabuco fue comprada por el municipio a la señora Lina T. de Andina, tres años después de la muerte de su creador. Y fue pensada por el artista casi como una joven agazapada que está vaciando un cántaro. Pero en la expresión de su cara se grafica muy bien el gran dolor de una raza que sufrió los rigores de los conquistadores que, espada en mano, llegaron por el oro y la plata de esas tierras. Por todo eso es que la pequeña estatua merece ser observada con mayor detenimiento, no sólo por su valor artístico sino también por lo que simboliza en esta Ciudad de vida sin tiempo para detenerse y mirar.

Algo similar suele ocurrir con otra obra, también vinculada a la cultura de los pueblos originarios y que está en el Parque Los Andes, cerca del cruce de avenida Guzmán y Maure, en el barrio de Chacarita. El monumento es obra de Luis Perlotti, fue realizado en bronce en 1941 y muestra la imagen de tres hombres de las etnias calchaquí, tehuelche y ona que, de Norte a Sur, habitaron la zona cordillerana del país, en aquel tiempo precolombino. El monumento muestra a un gran jefe tehuelche sentado y, a cada lado, un hombre con una rodilla en tierra. Su título es “Monumento a Los Andes”. Una leyenda popular dice que ir a tocar la rodilla del jefe que está sentado trae suerte. Por eso es que se la ve con un pulido especial. Pero esa es otra historia.

Fuente: clarin.com

DETRÁS DE LA ROSADA, SIGUEN DESMANTELANDO LA ESTATUA DE COLÓN

Ya desmantelaron la base. Para restaurarlo no era necesario bajarlo, coincidieron expertos

Grúa. Durante el fin de semana se desarmó la base que contenía distintas figuras escultóricas. / BASTA DE DEMOLER

Por Silvia Gómez

Continúa el desmantelamiento de la base del monumento a Cristóbal Colón, a pesar de que funcionarios y técnicos le confirmaron a Clarín que no era necesario desmontar la estatua para restaurarla.

En la plaza Colón, detrás de la Casa Rosada, donde se encuentra el monumento, hay una grúa en movimiento, trasladando los bloques y dejándolos a un costado de la base en el piso.

“Se puede ver que están trabajando, pero no nos dicen nada. No sabemos si lo están sacando para restaurar o para reemplazarlo por el monumento a Juana Azurduy ”, afirmó el inspector de Espacio Público de la Ciudad de Buenos Aires, Luis Carranza.

Durante los primeros meses de este año, el Gobierno nacional había impulsado el traslado de la escultura a Mar del Plata y en junio, y sin ningún anuncio oficial, se había comenzado a desmontar la estatua y el pedestal, amparándose en su supuesto mal estado. La escultura sería reemplazada por un monumento a Juana Azurduy.

Frente a esto, las asociaciones Basta de Demoler y Salvemos las Estatuas presentaron un recurso de amparo para que el traslado no se efectúe. Sin embargo, el juez, a cargo del Juzgado Nacional en lo Contencioso Administrativo Federal N° 12 rechazó el planteo y validó la remoción del monumento, pero solo para restaurarlo y no para trasladarlo. Finalmente, en septiembre, la Legislatura porteña aprobó la declaración que lo califica como un bien integrante de la Ciudad y de esa manera quedó inhabilitada la posibilidad de sacarlo del territorio de la Capital Federal. En Basta de Demoler le aseguraron a Clarín que temen que el Gobierno termine de desmantelar el monumento para luego afirmar que no pueden repararlo en la plaza y solicitar así el traslado a otro lugar.

El monumento, de 26 metros de altura y 623 toneladas, fue donado por la colectividad italiana residente en el país con motivo del Centenario de la Revolución de Mayo.

“Lo importante son los monumentos y no los lugares donde están emplazados”, le dijo a este diario Jaime Sorín, el flamante presidente de la Comisión Nacional de Monumentos. El ex decano de la Facultad de Arquitectura de la UBA, padre del futbolista Juan Pablo Sorín y miembro fundador de Carta Abierta, marcó así cuál será su posición en el conflicto que mantienen desde marzo el Gobierno porteño y el nacional por la estatua.

Fuente: clarin.com

LOS MUSEOS CERRARON BIEN TARDE Y CELEBRARON LA DEMOCRACIA

Otra vez la gente salió a la calle en La Noche de los Museos. Abrieron 190 en 27 barrios. Y se recordaron los 30 años de democracia. Una muchedumbre hizo colas en las salas hasta la madrugada.

Museo Nacional de Bellas Artes. Sobre la Avenida del Libertador pusieron un escenario donde tocó La Bomba de Tiempo. Las salas tuvieron mucha gente, como pocas veces./JUANO TESONE

Las nubes aguantaron un rato pasado el arranque y, en su décima edición, La Noche de los Museos volvió a batir records. Entre las 20 y las 3 de la mañana, miles de personas circularon por 190 museos y espacios culturales en 27 barrios porteños, en un encuentro que tuvo el foco puesto en el homenaje a los 30 años de democracia, con shows y actividades especiales organizadas por el Ministerio de Cultura de la Ciudad.

La apertura oficial fue a las 19 en el Museo de Arte Español Enrique Larreta, en Belgrano, donde se expone la muestra “Goya y Dalí. Capricho surrealista”. Del acto participaron el Jefe de Gobierno, Mauricio Macri, y el ministro de Cultura y Turismo, Hernán Lombardi, entre otros funcionarios.

