THE ACTORS' GANG, TIM ROBBINS Y DIANNA OLIVA - DAY,
JUNTOS EN LA TEMPORADA INTERNACIONAL
DEL TEATRO SAN MARTÍN DE BUENOS AIRES






DIANNA OLIVA - DAY
1984
¿Por qué ahora?

DIANNA OLIVA - DAY
TIM ROBBINS

¿Por qué 1984? ¿Por qué ahora?                                              
Recibí la adaptación teatral de Michael Gene Sullivan hace años. Me entusiasmó tanto su enfoque, su habilidad para hacer resonar el material, que sospeché que, como dice uno de los personajes de la obra, “estaba inventando todo”. Yo había leído la novela hacía tiempo y, francamente, no recordaba mucho. Inmediatamente la leí de nuevo y quedé impresionado por su relevancia, por sus advertencias y, lamentablemente, comprendí que hoy más que nunca resulta indispensable.
En 1949, al año siguiente de su publicación, George Orwell escribió: “1984 no fue escrita como un ataque al socialismo ni al Partido Laborista Británico –al cual apoyo– sino para advertir sobre las perversiones de la economía centralizada, que en parte ya han sucedido bajo el comunismo y el fascismo. No creo que el tipo de sociedad que describí llegue necesariamente a hacerse realidad aunque pienso –avalado, por supuesto, por el hecho de que se trata de una sátira– que puede suceder algo parecido. Creo también que las ideas totalitarias han echado raíces en las mentes de los intelectuales en todas partes, y he intentado arrastrar estas ideas hacia sus lógicas consecuencias”.
En 1984, Orwell describe tres estados-nación: Eurasia (integrada por Europa y la antigua Unión Soviética), Estasia (China, Japón, Mongolia y el Tíbet) y Oceanía (Estados Unidos, Reino Unido, Australia y Sudáfrica). Tres superestados que sostienen la misma estructura piramidal, la misma adoración a un líder semidivino, la misma economía diseñada por y para una guerra permanente y total. Sin embargo, ninguno de ellos puede conquistar al otro y, como Orwell apunta, tampoco ése es el verdadero objetivo. La guerra tiene una función diferente: agotar los recursos de la sociedad. En 1984, Orwell advierte sobre el totalitarismo de la mente, donde el pensamiento libre es considerado una amenaza para la seguridad del Estado. El “Gran Hermano” gobierna a través del miedo y de ese modo protege los beneficios de una elite minoritaria.
Hoy vivimos en una sociedad que tolera la tortura y que mantiene cárceles secretas con prisioneros sin representación legal. Tenemos medios de comunicación que funcionan como brazos propagandísticos del Estado en la construcción de una guerra como la de Irak. ¿Nos hemos convertido en nuestro enemigo? O, como dijo la periodista Molly Ivins: “¿Por qué nos preocupamos por derrotar a la Unión Soviética si estamos por convertirnos en ella?”
  
                                                                                                                 Tim Robbins


EL AUTOR

Seudónimo de Eric Arthur Blair (1903-1950), George Orwell fue un escritor y ensayista británico políticamente comprometido cuya obra ha dejado una profunda huella en la cultura del siglo XX. Nació en Motihari, India, y estudió en el Eton College de Inglaterra gracias a una beca. Entre 1922 y 1927, prestó sus servicios en la Policía Imperial India destinado en Birmania. Enfermo y en la búsqueda de abrirse camino como escritor, vivió durante varios años en la pobreza, primero en París y más tarde en Londres. Como resultado de esa experiencia, escribió Sin blanca en París y Londres (1933), en la que relata las sórdidas condiciones de vida de los sin techo. Días en Birmania (1934) es un ataque feroz contra el imperialismo y también, en gran medida, su primera obra autobiográfica. En 1936, Orwell integró el ejército republicano durante la Guerra Civil española (1936-1939), experiencia que volcó en Homenaje a Cataluña (1938), sin dudas la crónica más conmovedora sobre ese conflicto histórico. “La guerra española y otros hechos ocurridos en 1936 y 1937 inclinaron la balanza y, a partir de entonces, supe cuál sería mi posición”, escribió más tarde. “Cada frase que he escrito desde entonces fue orientada, directa o indirectamente, contra el totalitarismo y a favor de lo que considero socialismo democrático”. Esa condena quedó plasmada en Rebelión en la granja (1945), fábula basada en la traición de Stalin a la Revolución Rusa, como en la novela satírica 1984 (1948), en la que anticipa la pesadilla de una sociedad bajo tuberculosis la vigilancia constante del “Gran Hermano”.                                          
Orwell murió en enero de 1950 de tuberculosis.

DIANNA OLIVA - DAY

THE ACTORS’ GANG  (E. E. U. U.)
DIRECTOR ARTÍSTICO:   TIM ROBBINS
DIRECTORA ASOCIADA:   CYNTHIA ETTINGER
DIRECTORA EJECUTIVA:   ELIZABETH DORAN

ELENCO

Winston:  Cameron Dye
O’ Brien:  Nathan Kornelis
Miembro del Partido 1:  Winston Chris Schultz
Miembro del Partido 2: Julia Kaili Hollister
Miembro del Partido 3:  Syme  V. J. Foster
Miembro del Partido 4:  Parsons Steven M. Porter

Coordinación de producción (CTBA):  María La Greca
Asistencia de dirección (CTBA):   Daniela Sitnisky, María Leiva
Asistentes de montaje (CTBA): Eugenia Monedero, Mariano Tenconi Blanco
Asistentes para la compañía (CTBA) María Capelle, Pilar Ayerra

