LAS 19 MEJORES FRASES DE RAY BRADBURY

A modo de homenaje al maestro de la ciencia ficción recientemente fallecido, una selección de sus mejores declaraciones

Hay peores cosas que quemar libros, una de ellas es no leerlos.

Sin bibliotecas, ¿que nos quedaría?; no tendríamos pasado ni futuro.

No pienses. Pensar es el enemigo de la creatividad. Es auto consciente, y cualquier cosa auto consciente es terrible. No debes intentar hacer cosas. Simplemente debes hacerlas.

…La biblioteca, por otro lado, no tiene límites. La información está ahí para que la interpretes. No hay nadie que te diga que pensar, que te diga si eres bueno o no. Lo descubres por ti mismo.

No intento describir el futuro. Intento prevenirlo.

Hay solo dos cosas con las que uno se puede acostar: una persona y un libro.

Sólo podemos progresar y desarrollarnos si admitimos que no somos perfectos y vivimos de acuerdo con esta verdad.

Un libro es un arma cargada.

El amor es la respuesta a todo. Es la única razón para hacerlo todo. Si no escribes historias que amas, nunca funcionará. Si no escribes historias que otras personas aman, nunca funcionará.

Toca un científico y tocarás un niño.

Si escondes tu ignorancia, nadie te molestará, pero nunca aprenderás.

Los misterios abundan donde la mayoría busca respuestas.

Pasé tres días a la semana durante 10 años educándome en la biblioteca pública, y es mejor que el colegio. Las personas deberían educarse a sí mismas; una educación completa sin dinero de por medio. Al final de esos 10 años, leí cada libro de la biblioteca y escribí miles de historias.

Tienes que saber cómo aceptar el rechazo y rechazar la aceptación.

La divagación es el alma del ingenio.

La ciencia ficción te balancea en el acantilado. La fantasía te empuja.

Mi trabajo es ayudarte a estar enamorado.

Somos el milagro de la fuerza y la materia convirtiéndose a sí mismas en imaginación y voluntad.

La vida termina como el resplandor de un film, una chispa en la pantalla.




Fuente: infobae.com

LA OBRA DE MIRÓ "PINTURA (ESTRELLA AZUL)"SERÁ SUBASTADO EN JUNIO EN LONDRES

Una mujer visitando la exposición 'Miró! Poesía y luz', dedicada al artista español, en Chiostro del Bramante, en Roma, el 15 de marzo pasado. Ochenta pinturas y esculturas se exponen en el íntimo claustro romano hasta el 10 de junio.

Por Vincenzo Pinto

El óleo 'Pintura (Estrella azul)' del artista español Joan Miró será ofrecido al mejor postor en una subasta organizada el próximo 19 de junio en Londres por la casa Sotheby's, que espera obtener por él más de 24 millones de dólares.

El propio Miró (1893-1983) consideraba esta tela de color azul intenso que pintó en 1927 como uno de los cuadros "clave" de su obra, porque según él reunía "excepcionalmente la representación de la figura humana y los signos cósmicos en una sola imagen".

La obra, procedente de la colección de André Lefèvre, ex banquero y gran mecenas francés de la primera mitad del siglo XX, pasó 40 años en la caja fuerte de un banco antes de ser vendida en diciembre de 2007 por 11,6 millones de euros en una subasta organizada en París.

Tras el éxito de la importante retrospectiva del pintor catalán presentada en el último año en Londres, Barcelona y Washington y sus recientes resultados en el mercado del arte, Sotheby's estimó "Pintura (Estrella azul)" en entre 15 y 20 millones de libras (23,7-31,6 M de dólares, 18,4-24,5 M de euros).

Una pintura-poema surrealista de Miró, 'Le corps de ma brune...', estableció en febrero pasado un récord mundial para el artista al venderse por 16,8 millones de libras (26,5 millones de dólares según el cambio fijado en esa fecha) en una subasta organizada en esta misma capital por su rival Christie's.

Además del Miró, Sotheby's pondrá bajo el martillo en esta velada dedicada al arte impresionista y moderno un 'Hombre sentado' ejecutado por Pablo Picasso en 1972, estimado en hasta 9 millones de libras (14,2 M de dólares, 11 M de euros), así como obras de Pierre Bonnard, Paul Signac, Claude Monet y Marc Chagall, entre muchos otros.

Fuente: AFP

RENOIR Y PICASSO,ESTRELLAS DE UNA SUBASTA EL 20 DE JUNIO EN LONDRES

La obra de Pablo Picasso 'Femme Assise', expuesta en la casa de subastas Christie's durante una muestra previa de la subasta de Arte Impresionista y Moderno, el 28 de octubre de 2011 en Nueva York.

