ALVEAR, UNA ESTATUA JUNTO AL TANGO




Impactante. La estatua del francés Bourdelle es una de las más bellas de la Ciudad
Por Eduardo Parise

El propio autor, el artista francés Emile Antoine Bourdelle, lo considera su obra maestra entre los grandes monumentos que realizó. Y en la Ciudad lo ubicaron en un lugar de privilegio. Sin embargo, muchas de las miles de personas que cada día le pasan por delante, nunca lo vieron. Está sobre una plataforma que ocupa unos 20 metros cuadrados, en un pedestal de granito de más de 13 metros de alto y la figura ecuestre tiene cinco metros más. Y, como para no pasar desapercibido, en la base del pedestal cuatro grandes estatuas de bronce (cada una de tres metros, representan “La Libertad“, “La Victoria”, “La Elocuencia” y “La Fuerza”) le dan un marco especial.
Es el monumento al general Carlos María de Alvear, un polémico militar argentino, famoso caudillo en las luchas por la Independencia y en la guerra con el imperio brasileño, quien, además, presidió la Asamblea del Año XIII y fue Director Supremo de las Provincias Unidas. Lo inauguraron el 16 de octubre de 1926 y desde entonces domina la barranca de la plaza que está a metros de la calle Posadas y la Avenida Del Libertador, en pleno Recoleta y frente a lo que suele denominarse Plaza Francia, que en verdad se llama Plaza Intendente Alvear.
La historia dice que, en 1910 (después de aprobado el presupuesto por el Congreso), el monumento le había sido encargada por una comisión especial al escultor estadounidense Andrew O’Connors, por entonces radicado en París. Pero después cambiaron de idea y finalmente se lo pidieron a Bourdelle, quien lo terminó en mayo de 1923. La entrega a la Argentina se hizo en el Salón de las Tullerías de París, en una ceremonia que presidió el ministro de Bellas Artes de Francia.
Emile Antoine Bourdelle (el apellido de su padre era Bordelles, pero se lo cambiaron por un error al anotarlo) había nacido el 10 de octubre de 1861 y a los trece años, tras la escuela primaria, empezó a hacer grabados en madera en el taller de ebanistería de su papá. Después, estudió en Bellas Artes de la ciudad de Toulouse, hasta llegar a París, donde fue alumno de otro grande: Auguste Rodin. A Bourdelle se lo considera uno de los más destacados artistas de la Belle Epoque. Murió en octubre de 1929. En Buenos Aires, además del monumento a Alvear, también hay otras obras de gran calidad que surgieron de su talento creativo: La Muerte del Ultimo Centauro y Heracles Arquero.
Para el trabajo de Alvear, el artista francés estudió muchos documentos y se empapó de los rasgos de personalidad que identificaban al militar. Por eso lo colocó sobre un caballo brioso, el cuerpo bien erguido, levantando su mano derecha y con una capa tremolante sobre sus espaldas. Lo curioso es que no lleva sombrero. “Es que lo perdió en una batalla”, dijo Bourdelle cuando le preguntaron por algo tan poco común en los bronces que evocan a militares.
Además de este espectacular monumento, la zona de Recoleta tiene muchos lugares valiosos tanto en lo arquitectónico como en lo cultural. Y uno de ellos es un edificio que está a un costado de la estatua de Alvear. Es el Palais de Glace. Inaugurado en 1910, en la actualidad es un centro cultural y sala de exposiciones. En sus orígenes albergó una pista de patinaje sobre hielo y luego se convirtió en centro de baile con la actuación de famosas orquestas de tango. Pero esa es otra historia.


Fuente: clarin.com

EL MONTE HECHO A MANO



Arte / Identidad
El monte hecho a mano

Monte completa la trilogía de libros que registra la aventura única de Belén Carballo y Ricardo Paz, empeñados durante tres décadas en recuperar las maravillas cotidianas de un pueblo.


Los colores vibrantes se destacan en los roperos y alacenas.

