"LA ÚLTIMA CENA" DE GIAMPETRINO,DISCÍPULO DE DA VINCI, ESTARÁ DESDE EL VIERNES EN LA MUESTRA DEL GENIO ITALIANO

Por primera vez en España

Ignacio González asistió hoy al montaje de la obra en el Centro de Exposiciones Arte Canal, en Plaza de Castilla

MADRID, 15

El vicepresidente y consejero de Cultura y Deporte de la Comunidad de Madrid, y presidente de Canal de Isabel II, Ignacio González, acudió este miércoles al Centro de Exposiciones Arte Canal, junto al director gerente de la Entidad pública, Adrián Martín, a ver el montaje del cuadro 'La Última Cena', obra del discípulo de Leonardo da Vinci, Giampietrino, que podrá visitarse en la muestra, desde este viernes hasta el 2 de mayo, fecha de finalización de la exposición.

Para el montaje de esta otra, de las mismas dimensiones que el original de Leonardo (ocho metros de largo por tres de ancho), el Canal de Isabel II se ha visto obligado a acotar en el día de hoy, una zona del recorrido de la muestra, parte de la dedicada a la pintura, que es donde se ubicará la obra de Giampietrino, así como cerrar al público la exposición durante todo el día de mañana jueves.

El cuadro, procedente de Londres, partió del puerto británico de Portsmouth a las 11 horas el pasado domingo y llegó a Santander a las 12 del mediodía del lunes. De allí, se dirigió a Madrid en camión, llegando al Centro de Exposiciones Arte Canal, a las 18 horas. En total, el cuadro, que iba guardado en una caja de 220 kilogramos y unas dimensiones de 387x98x1008 centímetros, recorrió 1.323 kilómetros.

A primera hora de esta mañana, seis técnicos abrieron la caja y sacaron el cilindro donde estaba enrollada la tela del cuadro, que colocaron boca abajo sobre el suelo y extendieron poco a poco. A continuación, los técnicos ensamblaron el bastidor sobre el que se monta el cuadro. Una vez extendida y tensada la tela sobre la estructura de madera, colocaron el marco y lo alzaron, de tal forma que ya ha sido descubierto.

No obstante, 'La Última Cena' no se expondrá hasta el viernes, puesto que necesita unas horas para aclimatarse a las nuevas condiciones ambientales. Mañana a partir de las 8 de la mañana, los técnicos volverán a trabajar para comprobar el tensado y sujetar el cuadro en la vitrina de cristal.

PRIMERA COPIA Y A ESCALA REAL

La copia que Giampietrino realizó de 'La Última Cena' de Da Vinci, propiedad de la Royal Academy of Arts de Londres y cedida al Magdalen College de Oxford, donde se exhibe, se expondrá por primera vez en España, tras haber permanecido tres meses en la exposición que acaba de finalizar en la National Gallery de Londres.

'La Última Cena', pintado entre 1495 y 1497 fue el trabajo más ambicioso que realizó Leonardo por encargo de Ludovico Sforza y fue pintado directamente en la pared del refectorio del Convento de Santa María de Gracia de Milán, donde continúa en la actualidad, aunque en mal estado de conservación.

Esta copia atribuida a Giampietrino constituye la primera copia conocida a escala real y realizada antes de que el original de Da Vinci se deteriorase. Asimismo, en esta copia se puede encontrar un reflejo más fiable de lo que expresó Leonardo en su genial creación milanesa, incluso en mayor grado que en la propia obra original.

González ha destacado que en esta versión de 'La Última Cena' se puede encontrar el eco más fiable de lo que expresó el genio italiano. Es un cuadro extraodinario. "Estamos de enhorabuena porque este cuadro enriquece la exposición, que está siendo un éxito en Madrid", ha expresado.

El consejero de Cultura ha recalcado que esta copia "ha permitido incluso la restauración del cuadro original, que se pueda ver en otros sitios y, a través de él, se pueda estudiar 'La Última Cena' de Da Vinci. Asimismo, ha agradecido a las autoridades británicas que les hayan prestado este ejemplar, que fue visto en Londres por más de 300.000 personas.

En esta copia expuesta en el Centro de Exposiciones Arte Canal, se aprecia tanto el colorido como el claroscuro, destacando la definición de los personajes dando relevancia a sus emociones y detalles ahora perdidos en la obra original, tales como los pies de Cristo, el salero derramado por Judas o los tapices y puertas, entre otros.

El vicepresidente regional ha destacado que este mismo mes el Museo del Prado ha anunciado que la copia que posee de la 'Gioconda' fue realizada a la vez que el original. Esta noticia, que coincide con nuestra exposición de Plaza de Castilla, fomenta el interés por la figura de Da Vinci.

Como ha enumerado el vicepresidente, en la Exposición 'Da Vinci. El Genio' se pueden ver 25 cuadros de discípulos españoles e italianos y 5 dibujos originales de Leonardo, procedentes del Museo del Prado, la Royal Academy of Arts, la Galería Borghese, la Galería de la Academia de Venecia y la Pinacoteca Ambrossiana de Milán.

El visitante también puede contemplar 6 documentos originales relacionados con la vida íntima de Leonardo. Además, en la recreación del Studiolo y biblioteca de Da Vinci, hay 39 libros, códices y manuscritos originales de la época.