Dirección de producción:  Kwinn Doran
Manager de la compañía y supervisión de sonido:  Donna Jo Thorndale
Dirección de iluminación y asistencia de producción:  Amber Koehler
Asistencia de dirección:  Vanessa Jane Noon
Diseño de sonido:  David Robbins
Diseño de iluminación:  Bosco Flanagan
Diseño de vestuario:   Allison Leach
Diseño de escenografía Richard Hoover, Sibyl Wickersheimer
Ayudante de dirección:  Cynthia Ettinger
Dirección:  Tim Robbins

Duración aproximada: 120 minutos (con un intervalo)
Teatro San Martín
Sala Martin Coronado
Temporada 2012

DIANNA OLIVA - DAY

The Actors' Gang (EE.UU.)
Director Artístico: Tim Robbins

LOCALIDADES AGOTADAS

De George Orwell   
Adaptación: Michael Gene Sullivan
Dirección: Tim Robbins
Con: Cameron Dye, Nathan Kornelis, Chris Schultz, Kaili Hollister, V. J. Foster y Steven M. Porter.
Espectáculo en inglés con subtítulos.
En colaboración con el Festival Iberoamericano de Teatro de Bogotá.
Funciones: jueves 12, viernes 13 y sábado 14, 20:30.
Platea: $110.- Pullman: $80.-
Duración: 120 minutos (Con 15 minutos de intervalo)

Teatro San Martín
Sala Martín Coronado


TEATRO SAN MARTÍN - TEMPORADA INTERNACIONAL - TEATRO SAN MARTÍN -  TEMPORADA INTERNACIONAL - TEATRO SAN MARTÍN

DIANNA OLIVA-DAY EN EL TEATRO SAN MARTÍN
 
Las presentaciones de The Actors' Gang en Buenos Aires, estarán acompañadas e por una muestra de fotografías con el tema específico de la célebre obra de George Orwell, hechas por nuestra compatriota, la fotógrafa, cineasta y dramaturga Dianna Oliva-Day, que fue elegida por Robbins para fotografiar a su compañía en plena acción y desde adentro mismo del escenario.


MARÍA SAUZE

DIANNA OLIVA-DAY
          
Síntesis Biográfica
            
De ascendencia anglo-argentina, ciudadana argentina, británica y estadounidense, la cineasta y fotógrafa  Dianna Oliva – Day, trabaja en sus estudios de Pasadena, California, EEUU, y Buenos Aires, Argentina. Graduada en Dramaturgia, Cine y Fotografía en la Universidad de Ciudad del Cabo, Sudáfrica. Su primer trabajo le fue ofrecido como asistente de fotografía en las oficinas de Paramount de Roma, Italia.Con  posterioridad, se reunió con el Sr. John Simenon, presidente de la Twentieth Century Fox Europa y con el Sr. Osvaldo De Santis, CEO de Twentieth Century Fox Italia, y fue invitada a unirsea su equipo de trabajo en Roma, creando las campañas publicitarias para las versiones europeas de la tercera serie de “Star Wars” (“La guerra de las galaxias”), y la icónica película, “Brasil”. Viajó luego a Buenos Aires, Argentina, donde, trabajó con  el director de cine argentino Edi Flehner, también director de cine publicitario, en numerosas campañas y cortos comerciales que han obtenido varios premios nacionales e internacionales. Ávida fotógrafa y exploradora de las tecnologías de los nuevos medios digitales, Dianna Oliva-Day asocia sus fuerzas creativas con Stargate Films y, siendo su Directora Creativa, funda en 2001 Stargate Digital, una compañía de producción de artes visuales, e inaugura estudios en South Pasadena, California, EEUU, y en Vancouver, Canadá, en 2001 y en Londres, en 2003, siendo nominada y galardonada con innumerables premios, entre los cuales se cuentan dos premios Emmy. Stargate Digital se convirtió en la compañía responsable de diseñar las imágenes fotográficas vanguardistas y los efectos visuales de series tales como “The Dead Zone”, “Ugly Betty” (“Betty la fea”), “Anatomía de Grace”, “Crossing Jordan”, “ER”, “Las Vegas”, “Heroes” (“Héroes”), el innovadoramente creativo éxito “CSI Las Vegas”. En el año 2003, el alcalde Hahn de Los Ángeles, le encomienda escribir, dirigir, filmar y fotografiar la campaña de imagen para dicha ciudad. Oliva – Day invitó a numerosos colegas relacionados con el negocio del espectáculo, la televisión, el cine y la industria discográfica a unirse a ella en su entusiasmo por Los Ángeles, una ciudad a la que ella le está muy agradecida, en la creación de una campaña publicitaria y de difusión que sería vista en todo el Mundo y a establecer las bases para la nueva imagen artística de una Los Ángeles productiva, multi-racial y profundamente acogedora, siempre lista para dar una bienvenida. En 2007, decidió dedicarse con exclusividad a la producción de documentales y películas, incluyendo la animación, y a la fotografía, trabajando en su nuevo estudio en Pasadena, California, EEUU, en la Argentina y en todo el Mundo. Fotografías suyas, hechas exclusivamente  en 35 mm,  y en formatos mediano y grande, se imprimen en sus laboratorios preferidos de América del Sur o en su nuevo Laboratorio Digital. Obras suyas integran un gran número de colecciones privadas, tanto de los Estados Unidos como de América del Sur. Tiene terminadas tres series fotográficas llamadas “Petals and Passion” (“Pétalos y Pasión”), “Fire and Dance” (“Fuego y Danza”) y “Leaves and Serenity” (“Hojas y Serenidad”) y una extensa serie fotográfica sobre el tema del Flamenco con el afamado bailaor Rafael Amargo como protagonista. Está actualmente trabajando en un documental filmado en Nepal y en la producción de un impactante proyecto de animación para Irlanda.