Por Carolina Muzi | Para LA NACION

En el patio lateral de una casa chorizo reciclada, apoyadas en solitario o reunidas en series, se suceden las muestras que encarnan con austeridad la fuerza de una variante de naturaleza autóctona. Son cortezas enormes de chañar, entreveradas ramas de huiñaj, nudos tenaces de algarrobo convertidos en tapas de mesas, en posamonturas o en cuencos simples; potente testimonio de la conjunción entre el monte y la cultura que en él hizo nido.
Guiado por Ricardo Paz, el recorrido por la galería-taller ¿museo? de Arte Étnico Argentino (uno de los primeros espacios de diseño que tuvo Palermo Viejo al despuntar los años 90) se puebla de referencias, de nombres de hacedores y de maderas, del vasto conocimiento que Paz tiene del monte, expresado aquí en dos de las vertientes iniciales de la cultura material de ese territorio: los textiles y el mobiliario. Porque es ahí, primero en los tejidos para la protección y luego en los soportes básicos de las actividades, donde se puede rastrear el origen del hábitat vernáculo, su santo y seña.
"El monte rodeaba las ciudades como un mar de árboles; esta geografía ocupaba la mayor parte del norte argentino cuando llegaron los españoles. Y fue allí donde comenzó la patria y nacieron los primeros criollos: Santiago del Estero, Córdoba, Salta, La Rioja, Jujuy, Catamarca y Tucumán. El indio aportó su hermandad con el árbol y el español, la técnica; y de aquella unión nacieron estos primeros muebles", señala Belén Carballo en la introducción a su último (y reciente) libro: Monte, muebles de la tierra argentina.
Carballo es la otra pata de esta operación de rescate de algún modo antropológico del monte santiagueño, que había iniciado Paz antes de conocerla, cuando cambió su perfil de anticuario europeísta por la indagación en las raíces propias. En 1989, el encantamiento por los objetos esenciales de la cultura montaraz los guió en un viaje fundante que, a través de los años, los llevaría a profundizar en los habitantes y en el paisaje como hacedores del entorno y, por ende, de una identidad material argentina de alcances geográficos y culturales.
A partir de la divulgación local e internacional de estas producciones, generaron, entre otras cosas, conocimiento, un nicho de trabajo con su respectiva oferta y demanda, y la recuperación de viejas técnicas y saberes en vías de extinción, que a partir de la poscrisis se replicó en otras iniciativas de rescate de artesanías nativas por las provincias. Mientras, veían de qué manera la soja transgénica y otras desmesuras arrasaban con el monte y lo que guarda. Por eso, la defensa en la que se plantaron terminó por extenderse al paisaje mismo. Y el ciclo de esa búsqueda hoy se cierra (o mejor, se abre) con la iniciativa Los silencios, una pequeña reserva de vida sustentable, un desarrollo-antídoto contra el desmonte y demás depredaciones. Y también con una publicación que, a modo de balance y legado, cataloga buena parte de aquello con lo que comenzaron trabajando: el mobiliario criollo.
En este libro, fin de una serie de tres cuidados volúmenes, la pareja reunió la experiencia de casi tres décadas en el monte santiagueño. Entre el primero, Un arte escondido, objetos del monte argentino, y este último, pasaron 15 años. En el medio publicaron Teleras, memoria del monte quichua (2006), un riguroso relevamiento de técnicas, materiales, colores y motivos de los textiles autóctonos.
"Teleras... reflejaba el trabajo de las mujeres. Monte, muebles de la tierra argentina, en cambio, está focalizado en el patrimonio de los varones carpinteros: son ellos los que trabajan la madera; y fue a través de ellos, charlando en los aleros, como fui accediendo a los saberes. Todo eso hoy está en peligro. diría que casi ya fue. Los jóvenes que diseñan están en el ciberespacio, atentos a las expresiones 'de autor' y la producción industrial que promueve cada vez más consumo y más mercado; de los orígenes anónimos, populares, y de sus técnicas en armonía con la naturaleza, nada. No se atiende ni se busca conocer esta tradición, este legado. Siendo patrimonio de la cultura material popular, es una pena que sólo sea apreciado por élites que descubren su belleza. Es material que debería verse en las facultades de diseño", señala Paz, preocupado por el naufragio digital de los más jóvenes. "En dos generaciones, con cuidado, esto se podría recuperar. Yo quiero jugar ese partido", confiesa.
"Queríamos, justamente, cerrar este corpus de conocimiento, el relevamiento de una forma de hacer, las lecciones de un saber que sigue vivo", añade Belén. Las cuestiones de diseño que aporta el libro, con la comunicación de un amplio repertorio de sillas, mesas, asientos, cunas, camas y catres, roperos y alacenas, va desde las proporciones y la ergonomía hasta el uso racional de la madera y la presencia del color. Así, más allá de su valor de registro de la cultura material, permite recorrer las tipologías básicas del mueble criollo y ofrece fichas técnicas junto a los porqués de sus formas, medidas y funciones múltiples.
Dos textos de Norberto Chaves y de Gui Bonsiepe extienden sendas miradas sobre el fenómeno del mobiliario popular y las fotografías de Andrés Barragán los muestran con elegancia a través de 259 páginas diseñadas por Rubén Fontana.
Un esmerado esfuerzo para que este patrimonio no quede sólo en el "aroma de un pasado en común, memoria incierta y ensoñación".

ADN Carballo-Paz

Belén Carballo, licenciada en Psicología con especialización en organizaciones sin fines de lucro, es gestora de proyectos de desarrollo social y cultural en el monte santiagueño como la Asociación Adobe; dirige Arte Étnico Argentino y su editorial.

Ricardo Paz es anticuario, especialista en arte étnico argentino; desde los años 80 recorre la Argentina documentando y rescatando piezas de diversas culturas y comunidades nativas, con especial foco en el monte quichua santiagueño y en su identidad criolla. Hoy se concentra en la reserva Los silencios, en las serranía de Sumampa, Santiago del Estero.

Fuente: ADN Cultura La Nación

LOS TAPICES DE LA COLEGIATA DE PASTRANA (GUADALAJARA)
CONTINÚAN SU GIRA AMERICANA
POR MEADOWS MUSEUM DE DALLAS (TEXAS)





Los Tapices de la Colegiata de Pastrana se presentarán este sábado, 4 de febrero, en el Meadows Museum de Dallas (Texas) en la exposición de los cuatro tapices restaurados por la Fundación Carlos de Amberes en 2007, bajo el título 'La invención de la gloria: El rey Alfonso V y los Tapices de Pastrana', tras permanecer hasta el pasado 8 de enero en Washington.

GUADALAJARA, 2
La exposición podrá ser visitada hasta el próximo 13 de marzo para posteriormente viajar a San Diego e Indianápolis en una gira que finalizará a primeros del año 2013.
Por su parte, el Ayuntamiento de Pastrana (Guadalajara) y la Comisión Provincial de Patrimonio han aprobado la declaración de Bien de Interés Cultural (BIC) de la Colegiata de Pastrana que, actualmente, se encuentra pendiente de resolución por parte de la Dirección General de Patrimonio de la Junta de Comunidades.

LOS TAPICES

Estos cuatro tapices de Pastrana relatan las batallas del Rey Alfonso V de Portugal por la conquista de las ciudades marroquíes de Arzila y Tanger.
Tras la restauración llevada a cabo en Malinas (Bélgica), en los talleres de restauración de Witt Bélgica, ya se han podido contemplar en Gante, en el Museo del Cinquantenarie de Bruselas, en el Palacio del Infantado de Guadalajara, y en el Museo de Arte Antiguo de Lisboa.
Además, también han estado expuestos en el Museo de Santa Cruz de Toledo, desde donde partió a Estados Unidos para formar parte del programa cultural de la Embajada de España en Estados Unidos, 'Spain Arts & Culture', con el objetivo de promocionar la imagen contemporánea de España.

Fuente: Europa Press

LA FUNDACIÓN DEL PATRIMONIO HISTÓRICO
RESTAURARÁ LA FACHADA OCCIDENTAL
DE LA CATEDRAL DE ÁVILA






ÁVILA, 1 (EUROPA PRESS)

