UN UNIVERSOEN EL QUE BRILLAN EL ARTE CONCEPTUAL Y LA GEOMETRÍA

En “Punto, línea y curva” se exhibe la obra de artistas locales y extranjeros, como Sol LeWitt.

DETALLE. UN DISEÑO DE BETO DE VOLDER.


Por Marina Oybin, ESPECIAL PARA CLARIN

Dibujos, esculturas, pinturas murales, objetos y videos de artistas locales y de Francia, EE.UU., Brasil, Grecia y República Checa copan desde el martes las salas 1 y 2 del C.C Borges (Viamonte y San Martín). Con excelente montaje, Punto, línea y curva sumerge en un universo donde, justamente, esos elementos son estrellas de la composición.
“Incluimos una treintena de artistas de la tradición de la abstracción geométrica y del arte conceptual, estableciendo diálogos y relaciones entre las obras”, dice a Clarín el crítico de arte francés Philippe Cyroulnik, director del Centro Regional de Arte Contemporáneo de Montbéliard (Francia). Cyroulnik, impulsor del arte argentino en Francia, viene recorriendo distintos talleres y galerías de nuestras pampas hace más de 20 años.
De Sol LeWitt (1928/2007, EE.UU.), uno de los máximos exponentes del arte minimalista y conceptual, se expone un dibujo mural de la colección Billarant (París). Como en muchos trabajos conceptuales, consiste en las indicaciones que el artista dejó por escrito para realizarla: se trata de una grilla con medidas variables (según la dimensión de la pared), y un diseño con colores primarios. “Lo extraño es que es la misma obra, pero nunca es el mismo dibujo porque en cada lugar la paredes y los diseños son distintos”, dice el curador. Y agrega: “Aquí LeWitt produjo un espacio en el que la geometría, con parámetros muy simples, puede producir una variación de la línea”. En este caso, se trata de una serie de 2 mil cuadrados de 10 x 10 cm. La estructura modular invita a acercarse, a descubrir los detalles de las líneas que parecen infinitas, obsesivas. Una joyita.
Del reconocido artista francés François Morellet, que integró con Le Parc y Vasarely el Grupo de Investigación de Arte Visual (GRAV), hay dos dibujos murales. Preste atención a la cruz en una de las paredes junto a la entrada: por efecto óptico da la impresión de desplazarse.

TRADICIÓN. EN LA OBRA DE DANIEL JOGLAR.

Hay también dibujos del artista francés Al Martin, una pintura mural de Philippe Compagnon (que viajo a Buenos Aires para hacer la obra in situ), y dibujos murales de François Perrodin y Jean Gabriel Coignet (que enviaron los diseños al curador).
Del escultor checo Vladimir Skoda, cuyas obras con imanes, mercurio y metal ponen el foco en el cosmos, la materia y la energía, se puede ver una serie de dibujos que acercan a una geometría cósmica.

La muestra incluye recientes poesías visuales de León Ferrari, donde atrae el ritmo de su bella “escritura” abstracta, y “radiografías de obra” de Raúl Lozza: estudios donde el artista analiza cómo el entramado de las líneas de sus obras crea nuevas formas. De Enio Iommi, pionero del arte concreto en el país –en los años 40 integró la Asociación de Arte Concreto-Invención con Tomás Maldonado, Alfredo Hlito, Raúl Lozza y Manuel Espinosa– hay dos esculturas de alambre de acero, madera y mármol que evidencian la tensión que es capaz de ejercer una línea en el espacio, y que “dialogan” con una escultura de Elena Dahn.
A no perderse la maravillosa obra con objetos y una pintura mural de Roberto Elía: un planteo bien analítico sobre el punto, la línea, el círculo, la esfera y sus proyecciones en el plano y en el espacio, en un trabajo que el curador define “como un juego estético y filosófico”.
Hay obras de Eduardo Stupía, Juan José Cambre, Mirtha Dermisache, Graciela Hasper, Andrés Sobrino (con cintas de colores que ocupan las paredes y el piso), Daniel Joglar y Verónica Di Toro (pinturas con elementos del optical art). Hay más: obras hechas a partir de gráficos de barras, de Mariana Cerviño, y un inolvidable diseño con goma pegada en la pared, de Beto De Volder. Muy bueno el video “Faber”, de Vassili Salpitis, que se pregunta qué hace un artista cuando no sabe qué crear, y “Verso reverso”, de Julio Villani.

