UN LUIS FELIPE NOÉ SIGLO XXI

YUYO. A los 81 años, el gran pintor Luis Felipe  Noé sigue tan inquieto como siempre. Es un querido referente histórico de nuestro arte, integrante del grupo Nueva Figuración, inaugura su nueva exposición llamada Noé siglo XXI porque son todas obras producidas en los últimos 14 años. (David Fernández)

YUYO. A los 81 años, el gran pintor Luis Felipe Noé sigue tan inquieto como siempre.

Es un querido referente histórico de nuestro arte, integrante del grupo Nueva Figuración. Inaugura su nueva exposición llamada Noé siglo XXI porque son todas obras producidas en los últimos 14 años.



Foto: David Fernández

LOS EDIFICIOS EMBLEMÁTICOS ABRIERON SUS PUERTAS
Y 18 MIL VECINOS SE ASOMARON A MIRAR

Patrimonio: joyas de la arquitectura porteña.Arrancó la segunda edición de Open House, el festival que invita a conocer 80 lugares que suelen estar cerrados al público. Ayer se agotaron los cupos y hoy se repite la experiencia.
Visitantes. El patio del pasaje que nació como caballeriza de una comisaría. / Martín Bonetto


Visitantes. El patio del pasaje que nació como caballeriza de una comisaría. / Martín Bonetto


La búsqueda del tesoro está en marcha. Las joyas a descubrir son piezas únicas de la arquitectura de la Ciudad, ya sea por su valor patrimonial o histórico o por su estilo. Entre ayer y hoy, hay 80 edificios para recorrer, 400 voluntarios para mostrarlos y 18.000 personas ávidas por conocer lugares a los que, generalmente, no se puede acceder. De eso se trata la segunda edición del Buenos Aires Open House, el festival de arquitectura que se desarrolla este fin de semana y que apela a la curiosidad de la gente por conocer “la casa de otro”.
“Este evento no está orientado sólo a arquitectos, sino a quienes pasan por la puerta de un edificio y no se imaginan qué hay adentro”, explica Santiago Chibán, integrante de Cohabitar Urbano, el grupo que organiza el evento.
El festival propone redescubrir edificios públicos, como el Teatro Colón o la Biblioteca Nacional. O entrar a otros semipúblicos, como el hotel NH City, en Bolívar 160, una construcción de 1931 de estilo art decó con influencia neogótica. Pero, por sobre todo, Open House invita a conocer la intimidad de viviendas privadas.
Para participar, el público tuvo que inscribirse en un registro con 18.000 cupos, que se agotaron con rapidez. Hoy se pueden visitar sin inscripción el Centro Metropolitano de Diseño CMD (Algarrobo 1041, de 10 a 14 y de 15 a 19), la Usina del Arte (Caffarena 1, de 11 a 17), la Manzana de las Luces (Perú 272, de 15 a 19), la Casa de la Cultura (Av. de Mayo 575, a las 15 y a las 16), el Palacio Municipal (Bolívar 1, a las 15 y a las 16). Además, desde el Museo de Arquitectura (Libertador 999)), partirán recorridos guiados en bicicleta a las 12, a las 14 y a las 16. Mientras, entre las 11 y las 18 habrá artistas callejeros pintando los muros del hospital Pirovano, sobre las calles Roque Pérez, Rivera y Melián.


Fuente: clarin.com

CON JUANITO Y RAMONA, VUELVE ANTONIO BERNI
Y NOS HABLA DEL PRESENTE

Una muestra del gran maestro rosarino abre el viernes.
Sus personajes del chico pobre y la prostituta no perdieron vigencia

La gran tentación o la gran ilusión. De 1962
La gran tentación o la gran ilusión. De 1962