           Tim Robbins     http://www.imdb.com/name/nm0000209/

           The Actors' Gang     http://www.theactorsgang.com/
           
           www.diannaolivaday.com

           http://www.imdb.com/name/nm3496946/bio

           http://www.complejoteatral.gov.ar/htm/obras/1984_0.html



DIANNA OLIVA - DAY




DIANNA OLIVA-DAY EN EL TEATRO SAN MARTÍN



FOTOS PUESTA EN VALOR...
 








 









































































DIANNA OLIVA-DAY EN HOLBOX PHOTO GALLERY

      
A partir del jueves 26 de abril a las 18,00 hs, las fotografías de Dianna Oliva - Day sobre "1984" de George Orwell, representada por The Actors' Gang de Los Angeles, con dirección de Tim Robbins, podrán verse en


                  Costa Rica 4737, entre Gurruchaga y Armenia, Palermo Soho.           
      Tel. 4833 - 2481
                            
     Lunes a viernes ...................... 11,00 a 19,00 hs.
     Sábados, domingos y feriados 14,00 a 20,00 hs.

       La exposición permanecerá abierta durante un mes.



EL PRADO REGISTRA EL MAYOR NÚMERO DE VISITANTES
DURANTE UNA SEMANA SANTA


Dos visitantes contemplan la obra "Mesa de un café" (1912), de Picasso, que forma parte de la exposición "El Hermitage en el Prado". EFE/Archivo

Madrid, 9 - Un total de 246.909 personas han visitado la pasada Semana Santa, desde el sábado día 31 de marzo hasta el domingo 8 de abril, los principales museos madrileños, en los que se han podido contemplar exposiciones temporales como la dedicada a "El Hermitage", que el Museo del Prado clausuró ayer.
Este museo ha recibido, desde el lunes día 2 hasta el domingo 8 de abril, 87.384 visitantes que aumentan hasta 108.439 personas si se contabilizan desde el sábado 31 de marzo, fecha de inicio para muchos de las fiestas de Semana Santa.
A la vista de estos datos, y según fuentes del museo, se puede confirmar que en la Semana Santa de este año se ha registrado el mayor volumen de visitantes en la historia del Museo, gracias a su apertura por primera vez todos los días de la semana.
Así, frente a los 70.410 visitantes de 2011 se situaron los 87.384 que acudieron este año al museo desde el lunes de Semana Santa hasta el domingo de Resurrección.
Esta medida ha tenido un efecto positivo para los propios visitantes dado que el flujo de visitas se ha repartido proporcionalmente favoreciendo menos aglomeración diaria de público.
Además, ha permitido ampliar las posibilidades de visitar la exposición "El Hermitage en el Prado" en sus últimos días de apertura.
La muestra fue clausurada ayer con una cifra cercana a los 600.000 visitantes, lo que la convierte en la más visitada en la historia del Prado, al igual que lo fue la primera muestra fruto del intercambio con el museo ruso,"El Prado en el Hermitage", celebrada el año pasado, que se convirtió también en la muestra más visitada en la historia del Hermitage.
Con estos resultados, se han superado los 437.327 visitantes que contemplaron en 2008 la exposición "Goya en tiempos de guerra" y los 459.267 que disfrutaron de la muestra dedicada en el año 2009 a Sorolla.
Con exposiciones como las dedicadas a Hans Haacke o a Mateo Maté así como el espacio "De la revuelta a la posmodernidad" (1962-1982) que integra el tercer tramo de su colección permanente, el Museo Reina Sofía ha registrado un total de 102.970 visitas desde el sábado 31 de marzo hasta el domingo 8 de abril.
Por su parte, el Museo Thyssen Bornemisza, que en la actualidad exhibe la primera gran retrospectiva dedicada en España al artista ruso Marc Chagall y la exposición "Visiones de la India. Pinturas del sur de Asia del San Diego Museum of Art", una de las colecciones más importantes de arte surasiático de los siglos XII al XIX, ha recibido durante el mismo periodo 35.500 visitantes.

Fuente: EFE

EL METROPOLITAN DE NUEVA YORK EXPLORA
LA HISTORIA DEL DESNUDO EN LA FOTOGRAFÍA






Reproducción cedida por el museo Metropolitan de Nueva York de una fotografía tomada por el húngaro Brassai, que forma parte de más de sesenta imágenes que exploran la historia del desnudo en la fotografía desde el siglo XIX hasta los años setenta. EFE



Nueva York, 10 - El museo Metropolitan de Nueva York explora la historia del desnudo en la fotografía desde el siglo XIX hasta los años 70 con la exposición "Desnudo ante la cámara", que incluye más de sesenta imágenes de artistas como el húngaro Brassai o la estadounidense Diane Arbus.
"En cada cultura y durante todos los tiempos, los artistas han estado cautivados por la figura humana", dijo el director del museo neoyorquino, Thomas Campbell, en un comunicado que se puede ver hoy en su página web.
La muestra, que permanecerá abierta hasta el próximo 9 de septiembre y está compuesta por imágenes del extenso archivo del museo, trata de ofrecer una mirada sobre cómo los fotógrafos "han utilizado ese medio para explorar este antiquísimo sujeto para crear nuevas y convincentes imágenes", añadió Campbell.
"Desnudo ante la cámara" arranca con instantáneas del siglo XIX, una época en la que éstas solían ser tomadas para facilitar la labor de los pintores pero que finalmente se convertían en obras de arte en sí mismas, según detalla el museo.
Ése es el caso de "Desnudo femenino" (1853), una imagen del fotógrafo francés Julien Vallou de Villeneuve que probablemente se realizó como un estudio para "Mujer con un loro" (1866), del pintor galo Gustave Coubert, pero que muestra figuras del pasado "de una forma sorprendentemente moderna".
La exposición también compila imágenes tomadas a finales del siglo XIX y principios del XX con fines médicos o como herramientas para analizar la anatomía, como es el caso las realizadas por el antropólogo suizo Paul Wirz de mujeres indonesias entre 1910 y 1920, que unen además el erotismo y la sensualidad.
Más entrado el siglo XX, artistas como el húngaro Brassai, el estadounidense Man Ray o el alemán Hans Bellmer utilizan el desnudo "como el vehículo perfecto para el juego visual y la exploración psicosexual", según el museo, que pone como ejemplo "Distorsión #6" (1932), del también húngaro André Kertész.
La muestra recorre además la utilización del desnudo por fotógrafos de mediados del siglo XX como Edward Weston o Emmet Gowin para comunicar una conexión íntima con sus sujetos, mientras que entre los años 60 y 80 los artistas "comenzaron a ver el cuerpo como un terreno politizado" a raíz de la revolución sexual y la crisis del VIH/Sida.
"Hombre retirado y su mujer en casa una mañana en un campamento nudista" (1963) o "Un hombre desnudo siendo una mujer, N.Y.C" (1968), de la estadounidense Diane Arbus, son algunas de esas imágenes con las que concluye la muestra.