UNA PELÍCULA, MÁQUINAS, PINTURAS Y DOCUMENTOS

Además, en la muestra se pueden apreciar tres grandes ámbitos que, a su vez, se dividen en 19 salas: las máquinas ideadas por el genio italiano, un Leonardo más íntimo y la pintura de sus discípulos italianos y españoles. A esto se añade la película en tres dimensiones 'Leonardo da Vinci. La mirada del genio', que se puede ver en una sala especial construida en el exterior de Arte Canal, así como un área de realidad aumentada, donde se han incluido tres puestos con tres juegos interactivos cada uno.

Además, como novedad, los que acudan a visitar la muestra pueden degustar platos diseñados por el cocinero Sergi Arola galardonado con dos estrellas Michelín e inspirados en el Renacimiento italiano. Estas creaciones gastronómicas permitirán a los visitantes acercarse a sabores y productos típicos italianos.

Hasta la fecha, la han visitado casi 130.000 personas (123.541 el 13 de febrero). Además casi 7.000 niños han participado en talleres dirigidos a los escolares. Para los más pequeños de 3 a 12 años, se han organizado varias actividades y talleres gratuitos, durante los fines de semana y festivos de 10.30 a 13.30 horas y de 16.30 a 19.30 horas, y los viernes y vísperas de festivos de 16.30 a 19.30 horas.

Los visitantes que acudan a Arte Canal podrán disfrutar de 'Da Vinci. El Genio' conjuntamente o por separado tanto de la proyección audiovisual como de la exposición. Así, en el primero de los casos, el precio de las entradas será de 6 euros para adultos, y 4 para mayores de 65 años, estudiantes y familias numerosas, mientras que en el segundo será de 3 euros para adultos y 2 para el resto.

Además, los menores de 6 años, desempleados acreditados y minusválidos tendrán acceso gratuito a la exposición, y los grupos de estudiantes pagarán un euro por entrada por persona. La muestra tiene un horario de 10 horas a 21 horas, de lunes a domingo.


Fuente: Europa Press

SEIS OBRAS DEL ARTISTA CHINO AI WEIWEI,A LA VENTA EN LA FERIA MADRILEÑA ARCO

Una escultura del artista chino Ai Weiwei puesta a la venta por la galería Ivorypress en la feria de arte contemporáneo ARCO, inaugurada este miércoles en Madrid.

Por Dominique Faget

Seis obras del artista y disidente chino Ai Weiwei, confinado actualmente en Pekín por decisión de las autoridades, fueron puestas a la venta en ARCOmadrid, la feria anual de arte contemporáneo que este miércoles abrió sus puertas en la capital española.

Entre las piezas figuran un pilar de porcelana azul de unos tres metros de alto, valorado en 150.000 euros, y una sandía de porcelana verde y negra en venta por 50.000 euros. Las obras son una propuesta de la galería madrileña Ivorypress, que seleccionó a Ai como "artista destacado" durante los cinco días de esta cita internacional.

"Lo hemos eligido por ser relevante a nivel internacional y para darle más visibilidad este momento", explicó una portavoz de la galería, fundada por Elena Foster, esposa del renombrado arquitecto británico Norman Foster.

Ai Weiwei, detenido en secreto en 2011 durante 81 días y obligado desde entonces a permanecer en la región de Pekí, fue designado en octubre como la personalidad más importante del mundo del arte por la revista británica Art Review. Pintor, escultor y arquitecto, Ai se ganó su reputación internacional exponiendo en la prestigiosa Tate Modern de Londres una instalación gigante formada por una alfombra de pepitas de girasol hechas de porcelana.

El artista, que participó en la concepción del famoso "Nido de pájaro", el estadio de los Juegos Olímpicos de Pekín 2008, irritó a las autoridades del país comunista al investigar el derrumbe de innumerables escuelas en el terremoto que en 2008 devastó la provincia de Sichuan y un incendio que en noviembre de 2010 dejó decenas de víctimas en Shanghai. Actualmente está acusado de evasión fiscal, cargo que él niega denunciando una maniobra política para silenciarlo.

Su detención, que provocó una ola de indignación en todo el mundo, se inscribió en una ola de represión lanzada en febrero de 2011 por Pekín contra disidentes y abogados para acallar llamamientos en China a revueltas populares semejantes a las de los países árabes. Un total de 215 galerías de arte de 29 países participan en ARCOmadrid 2012, donde presentan obras de unos 3.000 artistas.

Fuente: AFP

FRANCO EN UNA HELADERA,ESTRELLA DE LA FERIA ARCO DE MADRID

El creador de la obra 'Always Franco', Eugenio Moreno, junto a la escultura, vendida por la galería ADN, el martes 14 de febrero en la feria ARCO de Madrid.

Por Pierre-Philippe Marcou/AFP

Una escultura del difunto dictador español Francisco Franco en una nevera centraba todas las miradas en la feria de Arte Contemporáneo de Madrid (ARCO), que este miércoles abrió las puertas de su 31ª edición.

"No esperaba tanta reacción", confiesa Eugenio Merino, el joven español autor de 'Always Franco', una obra que la galería barcelonesa ADN vende por 30.000 euros.

Realizada con silicona, poliester, pelo humano, ojos de cristal, ropa y vinilo, la escultura a tamaño real del dictador -que dirigió España entre 1939 y 1975- observa al espectador tras unas gafas oscuras encapsulado en una nevera que imita a los distribuidores automáticos de bebidas.

"Representa la idea de que en España la gente mantiene viva la imagen de Franco. No se deja de hablar de él, no se deja de debatir. La nevera es un lugar donde se mantienen vivas y frescas las cosas", explica Merino.

Con 'Always Franco', Merino sugiere que aunque en los últimos años se hayan retirado de lugares públicos españoles las esculturas de Franco, su imagen sigue presente en la sociedad.

"Da igual lo que quites porque el problema es conceptual, no visual", considera.