Llegaron los monstruos, gigantes hechos de cartón, madera, metal y basura. Ellos asustan y se comen a Ramona -prostituta pobre primero, sofisticada después- con sus enormes bocas llenas de dientes filosos creados de chapas oxidadas y clavos. En sus pesadillas, Ramona –el personaje mítico creado por el gran artista Antonio Berni- sueña, cuando se descuida, cuando baja la guardia, que los monstruos la devoran. A su lado, Juanito –el pequeño niño de la villa pobre “pero no el pobre niño”, detalló Berni en su momento- juega en cuadros enormes con sus barriletes, trapos y perros a la vera del Riachuelo contaminado: un riachuelo de brea. Los cuadros están hechos directamente sobre paredes de casillas de la villa, tienen la escala de esas casas. Señores, estos son los dos personajes emblemáticos de Berni y esta es la exposición más grande jamás organizada sobre ellos. Y es impresionante: porque nos muestra a nosotros mismos, la realidad que nos rodea. Y además comprueba que desde los 60 –los años en que Berni creó estas series- muy pocas cosas han cambiado: la situación sólo se profundizó.

Antonio Berni: Juanito y Ramona abre al público este jueves en el Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires (MALBA). Fue co-producida por el Museo de Bellas Artes de Houston (Estados Unidos), espacio donde se exhibió el año pasado.
Ramona en la calle. 1964..
Ramona en la calle. 1964.

Y promete ser una muestra histórica: porque trata sobre la historia de nuestros niños y mujeres pobres pero también sobre todas las situaciones marginales, injustas y de pobreza que existen en el mundo. Hay que notar cómo expone esas situaciones ese gran innovador y genio que fue Antonio Berni, completamente reconocido en nuestro país pero una figura a la que todavía le falta conquistar al público mundial. Esta gran exposición –fruto de 3 años de investigaciones- puede ayudar a eso: a situarlo definitivamente en un contexto internacional.
Curada por la puertorriqueña Maricarmen Ramírez –del museo de Houston y una de las más inteligentes y poderosas curadores especializadas en arte latinoamericano- en conjunto con Marcelo Pacheco –ex curador del MALBA- la exposición reúne 150 obras que abarcan la trayectoria de Berni de 1958 a 1978 (casi hasta su muerte, en 1981).
Hay pinturas bidimensionales, los famosos grabados con relieve de Berni, que muestran una técnica innovadora: en la matriz, la base desde la que se hacen los grabados, Berni pegaba directamente trozos de metal, chapas, tuercas; con ellos ganó el Gran Premio de Grabado en la Bienal Internacional de Venecia de 1962 y fue el primer artista argentino en lograr un premio allí.
Ramona levanta pesas. 1963.
Ramona levanta pesas. 1963.

Hay xilocollages y xilocollages-relieves –aún todavía más innovadores que los anteriores, en ellos Berni armaba la matriz con yeso y esculpía allí con las gubias, para lograr luego en la copia, en el grabado, un efecto volumétrico muy fuerte, prácticamente escultórico. Esto se ve clarísimo en la exposición porque ¡Oh, gran-sorpresa-gran! ¡Se exhiben las matrices originales! También hay presentados ensamblajes y construcciones polimatéricas, como las complejas construcciones de los monstruos.

El mundo prometido a Juanito Laguna. Una obra de 1962
El mundo prometido a Juanito Laguna. Una obra de 1962

Hay que fijarse dos cosas fundamentales en la obra de Berni, relacionadas directamente con la elección de una fuerte temática social. Una es el uso de materiales atípicos (basura, ruedas, chapas) en forma de ensamblaje en sus pinturas y esculturas, que refuerzan el sentido de lo que quiere decir: Pacheco dirá que “el uso del collage y del ensamblado puso aún más en juego el problema de “lo real real”. Y, por otro lado, el especial uso de la narración que hace Berni: él cuenta la historia de sus personajes, los sigue en el tiempo, hace una Figuración Narrativa (algo innovador en los años 60 en pintura).
Desde allí, desde estas historias contadas con metal, raíces, óxido y cartón, Berni criticará el mundo sin ningún pudor, sin ninguna vergüenza, con la fuerza poderosa de todos los materiales existentes a la vista. Con un enorme compromiso social e interior.

Ramona, vida de una prostituta

Uno de los personajes de Antonio Berni.