La Fundación del Patrimonio Histórico (FPH) restaurará la fachada occidental de la catedral de Ávila mediante un convenio de colaboración con el cabildo catedralicio para abordar la intervención que supondrá una inversión cercana a los 300.000 euros.
Según han informado fuentes de la FPH en un comunicado recogido por Europa Press, la Fundación del Patrimonio aportará el 50 por ciento del presupuesto y el Cabildo de la catedral de Ávila el otro 50.
La restauración de la fachada occidental de la catedral, han recalcado, es "de gran importancia" dado su estado actual de conservación, además de ser la entrada para las visitas turísticas al museo, claustro, altar mayor y coro y las previstas a las torres y cubiertas.
En este momento, se redacta el proyecto para lo que la Fundación del Patrimonio plantea varios estudios previos cuyos datos contribuirán a redactar el proyecto más ajustado a las necesidades del inmueble con un levantamiento planimétrico para obtener la representación gráfica de su estado actual, un estudio petrológico y catas murales.
La portada de arenisca, flanqueada por dos contrafuertes de granito, tiene "problemas graves" de disgregación de la piedra. La mayor parte del agua que cae en la terraza del nivel superior se filtra hacia los rellenos de la portada y aflora por la sillería. Al pasar, el agua disuelve las sales que, transportadas hacia fuera, cristalizan, lo que sumado al hielo y el viento causa disgregaciones, descamaciones, fragmentaciones y roturas que pueden llegar a caer a la calle.
Las palomas también contribuyen al desgaste y aportan materia orgánica y suciedad, que favorece el ataque de microorganismos y daña la piedra, igual que los líquenes y raíces de vegetación entre los sillares.
La Fundación del Patrimonio plantea también investigar las capas de enlucido del atrio y la cara interna de la fachada, original de Juan Guas, para comprender la evolución histórica de esta parte de la catedral y favorecer una contemplación mejor del interior de la fachada, del siglo XV.
En su trayectoria, la Fundación ha desarrollado más de 700 actividades de restauración, de investigación, de formación, de difusión y edición de publicaciones. Entre ellas, son más de 200 las dedicadas específicamente a la restauración y puesta en valor del Patrimonio. Por otro lado, el carácter social de la Fundación y su faceta de entidad generadora de riqueza y de empleo se ponen de manifiesto en la creación de 504 puestos de trabajo a jornada completa entre 2008 y 2011 gracias a la actividad de la Fundación.


Fuente: Europa Press

DESCUBREN UNA COPIA DE LA GIOCONDA
QUE PINTÓ UN DISCÍPULO DE DA VINCI






Descubren una copia de La Gioconda que pintó un discípulo de Da Vinci




Expertos del Museo del Prado aseguran que la obra fue realizada al tiempo que Da Vinci creaba la original. Estiman que el hallazgo cambiará el rumbo de las teorías artísticas sobre el retrato de la mujer
Conservadores y expertos del arte protagonizaron uno de los descubrimientos más importantes de los últimos tiempos en la historia del arte: una réplica de La Gioconda de Leonardo da Vinci, de acuerdo con lo publicado por el diario español El País.
La autoría de la obra se disputa entre dos de sus pupilos favoritos: Andrea Salai (quien fue amante del maestro) y Francesco Melzi.
Según datos recogidos por la publicación The Art Newspaper, los expertos del museo estudiaron durante varios meses la obra. Además debieron limpiarla y quitarle un oscuro barniz que la cubría.


Lo impresionante de este hallazgo es que el discípulo de Da Vinci habría pintado la réplica al unísono del maestro toscano en su estudio de Florencia.
Se espera que los diversos estudios que se realizan sobre la copia lleven a resultados que hasta modifiquen las teorías y las interpretaciones sobre el retrato de Lisa Gherardini, la esposa de un comerciante florentino llamado Francesco del Giocondo.

Fuente: infobae.com

¿USTED SE ATREVE A EXPLICAR EL ARTE?


Opinión
Tribuna

Este debate, que cruza toda la historia de la cultura, se reactualiza con una vieja ópera de Phillip Glass que se considera ya obra maestra y que causa furor hoy en Estados Unidos, con escenas de la vida nada menos que de Albert Einstein.

 

¿Usted se atreve a explicar el arte?
Por Alberto Rojo, músico y físico. Investigador y profesor de la Oakland University.
La música es repetición. El tono musical es la repetición de vibraciones y el ritmo es la reiteración de pulsos a una razón cientos de veces más lenta que el tono.
El género que lleva la repetición a un extremo para algunos irritante y aburrido y para otros hipnótico y fascinante es el minimalismo. Y dentro de ese género, el músico más celebrado es Phillip Glass, que llegó a su estilo en los tiempo que tomaba clases de composición en París con Nadia Boulanger (profesora también de Astor Piazzolla). En esos tiempos, Glass trabajó transcribiendo la música de Ravi Shankar a notación occidental y de esa experiencia surge una imagen que gravitó sobre su música: mientras en Occidente dividimos el tiempo total cortándolo como si fueran rodajas de pan, en la música de la India uno toma pequeñas unidades, o pulsos, y los va encadenando hasta llegar a la extensión de la obra . Uno escucha la música de Glass y esa fórmula resulta evidente: fragmentos sonoros que van brotando de un organismo que se define a medida que crece, en lugar de ser partes que tributan a un todo orgánico, como en la composición tradicional. Quizá por eso Glass funcione tan bien en bandas sonoras - El Ilusionista, Pasaje a la India, Los sueños de Casandra, El Truman Show -, donde uno no le pide a la música que le cuente una historia sino que acompañe y complemente la secuencia.
La obra de Glass, donde la idea minimalista de repetición, y de una trama que no es trama, aparece en su máxima expresión, es Einstein en la playa (Einstein on the beach), la ópera experimental en cuatro actos que estrenó en 1976, y que compuso junto a Robert Wilson, con coreografía de Lucinda Childs.
Desde entonces, la ópera fue puesta sólo un puñado de veces pero tiene una justificada reputación de obra maestra.
La semana pasada tuve el gusto de disfrutar de una serie de eventos en los que participaron Glass, Wilson y Childs, y que culminó con tres funciones de Einstein a sala cubierta. La puesta fue en el Power Center de Ann Arbor, y es la primera vez que se muestra en EE.UU. fuera de Nueva York.
Fui a la tercera función con mi amigo Michael Gould, profesor de percusión de la Universidad de Michigan, y entré preparado a una maratón musical. La ópera dura cinco horas, sin intervalo. En una de las charlas previas, Wilson aclaró que uno puede salir cuando quiera de la sala, tomarse una cerveza y volver, y que en realidad no se perdería nada. Pero, salvo por una fugaz escapada al baño, no pude levantarme de la butaca. A Michael no le pasó lo mismo. “Voy a salir un rato”, me dijo en un momento, “estoy exhausto de contar ritmos”.
La música de Glass es una pesadilla para los músicos de orquesta , que están acostumbrados a contar compases, pero siempre dentro de una música basada en cambios y desarrollo. Mi atención en cambio estaba en los motivos musicales, que ya tienen el sello Glass de hoy, y sobre todo en la aparición de iconografías einstenianas.
Si bien la obra es una yuxtaposición de imágenes sin un hilo, aparecen imágenes de Einstein y alusiones a su ciencia.
Al principio, junto a una foto de infancia, aparecen trenes a vapor, seguramente en alusión al libro de 1920, donde el gran Albert explica la simultaneidad con rayos de luz que van de una punta a la otra de un tren. Mientras Einstein se sienta con su violín en el costado izquierdo del escenario y toca un increíble motivo que parece un algoritmo de notas que dura más media hora , aparecen suspendidos un reloj y una brújula (el espacio-tiempo, me digo). Luego un eclipse, y dos puntos de luz a cada lado del círculo negro, en alusión a la primera comprobación de la teoría de la gravitación en 1919: la gravedad curva a la luz y un planeta puede ser una lente. Al final aparecen ascensores y la explosión de la bomba nuclear. Pero en el medio hay otras imágenes, alusiones a la justicia criminal, al amor verdadero y a los supermercados con aire acondicionado.
Lo cierto es que la ópera no tiene significado, y ahí está la calve de su éxito.
Si la obra tuviera sentido no habría tenido el éxito que tuvo.
Aquí no hay nada que entender.
Si bien hay que evitar la noción de entender una obra de arte en general, es inevitable establecer una correspondencia entre lo que uno está viendo y escuchando con objetos y experiencias anteriores.
¿Pero qué pasa cuando aparece algo nuevo que no se vincula, o que se vincula poco con lo anterior? La pintura abstracta, por ejemplo, no representa nada. Una pintura figurativa puede representar un árbol, pero el árbol mismo no representa nada. Y así como el arte abstracto no reproduce lo visible sino que hace visible, la música minimalista nos invita a ver -como en las olas del mar- variaciones en lo repetitivo, a que la mente misma cree la variación, como en famoso enunciado de la literatura, que mencionó Glass en una charla previa: no es lo mismo decir “las hojas caerán en otoño” que decir “las hojas caerán en otoño”. Las palabras son las mismas, pero entre una frase y la otra el universo cambió y por ende cambió el significado.