Para Merino estas iniciativas buscan "hacer menos visible algo que está visible", lo que él critica desde "un punto más irónico, de humor negro", dice.

'Always Franco' era este miércoles una de las principales atracciones de medios de comunicación y especialistas en arte en la edición 2012 de ARCOmadrid, en la que durante cinco días se exponen las obras de más de 3.000 artistas de 29 países.

No es la primera vez que una obra de Merino centra la atención en esta feria internacional. En 2009 realizó una escultura del artista británico Damien Hirst en la que lo representaba pegándose un tiro en la cabeza.

Un año después, su obra 'Stairway to heaven', en la que un rabino judío reza sobre los hombros de un cura cristiano que, a su vez, se arrodilla sobre la espalda de un musulmán orando, motivó una queja de la embajada israelí en Madrid.

Fuente: AFP

AMORES DE NOVELA

Si bien el papel es el espacio predilecto de las relaciones amorosas intrincadas, hubo varios autores que las sintieron en carne propia. A continuación, algunas de las pasiones ocultas más famosas.

Por Dolores Caviglia / dcaviglia@infobae.com

Muchos escritores se acercan a la literatura como un espacio en el cual las historias más complicadas, extremas y a veces hermosas pueden cobrar forma. La vida no siempre ni a todos ofrece recovecos tan complicados como los que una pluma puede concebir, por lo que resulta una buena escapatoria vivirlos en el papel.

Sin embargo, no es mero cliché la frase que sitúa a la realidad por encima de la ficción. Algunos de los escritores más famosos de todos los tiempos vivieron amores imposibles, prohibidos, fracasados o trágicos, “de novela” como dicen por ahí, no sólo en tinta sino en carne propia. Y es que la fatalidad parece siempre tener un condimento mucho más atractivo que el júbilo, por lo que la negación de la felicidad encanta. Ya los amantes adolescentes Romeo y Julieta en el siglo XVI lo advertían.

La famosa Beatrice que inmortalizó Dante Alighieri en el siglo XIII en su sublime obra Divina Comedia no fue únicamente una figura ficcional que le sirvió al escritor italiano de guía durante parte del recorrido del infierno al purgatorio y de éste al paraíso. Esta joven, símbolo de la perfección, la belleza y la virtud, fue el verdadero gran amor de este poeta, pese a que en realidad fueron contadas las palabras que cruzaron en vida. Dante habría quedado asombrado por la belleza de su musa a los 9 años y habría vuelto a verla sólo otros 9 años después, cuando ella lo saludó, algo que le bastó para sentirse inspirado. Esta pasión silenciosa y oculta se convirtió en imposible cuando Beatrice Portinari contrae matrimonio con Simón de Bradi; y en trágico, cuando muere con tan sólo 25 años.

En el siglo XIV, Francesco Petrarca, lírico y humanista italiano, también escribió la mayor parte de su obra inspirado por una mujer, Laura, nombre por el cual la muchacha cobrará dos lecturas: la del amor y la de las ansias de los laureles, del reconocimiento. En su Cancionero, esta mujer representa el objeto idealizado del amor, la belleza sublime, lo añorado. Pero alejada de las páginas no es más que la imposibilidad. Laura era una señora casada, presuntamente con un familiar del marqués de Sade, por lo que no existía en su vida espacio para el romanticismo adúltero. Además, Francesco era hombre de recta conciencia por lo que no tenía en mente sortear los límites. Sin embargo, su amor poético jamás pereció, por lo que sus bellos escritos lo llevaron a recibir la tan ansiada corona de laureles, por el cual fue varias veces invitado a la casa de su amada, cuyo marido disfrutaba de ser anfitrión de tan ilustre escritor. Según dicen, tal acercamiento comenzó a perturbar a Laura, quien temerosa de caer en la tentación de Petrarca lo alejó de su casa para siempre, hasta su muerte, en 1348 a causa de la peste negra. Pero su fallecimiento no logró apagar la llama ni la musa; muerta Laura pasó de representante de la belleza de la antigüedad a ángel de la sabiduría y la moral.

William Shakespeare escribió varias obras en las que trasmite una clase de amor hasta envidiable. Desde Romeo y Julieta hasta Othello, pese a la tragedia final o por ella, las historias de este dramaturgo isabelino resultan un ejemplo de pasión añorada. Pero su biografía no cuenta con los mismos vestigios. El autor de Sueño de una noche de verano vivió más amores conflictivos y dolorosos que anhelados. William se casó con Anne Hathaway cuando tenía 18 años y porque ella, de 26, estaba embarazada, según dicen los críticos especialistas. Pese a esta situación, la cabeza de Shakespeare estaba en Londres, lugar al que soñaba llegar para dar rienda suelta a sus historias y convertirse en un reconocido dramaturgo. Así lo hizo. El autor de Hamlet se alejó de su esposa y de sus tres hijos para instalarse en los alrededores de la capital inglesa y representar allí sus obras. Fue en esas noches de soltería, alcohol y desvelo que conoció a quien sería el verdadero amor de su vida, una mesonera, a la cual abrazaba con fuerza cada última noche que pasaba con ella antes de regresar a su hogar junto a su familia en Stratford Upon Avon. De esta relación nació un hijo también poeta, William Davenant.