Por Emmanuel Dunand

Una 'Bañista' pintada en 1888 por el francés Auguste Renoir y tres obras del español Pablo Picasso, encabezadas por 'Mujer con perro' de 1962 serán las grandes atracciones de la subasta que prepara la casa Christie's para el 20 de junio en Londres, anunciaron los organizadores.

Considerada una de las más bellas ilustraciones del tema favorito de Renoir (1841-1919), la 'Bañista' tiene un precio estimado de entre 12 y 18 millones de libras (14,9-22,4 millones de euros).

La obra, que ha formado parte de varias colecciones importantes, no ha vuelto a salir al mercado desde 1997, cuando se vendió por 20,9 millones de dólares, que es todavía el récord mundial para un desnudo del artista francés.

Junto al Renoir, Christie's ofrecerá al mejor postor en esta subasta, dedicada al arte impresionista y moderno, el óleo de Picasso (1881-1973) 'Mujer con perro', que representa a su segunda esposa, Jacqueline Roque, con su lebrel afgano Kabul, valorado en entre 6 y 9 millones de libras (7,4-11,2 M de euros).

También del artista malagueño pero de otro periodo, se subastara 'Femme Assise' (1949), una colorida celebración del milagro del nacimiento, con una estimación alta de 7,5 millones de libras (9,3 millones de euros).

Completará la propuesta 'picassiana' el grabado 'La comida frugal', ejecutado en 1904, cuando el artista sólo tenía 23 años de edad, y valorado en hasta 2,5 millones de libras (3,1 millones de euros).

En total, Christie's espera obtener más de 86,5 millones de libras con las 71 obras que pondrá a la venta en esta velada, uno de los platos fuertes de las tradicionales subastas veraniegas de la capital británica.

El miércoles, la casa Sotheby's en París adjudicó un retrato de Dora Maar, 'Cabeza de mujer' (1939), de Pablo Picasso por 6.336.000 euros en una subasta, indicó la empresa. La pintura al óleo, que representa a la que fuera musa y amante del pintor, estaba estimada en entre 3 y 5 millones de euros.

Otro cuadro del pintor de la misma época, 'Mujer sentada', fue por su parte adjudicado por 3,4 millones de euros. En total, la venta alcanzó los 9.761.500 euros.

Fuente: AFP

LLEGA AL PAÍS, UNA EXPOSICIÓN CON OBRAS DE RAFAEL Y TIZIANO

Forman parte de una muestra que ahora se está exponiendo en el Vaticano.

Cristo resucitado. El cuadro de Tiziano que se verá.

Por Guido Carelli Lynch

Rafael (Sanzio) es junto con Miguel Angel Buonarroti y Leonardo Da Vinci uno de los tres pilares de la pintura italiana del Renacimiento. Por primera vez, una de sus obras visitará la Argentina. No lo hará sola, otras 46 piezas de artistas emblemáticos de los siglos XIV al XIX llegarán al país para exponerse desde 5 de julio hasta el 30 de septiembre, en el Museo Nacional de Arte Decorativo de Buenos Aires.

Tome nota: Tiziano, Carlo Crivelli, Lorenzo Lotto, Sebastiano del Piombo, Guido Reni, Guercino (Giovan Francesco Barbieri), y Rubens, entre otros, coincidirán en la muestra Meraviglie dalle Marche (Maravillas de Las Marcas), que desde el 4 de mayo y hasta este domingo se expone ni más ni menos que en El brazo de Carlo Magno, una sala en el Vaticano.

Pero volvamos a Rafael y su cuadro, la estrella de la muestra.

Santa Caterina di Alessandria proviene de la Galería Nacional de Las Marcas, ubicada en Urbino, el pueblo donde nació el genio renacentista. Es una obra chica, de apenas 49 x 15 centímetros. En el frente se aprecia la imagen de la santa y, en el reverso, una inscripción espejada en mármol. La obra data del 1502–1503, en los inicios del pintor, cuando apenas tenía 20 años y le faltaba 5 para radicarse en la ciudad papal y hacer su serie de frescos. Antonio Paolucci, actual director de los museos vaticanos y ex ministro de Cultura italiano fue quien la compró en un remate en Sotheby´s de Nueva York, en 1990, por “apenas” 600 mil dólares. “Es uno de los éxitos de mi carrera de los que estoy más orgulloso”, escribió Paolucci en el diario L’ Osservatore romano.