Fuente: clarín.com

ESAS MISTERIOSAS TORRES
QUE GUARDA LA CIUDAD




Torre. La de La Boca tiene una leyenda sobre una bella pintora


Por Berto González Montaner
EDITOR JEFE ARQ 

Detrás de cada edificio suele haber una historia. Algunas pueden ser de lo más comunes; otras, apasionantes. Tanto que pueden disparar y echar a correr las más variadas y extrañas leyendas y mitos urbanos.
Sobre el Palacio Barolo se ha especulado mucho. Cuentan que esta obra maestra que se erigió en la Avenida de Mayo a principios del siglo pasado, mediante una excepción a los reglamentos que le permitió llegar a los casi 100 metros de altura, fue construida como un posible mausoleo para Dante Alighieri. Tal es así que dicen que está inspirado en su Divina Comedia. Creer o reventar. Vale la pena darse una vuelta por este primer rascacielos porteño diseñado por el arquitecto italiano Mario Palanti. La planta del edificio responde a la sección áurea y al número de oro. El alzado del edificio está compuesto por un basamento, un desarrollo y un remate en correlato con la estructura del poema: el Infierno, el Purgatorio y el Cielo. También los 22 metros que tiene coinciden con las 22 estrofas del poema. Y los 100 metros de largo del pasaje, que conecta una calle con otra, aluden a los 100 cantos de este clásico de la literatura.
Si uno entra al monumental espacio central, están en latín muchas estrofas de los versos. Y si miramos a la cúpula también podemos ver la figura del Dante y su amada Beatrice. Más allá de las huellas de la Divina Comedia que dejó Palanti en el Barolo, lo cierto es que su autor era un fascista convencido, con aspiraciones megalómanas. Y que su fantasía fue crear junto al Palacio Salvo, otro edificio con características similares que construyó en Montevideo, dos faros que iluminen y que marquen el portal de acceso del Río de la Plata.
Otra historia curiosa es la que le atribuyen al edificio Otto Wulf, en la esquina de Perú y la avenida Belgrano en el barrio de Monserrat. En el mismo enclave, donde hace poco anunciaron –no sin previa polémica– que instalarán una cafetería de la cadena Starbucks. Esta mole pétrea tiene en su piano nobile una serie de gigantes que parecieran sostener el cuerpo del edificio. Pero lo más curioso y significativo es su remate en dos cúpulas yuxtapuestas. La leyenda cuenta que su dueño fue don Nicolás Mihanovich, cónsul del Imperio Austrohúngaro, y que allí funcionó su delegación hasta 1918. En esta línea, las dos cúpulas representan al Kaiser Francisco José I, la más alta, coronada con un sol; y la otra, que tiene una corona y una luna que perdió, es la Emperatriz Isabel de Possenhofen, Reina de Baviera, Austria.
Sin embargo la arquitecta e historiadora Alejandra De Marco nunca se creyó el cuento. ¿Por qué entonces se llama Otto Wulf? De su investigación surgió que el nombre pertenecía al dueño real, un comerciante acaudalado de Hamburgo que se hizo millonario en la Argentina vendiendo durmientes de ferrocarril y, como hacían mucho los de su clase, lo reinvertían en ladrillos.
Otro condimento se le agrega a esta historia, ahora que está en debate qué se debe preservar y qué no. Para hacer este fantástico edificio, su arquitecto, el danés Morten F. Rönnow, se tuvo que cargar la famosa Casa de la Virreina Vieja, lugar donde vivió la esposa del Virrey del Pino. Fue una de las mejores casas que tenía la Ciudad de Buenos Aires y uno de los últimos ejemplos de arquitectura civil del siglo XVIII. Su gran novedad residía en que no tenía techo de tejas coloniales, sino que tenía azotea plana.
Más doméstica es la leyenda que circula sobre el Castillo de La Boca, en las intersecciones de la avenida Almirante Brown y las calles Wenceslao Villafañe y Benito Pérez Galdós. Los vecinos aseguran que el fantasma de la torre sigue paseándose por las habitaciones del edificio construido para María Luisa Auvert Aur- naud, una poderosa estanciera que lo habitó a principios del siglo pasado y luego lo dedicó a la renta. Resulta que Clementina, una bella pintora muy querida en el barrio, tenía su atelier en la curiosa torre proyectada por el arquitecto catalán Guillermo Alvarez; pero un día, misteriosamente, desapareció. Algunos dicen que se suicidó; otros, que fue empujada por unos duendes desde lo alto de la torre. Y quienes se inclinan por un final menos novelesco, aseguran que terminó sus días en un geriátrico. Lo cierto es que Enrique Cáceres, uno de sus actuales habitantes, asegura que suelen suceder cosas raras, hay cosas que desaparecen, otras sorpresivamente cambian de lugar. No obstante, afirma con una inquietante sonrisa, conviven lo más bien con los fantasmas y los duendes.