El autor de Alicia en el país de las maravillas también vivenció una historia de amor prohibida, pero no ya por meras cuestiones sociales. Lewis Carroll, cuyo nombre real era Charles Lutwidge Dodgson (1832-1898), estaba enamorado de una niña de sólo 4 años, Alicia Liddell, su pequeña musa. Hay varios indicios que podrían alegar tal hipótesis, como las fotografías que tomaba a las hijas pequeñas de sus amigos en las que las menores aparecen hasta en paños menores y en poses sensuales. También podría tenerse en cuenta el odio profundo que le profesaba la madre de Alicia y las cartas que le escribía a Alicia y que esta quemó una vez que contrajo matrimonio, para evitar que alguno descubriera lo inconfesable.

Charles Dickens, escritor británico, tuvo un amor platónico que lo atormentó durante su matrimonio de 22 años con Catherine Hogarth. Es que el autor de Historia de dos ciudades se había enamorado de su cuñada de 17 años, Mary, quien se había instalado en la casa de su hermana a poco del casamiento. Si bien fue una pasión que jamás pasó del pensamiento a la piel, se dejó entrever porque ante el deceso de la joven Dickens perdió su inspiración y debió interrumpir la escritura de Oliver Twist. Asimismo, conocida la trágica noticia de la muerte de su cuñada, le sacó uno de sus anillos, se lo puso y no se desprendió de él hasta su propia muerte. Años después, este enamoramiento se vio confirmado -según cuentan- cuando Charles abandona a su mujer por una adolescente de 16 años, jovencita que hacía realidad el acercamiento imposible a su gran amor Mary.

“¿Por qué, Milena, me hablas de nuestro porvenir juntos, que no ocurrirá nunca, o será por eso por lo que hablas de él? Hay pocas cosas seguras, pero esta es una: que nunca viviremos juntos, en la misma casa, cuerpo contra cuerpo, ante la misma mesa, nunca ni siquiera en la misma ciudad”. Así le hablaba Franz Kafka (1883-1924) a la mujer que amaba. Milena estaba casada, pero su matrimonio se hundía ante las reiteradas infidelidades de su esposo, que sin pudor traía a sus amantes a la casa que compartían; el autor de El proceso estaba comprometido con Julie Wohryez, pero la relación no iba a prosperar. Pese a este ambiente que parecía favorecerlos, la frase anterior del escritor checo fue certera y premonitoria. Sostuvieron una relación epistolar en la que creció el amor, cuando ella se contactó con él para que la autorizara a traducir sus obras. Pasaron sólo algunos días juntos, pero se amaron con sinceridad.

Adolfo Bioy Casares y Silvina Ocampo conformaron una de las parejas literarias más importantes e influyentes de la historia de la Argentina. De dos individuos pasaron a ser uno solo, pero doble, los Bioy. Se adoraban con brutalidad; ella era terriblemente celosa; él le daba todos los motivos para que lo fuera. Fueron reconocidas y admitidas las infidelidades de Adolfo. Sin embargo, Silvina parece haber llevado todo a escondidas. La poetisa Alejandra Pizarnik parece ser la culpable del secreto de la Ocampo. Ambas escritoras compartían una relación que sobrepasaba la literatura. Se conocieron en los años 60 en torno a la revista Sur fundada por Victoria, hermana de Silvina, y en la que cotidianamente escribían Adolfo y su gran amigo Jorge Luis Borges. Así comenzaron una relación de la que poco se conoce pero mucho se intuye. En enero de 1972, meses antes de tomar la terrible determinación de suicidarse, Alejandra escribe a su amiga mucho mayor (se llevaban más de 30 años) que la amaba “SIN FONDO”. Pese a todo, Silvina y Adolfo jamás se separaron.

La tragedia, la imposibilidad y la unilateralidad parecen hacer a la pasión algo mucho más literario que la escena feliz en la que los protagonistas comen aves. En la realidad, no siempre el amor encuentra el espacio adecuado para desarrollarse y no por ello pierde veracidad. Resulta bueno recordar en el Día de los Enamorados a aquellos que no tuvieron suerte, al menos no alejados del papel, el único amor que sí lograron eternizar.

Fuente: infobae.com

ROBAN PARTE DE UNA COLECCIÓN ARTÍSTICADEL MONASTERIO DE CARDEÑA, EN BURGOS

Colección Escolar-Puente

La comunidad cisterciense del monasterio de San Pedro de Cardeña, famoso por ser el lugar donde comenzó el exilio del Cid Campeador, ha denunciado el robo de parte de la colección Escolar-Puente, instalada en la capilla Cidiana, en un lateral de la iglesia monacal.

Roban parte de la colección del Monasterio de Cardeña. EFE

El Monasterio de Cardeña ha denunciado el robo de parte de la colección artística de Escolar-Puente.  Los ladrones se llevaron 115 piezas, entre ellas varias monedas de oro y plata, incluidas algunas de estilo románico, han informado fuentes monacales.

Los monjes creen que el robo se produjo en la noche del domingo, aunque no se dieron cuenta de lo ocurrido hasta ayer, dado que la zona donde se cometió está aislada del resto del templo por una puerta metálica que protege el sarcófago del Cid y su esposa, doña Jimena.

En el lugar de los hechos se encuentra las 12 vitrinas de la colección, de las que tres han sido vaciadas.

Al parecer, los ladrones llegaron en coche al cenobio, situado a varios kilómetros de la capital burgalesa, y accedieron al interior por una pequeña ventana, que da acceso al espacio donde se encontraban los objetos robados.

Entre los objetos sustraídos destacan las figuras de un San Juan de madera de nogal del Barroco; un San Juanito de nogal, del Románico, y un niño Jesús de bronce; tres cajas: una gótica, una románica y otra de estilo bizantino y varias monedas y medallas.