Fuente: clarin.com

ENTRE VARÓN Y MUJER:EL SECRETO ESTARÍA EN SUS OJOS

Investigadores italianos dicen haber resuelto el misterio. Aseguran que el retrato mezcla rasgos de “El Salai”, un amante de Da Vinci, y de una mujer.

MONA LISA.

SAN JUAN BAUTISTA. “EL SALAI” ES EL MODELO.

PARECIDOS. VINCETI LOS HALLA EN LA NARIZ Y LA BOCA.

Última noticia de la dama más mediática del Renacimiento , la “Mona Lisa”, de Leonardo Da Vinci. Según una investigación del Comité Nacional italiano para la Valoración de Bienes Históricos, esconde en sus pupilas las iniciales “L” y “S” , que corresponderían a quienes inspiraron al artista italiano: el que habría sido amante durante media vida del autor renacentista, conocido como “El Salai” y Lisa Gherardini, mujer del comerciante Francesco del Giocondo, aunque también se mencionó la posibilidad de que apunte al propio Leonardo o a la mujer de Ludovico El Moro, que el artista veía pasar a diario mientras pintaba “La última cena”.
Pero la hipótesis más fuerte para explicar la “L” evoca a Gherardini. El presidente del comité, Silvano Vinceti, aseguró que decir que La Gioconda es Gherardini sería “una verdad a medias”, pues la enigmática obra de Leonardo incorpora también rasgos de “El Salai”. De hecho, los cuadros en los que el italiano utilizó a su amante como modelo lo reflejan como un personaje “ambiguo y extremadamente andrógino ”, con rasgos “muy similares” a los que presenta la “Mona Lisa”. El Salai, cuyo verdadero nombre era Gian Giacomo Caprotti, empezó a los 16 años a trabajar con el artista y permaneció a su lado durante 25 años siendo su amante, según una hipótesis con mucho consenso entre los historiadores del arte. Vinceti destaca el gran parecido entre los rasgos de las caras de los protagonistas del San Juan Bautista y El Angel Encarnado con la nariz y la boca de la “Mona Lisa”.
Además, la investigación también ha revelado que el genio italiano pintó el número 72 bajo uno de los arcos del puente que aparece al lado de la Gioconda en el cuadro. La presencia de este número, según Vinceti, “no puede ser casual”, ya que se trata de una cifra “mágica”, ligada a numerosas tradiciones religiosas y místicas muy en boga en la época.
La Cábala, por ejemplo, indica que el nombre de Dios está formado por 72 letras. Por su parte, el 2 es una cifra a la que históricamente se relaciona con la armonía entre el género masculino y el femenino, una fusión entre el hombre (El Salai) y la mujer (Gherardini), que podría haber desembocado en la enigmática Mona Lisa.
Vinceti, que reconoció que probablemente exista un “verdadero código Da Vinci” , también quiso llamar la atención sobre el resultado de la suma 7 + 2, que es 9 y simboliza la “iniciación, o sea la divinidad que se manifiesta al hombre que la representa. Leonardo compara así la figura del pintor con la de un ser casi mitad divino, que es capaz de reflejar la realidad creada por Dios en un cuadro”.
Todos estos descubrimientos sobre la personalidad del genio Da Vinci hacen que se considere a La Gioconda, “un testamento vital” de la última etapa de Leonardo Da Vinci, de la que los investigadores dicen que probablemente fuera la más mística del artista.
“Revela las dimensiones filosófica, esotérica, teológica y religiosa del último período de la vida de Leonardo Da Vinci, quizá ése sea el gran secreto de La Gioconda y la respuesta de por qué este cuadro le era tan caro y lo acompañó hasta la muerte”, afirmó Silvano.
Sobre la elección de un puente para acompañar a la figura principal de la obra, la investigación aseguró que se trata de un elemento simbólico que siempre se ha asociado a la muerte, pero también al retorno al vientre materno. Por ello, Silvano indicó que eligiendo el puente como elemento decorativo del paisaje Da Vinci pretendía hacer un guiño a la maternidad y su significado.
El Comité Nacional italiano para la Valoración de Bienes Históricos explicó que la investigación que han llevado a cabo se centró en el análisis de reproducciones digitales de gran calidad y en la reconstrucción de la vida y el pensamiento del genio italiano.
Pero el Louvre, propietario de la “Mona Lisa”, tiene sus dudas.
Consultado por la agencia AFP, el Museo señaló que “el cuadro fue sometido a todos los análisis de laboratorio posibles en 2004 y 2009.
No se ha encontrado ninguna inscripción en estos exámenes ”.
Vinceti respondió que “están realmente ciegos” y se ofreció a ir al Louvre y colaborar con el estudio de La Gioconda. No se sabe si el Museo aceptará o no. Por ahora, seguirá el misterio.