Fuente: clarin.com

LA MEJOR FOTO DE LA TIERRA





Es en HD y se pueden ver los auténticos colores.

ALTA DEFINICIÓN. Homenaje a la foto que sacó el Apolo 17.

ALTA DEFINICIÓN. Homenaje a la foto que sacó el Apolo 1
 

El nuevo satélite de observación de la NASA Suomi CM tomó unas espectaculares fotos en alta resolución de la serie "Blue Marble" (Canica azul), en la que se aprecian los auténticos colores de la Tierra. La fotografía, que muestra nuestro planeta en una imagen compuesta a partir de varias franjas, supone una mirada nueva e impresionante del único hogar que, por el momento, tiene el ser humano.
La agencia espacial bautizó la imagen como "Blue Marble 2012", un homenaje a la legendaria fotografía tomada el 7 de diciembre de 1972 por la tripulación de la nave espacial Apolo 17, posiblemente una de las imágenes de la Tierra tomadas desde el espacio más famosas de la historia.

nasahoy.jpg

El satélite está situado a una altura de 824 km sobre la Tierra y tiene una visión completa de la misma todos los días. La imagen está compuesta por el trabajo del instrumento VIIRS del satélite, que fotografía la superficie del planeta en capas de 3.000 kilómetros de ancho cada una. Las franjas de cada sucesiva órbita se superponen entre sí, de forma que, al final del día, el sensor tiene una vista completa del mundo.

Fuente: tn.com.ar

EXPONEN 300 DIBUJOS DE RODIN,
HECHOS DE 1890 A 1917




Hasta el 1ro. de abril, puede visitarse la Exposición 'La saisie du modèle' en el Museo Rodin de Paris.

La tapa del catálogo.


Estos dibujos, fueron hechos por Auguste Rodin, desde 1890 hasta el año de su muerte, en 1917.



































PAGARON 42.000 DÓLARES
POR UN CUADRO PINTADO POR HITLER





OBRA. La pintura fue vendida por la familia de un pintor eslovaco.

El “Paisaje marino nocturno” fue pintado en 1913, cuando el dictador pasaba sus horas como artista, en Viena. No revelaron la identidad del comprador.
Un cuadro pintado por el genocida Adolf Hitler durante su juventud fue vendido por 32.000 euros (unos 42.000 dólares) a un comprador anónimo, en una subasta organizada por una casa eslovaca.
El precio de apertura de la obra, titulada “Paisaje marino nocturno”, fue de 10.000 euros (13.100 dólares), pero su valor se estima en 25.000 (32.725 dólares), según informó Jaroslav Krajnak, propietario de la casa de subastas Darte.
En el lienzo, de 60 x 48 centímetros, se ve una enorme luna llena reflejada en el mar. Hitler lo pintó en 1913, a sus 24 años, en la época en la que pasaba sus horas como artista en Viena, Austria.
"La pintura fue vendida por la familia de un pintor eslovaco que probablemente conoció personalmente a Hitler en la capital austríaca y fue adquirido en la época de la Primera República Checoslovaca (1918-1938)", abundó. El comprador pidió que no se revelara su identidad.
"Todos lo conocemos como un déspota. Entonces no se suponía que se convertiría en uno de ellos. Quería ser artista", afirmó Krajnak sobre quien fue el cerebro del Holocausto.
"Para mí, en 1913, Hitler era sólo un artista. No sabía en qué se iba a convertir decenas de años más tarde", agregó el dueño de la casa de subastas, que el año pasado vendió por 10.200 euros (13.350 dólares) otra pintura del dictador perteneciente a esta misma familia. 
 Fuente: clarin.com

BUENOS AIRES
CELEBRA LOS 200 AÑOS DE CHARLES DICKENS




Con motivo del 200 aniversario del nacimiento del escritor británico Charles Dickens, el próximo 7 de febrero personalidades de la cultura realizarán lecturas, interpretaciones y narraciones inspiradas en sus obras más importantes, en el barrio porteño de San Telmo.

Buenos Aires celebra los 200 años de Charles Dickens


"Oliver Twist", "David Copperfield", "Grandes esperanzas", "Historia de dos ciudades", son algunas de las obras del novelista británico que serán interpretadas y narradas por artistas como Ana Padovani, Malena Solda, Martín Kohan, Fernando Noy, María Rosa Lojo, Marikena Monti, Ana María Shua, Ingrid Pelicori, Horacio Peña, Rodolfo Rabanal y Daniel Amiano.
En el encuentro también participarán los dibujantes Max Aguirre y Sabina Alvarez Schürmann, que realizarán ilustraciones en vivo, inspirándose en algunos de los clásicos de Dickens.
El homenaje, organizado por el British Council y el Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires, se da en el marco de una celebración internacional que propone recorrer el universo de uno de los íconos más relevantes de Inglaterra y el mundo, reflejando así su enorme legado literario.
"El trabajo de Dickens trasciende su tiempo, la lengua y la cultura. Sigue siendo una gran influencia contemporánea en todo el mundo, y sus escritos siguen inspirando películas, programas de televisión, arte, literatura, artistas y académicos. Dickens 2012 es un programa internacional rico y diverso en eventos que tendrán lugar durante el año en distintos países del mundo", invita la gacetilla.
Dickens (Portsmouth, Inglaterra, 7 de febrero de 1812 - Gads Hill Place, 9 de junio de 1870) es uno de los novelistas más reconocidos de la literatura universal y uno de los más influyentes de la era victoriana.
Sus obras y su peripecia personal, íntimamente relacionadas, plasmaron no sólo el pulso social de su época, sino también el terrible estado moral de una sociedad atrapada en la desigualdad y las convenciones.
El encuentro cultural se realizará a las 19 en el comedor de la Basílica de San Francisco, Alsina 380, con entrada libre y gratuita.

Fuente: infobae.com

LAS CALLES PORTEÑAS,
UN MUSEO AL AIRE LIBRE




Paisaje urbano / El fenómeno del street art

Durante la última década se expandió esta tendencia artística; jóvenes de todo el mundo intervienen los muros de Buenos Aires.