Fuente: EFE

GEORGIA RECONVERTIRÁ EL MUSEO DE STALIN
EN UNA GALERÍA DEL ESTALINISMO







Varias personas permanecen en silencio ante el museo del dictador soviético Joseph Stalin en el 58 aniversario de su muerte en su ciudad natal de Gori, a unos 80 km de Tiflis, la capital georgiana. EFE/Archivo

Tiflis, 9 - Georgia reconvertirá el museo de Iósif Stalin situado en Gori, la ciudad natal del dictador soviético, en un museo sobre los crímenes del estalinismo, informó hoy a Efe su directora, Liya Okropiridze.
"Habrá varias exposiciones sobre las diferentes etapas de la época estalinista", dijo Okropiridze, quien explicó que la decisión de reconvertir el museo fue adoptada por el Parlamento a iniciativa del Ministerio de Cultura.
Indicó que las nuevas exposiciones del centro, que serán inauguradas una vez que se reúnan los materiales necesarios, ahondarán, entre otros temas, en la sovietización de Georgia y otras repúblicas que fueron anexionadas a la Unión Soviética, como Lituania, Letonia y Estonia.
"También habrá una sección dedicada a la hambruna en Ucrania y otra sobre el sistema de campos de concentración de la Unión Soviética", precisó.
El museo de Stalin de Gori fue inaugurado en 1937 en la misma casa de madera que el 21 de diciembre de 1879 vio nacer al dictador soviético.
En 1958, ya después de la muerte de Stalin -acaecida el 5 de marzo de 1953-, fue inaugurado el edificio de dos plantas que es hoy la sede principal del museo, que el año pasado fue visitado por más de 15.000 turistas.

Fuente: EFE

LA IGLESIA RUSA CONDENA
LA ERÓTICA EXPOSICIÓN DE PICASSO "SUITE 347"






Una mujer contempla algunas de las obras incluidas en la exposición "Picasso. La Danza", una colección de grabados del pintor malagueño pertenecientes a la Suite 347, la Suite 156 y al libro ilustrado "Le Tricorne". EFE/Archivo


Moscú, 6 - La Iglesia Ortodoxa Rusa (IOR) ha condenado la exposición del genio español Pablo Picasso en la ciudad siberiana de Novosibirsk, donde se muestra más de un centenar de grabados y litografías de la erótica serie "Suite 347".
"La exposición se llama 'Tentación'. No sé para quién será una tentación. Por supuesto, la gente se ha quejado a nuestro ministro de Cultura, pero por ahora no responde", afirmó el Metropolita local, Tijon, citado hoy por la prensa rusa.
El religioso dijo que "esta exposición está prohibida en todo el mundo y hasta en Moscú no la mostraron" y agregó: "Sólo se exhibe en nuestra ciudad".
"Por cierto, dicen que es para mayores de 18 años y muestran anuncios por la televisión y también en los autobuses. Los niños van con sus mochilas y ven (...) toda clase de degeneraciones", dijo.
Tijon, que hizo estas afirmaciones al reunirse con el alcalde, Vladímir Gorodetski, añadió: "Dicen que ésta es la exposición más creativa, que iluminará la razón de los habitantes de Novosibirsk. ¿Qué es lo que ilumina?".
Y abogó por que el museo estatal de Novosibirsk acoja no obras de Picasso, sino exhibiciones sobre acontecimientos históricos para los siberianos como la batalla de Borodinó contra Napoleón (1812), cuyo segundo centenario se recuerda en septiembre próximo.
La exposición incluye 105 grabados de los 347 de la colección "Suite 347", que fue pintada por Picasso entre marzo y octubre de 1968, cuando el pintor tenía ya 87 años.
"Algunos espectadores dicen que estos son desvaríos seniles. Pero hay que tener en cuenta el contexto histórico. ¿Qué son los años 60: es el momento álgido de la revolución sexual en Europa?", dijo Víctor Guitin, comisario de la muestra.
En su opinión, "Picasso intentó no sólo contribuir a la protesta juvenil, si no de alguna forma adelantarse a su tiempo".
La muestra, que fue inaugurada el 15 de febrero y concluirá el 22 de abril, incluye numerosos desnudos y provocadoras escenas sexuales, que cuentan como espectadores a figuras como Miguel Ángel o Rafael, el papa, personajes mitológicos y artistas circenses.
"A Novosibirsk hemos traído los 105 grabados más expresivos, provocadores y eróticos", señaló Guitin.
En principio, está previsto que la exposición de Picasso, un genio muy apreciado por los rusos, viaje seguidamente a Tomsk y otras ciudades rusas.
Durante 204 días, entre marzo y octubre de 1968, Picasso se dedicó exclusivamente al arte del grabado con ayuda de los hermanos Aldo y Piero Crommelynck, que habían abierto un taller en una vieja panadería cerca de la residencia de Picasso en Mougins (Francia).
La "Suite 347" es considerada por los expertos el diario personal del artista de finales de los años sesenta, una mezcla de confesión autobiográfica y fantasía, ya que el propio pintor protagoniza muchos de los grabados disfrazado como fauno o bufón.