Fuente:clarin.com

MISTERIOSA SUBVERSIÓN DE UN ARTISTA

AL GATO Y AL RATON. Aleksei Plutser-Sarno se oculta luego de ofender a los líderes.

POR ELLEN BARRY - The New York Times

Se ha tornado dificultoso localizar a Aleksei Plutser-Sarno. Cuando un operativo policial cercó a Voina, el colectivo de arte ruso radical al que pertenece, Plutser-Sarno dejó de usar celulares, ahora recurre a Skype y a veces, a cartas entregadas en mano por intermediarios.
Trata de no pasar dos noches seguidas en el mismo lugar, y complota distracciones de todo tipo ­una vez concedió entrevistas diciendo que estaba en Estonia mientras subía entradas a un blog desde Tel Aviv, otro lugar en el que no estaba.
Voina, que significa guerra, lleva tres años jugando al gato y al ratón con las autoridades policiales, montando acciones callejeras que fueron de lo críptico (arrojar gatos vivos a cajeros de McDonald’s) a lo monumental (un pene de 64 metros pintado en un puente levadizo de San Petersburgo, de tal manera que se elevaba señalando las oficinas del FSB, el servicio de seguridad).
En septiembre, Voina lanzó su proyecto más audaz: "Revolución en el palacio", que consistía en correr hasta autos de policía estacionados y volcarlos ­un comentario sobre la corrupción policial, según explicó el grupo.
Las autoridades rusas han presentado nuevos cargos con la intención de silenciar al grupo. Dos de sus líderes están detenidos, con sentencias de hasta siete años; un tercero teme perder la custodia de su hijo.
A los 48 años, Plutser-Sarno ha pasado gran parte de su carrera siendo centro de la atención pública; es autor de un diccionario de varios volúmenes de obscenidades rusas, y condujo "El cuadrado negro", un malicioso programa periodístico por televisión.
Esa vida, no obstante, terminó.
Dijo que los investigadores lo amenazaron con acusarlo de organizar una banda criminal, lo cual podría traer aparejada una sentencia de hasta 20 años. David Riff, crítico de arte de Moscú, dijo que los arrestos han dañado en forma permanente al grupo de artistas cuyo principal atractivo radica en los escapes reiterados y en algunos casos temerarios.
Cuando le preguntaron si el estilo de vida clandestino le pesaba, Plutser-Sarno sonrió. Le gusta mucho.
Fue el disgusto lo que impulsó a Voina, dijo. Hacia mediados de la última década, la expresión radical prácticamente había desaparecido de la vida pública. Los actos opositores eran marginales. Los artistas ganaban ingresos cómodos en las galerías, avalados por multimillonarios conectados con el Gobierno.
"Son gente que viaja constantemente a Occidente, obtiene becas, participa en conferencias, lee informes sobre la revolución y el marxismo y las difíciles condiciones de la clase trabajadora en Rusia", dijo Plutser-Sarno.
Se juntó con Oleg Vorotnikov, fundador de Voina, que desde entonces está detenido. El grupo organizó una orgía en el Museo estatal de Biología, considerándolo un comentario sobre la campaña que llevó a Dmitri A. Medvédev al poder.
El mundo artístico de Moscú respondió fríamente.
En cambio YouTube, LiveJournal y Twitter permitieron que Voina llegara a jóvenes rusos que compartieron el sentido del humor del grupo y la bronca hacia la policía. Sus proyectos se volvieron más arriesgados. El juego terminó, no obstante, el 14 de enero, cuando un juez en San Petersburgo extendió la detención previa a juicio para Vorotnikov y Leonid Nikolayev, otro de los líderes de Voina.
En cuanto a Plutser-Sarno, no aparece por ninguna parte.

Fuente: Revista Ñ Clarín

PREMIAN EN ESPAÑA A ELENA PONIATOWSKA

PONIATOWSKA. LA ESCRITORA MEXICANA GANO POR SU NOVELA “LEONORA”