La colección, que ahora ha quedado incompleta, fue donada por el escultor y artista salmantino afincado en Burgos Segundo Escolar y su esposa a mediados de la década pasada.

Fuente: EFE

LA CUBA PRERREVOLUCIONARIADESEMBARCA EN EL IVAM CON 107 FOTOGRAFÍAS PIONERAS EN LA EXPERIMENTACIÓN ARTÍSTICA

La Cuba prerrevolucionaria desembarca en el IVAM con 107 fotografías pioneras en la experimentación artística.

VALENCIA, 14

Una exposición de 107 fotografías de la Cuba prerrevolucionaria han desembarcado este martes en el Instituto Valenciano de Arte Moderno (IVAM). La muestra pone el énfasis en aquellos autores que en Cuba, por primera vez y de manera consciente, asumieron la fotografía como medio para sus experimentaciones artísticas, según ha informado el museo en un comunicado.
La muestra 'Fotografía de Vanguardia en Cuba', organizada en colaboración con Fototeca de Cuba y el Consejo Nacional de Artes Plásticas de Cuba y comisariada por Llilian Llanes, muestra una selección de fotografías realizadas entre las décadas de los años veinte y cincuenta del pasado siglo XX por un grupo de 11 fotógrafos cubanos.
Un periodo poco estudiado, dadas las características especiales que tomó la fotografía al documentar los acontecimientos de la lucha contra la dictadura de Batista y los primeros años de la nueva etapa, la denominada "fotografía épica", realizada sobre todo en los años sesenta del pasado siglo.
El gran protagonismo de las imágenes que marcaron este periodo y, que han sido ampliamente difundidas, fue posible porque en Cuba ya existía un excelente caldo de cultivo en la producción fotográfica como muestran las imágenes de los 11 fotógrafos presentes en esta exhibición: Felipe Atoy, Jorge Rodón Badell, Abelardo Rodríguez, Ricardo Repilado, Jorge Figueroa, Tito Álvarez, Pedro Yodu Griñan, Raúl Corrales, Joaquín Blez y José Manuel Acosta.
Uno de los autores destacados de la época prerrevolucionaria, Joaquín Blez (Santiago de Cuba 1886 - La Habana 1974) está asociado al desnudo femenino, ámbito donde sus trabajos, realizados en el decenio de 1920, abrieron una polémica sobre la legitimidad del desnudo artístico que facilitó el enterramiento definitivo del viejo concepto académico que lo reducía a las escenas mitológicas y a las diosas del Olimpo.
A Blez, le siguió José Manuel Acosta (Matanzas 1895 - La Habana 1973) quien no sólo introdujo nuevas formas de hacer en el retrato y el paisaje, géneros en los que tradicionalmente se había movido la fotografía en la isla, sino que abrió un camino de experimentación visual en el arte cubano de una contemporaneidad no vista aún en la misma época en las manifestaciones de las bellas artes nacionales.
También se pueden ver tres fotografías de Raúl Corrales, uno de los representantes más importantes de la denominada "fotografía épica cubana", realizada a partir de los años sesenta tras el triunfo de la Revolución Cubana, que sorprende con obras anteriores a este periodo. Tres retratos que simbolizan el espíritu cubano con gran maestría.
En la obra de todos ellos se ponen de manifiesto muchos de los elementos que trajo consigo la vanguardia, tales como la nueva visión de la mujer aportada por la modernidad, el reconocimiento de la diversidad racial y cultural propia, todo ello expresado mediante lenguajes que evidencian la prioridad otorgada a la experimentación formal.
"Cuba fue pionera en cuanto a la introducción del arte vanguardista en el que situamos a la fotografía como género artístico, en los países iberoamericanos. Razón por la que la fotografía realizada en Cuba en los primeros decenios del siglo XX dejó un legado de incalculable valor testimonial", ha explicado la directora del IVAM, Consuelo Císcar.


Fuente: Europa Press

FRANCIS BACON PROTAGONISTA DE UNA EDICIÓN DE ARCOEN LA QUE FRANCO ESTÁ PRESENTE

Reproducción del dictador Francisco Franco introducida en un frigorífico para refrescos obra del artista Eugenio Merino, que la expondrá en la feria de arte contemporáneo Arco 2012, que se inaugura mañana en Madrid. EFE

Obra "Study from the Human Body. Figure in movement" (1982) de Francis Bacon, que luce desde hoy en las paredes del expositor de la galería Marlborough en la feria de arte contemporáneo ARCO, que mañana abre sus puertas en Madrid. EFE

Madrid, 14 feb (EFE).- La obra "Study from the Human Body. Figure in movement", de Francis Bacon, que exhibe la galería Marlborough a un precio de 15 millones de dólares (11,4 millones de euros), será una de las estrellas de la feria internacional de arte contemporáneo ARCO que mañana abre sus puertas a coleccionistas y profesionales.