Fuente: EFE

LA FUNDACIÓ TAPIES NO QUIERE SER UN "BUNKER"
Y PROGRAMA MÁS ACTIVIDADES QUE NUNCA

 


TRAS LA MUERTE DEL ARTISTA
 
La Fundació Tàpies no quiere ser un "búnker" y programa más actividades que nunca

BARCELONA, 6 - La Fundació Antoni Tàpies de Barcelona aún no se ha repuesto del duro golpe que supuso la muerte del artista el pasado mes de febrero, pero la directora del centro, Laurence Rassel, ha señalado que el centro no quiere ser un "búnker" y que por eso está programando más actividades que nunca.
En una entrevista de Europa Press, Rassel ha destacado que el "perfil humanista" de Tàpies, que concebía la fundación como un espacio para la reflexión, sigue estando muy presente, y prueba de ello es la actual exposición; 'Retrospectiva', de Xavier Le Roy, donde los bailarines sustituyen a las obras de arte convencionales.
"No estamos encorsetados", ha dicho Rassel, que ha destacado que la fundación nunca ha tenido tan poco presupuesto para actividades y tantas actividades al mismo tiempo, que reciben entre el 30 y el 40% de la fundación.
Para la directora, lo más importante es encontrar "la buena escala del proyecto" y no estar pendiente únicamente de las cifras, y en este sentido ha puesto como ejemplo el trabajo con CandeL'Hart, una asociación cultural de Bellvitge, en L'Hospitalet de Llobregat, formada por mujeres aficionadas a la pintura.
Gracias a 'Código abierto', una iniciativa que quiere acompañar el proceso de digitalización del archivo histórico de la fundación, las pintoras experimentan con posibles usos de éste: "Se sienten como en casa", ha remachado satisfecha la directora, que reconoce que en los últimos meses el público es más variado que nunca.
La digitalización del archivo, que se hace en colaboración con la Universitat Politècnica de Catalunya (UPC) y podría estar listo en julio, es uno de los grandes proyectos que maneja ahora la fundación, junto con la preparación de dos grandes exposiciones.
La primera, 'Cos', llegará este verano y estará dedicada a la relación de Tàpies con el cuerpo humano; incluirá obras muy recientes --entre ellas dos lienzos que pintó el pasado verano en su casa del Montseny-- y "permitirá ver de manera frontal y directa toda la fisicalidad de su obra", ha remarcado Rassel, que es la comisaria junto a Miquel Tàpies, hijo del pintor.
Un año más tarde, en el verano de 2013 --cuando el artista hubiera cumplido 90 años--, el exdirector de la Tate Modern de Londres, Vicent Todolí, desvelará su exposición antológica sobre el artista, que promete ser reveladora, pues sólo mostrará piezas inéditas que Tàpies guardaba para sí mismo en su taller.
Para Rassel la colaboración con otras instituciones es algo "natural" que siempre se había producido: con el Museu d'Art Contemporani de Barcelona (Macba) y el Mercat de les Flors se ha realizado la 'Retrospectiva' de Le Roy, y el Teatre Nacional de Catalunya (TNC) programará en breve 'Mequinensa', de Jesús Moncada, uno de los autores de la editorial Montaner i Simon, actual sede de la Fundació Tàpies.

NUEVA ETAPA CON EL MNAC

La única institución con la que no ha habido diálogo en los últimos años es, paradójicamente, el Museu Nacional d'Art de Catalunya (MNAC) --Rassel ha confesado que ni siquiera llegó a conocer personalmente a su anterior directora, Maite Ocaña, que siempre se opuso a que el museo se acercara a los artistas del siglo XX--.
Sin embargo, Rassel ha confiado en que con Pepe Serra en la dirección empiece una nueva etapa y Tàpies vea reforzado su papel en el primer museo de Catalunya.
La directora también ha valorado especialmente la llegada a la presidencia de la Fundació Tàpies de Xavier Antich, porque apoyará un proyecto "basado en el conocimiento y en la investigación".


Fuente: Europa Press

SUBASTAN POR 20 MILLONES DE EUROS
UNA CERÁMICA CHINA DE HACE MÁS DE MIL AÑOS







El cuenco de porcelana fabricado hace más de mil años en un horno imperial en China es mostrado por el vicepresidente de la casa de subastas Sotheby's en Asia, Nicolas Chow, el miércoles 4 de abril en Hong Kong