Mercedes Pérez Bergliaffa

Ramona se esforzó por ser costurera pero la plata no le alcanzaba. Entonces la prostitución fue la solución que encontró. Berni la pintó –y sobre todo la retrató en sus maravillosos xilo-collages relieves- momento a momento, mostrando toda su evolución: una Ramona niña, luego convertida en una prostituta burda y más tarde en una más sofisticada y amiga del poder.
Adelantándose a su tiempo, en los 70 el pintor deja señales en los cuadros: cómo se coloca a la mujer en el lugar de una especie de objeto, se le pide que use corpiños X para agrandar sus senos, que sea sexy…
La televisión –muy presente en estas obras de Ramona- será una influencia fuertísima en la construcción de la imagen femenina, y aparecerá siempre muy cerca de las Ramonas, algunas hechas de brillos, otras muy opacas y solitarias, construidas con yeso y papel.

Juanito: el mundo prometido está lejos

Uno de los personajes de Antonio Berni.

Juanito (1978). En el conurbano
Juanito (1978). En el conurbano.

Berni lo pintó en los 60 pero podría haber sido pintado ahora: jugando sentado en medio del barro o en un bote en el Riachuelo.

Juanito –siempre con una cara distinta, Juanito no tiene un rostro específico, Juanito es un arquetipo- mira hacia el cielo y ve pasar una nave. La carrera espacial está comenzando pero para él la realidad es otra: llevarle la comida al mediodía a su padre –laburante de una fábrica-, compartir el pan dulce de Navidad con la familia y los perros dentro de la casilla donde todos convivían; emigrar de la villa con una pequeña bolsa al hombro –todas sus pertenencias-, cuando hiciera falta.
Juanito juega con aviones de juguete y sueña con volar. Lo rodean latas de gaseosas, publicidades prometiendo viajes, playas, relojes, ropa… La sociedad de consumo post-industrial lo rodea: en lo más hondo del conurbano.
Berni usa directamente las chapas de esas publicidades y las atornilla en sus pinturas: con ellas arma al niño, un Juanito pobre, lleno de señales y contradicciones. El mundo prometido queda lejos, muy lejos.



Fuente: clarin.com

DISPUTA SOBRE ARTE DE VÍCTIMAS DEL NAZISMO

Christie's y Sotheby's difieren sobre el manejo de dos obras de Schiele
"Mujer sentada con la pierna izquierda doblada" de Egon Schiele. Foto Sotheby's
Por PATRICIA COHEN y GRAHAM BOWLEY  
The New York Times

Las similitudes entre dos obras de arte que se subastarán el próximo mes por Christie y Sotheby en Nueva York son sorprendentes. Ambos fueron creados por el expresionista austríaco Egon Schiele. Y tanto una vez perteneció a Fritz Grünbaum, un artista de cabaret vienés cuya gran colección de arte fue inventariada por agentes nazis después de que fuera enviado al campo de concentración de Dachau, donde murió.
Pero también hay una diferencia notable en la forma en que las casas están manejando las ventas.
Christie's vende la acuarela "Ciudad en el Río Azul," de Schiele, de 1910, el 5 de noviembre, en relación con un acuerdo de restitución de que trata el trabajo como arte saqueado y ofrece una indemnización a los herederos de Grünbaum.
Sotheby 's está vendiendo un gouache y lápiz de trabajo de 1917, "Mujer sentada con la pierna izquierda doblada," el 4 de noviembre en un arreglo que no compensa a la familia. La casa de subastas se apoya en sentencias de los tribunales federales de Estados Unidos que se ha encontrado la familia esperó demasiado tiempo para presentar su reclamación y que no había pruebas suficientes para concluir "Mujer sentada" había sido robado.
"El tribunal fue muy claro al considerar que las obras no fueron saqueadas", dijo Jonathan A. Olsoff, el abogado de Sotheby's y experto en casos de restitución.
La historia de estas dos obras con una historia compartida ilustra cómo, incluso 70 años después de la guerra, los expertos del mercado internacional de arte pueden estar en desacuerdo sustancial acerca de cómo manejar la venta de obras de arte que alguna vez fueron propiedad de judíos en Europa durante la época nazi.
"La falta de normas es uno de los mayores problemas que tenemos", dijo Thomas Kline, un abogado de Washington que se especializa en la recuperación de obras de arte robadas y bienes culturales. El resultado, agregó, es a menudo "la ruleta restitución."
Las dificultades se vuelven particularmente agudas en casos como el de Grünbaum, donde hay versiones contradictorias, grandes lagunas en los registros y las diferentes nociones de lo que constituye una solución justa.
Al igual, varios museos de Sotheby propietarias de Schiele una vez en la colección de Grünbaum, incluyendo el Instituto de Arte de Chicago y el Museo de Arte Moderno, dicen que han investigado la procedencia y que ellos también están convencidos de que sus obras no fueron saqueadas. Al mismo tiempo, la familia se ha ganado el apoyo de expertos en el arte de restitución, y ha enumerado la colección con la base de datos de arte perdido de Internet, que está dirigida por el gobierno alemán.
"Estos problemas se complican extraordinariamente porque no hay reglas fijas y que no saben sin duda lo que pasó en muchos casos", dijo Mónica Dugot, directora internacional de la restitución en Christie's. "Tenemos que estar en una posición en la que podemos estar seguros de que podemos transmitir buen título a las obras en nuestras ventas."