 Foto: LA NACION / Maxie Amena

Por Leonardo Tarifeño / LA NACIÓN                

La mejor prueba de que la ciudad tiene vida propia es que sus muros cambian todo el tiempo. Durante la crisis de 2001, cuando el centro porteño amanecía con la leyenda "que se vayan todos" en cada rincón, un grupo de artistas callejeros se propuso intervenir el espacio público con imágenes y mensajes ajenos al escepticismo que imponía el desastre. Ante la violencia y la agresión del latigazo político, Tec, Tester, Defi y otros graf iteros respondieron con trazos y dibujos que abrían una puerta de alegría incipiente a través de los ladrillos. Desde entonces, Buenos Aires se ha convertido en una de las grandes capitales mundiales del street art , un auténtico museo al aire libre donde las obras aparecen, deslumbran y se borran en absoluta sintonía con el vertiginoso ritmo de lo que no siempre se alcanza a ver.
Las "salas" más atractivas de ese museo son Colegiales, Palermo y Villa Crespo, no en vano los barrios por donde transcurre el tour organizado por Graffitimundo ( www.graffitimundo.com ), que muestra y cuenta la historia detrás de los principales trabajos que brillan en esa zona de la ciudad. Mientras tanto, en Buenos Aires como en el resto del mundo, el street art parece haber alcanzado su mayoría de edad. El fenómeno desatado por el ¿inglés? Banksy (una figura secreta a la que nunca se le ha visto el rostro) ha hecho que el mercado del arte pague más de 300.000 euros por pintadas suyas y que la Academia de Hollywood nomine al Oscar su documental Exit through the gift shop .
Del mismo modo, a mitad de camino entre la aceptación y la clandestinidad, los gra fiteros porteños participaron en la primera bienal latinoamericana del género (Graffiti Fine Art, en São Paulo), recibieron a colegas de otros países (el colombiano Rodez, el francés Jonone, el brasileño Flip) y, sobre todo, reinventaron el paisaje urbano de una ciudad que ya los acepta como el más inesperado de sus motivos de orgullo. Antes, no hace mucho, los muros porteños exigían una transformación urgente; ahora, de manera (casi) inadvertida, ese cambio toma la forma de un arte al servicio de una escenografía vital y renovadora, en absoluta sintonía con el ritmo de lo que siempre vale la pena aprender a ver. Como todo porteño sabe, en Buenos Aires no es extraño hablarle a la pared; lo extraordinario, en este caso, es que la pared responde.

UNA CIUDAD TOLERANTE



El arte observa en el puente de Libertador y Juan B. Justo. Foto: Patricio Pidal, Maxie Amena, Marcelo Gómez
 
La cada vez más extendida presencia del grafiti en Buenos Aires va de la mano con la tolerancia que buena parte de la sociedad manifiesta hacia los artistas callejeros. Y esa tolerancia social se refleja en la ley 2991, registro de muralistas y creadores de arte público, impulsada por los legisladores Avelino Tamargo (Pro) y Facundo Di Filippo (ARI).
Según esa normativa, para que una pared pueda ser pintada con fines artísticos "sólo se necesita la aprobación del dueño de la propiedad". De esa manera, el grafitero sabe que puede trabajar principalmente sobre muros abandonados y que cuando quiera hacerlo en el frente de una propiedad privada se verá obligado a pedir el permiso correspondiente. La ley porteña es tan tolerante que muchos artistas callejeros de distintos lugares del mundo vienen a Buenos Aires porque saben que aquí no serán perseguidos como en los Estados Unidos o en algunos países de Europa..

Opinión 

DECORACIÓN DE EXTERIORES

Por Guido Indij / Para LA NACIÓN


 
Cuando comencé a fotografiar, clasificar y editar libros con detalles urbanos de esta ciudad en 2001, Buenos Aires era una ciudad más gris. Su única paleta de colores era la que estaba pintada en las carrocerías de los colectivos. Hoy son menos los colores de los colectivos y los microbuses tienen el color del gobierno de turno, el amarillo.
Fueron diez años de registro que van cobrando importancia documental, en tanto su objeto va modificándose. La mayor parte de carteles, stencils y grafitis que he publicado fueron blanqueados o ya integran el palimpsesto dinámico de las paredes porteñas. Pero han sufrido otro tipo de modificaciones: los stencils y las pintadas han crecido. No sólo los artistas atrás de los sprays, pinceles y brochas han madurado y se han multiplicado. Lo que antes era un pequeño stencil (una señal dispuesta sólo al peatón más atento) ahora son murales de rodillo y pastings. No son pocos los stencileros y grafiteros que se han transformado en muralistas. Asimismo, ha crecido el intercambio con artistas de otras latitudes. Los más consagrados de entre los locales han mostrado afuera y los adelantados de otros países, enterados a través de libros, notas gráficas, blogs y el "boca a boca", se han acercado a conquistar esta ciudad orillera. La idiosincrasia porteña que nos hace movernos tan controversialmente, pero con cierta comodidad entre lo púbico y lo privado, entre la tolerancia y lo que puede ser considerado vandalismo cuando se lo mira con la lente de la propiedad, ha convertido a Buenos Aires en el laboratorio para el desarrollo de variadas técnicas y la meca del street art.

El autor es editor e investigador en arte urbano. Su último libro,escrito en colaboración con Gonzalo Doblej, es Buenos Aires Street Art (La Marca Editora). 














Foto: LA NACIÓN / Maxie Amena


Fuente: lanacion.com

EL AJUSTE EN ITALIA
PONE EN RIESGO SU PATRIMONIO ARTÍSTICO




Cultura / Drástica reducción de fondos.
Expertos advierten sobre la necesidad de sumar capital privado para mantener monumentos.