Pocas horas antes de su inicio, los responsables de las 215 galerías participantes en esta 31 edición de la feria ultiman los preparativos de sus espacios, situados en los pabellones 8 y 10 de Ifema.
La obra de Francis Bacon (1909-1992), realizada en 1982, luce ya en las paredes de la galería Marlborough frente a la pintura "Tocado rojo", de Manolo Valdés, fechada en 2011, con un precio de 410.000 euros.
Fernando Botero es otra de las apuestas de la galería con una pintura valorada en un 1,3 millones de euros, junto con artistas como Leiro, Abraham Lacalle o Claudio Bravo.
Si la obra de Bacon se convertirá en una de las protagonista de la feria, también lo hará la pieza en la que Eugenio Merino ha metido una escultura de Francisco Franco en una maquina frigorífica de bebidas.
Rodeado de numerosos medios de comunicación, Merino ha logrado fijar la atención en la galería ADN de Barcelona, donde se exhibe "Always Franco", en la que comenzó a trabajar el pasado mes de agosto y que se vende por alrededor de 35.000 euros.
"Franco creo que es un tema del que se habla constantemente y no tratarlo es una forma de eludir algo importante para un artista", comentó a Efe Merino, para el que "Franco está vivo de una manera alegórica". "En otra ocasión hice a Bin Laden y ahora ha tocado Franco", añade.
En el año 2008, Merino llevó a ARCO la obra "Fidel zombi", en la que mostraba al ex presidente cubano como recién surgido de los muertos, con los ojos que saliéndose de las órbitas y vestido con una andrajosa camiseta de fútbol de Cuba.
En el año 2010 fue "Starway to Heaven" la obra que suscito polémica e incluso la protesta de la Embajada de Israel. La obra representaba a un musulmán orando arrodillado, con un sacerdote católico encima de él, también de rodillas, y sobre éste, de pie, un rabino.
En opinión de Eugenio Merino, un artista no debería tener problema en tratar cualquier tema, "lo que pasa -añade- es que siempre surge la atención y la polémica".
"Yo trabajo con ideas, con la espectacularidad y creo que esta obra no hiere la sensibilidad de nadie", ha explicado.
Realizada en silicona, poliester y fibra de vidrio, la figura de Franco, introducida en la cámara frigorífica y de proporciones no reales, aparece vestida de militar.
A excepción de este pieza y de alguna otra, la idea general de la feria, cuando todavía no se han desembalado todas las obras, es que es más contenida, seria y realista.
Así se expresaba la veterana Soledad Lorenzo en cuya galería luce una obra del recientemente fallecido Antoni Tàpies realizada en el año 2001. "Tengo una obra grande y maravillosa pero he tenido muchas dudas de traerla o no", declaró la galerista, que no ha querido aprovecharse de las circunstancias para enseñar toda la obra del artista catalán.
"Tàpies era un artista muy presente y no ha necesitado morirse para seguir estándolo. Él está vivo en su obra y en nuestra cabeza", ha afirmado Soledad Lorenzo.


Fuente: EFE

BARCELONA ACOGE LA RETROSPECTIVA MÁS AMBICIOSA DE DELACROIX DEL ÚLTIMO MEDIO SIGLO

130 Obras.

BARCELONA ACOGE LA RETROSPECTIVA MÁS AMBICIOSA DE DELACROIX DEL ÚLTIMO MEDIO SIGLO.

BARCELONA, 14 

El CaixaFòrum de Barcelona exhibe desde este miércoles la retrospectiva más ambiciosa del pintor romántico francés Eugène Delacroix, que con 130 obras se posiciona como la muestra más completa de los últimos 50 años después de la organizada en París en 1963 con motivo de su centenario, según ha explicado este martes en rueda de prensa la directora general adjunta de la Fundación, Elisa Duran.

"Se trata de una exposición excepcional", ha señalado Duran, ya que además de contar con la colaboración de Museo del Louvre, la muestra cuenta con obras cedidas por la Galería de los Uffizi de Florencia, la National Gallery de Londres, The Metropolitan Museum of Art de Nueva York, el Musée d'Orsay de Paris, The Art Institute of Chicago, The British Museum de Londres y el Musée de Beaux-Arts de Burdeos.

Con esta muestra, en cuya preparación se trabaja desde 2004, la Obra Social de la Caixa celebra su décimo aniversario en la ciudad condal, donde a partir del 16 de marzo ofrecerá también otra amplia retrospectiva sobre Goya, entablando así un "diálogo" entre contemporáneos que permitirá a los visitantes formarse una impresión íntegra de la época, sumándose a esta línea del tiempo la reciente muestra de los impresionistas de la colección Clark.

Según ha explicado el comisario y conservador de pintura del Louvre, Sébasten Allard, la muestra es un recorrido por la trayectoria de Delacroix, quien tras una intensa etapa formativa, descubre a Goya en su viaje hacia Marruecos, lo que estampará en sus obras una poderosa influencia apreciable en sus grabados y dibujos.

Al llegar a Marruecos, Delacroix descubre las posibilidades del color y los tejidos, pintando obras coloristas que posteriormente cautivarán a Cézanne y a Picasso, y que despertarán en el artista francés interés por los temas mitológicos.

RESIGNARSE AL DESTINO

La etapa más romántica de Delacroix llega después, gracias a pinturas en las que transmite la resignación ante las vicisitudes del destino, con escenas en las que representa la falta de inspiración y en las que invita a asumir la pasión "como un drama humano", ha explicado Allard.

El color, los bocetos y el paisaje conforman la etapa final del artista, quien empieza a sugerir formas preimpresionistas, con pinturas como 'La caza del león', donde se propone conservar la pureza de los esbozos a partir del color.

Desde entonces, primarán los paisajes donde lo más importante será su "impresión personal", dando paso a una nueva generación de artistas.

La muestra, que llega a Barcelona después de recabar 300.000 visitas en Madrid --en tres meses--, contiene pinturas como 'Grecia expirando sobre las ruinas de Missolonghi', 'La muerte de Sardanápalo' y 'Mujeres de Argel en sus habitaciones'.

El comisario ha señalado que esta exposición reseña el nacimiento de la pintura moderna, por lo que ha señalado que se trata de una "ocasión excepcional" de la que se podrá disfrutar hasta el 30 de mayo.