La estrella de cabaret Fritz Grünbaum alrededor de 1925. Foto: Imagno / Getty Images

En los últimos años, han sido elogiados tanto de Christie's y Sotheby's por su diligencia en la investigación de la procedencia y sus esfuerzos para organizar los asentamientos de restitución con herederos de arte saqueado. Pero hace décadas, ambos venden pinturas que pertenecieron a Grünbaum sin tales acuerdos.
La acuarela que Sotheby's está ofreciendo el próximo mes se vendió en una subasta en Londres en 2005. El propietario, David Bakalar, compró a una galería de Nueva York por  4.300 dólares en 1963, pero la venta de 2005 fue cancelada cuando los herederos de Grünbaum, Leon Fisher y Milos Vavra, afirmaron que había sido saqueada.
Para los próximos ocho años, la acuarela fue atado en litigio y las dos casas de subastas se mantuvieron alejadas de las obras que alguna vez fueron propiedad de Grünbaum por la preocupación de que cualquier venta podría ser impugnada. Ahora ambas cámaras dicen que tomarán decisiones caso por caso.
El debate sobre las obras de Grünbaum se ha centrado en gran medida en si se le debe creer a un marchand de arte suizo que dijo que le compró docenas de obras de Schiele a la cuñada de Grünbaum. Grünbaum tenía unas 450 obras, entre ellas 81 de Schiele, cuando su colección fue inventariada por agentes nazis en 1938, apenas unos meses después de que Grünbaum, un cómico famoso conocido por sus púas sobre el Tercer Reich, fuera enviado a Dachau.
Es imposible saber si la "Ciudad" y "Mujer asentada" fueron algunos de esos trabajos. Ni se las nombra específicamente en el inventario, que señala sólo en un resumen que la colección incluye docenas de obras de colores, dibujos y grabados. A continuación, la caché de arte fue trasladada a un depósito de almacenamiento en Viena. Grünbaum murió en 1941, y su esposa, Elisabeth, murió en 1942, en un campo de concentración en Minsk.

La colección de arte de Grünbaum incluyó este Schiele, "Ciudad en el Río Azul," de 1910. Foto Christie's