Angel Navarro, curador argentino de la muestra, subrayó el valor de Santa Caterina . “A pesar de ser obra de juventud, ya se ve una serie de características de Rafael, los rostros de sus figuras, las sombras suaves, y la arquitectura de la figura humana”, explicó en un diálogo con Clarín .Hay una versión más importante de la misma santa pintada por Rafael en 1508 en la National Gallery de Londres.

Santa Caterina. De Rafael. Frente y reverso.

Del mismo museo de Urbino donde se encuentra la obra de Rafael proviene el óleo sobre tela de Tiziano (1490-1576), la otra gran figura de la exposición. Este Cristo resucitado de 163 x 104 centímetros (pintado entre 1542 y 1544) fue encargado por una congregación religiosa de Las Marcas al pintor veneciano. Por estas cosas Navarro –que señala las obras de altar de casi 4 metros y otras, de seguidores de Caravaggio, que llegarán– no duda en calificar la muestra “como sin precedentes en la Argentina”.

Curiosamente las dos exposiciones –la del Vaticano y la de Buenos Aires– son posibles gracias al cierre de la Pinacoteca pública Francesco Podeti de Ancona, en la capital de la región de Las Marcas. De ese museo cerrado por refacciones proviene buena parte de las obras. La mayoría de las obras que se exhiben en la pinacoteca comunal –como casi todas las muestras en las que participó la productora italiana de Meraviglie dalle Marche , Artifex– son obras de arte sacro. Otros 15 museos de la región del centro-este de Italia aportaron obras para esta muestra itinerante auspiciada también por el fondo privado de inversiones argentino Hope Funds.

Todavía no trascendió el valor de las entradas, pero los organizadores adelantaron que será un precio accesible y habrá descuentos para jubiliados y estudiantes. Traer semejantes obras –aseguradas en 40 millones de euros– costó 600 mil euros, confirmaron, porque hay cosas que el dinero sí puede comprar: a Rafael en la Argentina, por ejemplo.

LA RELACIÓN ENTRE TRES GENIOS

Cuando Rafael nació el 6 de abril de 1483, Leonardo ya tenía 30 años. Sin embargo, el genio de Da Vinci fue una de las razones por las que Sanzio decidió radicarse en Florencia. El “esfumado” de Leonardo aparece en la obra de Rafael, igual que la geometría de sus personajes. Posiblemente se hayan conocido durante la estadía de Leonardo en Roma, entre 1514 y 16, cuando Rafael ya era el pintor más destacado de la corte papal. Con Miguel Angel sólo lo separaban 5 años y conoció algunas de sus máximas obras. De la admiración pasaron a una competencia feroz por los favores y los cargos del Vaticano y la corte de Florencia.

Fuente: clarin.com

DESDE EL ARTE, PIDEN QUE VOTEN LOS PERROS

CHRISTOV-BAKARGIEV. "La producción cultural de la planta de tomate es el tomate", dijo. 

El sábado empieza Documenta, la exposición de arte alemana que marca las últimas tendencias. Como para que nadie olvide la cita, la comisaria de esta edición, Carolyn Christov-Bakargiev, tocó la campana con unas declaraciones: los perros y las plantas deberían votar, dijo. En la idea de que se los discrimina como alguna vez se discriminó a las mujeres. Y de que una colmena también es una obra artística.

Documenta se hace en la ciudad de Kassel desde 1955, cuando arrancó con una muestra de lo que Hitler había llamado “arte degenerado”. Arnold Bode, su fundador, quería llevar el arte a los obreros. Mostró obras de Picasso, de Kandinsky. En 1982, Joseph Beuys plantó 7.000 robles. En 2007, Ai Weiwei llevó 1.001 chinos, como obra. No votaron los perros.

“No hay ninguna diferencia de fondo entre mujeres y perros o entre hombres y perros”, dijo Christov-Bakargiev al diario alemán Süddeutsche Zeitung. “¿El mundo les pertenece menos a los perros que a las mujeres?”.

En un esfuerzo por encarnar el espíritu de ruptura de Documenta, la comisaria dijo que “no es si damos a los perros o a las frutillas el permiso para votar, sino cómo una frutilla puede expresar su voluntad política”. La curadora fue jefa del Museo de Arte Contemporáneo Castello di Rivoli, en Turín, directora artística de la Bienal de Sydney en 2008.

Debemos ampliar nuestra idea de qué es arte, dice. Y apuesta fuerte: “La producción cultural de la planta de tomate es el tomate”. ¿Hay entonces alguna diferencia entre el arte humano y la producción natural de plantas o animales? Christov-Bakargiev no duda: “¡No, absolutamente no!”.