Fuente:  Europa Press

LA TATE BRITAIN EXPLORA LA HUELLA DEJADA POR PICASSO EN EL REINO UNIDO

Pablo Ruiz Picasso sólo estuvo dos veces en el Reino Unido en toda su vida, pero el genio español ejerció una gran influencia tanto en el arte moderno británico como en varias generaciones de artistas. Ese es el tema de la exposición "Picasso and Modern British Art" que se inaugura hoy miércoles 15 de febrero de 2012 en Londres.

Por Pilar Rahola

Pablo Ruiz Picasso sólo estuvo dos veces en el Reino Unido en toda su vida, pero el genio español ejerció una gran influencia tanto en el arte moderno británico como en varias generaciones de artistas.

Ese es el tema central de la exposición "Picasso and Modern British Art", que se inaugura el miércoles en el museo Tate Britain de Londres, y que explora además la manera cómo se percibió, se coleccionó y se exhibió la obra del pintor malagueño en este país a lo largo de seis décadas.

La muestra abarca desde la primera exposición de Picasso (1881-1973) en Londres en 1910, donde su retrato cubista del marchante Clovis Sagot chocó con la resistencia conservadora de la época y abrió un largo e inflamado debate sobre el arte moderno, hasta la gran retrospectiva organizada en 1960, que significó su aceptación definitiva con casi medio millón de visitantes.

El recorrido se compone de 150 obras prestadas por colecciones públicas y privadas de todo el mundo, 60 de ellas firmadas por Picasso, entre las que destacan "Hombre con clarinete" (1911-12), "Mujer que llora" (1937), "Mujer desnuda en sillón rojo" (1932) o "Los tres bailarines" (1925).

Las otras 70 son de los siete artistas de tres generaciones distintas en los que el pintor español tuvo el mayor impacto, del vanguardista Duncan Grant o el creador del vorticismo Wyndham Lewis en torno a la Primera Guerra Mundial, hasta David Hockney, quien todavía vive y sigue en activo.

"Estos artistas no eran imitadores serviles de su obra, sino que todos se fijaron en momentos particulares de su carrera, en ideas muy específicas", comentó a la AFP una de las comisarias de la exposición, Helen Little.

Esta influencia es patente en muchos de los emparejamientos presentados en esta muestra, como la escultura en madera "Figura tumbada" (1936) de Henry Moore y el cuadro neoclásico de Picasso "La Source" (1921).

Francis Bacon, quien según la leyenda decidió hacerse pintor tras ver una exposición de Picasso, va todavía más allá en su experimentación de la distorsión de la figura humana en "Crucifixion" de 1933, inspirada en las bañistas del período de Dinard del artista español hacia finales de los 1920.

La mirada de David Hockney, que descubrió a Picasso con fascinación durante su juventud y supuestamente vio ocho veces la gran exposición de 1960, es más amplia y más retrospectiva.

Dos personas contemplan 'Los tres bailarines', cuadro pintado por Pablo Picasso en 1925, el pasado lunes 13 de febrero en el museo Tate Britain de Londres, sede de la exposición 'Picasso y el arte británico moderno', que se inaugura este miércoles y se podrá ver hasta el próximo 15 de julio.

"Para él fue un encuentro muy formativo porque le enseñó que no tenía que mantenerse pegado a un solo estilo o género. Y Hockney sigue estando fascinado por el movimiento más radical del cubismo, y continúa explorando estas nuevas ideas sobre perspectiva con las nuevas tecnologías", explicó Little.

Paralelamente, lo británico también influenció a Picasso, quien era ávido lector de Oscar Wilde y se interesó desde muy temprano en pintores británicos del siglo XIX como Edward Burne-Jones y Audrey Beardsley.

Durante su primera estancia en Londres, en el verano de 1919 mientras diseñaba decorados y vestuarios para "Le tricorne", una producción de Serge Diaghilev inspirada en "El sombrero de tres picos", se transformó en un perfecto caballero inglés, como muestran fotografías de la época.

Su segundo viaje, más corto, fue para asistir al Congreso Mundial de la Paz en Sheffield (norte de Inglaterra) en 1950, varios años después de que el "Guernica", una de sus obras más importantes, recorriera con gran éxito varias ciudades del país buscando apoyos y fondos para la lucha contra el franquismo.

Pero la historia de esta exposición que permanecerá abierta hasta el 15 de julio podría haber sido muy diferente puesto que hacia el final de su vida Picasso contó a su biógrafo Roland Penrose que su intención inicial cuando abandonó Barcelona allá por el 1900 era llegar a Londres.

"Lamentablemente se quedó en París", afirmó Little.

Fuente: AFP

LA NIEVE AFECTA AL COLISEO ROMANOY DAÑA VARIAS IGLESIAS MEDIEVALES EN ITALIA

Decenas de personas sobre la nieve frente al Coliseo de Roma, en una imagen captada el pasado 4 de febrero en la capital italiana. El célebre anfiteatro ha sufrido daños por las nevadas, así como varias iglesias medievales en otros lugares de Italia.


Por Alberto Pizzoli


Decenas de personas sobre la nieve frente al Coliseo de Roma, en una imagen captada el pasado 4 de febrero en la capital italiana. El célebre anfiteatro ha sufrido daños por las nevadas, así como varias iglesias medievales en otros lugares de Italia.

Varias iglesias medievales de la ciudad de Urbino (al sureste de Italia) y el célebre Coliseo de Roma resultaron deteriorados por las fuertes nevadas y la ola de frío que azota desde hace 15 días a Italia.

Según la prensa local, los conventos de San Francisco y San Bernardino en Urbino sufrieron derrumbes y el techo de la iglesia de los Capuchinos, del siglo XVI, se desplomó completamente por el peso de la nieve.