Por Judy Ngao

Una cerámica rara fabricada en China hace más de mil años en un horno imperial fue subastada el miércoles por más de 20 millones de euros (26 millones de dólares) al término de una puja febril en Hong Kong, que deja patente el dinamismo del mercado del arte asiático.
Esta copela verdosa en forma de flor que se ensancha para formar seis lóbulos y dibujar pétalos data de la dinastía de los Song del Norte (960-1127). Se trata de una cerámica Ru, nombre de uno de los cinco hornos que operaban en la época.
Estimada en 80 millones de dólares de Hong Kong (HKD), es decir, 7,8 millones de euros, fue adjudicada por Sotheby's en 208 millones de Hong Kong a un comprador que se mantuvo en el anonimato.
Se trata de un nuevo récord para una pieza de cerámica de la dinastía Song del Norte, que poseía hasta ahora un jarrón Guan, adjudicado en 67,52 millones de de Hong Kong en 2008.
Según Nicolas Chow, ocho compradores del mundo entero, "pero sobre todo de Asia", se enfrentaron en 15 minutos de una afiebrada subasta.
De un color azul verdoso o gris lavanda imitando el jade, las cerámicas Ru son las más escasas en China. Su color "recuerda el azul del cielo después de la lluvia", escribía el erudito Gao Shiqi, consejero del emperador Kangxi (1662-1722).
Se estima que quedan 79 piezas intactas en el mundo, prácticamente todas en museos. Sólo seis Ru están en colecciones privadas, entre ellas la copela "para lavar pinceles" subastada el miércoles, del diámetro de un DVD.
"Hay muy pocas porque eran piezas imperiales y porque fueron producidas durante muy poco tiempo - veinte años-", había explicado a la AFP el conservador general del museo Guimet de París, Jean-Paul Desroches.
Esta pieza extremadamente rara debería haber sido expuesta al público en marzo en un gran hotel de Pekín, pero debido a la afluencia de visitantes, los organizadores decidieron limitar la exposición a los potenciales compradores que fueron seleccionados con esmero.
El entusiasmo que provocó esta cerámica y el elevado precio por el que fue adjudicada muestran el dinamismo del mercado del arte asiático a la cabeza de los récord mundiales. Un informe publicado en marzo estima que China tomó el primer lugar en el mercado mundial del arte y de las antigüedades, poniendo fin a décadas de dominación estadounidense.
La mayor feria de anticuarios del mundo, The European Fine Art Fair (TEFAF), calculó que la parte de China en el mercado mundial del arte había pasado del 23% al 30% en 2011, relegando a Estados Unidos al segundo lugar. El estudio estimaba que "quizás se trata de uno de los cambios más fundamentales y los más importantes de los últimos cincuenta años".
Las subastas de pinturas chinas reunidas por Sotheby's en Hong Kong el martes alcanzaron 468 millones de Hong Kong, es decir, más de dos veces las estimaciones.
'Sauces al borde del río, begonias', del pintor chino Qi Baishi (obra de 1922), fue subastada por 70,1 millones de Hong Kong, es decir, tres veces lo estimado.
China no sólo ha llegado al primer lugar en las subastas de obras de arte, sino que también se ha convertido en número uno en la valoración de los artistas.
El chino Zhang Daqian (1899-1983) destronó a Pablo Picasso, relegado al cuarto lugar detrás del chino Qi Baishi y el estadounidense Andy Warhol, en cuanto a los beneficios obtenidos de las ventas de sus obras, según Artprice, sociedad francesa líder en informaciones sobre el mercado mundial del arte.


Fuente: AFP

EL VICECONSEJERO DE CULTURA DEL GOBIERNO VASCO
DESEA MÁS PRODUCCIÓN PROPIA DEL GUGGENHEIM BILBAO






El viceconsejero de Cultura del Gobierno Vasco, Antonio Rivera

Bilbao, 7 - El viceconsejero de Cultura del Gobierno Vasco, Antonio Rivera, ha defendido que el Museo Guggenheim Bilbao deje de ser un lugar por el que solo "circulen" las exposiciones elaboradas por la Fundación Solomon Guggenheim y gane en capacidad y autonomía para generar propuestas culturales propias.
Rivera ha repasado, en una entrevista con EFE, la situación del museo bilbaíno, mostrándose muy crítico con el acuerdo suscrito por las administraciones vascas en 1994, en manos del PNV, con la Fundación Solomon Guggenheim de Nueva York para la apertura del centro de esta marca en la capital vizcaína.
En dicho pacto, que deberá ser renegociado en 2014, el museo de Bilbao quedaba supeditado a las órdenes de Nueva York en lo referido a la programación de exposiciones y adquisición de obras para la colección propia.
En opinión de Rivera, el Guggenheim Bilbao, cuyo "extraordinario" éxito social y económico asegura no haber cuestionado nunca, debería ganar en "autonomía y capacidad" para la producción de propuestas culturales propias.
"Es decir, el Guggenheim debería de actuar más como un museo que como una magnífica sala de exposiciones", ha defendido.
Sobre la polémica que Rivera mantuvo hace un año con la Diputación de Vizcaya por la pretensión de esta institución de edificar un "Guggenheim 2" en la zona de Urdaibai, el viceconsejero ha opinado que no ha perjudicado ni a la imagen ni a la marcha del centro de arte moderno y contemporáneo bilbaíno.
"A día de hoy, creo que lo que le habría perjudicado (al Guggenheim Bilbao) es el haber puesto en marcha el proyecto de Urdaibai", ha considerado.
Respecto a la situación de otro de los museos más importantes del País Vasco, Chillida Leku, dedicado al escultor donostiarra Eduardo Chillida y actualmente cerrado por decisión de la familia, Rivera ha señalado que "a corto plazo" no ve posibilidad de arreglo con los herederos del artista para su reapertura al público.