La próxima vez que cualquiera de las obras de la colección de Grünbaum aparecieron en el mercado del arte estaba en la década de 1950, cuando el comerciante suizo, Eberhard Kornfeld, vendió algunos. Sr. Kornfeld más tarde dijo que los había comprado a la hermana de Elisabeth Grünbaum, Mathilde Lukács-Herzl, quien murió en 1979. El Sr. Kornfeld producido correspondencia con la señora Lukács-Herzl, timbres fiscales y otra documentación que respalde su cuenta.
Jonathan Petropoulos, el ex director de investigación técnica para la Comisión Asesora Presidencial sobre los Activos del Holocausto en los Estados Unidos, ha tildado de sospechosa a la historia del Sr. Kornfeld, en parte debido a que los documentos llevan variadas formas de escribir el nombre de "Matilde" en las firmas a lápiz y porque lo hizo no identificarla como la fuente de las obras hasta décadas después de su muerte. En cualquier caso, el Sr. Petropoulos, que fue contratado por el equipo jurídico de la familia Grünbaum, argumenta que la Sra Lukács-Herzl no tenía título para el arte porque ella nunca fue declarada heredera de Grünbaum por un tribunal austriaco, según sea necesario.
William Charron, el abogado del Sr. Bakalar, respondió que la Corte Federal de Distrito en Manhattan, que gobernó en demanda de la familia de la Grünbaum sobre "Mujer sentada", "rechazado el argumento de que el Sr. Kornfeld tenía documentos falsificados".
"Todos estos argumentos fueron transmitidos a fondo en los tribunales", dijo.
Así el catálogo de Sotheby's incluye el nombre de Mathilde Lukács-Herzl en la procedencia de "Mujer sentada", que tiene un valor estimado de 1,2 a $ 1,8 millones de dólares. En el catálogo de Christie's, la procedencia de la obra de Schiele que sale a venta no incluye ninguna mención de Lukács-Herzl. Su valor estimado es de 800.000 a 1,2 millones de dólares.
Timoteo Reif, un pariente Grünbaum, dijo que su familia se alegró de que Christie's y los propietarios de la acuarela "The Town", la finca de Ilona Gerstel, habían optado por reconocer la pretensión de la familia.
"Los esfuerzos de la familia Gerstel y por Christie's", dijo, "para llegar afirmativamente a la familia Grünbaum son ejemplos de la forma en que debería abordarse esta trágica serie de cuestiones.


Fuente: nytimes.com

FRANK GEHRY, UN PROTAGONISTA DE LA TEMPORADA EUROPEA

Del flamante premio Príncipe de Asturias de las Artes, que hizo ayer un controvertido arribo a Oviedo, se inaugura en París la cristalina fundación Louis Vuitton; el Pompidou repasa su obra
La nueva Fundación LVMH se dedicará al arte contemporáneo; el arquitecto creó también el Guggenheim de Bilbao  Foto: AP
La nueva Fundación LVMH se dedicará al arte contemporáneo; el arquitecto creó también el Guggenheim de Bilbao. Foto: AP
Por Nathalie Kantt