Fuente: clarin.com

LA ACEPTACIÓN O LA RUPTURA DE LA ESCALA

 

La dimensión no es un asunto menor en el arte. De eso se trata una muestra en la que una docena de artistas juega con los sentidos de sus obras, enormes o diminutas, en el espacio.

MARTIN CALCAGNO. “Nena volvé”, alianzas de oro 18K con inscripción, vidrio y madera. 20 x 14 x 14 cm.

Por Mercedes Pérez Bergliaffa

Un pelo o una gota de sangre pueden delatarnos la coartada del crimen”: es entonces cuando lo microscópico nos persigue, se convierte en todo el universo, y ya no existe nada más. “Este sigue siendo para nosotros, el ámbito –no menor– de la resistencia”, explican los curadores de la muestra (Des)proporciones, Gaspar Acebo y Cecilia Guerra Lage. Se refieren a ese algo mínimo rompiendo con otra cosa –un tamaño, una escala– porque no responde como uno espera; porque se desmide contrayéndose, o porque se descontrola exagerándose. Ese es el tema de la muestra: las proporciones desobedientes. Se ve en los pequeños animales de mundos made-in-China, de la artista Verónica Gómez (como “El carnero del Bosque Blanco”, por ejemplo). Pasa también con la masa de pequeñísimas moscas zumbantes, melosas, hipnóticas y seductoras del video de Mariano Giraud –“El verano de las moscas”– que, pesadas, se instalan alrededor de una ballena animada en las playas de Ostende, o se pasean por entre las copas de los árboles (aunque a veces sean abejas o avispas, eso no importa; importan sus zumbidos, sus bailes diminutos…) Pasa con la –simple, sencilla: no necesita más– alianza de oro exhibida dentro de una vitrina-estilo-cápsula de Martín Calcagno, un trabajo que se completa con su nombre: “Nena volvé”. 

Y pasa todo lo contrario con otras obras, que se estiran, se alargan, se ubican del otro lado de lo micro; se instalan del lado de lo descomunal, de lo inmenso. 

MAX GOMEZ CANLE. “Marco”, 2011, óleo sobre madera, marco y papel. 20 x 20 cm.

Entonces, el tema de la escala pasa a ser otro, contradictorio –y debe ser así para que esta exposición adquiera su sentido-. “Río pintura”, esa tela de Margarita García de diez metros de largo por dos de alto, observa como una cordillera al pequeño animalito chino de Gómez y al anillo de Calcagno. “Gualicho”, la carbonilla de tres metros sobre pared de Vicente Grondona, se esconde detrás de una esquina –hecha de paneles– de los pequeños óleos de veinte centímetros de Max Gómez Canle. “Género: paisaje, ubicado históricamente dentro de los formatos medios pero que Canle trata en formato-mini, otra manera de marcar el tema de la escala”, explica el curador Acebo.

“El problema de la dimensión en el campo del arte es fundamental, no es accesorio”, sigue explicando el curador. “Pasa que lo que indica una obra también lo indica mediante su dimensión. Sería muy raro pensar la Capilla Sixtina, por ejemplo, en un cuarto de su dimensión actual. Sería otra cosa, otra obra”, explica Acebo.

Las salas de la exposición son dos: una, en planta baja; la otra, en el subsuelo. La primera tiene enormes vitrinas que dan a la calle, desde donde puede observarse parte de la muestra. 

Cuando se ingresa, primero se leen fragmentos de los textos curatoriales. Luego se pasa al espacio donde están ubicados los trabajos de Gómez Canle, Terán, PeB, De Latierro, Grondona, Gómez, Calcagno y García Faure. 

SERGIO LAMANN. Sin título, 2009, técnica mixta, 280 x 120 x 50 cm.

En el descanso de la escalera que baja a la sala del subsuelo uno tropieza con varios biblioratos apilados. En medio de la muestra, me hicieron pensar que se trataba de una obra de arte; no lo era. Una lástima… porque las propuestas expositivas del FNA son muy buenas, pero desacuidos como éste las desmerecen un poco.