Fuente: EFE

LOS RESTOS NÁUFRAGOS DEL 'TITANIC',
AHORA BAJO PROTECCIÓN DE LA UNESCO


Una pieza metálica recuperada del crucero 'Titanic', naufragado hace cien años, y expuesto en el Museo ArtScience Marina Bay de Singapur el 2 de abril de 2012
Por Roslan Rahman

Los restos del paquebote 'Titanic', que naufragó hace cien años después de haber embestido un iceberg en el Atlántico norte, están ahora bajo la protección de la Convención de la UNESCO sobre la protección del patrimonio cultural subacuático, indicó el jueves la organización.
"Cien años después del naufragio, los restos benefician en lo sucesivo de la protección de la Convención de la UNESCO sobre la protección del patrimonio cultural subacuático", indicó la UNESCO en un comunicado.
"Los restos del 'Titanic' yacen a unos 4.000 metros de fondo a la cuadra de Terranova. En la medida que están aguas internacionales, ningún Estado puede reivindicar una jurisdicción exclusiva sobre el emplazamiento", recordó la Organización de las Naciones Unidas para la Educación, la Ciencia y la Cultura.
"Hasta ahora, el 'Titanic' no podía beneficiarse de la protección de la Convención adoptada por la UNESCO en 2001, pues esta sólo se aplica a los vestigios sumergidos desde al menos cien años", destacó la UNESCO.
"En lo sucesivo, los Estados signatarios de la Convención podrán prohibir la destrucción, el saqueo, la venta y la dispersión de los objetos encontrados en el lugar. Pueden tomar todas las medidas disponibles para proteger los restos y para que los restos humanos sean tratados dignamente", precisó la organización.
Unos 41 Estados han ratificado la Convención para la protección del patrimonio cultural subacuático, que entró en vigencia el 2 de enero de 2009.
Las aguas alrededor de los restos del 'Titanic' están actualmente invadidas por los desperdicios de los barcos que navegan en el sector, en tanto numerosos submarinistas han depositado flores de plástico o placas conmemorativas en el lugar.
Regularmente se organizan expediciones para recuperar piezas que luego son expuestas. También se ha señalado el robo de objetos del navío, llevados a la superficie para luego ser vendidos.
El 'Titanic' en su viaje inaugural entre Southampton (Gran Bretaña) y Nueva York, después de haber embestido un iceberg en la noche del 14 al 15 de abril de 1912. El naufragio provocó más de 1.500 muertos entre los 2.200 pasajeros.


Fuente: AFP

UN MUSEO SOLITO EN LA PUNA

 

 

Sin apoyo estatal, en la Quebrada de Huichaira, provincia de Jujuy, se acaba de inaugurar un museo de fotografía argentina cuya arquitectura de piedra y adobe armoniza con el paisaje andino.

Por Lena Szankay

En la Quebrada de Huichaira, provincia de Jujuy, se acaba de inaugurar un museo de fotografía argentina. Lucio Boschi y su mujer invirtieron sus ahorros en la construcción de este espacio, cuya arquitectura de piedra y adobe armoniza con el paisaje andino.
Nacido 1966 en Buenos Aires, Boschi es un fotógrafo que hizo el camino inverso a la mayoría: dio la espalda a su ciudad natal para vivir seis años en una comunidad de gente originaria-andina, cerca de Tilcara. Lucio fue observando cómo los medios de comunicación alteraban la percepción de la fotografía en su entorno. La aparición de locutorios con computadoras abrió el mundo de los juegos en red especialmente para los niños quienes, además comenzaron a comunicarse por redes sociales e investigar a través de Google.
La cámara fotográfica integrada a teléfonos celulares y el bombardeo de imágenes acrecentaron el interés por el medio fotográfico.
El Mec, sigla del Museo en los Cerros (www.museoenloscerros.com.ar), tiene como premisa ser respuetuoso de las necesidades y demandas de la gente local y de los visitantes, que llegan en auto, a pie, en bicicleta y a caballo.
Cuenta con una biblioteca y ofrecerá a futuro muestras y seminarios.
Todas las obras de la colección fueron donadas por los artistas o sus familiares, como es común en el medio artístico en la Argentina.
Lamentablemente el museo carece de apoyo estatal y fue apenas declarado de interés provincial, lo cual no apuntala ni refuerza el sostén del patrimonio allí expuesto, ni facilita su expansión. Que este ímpetu se encuentre en esa latitud y que se amalgame con el paisaje y las costumbres andinas es más que bienvenido. Lo importante es que a futuro se mantenga y no caiga en el olvido ni en la reiterada indiferencia. La inauguración fue recientemente celebrada con una colpachada, ceremonia donde se le pidió permiso y agradecimiento a la tierra. Chayada la casa, la Pachamama seguramente los protegerá.

Fuente: Revista Ñ Clarín

UNA FOTÓGRAFA QUE REGISTRA LA JUVENTUD





Para Rineke Dijkstra, la fotografía revela tanto diferencias culturales como similitudes universales en el momento de transición a la vida de adultos jóvenes.


FOTOGRAFÍA TESTIMONIAL. Una retrospectiva de Rineke Dijkstra se exhibe en San Francisco.