PARÍS.- La revista del diario Le Monde puso recientemente a Frank Gehry (Toronto, 1929) en portada y le dedicó más de seis páginas, mientras el Centro Pompidou le consagra por estos días una retrospectiva de su obra, la primera en Europa, que durará tres meses. No es que Francia esté descubriendo recién ahora a uno de los arquitectos más célebres del mundo -autor, por ejemplo, del Guggenheim de Bilbao, que lo catapultó a la fama en 1997-. Todos los proyectores están sobre él porque su última creación, la Fundación Louis Vuitton, que terminó de construir en marzo y que abre al público el lunes, se convirtió en uno de esos monumentos arquitectónicos osados que esta ciudad no veía desde hacía mucho tiempo. Una especie de nave marítima gigantesca de 12.000 metros cuadrados, una "nube" -como la llama su creador- que se eleva a 48 metros, con doce inmensas velas de vidrio que sobresalen en medio de los árboles de los bosques de Boulogne, en el oeste de la ciudad. Destinada al arte contemporáneo, incluye 11 salas de exposición (una, de 17 metros de altura), una sala de conciertos, un restaurante, una librería y tres terrazas con vistas inéditas de París.
Además de haberse convertido en el protagonista de la temporada cultural de esta ciudad, el padre de obras como el Walt Disney Concert Hall de Los Angeles; el Vitra Design Museum, cerca de Basilea; la torre de Spruce Street, en Nueva York; el Puente de Vida Museo, en Panamá, recibe hoy el Príncipe de Asturias de las Artes, galardón que en otras disciplinas el rey Felipe dará hoy al argentino Quino, padre de Mafalda, y el escritor irlandés John Banville, entre otros. "Fue una sorpresa. La verdad es que no sabía mucho sobre el premio, pero me sentí honrado", confesó. Quizá cansado por una agenda europea cargada, durante la conferencia de prensa de ayer en Oviedo respondió con un gesto de fuck you cuando le preguntaron qué opinaba de quienes dicen que su arquitectura es espectáculo. Luego, agregó: "Hoy el 98% de lo que se construye y se diseña es pura mierda. No hay sentido del diseño, ni respeto por la humanidad ni por nada. Son malditos edificios y ya está. De vez en cuando, sin embargo, hay una pequeña cantidad de personas que hace algo especial. Son muy pocos. Pero ¡Dios santo!, déjenos en paz".
Reconocido en 1989 con el Pritzker, suerte de Nobel de la arquitectura, es adulado por personajes tan distintos como Brad Pitt, Lady Gaga y la ex secretaria de Estado Hillary Clinton. Gehry forma parte de ese grupo de arquitectos más conocidos, y reconocidos, del siglo XXI, aunque no soporta la expresión "arquitecto-estrella".
Nacido en una familia de inmigrantes judíos polacos, de padre vendedor de flippers y con una madre ama de casa melómana, pasó su infancia en un suburbio de Toronto, Canadá, y durante mucho tiempo no supo qué haría de su vida. Al llegar a Los Angeles con su familia, a los 17 años, pasó por muchos trabajos (chofer de pesos pesados, empleado de limpieza en los aviones) antes de inscribirse en la carrera de arquitectura en la University of Southern California. Cambió de nombre (su verdadero apellido es Goldberg) a pedido de su primera mujer, con quien tuvo dos hijas y de quien se divorció, que quería proteger a sus hijas de posibles agresiones antisemitas. Su segunda mujer, Berta, con quien tuvo dos varones, es panameña y se ocupa de la contabilidad de Gehry Partners: la sociedad instalada en una especie de fábrica en Marina del Rey, L.A., en donde, rodeado de arquitectos jóvenes, nacen todos sus proyectos. Ella quiso que su marido retomara su apellido de origen, pero para ese entonces, su carrera, que empezó tarde, cuando él tenía ya 50 años, estaba lanzada.



Fuente: lanacion.com

ESPACIO DE EXPERIMENTACIÓN EN ARTE Y TECNOLOGÍA

Hirsch y su corto Canciones napolitanas  Foto: LA NACION / Hernán Zenteno
Hirsch y su corto Canciones napolitanas. Foto: LA NACIÓN / Hernán Zenteno