Leonora , la novela biográfica que narra la vida de la pintora Leonora Carrington, convirtió ayer a la periodista y narradora mexicana Elena Poniatowska en la nueva ganadora del prestigioso premio Biblioteca Breve, que otorga cada año en Barcelona la editorial Seix Barral.
“En un escenario cosmopolita y con recursos verbales magistrales, la autora construye una figura femenina turbadora en la que se encarnan los sueños y las pesadillas del siglo XX”, concluyó el jurado, integrado por la escritora española Rosa Montero y Elena Ramírez, directora de la editorial, entre otros.
La obra, que se lanzará el 22 de febrero en España y en junio en la Argentina, se sitúa en el París de entreguerras. En aquella época, Carrington vivió un romance feroz con el pintor Max Ernst a la vez que coincidió con Salvador Dalí, Pablo Picasso y Marcel Duchamp en plena revolución surrealista en la capital francesa.
“ Leonora no es sólo un acto de amor sino también un homenaje a la vida y a la obra de una mujer que ha hechizado a México con sus colores y sus palabras”, sostuvo Poniatowska, que mantuvo varias entrevistas con Carrington. La artista vive hace décadas en la capital mexicana y tiene 93 años.
La importancia de lo femenino, destacada por el jurado, es algo central en la obra tanto de ficción como periodística de Poniatowska. Tal vez por eso dedicó el premio “a las mujeres mexicanas que están viviendo tiempos de agresión”.
Su compatriota Carlos Fuentes, también ganador del Biblioteca Breve, celebró alguna vez “su contribución para darle a la mujer un papel central en nuestra sociedad”. Esa misma sociedad reconoció a esta autora nacida en París en 1932 en el seno de la familia real polaca, pero que desarrolló toda su carrera en México. En 1978 su país le otorgó el Premio Nacional de Periodismo y, en 2007, inauguró el Premio Iberoamericano de Novela que lleva su nombre.
La autora de La piel del cielo , novela que le valió el Premio Alfaguara en 2001, recibirá 30 mil euros por su nuevo galardón, que tiene especial importancia para las letras latinoamericanas y que el año pasado ganó el argentino Guillermo Saccomanno.
Es que en 1962 lo ganó el peruano Mario Vargas Llosa, último Premio Nobel, por su obra La ciudad y los perros . Ese reconocimiento y el lanzamiento de Rayuela , de Julio Cortázar, en 1963, marcaron el inicio del llamado “boom latinoamericano”, a partir del cual las letras regionales se introdujeron en forma masiva en el mercado editorial europeo, a través de nuevas temáticas y estilos.
A Vargas Llosa le siguieron el cubano Guillermo Cabrera Infante, que obtuvo el Biblioteca Breve en 1964, y Fuentes en 1967. Mucho después de aquel boom, el premio invita esta vez a Poniatowska a que continúe su expansión a ambos lados del Atlántico.

Fuente: clarin.com

LA NASA TOMA FOTOS DEL SOL EN TRES DIMENSIONES

La agencia espacial estadounidense divulgó por primera vez fotos en tres dimensiones del Sol, tomadas por la nave gemela solar de la NASA.

Un dibujo publicado por la NASA muestra al Sol en tres dimensiones, el 6 de febrero de 2011.

La agencia espacial estadounidense divulgó por primera vez fotos en tres dimensiones del Sol, tomadas por la nave gemela solar de la NASA.
"Por primera vez, podemos ver la actividad solar en su total gloria tridimensional", dijo Angelos Vourlidas, miembro del equipo científico que conforma el Observatorio de Relaciones Solar-Terrestres (Solar Terrestrial Relations Observatory, STEREO).
"STEREO reveló cómo es exactamente el Sol, una esfera de plasma caliente y un intrincado tejido de campos magnéticos". La NASA dijo que lanzó el proyecto STEREO en 2006 con la misión de estudiar el flujo de energía y materia entre el Sol y la Tierra.
En 2009 la nave observó en 3D las erupciones del Sol conocidas como eyecciones de masa coronal, que pueden interrumpir las comunicaciones, los satélites, la navegación y los campos de energía en la Tierra. Los científicos afirman que la información de la última misión STEREO puede ayudar el desarrollo el campo de los pronósticos meteorológicos en la Tierra.

AFP, actualizado 8-02-2011

EN EUROPA, EL COMERCIO CORTEJA AL ARTE

Con un recorte del 75% en su subsidio estatal, el Louvre, el museo más visitado del mundo, considera buscar patrocinadores.

AFICHES. Museos como el Orsay, en París, venden espacio publicitario en sus fachadas.