ROMA.- Constantes desprendimientos en el Coliseo, el monumento más visitado y simbólico de la "ciudad eterna", derrumbes en Pompeya, uno de los sitios arqueológicos más importantes del mundo, la Domus Aurea de Nerón cerrada y al borde del colapso en cualquier momento.
La crisis económica que sacude a Italia castiga también a su patrimonio artístico, bajo riesgo por falta de fondos. Según Italia Nostra, asociación italiana para la salvaguardia del patrimonio, en los últimos tres años, hubo una disminución drástica, del orden del 40%, en los recursos que Italia destina a este sector.
"En este momento, el país le destina al Ministerio para los Bienes y las Actividades Culturales tan sólo el 0,19% del PBI, una cifra que nos pone detrás de muchos otros países, como Francia o Alemania", dijo a LA NACION Maria Pia Guermandi, consejera nacional de Italia Nostra.
"Este brutal recorte de fondos afecta especialmente a un país como Italia que tiene un patrimonio artístico extraordinario, que va mucho más allá de los monumentos emblemáticos como el Coliseo: no hay un sólo pueblito de Italia que no tenga algún pequeño tesoro cultural", agregó.
Vista la crisis económica, que implica recortes y más recortes que no perdonan a ningún sector, el debate sobre la necesidad urgente del ingreso de capitales privados para la salvaguardia del patrimonio artístico está a la orden del día. El primero en entender que podría también ser una operación mercantil-publicitaria la idea de convertirse en un "mecenas" fue el dueño de los famosos zapatos Tod's, Diego della Valle. Este firmó el año último un controvertido contrato por el cual donará los 25 millones de euros necesarios para restaurar el Coliseo. Este fue puesto bajo la lupa por la fiscalía de Roma, luego de denuncias de falta de transparencia.
"No se trata de ponerles un veto a las empresas privadas en la gestión de lo cultural, es más, éstas son más que bienvenidas y hay que incentivar su participación ahora más que nunca, pero el Estado debe mantener un rol de coordinador y debe controlar que haya transparencia, algo que no hubo en el caso del Coliseo", indicó Guermandi.
Si bien se habló de "privatización" del también llamado anfiteatro Flavio, esta arqueóloga consideró exagerado usar ese término: "Sin duda, el Coliseo es un monumento que es de propiedad pública... En todo caso es la imagen, la marca del Coliseo manejada por demasiados años por un privado, que significa un retorno comercial enorme, lo que hay que evitar. El Estado debe aprovechar del ingreso de los privados, pero sin malvender el patrimonio".
El gran problema de Italia es que no todos los monumentos que necesitan con urgencia fondos para ser restaurados atraen dinero como el Coliseo. Un monumento que atrae 5 millones de turistas cada año, con picos de 24.000 personas al día en el verano boreal, un número gigantesco, que incluso provoca daños.
"El Coliseo es la gallina de los huevos de oro y no hay problemas para conseguir fondos para hacer trabajos en este monumento, que está sufriendo una presión antrópica enorme debido a la cantidad excesiva de gente que lo visita, por demasiadas horas... El monumento necesita reposo, un respiro", señaló Guermandi.
Aunque para los expertos en el tema, lo más grave es que hay sitios arqueológicos que necesitan con mucha más urgencia que el Coliseo ser restaurados. Es el caso de la Domus Aurea, el famosísimo edificio construido por Nerón en el año 64 después de que un incendio destruyera buena parte de Roma. "Para la Domus Aurea, cerrada desde hace diez años y que en 2010 tuvo un derrumbe desastroso y que representa una emergencia absoluta, no se encuentra dinero privado. Y es uno de los edificios más importantes de la época romana", advirtió.
"Cualquier otro país hubiera invertido millones, porque la Domus Aurea es uno de los monumentos más importantes de la cultura clásica, un punto de referencia de la historia del arte", lamentó. En este sentido, Guermandi opinó que, más allá de la dramática falta de recursos, existe un problema de falta de objetivos culturales aggiornados . "El problema no es sólo económico, es también cultural", concluyó. 

Fuente: lanacion.com

LA FOCA DE LA GALERÍA GÜEMES





LA FOCA DE LA GALERÍA GÜEMES

Por Eduardo Parise

En los registros de inquilinos de la famosa Galería Güemes, en el centro porteño, no figura su nombre ni el tiempo en que estuvo allí. Es lógico: en 1930 ¿quién iba a tener en cuenta los datos de un cachorro de foca, instalado en la bañera de un departamento y rodeado de agua enfriada con barras de hielo? Al animal lo habían traído en avión desde el Sur y el hombre que alquilaba el departamento 605, en el sexto piso, lo tenía como su excéntrica y curiosa mascota. Ese hombre era el francés Antoine de Saint-Exupéry. Sí, el autor de El Principito , un clásico de la literatura mundial.
La anécdota es una más de las tantas de esa construcción que, en diciembre de 2015, cumplirá su primer centenario. Inaugurado el 15 de diciembre de 1915, al monumental edificio (que fue el más alto de Buenos Aires), se accede tanto por Florida 165 como por San Martín 170.
Saint-Exupéry vivió allí entre noviembre de 1929 y enero de 1931. Y si bien rechazaba el movimiento y la vida en las grandes ciudades, la elección del lugar de residencia tenía un motivo: a 50 metros de la galería, en una de las ochavas de Diagonal Norte y Florida, estaba la sede de Aeropostal, la empresa encargada que transportaba correspondencia al sur argentino, iniciando así las rutas aerocomerciales a esa región. El francés, junto con otros colegas, fue uno de los audaces pilotos de la empresa.
Dicen que la presencia del cachorro de foca en la bañera de aquel departamento de dos ambientes y un baño (actualmente es una oficina cuyos inquilinos usan poco y por eso está casi siempre cerrada) motivó protestas de los vecinos, en especial por el olor que generaba el animal. Pero no todo lo que produjo Saint-Exupery en ese lugar fueron problemas. También escribió Vuelo nocturno , un libro que publicaría en Francia en 1931, donde contaba su fascinación por volar de noche en la inmensidad del cielo de la Patagonia, guiado sólo por las estrellas.
También, seguramente, algunas noches habrá subido al mirador de la Galería, por su estrecha escalera caracol de hierro. Está a 80 metros de la calle y desde allí se puede ver Colonia, en la orilla uruguaya, y la costa de Quilmes. Dicen que en poco tiempo más, el mirador se habilitará a los visitantes.
Además de sus brillantes bronces, algo que también llama la atención es el nombre de la galería. Pero ese homenaje tiene relación con el lugar en el que habían nacido Emilio San Miguel y David Ovejero, los dueños del terreno en el cual se levantaría el rascacielos. Ambos eran salteños y así recordaron a Martín Miguel de Güemes, histórico defensor de la frontera norte en las guerras por la Independencia.
De la Galería Güemes se pueden escribir cientos de textos que mencionen su calidad arquitectónica, diseñada por el italiano Francisco Gianotti (el mismo de la actualmente abandonada Confitería Del Molino), o que aludan a las figuras que la frecuentaron, como Jorge Luis Borges, Julio Cortázar y un cantor aficionado conocido como Carlos Gardel. También se pueden descubrir otras curiosidades, como la actividad y el talento que desarrolla allí el famoso coro Arax, que pertenece a la Asociación Amigos de la Música Armenia y que dirige el maestro Jean Almohuian. Con casi 55 años de actividad, el coro no sólo interpreta música de la cultura armenia. También incluye obras de todo el mundo.
Pero esa es otra historia.