Por Hilarie M. Sheets - The New York Times
Cuando Rineke Dijkstra era una fotógrafa holandesa desconocida que visitaba los Estados Unidos en 1992, estuvo trabajando en una playa de Carolina del Sur bajo la atenta mirada de una chica extrovertida de catorce años.Dijkstra hacía retratos naturalistas de adolescentes, y Erin Kinney no era el tipo tímido que buscaba.Como no quería decepcionarla, la fotografió de todas maneras y asumió que la sesión era inútil.Más adelante se dio cuenta de que la foto de Erin, en una pose que recordaba el "Nacimiento de Venus" de Botticelli, con una bikini anaranjada, el estómago tenso y una expresión desolada en el rostro, tenía exactamente el aire indefenso que buscaba."Era evidente que se esforzaba por responder a una imagen específica, que trataba de verse perfecta", dijo Dijkstra."Lo llevaba adentro. Era parte de su cultura. Para mí, tenía mucho que ver con los Estados Unidos".Eso llevó a Dijkstra a seguir tomando fotografías en varias otras playas: polacas, británicas, ucranianas y croatas.Le fascinaba la forma en que la fotografía podía revelar tanto diferencias culturales como similitudes universales en el momento de transición a la vida de adultos jóvenes.Los "Retratos de playa" resultantes le dieron fama internacional luego de que los expusiera en 1997 en Nueva York.Dijkstra, que tiene cincuenta y dos años y cuya cámara de doce centímetros por cinco exige un arduo trabajo con placas, no es muy propensa a hablar durante las sesiones. Trata de generar espacio para que surja algo más genuino."Cuando se fotografía", dijo, "se mira de manera más objetiva", pero también hay una conexión entre fotógrafo y fotografiado."No soy sólo una observadora. Tenemos que relacionarnos. Es una tensión que me gusta".Sandra Phillips, curadora de fotografía del Museo de Arte Moderno de San Francisco, donde en febrero se inauguró la primera muestra retrospectiva en gran escala de Dijkstra (en junio se trasladará al Museo Guggenheim de Nueva York), la describió en términos de "profundamente interesada en la fotografía como acto emocional".Durante su rehabilitación intensiva luego de un accidente en bicicleta en 1990. Dijkstra hizo lo que califica de su primer retrato fiel, una imagen de sí cuando salía de la pileta, en el que mira a la cámara con un aire de decisión y cansancio.Al advertir que el agotamiento físico podía reducir la conciencia de sí de los fotografiados, se le ocurrió la idea de trabajar en la playa.Luego del éxito de la primera serie, trabajó en otras en las que plasmó distintos comportamientos, entre ellos los de mujeres que acababan de dar a luz, toreros portugueses que salían de la arena y mujeres israelíes que ingresaban al ejército.Dijkstra también registró la forma en que sus fotografiados cambiaban con el tiempo, como en su serie "Almerisa".El tema era una refugiada bosnia de seis años en un centro para solicitantes de asilo en Leiden, en los Países Bajos.Cuando Dijkstra la fotografió por primera vez en 1994, era una nena que tenía puesto su mejor vestido y cuyos pies colgaban de la silla a la que se había subido.Más adelante, se preguntó qué habría sido de Almerisa y su familia, que iniciaban una nueva vida en los Países Bajos. La fotógrafa los buscó y empezó a hacer una crónica año a año de Almerisa ­siempre sentada en una silla­, que fue convirtiéndose en una adolescente y, para la última de once fotos, se había transformado en una madre que sostenía en los brazos a su bebé."Pertenece a otra cultura, pero de alguna forma adopta la cultura europea occidental", dijo Dijkstra, que fue testigo de casamiento de Almerisa."Se ve que su actitud va cambiando. Su ropa cambia, así como la forma en que se peina. Es una chica que vive las mismas cosas que las demás, pero en su caso hay una diferencia, que es que procede de Bosnia".Dijkstra llevó a Almerisa a Nueva York el año pasado, cuando se expuso la serie en el Museum of Modern Art."Ella se miraba en la pared del museo y la gente miraba las fotos", declaró."De pronto entendió que no se trataba sólo de ella, sino de algo mucho más amplio".


Fuente: Revista Ñ Clarín

TIM ROBBINS, UN HOMENAJE PORTEÑO





La Asociación Argentina de Actores entregó el premio Podestá a la Trayectoria al actor y director estadounidense, que presentará esta semana una obra en el San Martín.
Tim Robbins, esta tarde en el Teatro San Martín. Foto Télam

La Asociación Argentina de Actores entregó hoy el Premio Podestá a la Trayectoria Honorable al actor y director estadounidense Tim Robbins, quien se encuentra en Buenos Aires para presentar esta semana la obra "1984", basada en la novela de George Orwell.
Robbins actuará el jueves, viernes y sábado en el Teatro San Martín. Como previa, esta tarde recibió del organismo que preside Alejandra Darín el Podestá por "su extensa y magnífica carrera como actor, escritor y director, destacada tanto en cine como en teatro, como así también su trascendente compromiso con su gremio y con su tiempo".
La estatuilla que representa el Premio fue diseñada por el artista argentino Antonio Pujía y su entrega a Robbins fue "una muestra de fraternidad que nos une con todos los actores del mundo".
El actor también dio una conferencia de prensa en el San Martín. Y lanzó definiciones filosas: “A esta altura de mi vida no me interesa hacer películas sólo por hacerlas; si recibo un guión interesante, con algo novedoso que no haya hecho antes puede que lo haga. De todos modos, llegamos a un estado en Hollywood en el cual al leer un guión interesante, seguro no te pagarán nada por hacerlo", manifestó.
También aseveró que la industria "está dedicada a hacer filmes para chicos de quince años y eso no me interesa, aunque tengo que pagar mi hipoteca".
"Me encantaría vivir en un mundo inteligente donde se hicieran películas para adultos que merecen respeto; tengo esperanza en que ese momento llegará, aunque no le confiaría mi felicidad a Hollywood, porque es una novia traicionera", concluyó.

SENTADO ESPERO... ROBBINS, YA EN BUENOS AIRES, A HORAS DE SU ESTRENO.

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Actor y director de cine y teatro, músico, activista político. Son muchas las etiquetas que le caben a Tim Robbins que, a los 53 años, está por primera vez en la Argentina en su rol de director teatral para presentar en el Teatro San Martín una puesta de 1984, de George Orwell.
Amable y relajado para responder, con sus casi dos metros de alto, su pelo totalmente canoso e igual de delgado que siempre, quien fuera nominado al Oscar como mejor director por Mientras estés conmigo y, luego, lo ganara como actor de reparto por Río Místico, habló de la puesta y los temas que trata la obra, de su continuo pero cambiante interés en la política, y de un Hollywood que hoy, dice, “trabaja para chicos de 15 años”.

Fuente: clarin.com