La sala del subsuelo da mucho más que la de planta baja. Quizá porque el espacio está más cerrado; quizá, las luces... Lo cierto es que la obra que da la bienvenida en la sala bajo tierra, este caballo blanco de Sergio Lamann, es un descubrimiento: pocas veces vi esculturas hechas con materiales blandos, que contradicen lo que se supone que debería de ser una escultura. Lamann lo sabe y le saca provecho. Dice: “Si lo pensás bien, tiene sentido: vengo del dibujo, donde siempre tuve la intención de pasar de lo plano a lo volumétrico. Fijate, el caballo está formado por planchas planas de polipropileno que voy moviendo, doblando, descubriendo sus curvas, hasta resolver en volúmenes… genero figuras que llamo “cuerpos dóciles”. Es como un monumento anónimo al cuerpo manipulable. Un monumento a nosotros, los manipulados.” Tan manipulables y manipulados como las marionetas del Nang Talung , el antiguo teatro de sombras de Tailandia. 

VERÓNICA GÓMEZ. “El carnero del Bosque Blanco o traficante de animales”. Técnica mixta, 20x40 cm.

Son las articulaciones que Lamann elige, para ensamblar una parte de su escultura con la otra, los ejes que le dan motricidad, flexibilidad, movimiento, el número de piezas que componen la obra… 

Lamann asiente: las creó pensando un poco en las piezas tailandesas.

Hay otras obras en la sala del subsuelo: el cianotipo “Crecer”, de Marcos Mangani; los videos de Giraud y de Julieta Ortiz De Latierro, y el panel de “Un Faulduo”, colectivo de artistas integrado por Nicolás Daniluk, Ezequiel García, Nicolás Moguilevzky y Nicolás Zukerfeld, nacido en torno a la revista que lleva el mismo nombre.

Escala, dimensión y forma, elementos fundamentales que se palpan en el recorrido de esta muestra, traen de la mano otros, que no pueden disociarse: la distancia, la profundidad y, sobre todo, el espacio. Creo que es esto lo que descubren los curadores cuando proponen explorar el tema de la dimensión: tocar una percepción fundamental, que tenemos presente todo el tiempo pero a la que pocas veces le prestamos atención. Es nuestra inteligencia espacial y dinámico-corpórea, nuestra propiocepción (es decir, la noción de nuestro propio cuerpo en relación a él mismo y a lo que nos rodea). Este es el tema que la exposición pone de manifiesto. Quiere resistir provocando la distorsión, la intermitencia, a través de formas que se quieren salir de control. Todo, gracias a la escala.

FICHA
(Des)proporciones

Lugar: Fondo Nacional de las Artes (Alsina 673).
Fecha: hasta el 11 de junio.
Horario: lunes a viernes, 10 a 16.
Entrada: gratis.


Fuente: Revista Ñ Clarín

EN EL LOUVRE,POLÉMICA POR UNA OBRA QUE DEFECA

El artista belga Wim Delvoye da que hablar con obras como “Cloaca”, una máquina que muestra el mecanismo del aparato digestivo y produce heces.

CLOACA. Según el autor, "un David de nuestro tiempo".

En el Louvre, entre estucos dorados y obras griegas, acaban de instalar una treintena de trabajos del artista belga Delvoye, quien da que hablar con obras como “Cloaca”, una máquina que muestra el mecanismo del aparato digestivo y produce heces. Claro, se armó la polémica.

Delvoye no sólo expone neumáticos esculpidos a mano, radiografías de fellatios amorosas estampadas en vidrios y cerditos de poliestireno. Además, una flecha de acero de 13 metros de altura, cortada al láser con forma fálica y llamada “Supositorio”, ocupa la célebre pirámide de vidrio del museo.

"¿El museo más grande del mundo”, dice el diario Le Parisien, olvidando la existencia del Smithsonian de Washington, y sigue preguntando: “se cansó de su belleza clásica, de las hordas de visitantes que no tienen ojos más que para la Gioconda, al punto de querer sorprender a los turistas?”.

El público está dividido: para los que cuestionan la muestra, el Louvre debe “seguir dedicado al pasado”. En tanto, otros se entusiasman con las novedades.

Henri Loyrette, presidente del Louvre, precisó que el arte contemporáneo en realidad entró a formar parte del museo parisino en 1989, con la construcción de la pirámide de vidrio del arquitecto chino Ieoh Ming Pei. Para la curadora de esta muestra, Marie-Laure Bernadac, “la idea es hacer dialogar pasado y presente”.

“Hoy el arte antiguo se pone de rodillas frente al contemporáneo. Es el mundo que funciona al revés. Hay una desproporción increíble –dijo Delvoye– entre el interés por el arte antiguo y el contemporáneo. Una bella pintura del siglo XVII a menudo cuesta menos que una obra contemporánea”.

Según el artista “ya no se puede esculpir un David como Miguel Angel, porque se volvió naif. “Cloaca” es lo que más se aproxima a un David de nuestro tiempo”.

Fuente: Revista Ñ Clarín