Fuente: clarin.com


SUPERAMOS LAS 240.000 VISITAS
A NUESTRO BLOG
DESDE TODAS PARTES DEL MUNDO


David Téniers, El Joven, Escuela Flamenca, 1610-1690
"El Archiduque Leopoldo Guillermo visitando su colección de Bruselas", 1651
  124 X 165 cm
Kunsthistorisches Museum, Viena

En el día de hoy, 29 de enero de 2012, hemos superado las 240.000 visitas a nuestro blog desde todas partes del Mundo.
Saludamos con ese motivo a todos quienes nos visitan y les agradecemos que nos lean y consulten.
Su fidelidad nos estimula, obliga y compromete a seguir cada día tratando de superarnos, consiguiendo más y mejor material - textos e imágenes - y a cuidar de manera muy especial la parte visual de nuestro blog.

Pedro L. Baliña........................
www.puesta-en-valor.com................
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EL HIDALGO POBRE DE PROVINCIA





Por Laura Ramos


El 18 de febrero de 1938 Leopoldo Lugones tomó el tren Retiro-Tigre con un frasco de cianuro escondido y un ejemplar de Los que pasaban , de Paul Groussac. Durante las dos horas y media de viaje en la lancha colectiva permaneció de pie, inclinado sobre la baranda de la borda, mirando el paisaje del río Paraná de las Palmas. Se bajó en el muelle del recreo El Tropezón, donde le dieron la habitación número nueve, la más fresca. Pidió una jarra con agua y un vaso de whisky y se fue al jardín del fondo, donde rompió la tapa del frasco contra una escalera de cemento del fondo, que ya no existe. Se mató en la habitación “como una sirvienta”, dijeron los diarios de la época. La preciosa casa de madera está cerrada al público desde 2004, pero la nieta del propietario que atendió a Lugones conserva su habitación intacta: la cama, la mesita, la jarra, el vaso y el original de la carta.
Como un héroe de Balzac, como un D’Artagnan, como un Rimbaud, Lugones había llegado desde la provincia a la ciudad con once pesos en el bolsillo y una carta de recomendación. Juan José Sebreli, uno de los grandes enemigos de mi padre, lo incluye en una categoría encantadora: la del hidalgo pobre de provincia. El destino de estos jóvenes, provenientes de sectores arruinados de las clases altas provincianas, encontraba en Buenos Aires una doble marginación: como parientes pobres frente a su clase de origen, y como provincianos, frente a la clase alta porteña. “La hidalguía, la literatura hermética y el ocultismo fueron formas que utilizó Lugones para integrarse a una elite en la que no estaba muy seguro de ser admitido.” (Juan José Sebreli, Escritos sobre escritos, ciudades bajo ciudades ).
Mientras Sebreli lo vilipendia por haber inventado el Ejército como nuevo sujeto histórico, y Jorge Luis Borges lo burla, mi padre reivindica sus intentos de fundar una literatura nacional. Veamos cómo se mofa el joven Borges del poeta laureado. “Es que la idea de aristocracia es una idea grosera. ¿Te acordás (le dice a Adolfo Bioy Casares) de la torva aristocrática del soneto de Lugones? Abrióse con erótica eficacia / tu enagua de surá / y el viejo banco / sintió gemir sobre tu activo flanco / el vigor de mi torva aristocracia . ¿Por qué torva? Cuando el banco cruje bajo el vigor de su torva aristocracia se muestra como un compadrito, o peor, como un compadrón… Pensá que trata de ser exquisito. ¿Por qué no escribe en lunfardo? No sólo habla de aristocracia, sino de su aristocracia. Parece difícil hablar delicadamente de aristocracia y, peor aún, de la propia. No creo que sus modelos franceses fueran tan groseros… ¿Vos creés que tenía razón Ibarra? ¿Qué el río de jacinto era el semen?”. Bioy le responde: “¿Qué otra cosa puede ser? La verdad es que no pudo decirlo mejor”. (Adolfo Bioy Casares, Borges ).
Como para refrendar esa condición bravucona que le adjudica Borges, Lugones se ufanaba de su estirpe criolla aristocrática: interpelaba a sus antecesores encomenderos y generales que combatieron en los reinos del Perú. “Coronel Lugones, tú eres el héroe de mi raza, yo soy el poeta. Tú tenías la espada, yo tengo la pluma”. Ese lustre de sus blasones, sin embargo, ¿no prefigura esa patria que fundó Borges después de haberlo remedado en cada atardecer, cuando repetía el verso Y muera como tigre el sol eterno ? Hasta compuso un “Romancillo” a su costa: “Se hundieron los cielorrasos, / creparon los bandoneones; / el azar jugó la taba; / Zarathustra y los mormones / trocaron el astrolabio / en un sacal de sifones; / y todos, el caballero, / el ermitaño, sus leones, / los trenqueláuquenes asados / y el reloj de plaza Once / oyeron que en su agonía / dijo el Caballero a Borges: / -Qué malo es el Román-Cero / de Don Leopoldo Lugones!”.
Los poetas jóvenes ridiculizaban su virtuosismo en la rima, de tan poco gusto, su solemnidad, sus visos aristocráticos. Sin embargo, en el prólogo a “El hacedor”, Borges describe una ensoñación: Lugones lee con aprobación un verso suyo “acaso porque en él ha reconocido su propia voz”. Cumplía una ley generacional. Necesitaba burlarse y denigrarlo, aunque fuera injustamente: “Hacíamos bien: teníamos el deber de ser otros” (Jorge Luis Borges, Leopoldo Lugones ).
En su biografía de Lugones Cristina Mucci consigna que en su carta suicida el poeta escribió: “Prohíbo que se dé mi nombre a ningún sitio público”. No le hicieron caso. En cambio, lo travistieron dos veces: porque si Lugones es “Lunario sentimental” y una poco agraciada autopista, es también “la Lugones”, la sala de cine del teatro San Martín, a la que se va menos a ver una película que a tener una experiencia mística, la sala de proyección donde el cine sigue siendo más importante que la vida. Y además, al rescatar el Martín Fierro del oprobio literario y consagrarlo como un poema épico, ¿no estaba de hecho fundando la nación? La saga trágica de su familia se las cuento la próxima vez.

Fuente: clarin.com