Por Natalia Blanc


En una pantalla gigante, ubicada en medio de una sala a oscuras, se ve una boca de labios carnosos en primer plano. El movimiento indica que está masticando algo. Es hígado crudo. Cuando termina de devorar el último pedazo de víscera, llega el postre: la boca se abre para comerse una tarjeta postal. El corto, de diez minutos, se titula Canciones napolitanas y fue filmado en 1971 por Narcisa Hirsch, pionera del cine experimental de la Argentina. A los 85 años, la realizadora es la artista homenajeada de la nueva edición de Fase 6.0, la muestra de arte, ciencia y tecnología que se inaugura hoy en el Centro Cultural Recoleta y podrá visitarse hasta el 9 de noviembre con entrada libre y gratuita.
Con el lema "Tecnologías: políticas y poéticas", la exhibición ocupa todas las salas del Recoleta. Además de las películas fundamentales de la filmografía de Hirsch, el público podrá conocer los trabajos experimentales de estudiantes del UNA (nueva denominación del Instituto Universitario Nacional de Arte), la Universidad Maimónides y la Universidad Nacional de Tres de Febrero. Entre los artistas invitados figuran Leo Núñez, Germán Sar, Fabiana Gallegos, Agostina Uribarri y Eva Semino. Realizadas con diferentes soportes y recursos, las obras exhibidas son interactivas. En Resquicio, por ejemplo, alumnos y docentes de la Facultad de Arte de la Universidad del Museo Social Argentino proponen un recorrido por un enorme laberinto construido con cajas de telgopor: cientos de embalajes de equipos de computación desechados en las calles se transformaron en paredes para la proyección de cortos referidos a las grietas sociales causadas por la tecnología.
El homenaje a Hirsch sigue la línea del lema "políticas y poéticas": artista de vanguardia, la cineasta se mantuvo siempre por fuera del circuito oficial de arte e, incluso, por fuera de espacios como el Instituto Di Tella. Su posición artística fue también política. Para el tributo a su trayectoria en Fase 6.0, Hirsch no quiso discursos ni actos. Prefirió actualizar su emblemático corto Canciones napolitanas, cuya versión original fue realizada en el formato de 16 mm y ahora se exhibe como una instalación en soporte digital. "En los años 70 y 80 lo proyecté en sótanos de espacios alternativos; luego ya pudo verse en el Instituto Goethe. Pero siempre iban las mismas diez personas", contó durante el recorrido por Fase 6.0 con LA NACIÓN. Tres pantallas de plasma, en la sala Prometeus, pasarán en continuado sus films Come out, Pink Freud, Taller y Aída. Al fondo, sobre una pared blanca, se verá El mito de Narciso, largometraje de una hora en el que Hirsch abordó el género documental para contar la historia de su vida.

Laboratorio en "Noé. Siglo XXI"

  • En el marco de la muestra "Noé. Siglo XXI", que se inauguró esta semana en la Colección Fortabat, con curaduría de Rodrigo Alonso, hoy se realizará un laboratorio interdisciplinario de artistas visuales, sonoros y audiovisuales, en el que crearán en vivo una obra en colaboración. Participarán varios artistas, además del propio Luis Felipe Noé. A las 16, en Olga Cossettini 141.

    Fuente: lanacion.com

¡TAMBIÉN FLOTARÁS!

El diseñador Alex Chinneck hace magia con los edificios. ¡Vuelan!

¡También flotarás!

Juan Göttling

Hoy comienza a desarmarse la instalación Take my lightning but don’t steal my thunder. La obra, del diseñador británico Alex Chinneck, estaba en exhibición en Covent Garden, una “piazza” turística de Londres. Consistía de un edificio “levitando”: la mitad, arrancada del resto, flotaba, como si hubiera sido arrancada, y el público puede pasar por abajo sin problemas. La instalación es una réplica del pub Punch and Judy que se encuentra en el sector oeste de la plaza, y respeta el estilo arquitectónico de Covent Garden.
Alex explicó al Sí! cómo consiguió la ilusión y qué significó este trabajo para él: “Siempre fui más artista que diseñador. Mis preocupaciones fundamentales son aquellas típicamente asociadas con el hacer arte, que incluyen las decisiones visuales, conceptuales y de materiales para crear experiencias poderosas. La parte de diseñador es sólo una manera de facilitar intenciones creativas y realizar ambiciones esculturales”.
–¿Hay algún mensaje en esto?
–Soy feliz de que la gente tome lo que quiera de mis obras. Personalmente encuentro que en la búsqueda de transmitir un mensaje conceptual, el impacto escultural se pierde fácilmente. También siento que el espacio público no es el lugar para sermonear, es el lugar para actuar. Espero que las experiencias sean naturalmente divertidas pero físicamente sorprendentes.
–¿Cómo creaste la instalación de Covent Garden?
–Para crear la ilusión de que el edificio entero levitaba, lo hicimos sin cables, soportes ni nada por el estilo. Esto es posible gracias a un contrapeso de seis toneladas ubicado en un extremo del edificio, que está disimulado como un puesto de mercado.
-¿Cuál fue el mayor desafío?
-Es un desafío significativo para la ingeniería y muy complejo de llevar a cabo. Lo más estresante fue cuando había diez camionetas grandes entrando y saliendo de la Piazza, cargando más de quince toneladas de acero.


Fuente: Suplemento Sí Clarín