POR DOREEN CARVAJAL - The New York Times

En la margen izquierda del río Sena, la fachada del edificio estilo Beaux-Arts con techo de vidrio que alberga al Museo d’Orsay está cubierta con una enorme tela con publicidad para Chanel No. 5.
El Palacio de Versalles planea dos hoteles en sus extensos terrenos. Uno de éstos convertirá un deteriorado edificio de la tesorería, del siglo XVII, en una reserva de lujo con suites de 950 dólares por noche, pintadas en los tonos pastel favoritos de María Antonieta: rosa oscuro y azul.
Hoy en día, los museos europeos se resienten por un choque cultural. Durante mucho tiempo dependientes de los subsidios gubernamentales, evitaron los despidos, los recortes salariales y el incremento en los precios de las entradas que golpearon duramente a los museos de EE.UU.
en 2009, cuando los donativos cayeron estrepitosamente por la crisis financiera. Las instituciones artísticas de Europa también pasan por un trance: los subsidios gubernamentales van en picada y los donativos corporativos disminuyen a medida que se extiende la crisis económica. Esta combinación está obligando a que incluso los museos más importantes busquen nuevas fuentes de ingresos.
Algunas de las estrategias son relativamente carentes de finura para ser bastiones de la alta cultura, para consternación de algunos en el mundo de las artes.
En Holanda, el gobierno reducirá su gasto en las artes en un 20 por ciento, o 269 millones de dólares, en el curso de los siguientes cuatro años.
El ministro de Cultura ha dicho que el número de visitantes será un factor para determinar qué instituciones reciben recursos.
En Madrid, el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía recibirá un descuento en los recibos de servicios a cambio de publicidad para las compañías de luz.
Los museos importantes hoy elevan los precios de entrada y recortan su personal, lo que provoca que los sindicatos de los trabajadores adviertan que los horarios de los museos podrían tener que ser reducidos.
El Louvre, el museo más visitado del mundo, con más de 8.5 millones de visitantes al año, incrementó los precios de entrada, de unos 12.80 dólares a 13.50 dólares, este año, y está en proceso de evaluar propuestas, como otorgarle a Breguet, fabricante suizo de relojes de lujo, licencia para utilizar su nombre.
El mantenimiento de viejos edificios es una carga para instituciones europeas tales como el Castillo de Versalles, que está desarrollando hoteles y busca otorgar licencias para el uso de su nombre a relojes de lujo y otros productos. En diciembre, inauguró una boutique online con artículos como una sopera de porcelana de María Antonieta, adornada con oro y marfil, y velas con aroma a coco dentro de un estuche que lleva impresa la frase "que coman pastel".
"Todo el dinero se invierte en renovaciones, restauraciones, adquisiciones y en la organización de exhibiciones", apuntó Jean-Jacques Aillagon, presidente del Castillo de Versalles.
Los museos ahora también recaudan dinero al enviar obras maestras de gira internacional.
Instituciones de clase mundial, como el Louvre y el Museo Metropolitano de Arte, en Nueva York, solían intercambiar cuadros de manera gratuita, pero hoy cobran tarifas y buscan alianzas con museos extranjeros de manera más agresiva. Algunas instituciones francesas han organizado puestas itinerantes, al esencialmente rentar exhibiciones completas a museos regionales en EE.UU. y Asia --creando un riesgo, advierten algunos curadores, de que las obras maestras sufran desgaste.
Jean-Michel Tobelem, director de Option Culture, institución francesa de investigación, dijo que el circuito itinerante para las bellas artes planteaba interrogantes espinosos respecto a compartir las obras maestras sólo con museos ricos. "Existe el riesgo", aseveró, "de que, un día, las autoridades estatales les digan a los museos: `les vamos a recortar sus subsidios porque pueden rentar o incluso vender sus obras de arte para recaudar ingresos adicionales’".
Y así, prolifera la publicidad al aire libre. Es una manera de llenar el hueco, por más que desentone en una panorámica digna de una tarjeta postal. En París, además del anuncio de Chanel, enormes pósters que promocionan un perfume de Yves Saint Laurent y Ralph Lauren, Air France y ropa H han aparecido en los últimos meses sobre las fachadas del Museo d’Orsay y de la Ópera Garnier.
Sin embargo, los museos insisten que hay límites. "Rechazamos la imagen de una botella de Coca-Cola", dijo Amélie Hardivillier, vocera del Museo d’Orsay, quien se rehusó a revelar las cuotas pagadas por los anunciantes.
"El frasco de Chanel es hermoso porque, de hecho, está en 3D y se mueve con el viento".

Fuente: Revista Ñ Clarín

MALEVICH AL ART INSTITUTE DE CHICAGO

El Art Institute de Chicago ha enriquecido su colección con ‘Realismo pictórico de un jugador de fútbol’ (1915), un cuadro de Kasimir Malevich que cubre una de sus escasas lagunas en materia de Arte europeo. Se trata de una pintura temprana de la época en que Malevich abrazó el Suprematismo.

Fuente: noticiasarteseleccion.com