“Antes de abrir había por lo menos 150 metros de cola. Hay varios recorridos muy ricos, podés ir desde Dalí hasta Miró, o el circuito de los 30 años de democracia, o las actividades infantiles. Es una fiesta enorme de la cultura, de la participación y de la ciudadanía. Y da como un calorcito en el espíritu ver tanta gente que participa y que trabaja para que salga bien”, dijo Lombardi a Clarín.

El eje de esta edición estuvo puesto en la celebración de los 30 años de democracia a través del programa “Democracia 30+30. Una mirada al futuro”. En el Museo del Cine Pablo Ducrós Hicken se proyectaron montajes de películas y noticieros de toda esta etapa. En el Honorable Congreso de la Nación se presentó la muestra “30 años, 30 artistas: avances, luchas y conquistas del pueblo argentino”, con 30 urnas electorales gigantes intervenidas por artistas consagrados y emergentes como Carlos Alonso, Marta Minujin, Marcos López, Alfredo Prior y Martín Ron, entre otros. Y en el Museo de Escultura Luis Perlotti 20 artistas de distintas especialidades realizaron obras alusivas frente al público.

“En la escuela vienen hablando del aniversario de la democracia y esto nos permite sumar una situación para seguir hablando del tema. ¿Y que mejor que hacerlo en el Cabildo, un lugar paradigmático?”, reflexionó Susana Marques, rodeada de sus tres hijos y dos sobrinos, todos de Avellaneda.

“Es buenísimo acercar a la gente a lo que es el bagaje de memoria de una sociedad, como es un museo. La obligación del Estado es elevar la conciencia de la gente hasta el nivel de la mejor de las culturas y eventos como La noche de los Museos son un intento de hacer eso”, reflexionó el artista Eugenio Cuttica, cuyas obras decoran la estación San Pedrito de la Línea A.

A las 20.20, había cola de una cuadra para ingresar al Mamba, sobre la avenida San Juan. “Es imposible ir a todos, así que esta vez nos vamos a quedar por San Telmo. Nos gustaría llegar a La Usina del Arte, pero tenemos que enganchar algún colectivo”, contaron María Rosa Durán y Eva Kopczyunski, dos amigas de Lanús.

Por San Juan también caminaba Francisco Del Pozo, un español que está de visita en la Ciudad. “Estoy fascinado, disfrutando mucho de Buenos Aires y justo me encuentro con esto. Intentaré ver todo lo que pueda, el tema es que hay que hacer paradas para comer y beber”, respondió exultante.

Las filas se repetían frente a la Fundación Amalia Lacroze de Fortabat. “Este museo es un imán. Después seguimos para Plaza de Mayo”, contaron Bernardita y Josefina, vecinas de Puerto Madero Roberto Martos (68) y Gabriela Biguccio (55) aprovecharon la salida para celebrar los dos años de casados. “No somos muy aficionados al arte, le estamos buscando la punta del ovillo y es un evento ideal para los que no conocemos demasiado. Del Malba nos vamos al Museo de la Marina Mercante porque tenemos una amiga que expone ahí”, explicaron.

Como todos los años, los asistentes viajaron gratis en 90 líneas de colectivo. Y hubo muchos que se animaron al sistema de Ecobici. Al final de la velada, los que seguían con ganas de trasnochar se acercaban al edificio de la ex Cervecería Munich, donde prometían un gran baile de cierre.

Producción y textos: Marisol Parnofiello, Silvia Gómez y Einat Rozenwasser.

Fuente: clarin.com

MÁS DE 700 ARTISTAS EXPONDRÁN EN LA BIENAL DE ARTE JOVEN

El evento se realizará del 12 al 17 de noviembre en Ciudad Cultural Konex y ocho sedes más.

Bienal Arte Joven Buenos Aires

Desde el 12 hasta el 17 de noviembre se realizará la Bienal Arte Joven Buenos Aires y más de 700 artistas exhibirán sus obras en cuatro disciplinas.Durante los seis días, se expondrán las obras finalistas de cada disciplina (visual, audiovisual, escénicas y musical)  y darán a conocer quiénes son los artistas ganadores en cada una de ellas. Además de presentar los 16 proyectos financiados por la Bienal en los últimos tres meses,
Como sede central en Ciudad Cultural Konex, el evento se desarrollará también en  el Centro Cultural Borges y en siete salas de teatro independiente de la zona del Abasto como lo son el Teatro del Abasto, Abasto Social Club, El Extranjero, El Portón de Sánchez, Teatro IFT, Espacio Callejón y Teatro Beckett.
Como actividad destacada se encuentra la que se realizará en el Espacio Visuales. Allí se podrá disfrutar de la muestra “Bienales en diálogo (1989-2013)”, curada por el reconocido artista visual y fotógrafo Marcos López.
Las jornadas actividades en el Konex se coronarán con grandes recitales en los que se presentarán Massacre, El Kuelgue, Miss Bolivia, Bicicletas, Utopians y Poncho.

La Bienal Arte Joven Buenos Aires está organizada por la dirección General de Juventud del gobierno porteño y es una plataforma de producción, formación y exhibición para artistas jóvenes, entre 18 y 32 años de edad, y tiene como objetivo ser un espacio de experimentación para dar lugar a nuevos lenguajes y formas de expresión a través del arte.
La entrada es gratuita y los visitantes podrán disfrutar de 51 muestras de artistas visuales, 33 espectáculos de bandas y solistas, 20 cortometrajes, tres nuevas series web, 21 obras de teatro, danza y artes multidisciplinarias, además de siete grandes estrenos.

Reservas e informes en: www.buenosaires.gob.ar/labienal

Fuente: clarin.com