La catedral de la ciudad, del siglo XII, también sufrió daños por el agua, pero el palacio-museo del duque Federico da Montefeltro, que aloja obras de Piero della Francesca, Rafael y Tiziano, está en buen estado, según Maria Rosaria Valazzi, encargada del patrimonio cultural de la localidad.

En Urbania, siempre en el sudeste de la península, donde las nevadas alcanzaron de dos a tres metros de altura, el techo de la iglesia de Santa Cruz se cayó. En Roma, fragmentos del imponente Coliseo se desmoronaron sin causar daños a los turistas, ya que el monumento se encuentra cerrado desde hace dos semanas por el mal tiempo.

El anfiteatro romano, localizado en el casco histórico de la capital y construido en el siglo I, recibe entre cinco y seis millones de visitantes al año en vez del millón de hace diez años, y será sometido a partir de marzo a una importante restauración financiada por el empresario italiano Diego Della Valle, propietario de la marca de zapatos de lujo Tod's.

Fuente: AFP

UNA HUELLA DACTILAREN LA SEGUNDA GIOCONDA

La Gioconda del Museo del Prado.

¿Qué misterio guarda la huella dactilar hallada en el vértice de la Gioconda del Prado? Para el escritor español Javier Sierra esa firma en la copia de la obra más famosa de Leonardo da Vinci, que hace dos semanas se volvió a presentar –tras su restauración– en el Museo del Prado, podría contestar muchos interrogantes. “El cuadro de la Gioconda de Madrid tiene mucho más alcance del que se le está dando y es de una tremenda importancia. Y una de las primeras cosas que se deberían hacer, antes de que se le ponga el bastidor, es una microfotografía de esa huella ”, declaró Sierra, para quien no parece suficiente la comprobación de que la Mona Lisa de Da Vinci y ésta fueron pintadas de manera simultánea. “Habría que cotejar la firma con las otras existentes de Leonardo, porque probablemente el cuadro no lo pintó él, pero sí que lo pudo supervisar o dirigir”, insistió. En efecto, diversos especialistas afirmaron que la del Prado es obra de un discípulo del genio renacentista.
Sin embargo, para Sierra, todas las hipótesis caben, incluso que el cuadro “madrileño” sea el que sirvió para saldar el encargo de Giocondo, que contrató a Da Vinci para que retratara a su mujer. A partir de marzo, ambas versiones se expondrán juntas y por primera vez en el Museo del Louvre.

Fuente: clarin.com

SUPERAMOS LAS 250.000 VISITASA NUESTRO BLOGDESDE TODAS PARTES DEL MUNDO

Yann Arthus-Bertrand,

Carpets in Marrakech, Morocco

fotografía de 'Earth from above'

En el día de hoy, 13 de febrero de 2012, hemos superado las 250.000 visitas a nuestro blog desde todas partes del Mundo.

Saludamos con ese motivo a todos quienes nos visitan y les agradecemos que nos lean y consulten.

Su fidelidad nos estimula, obliga y compromete a seguir cada día tratando de superarnos, consiguiendo más y mejor material - textos e imágenes - y a cuidar de manera muy especial la parte visual de nuestro blog.

Pedro L. Baliña........................

www.puesta-en-valor.com................

www.puesta-en-valor.blogspot.com.........

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EL THYSSEN EXHIBE LA FELICIDAD COLORISTA DE MARC CHAGALL

PRIMERA RETROSPECTIVA EN ESPAÑA

El Thyssen-Bornemisza exhibe la felicidad colorista de Marc Chagall

Madrid, 13.

La felicidad colorista de Marc Chagall desembarca en el Thyssen-Bornemisza este martes para mostrar por primera vez en España un largo recorrido a través de la expresión y el color que protagonizan la obra del artista ruso, una figura clave en el arte del siglo XX. La Fundación Caja Madrid también será sede de esta exposición, que podrá visitarse desde este martes hasta el 20 de mayo.

Chagall nació en la ciudad de Vitebsk en 1887 y en 1911 viajó por primera vez a París, donde comenzó a abrirse camino en el mundo del arte y a conocer a artistas como Léger, Modigliani o Soutine, o los poetas André Salmon, Max Jacob y Guillaume Apollinaire. Desde entonces recorrió todas las capitales del mundo, un extenso itinerario que se plasma en esta ocasión.

Las piezas que se exponen en esta muestra aparecen como "versos de poesía" en la búsqueda pictórica que Marc Chagall realizó en sus 98 años de vida, según ha explicado este lunes durante la presentación Meret Meyer, nieta del artista. En ella, el visitante descubrirá los "instantes de felicidad" de su recorrido por el mundo.

La exposición está comisariada por Jean Louis Prat, presidente del Comité Chagall, quien reúne una selección de obras con las que demuestra el importante lugar que el artista tiene en la Historia del Arte. "Pocos artistas han vivido el siglo XX con esa intensidad", ha destacado.

El recorrido de la exposición sigue un orden cronológico: la primera parte, 'El camino de la poesía', transcurre por las salas de Museo Thyssen-Bornemisza desde los inicios de su obra en Rusia y sus primeros años en París hasta su exilio forzoso en Estados Unidos, incluyendo su experiencia en la Rusa Revolucionaria y su regreso a Francia en 1920.

En 'El gran juego del color', en las salas de Caja Madrid, la atención se enfoca en su evolución artística posterior a 1950, con los grandes asuntos que centraron el interés del artista en las últimas décadas, como la Biblia o el Circo, su relación con los poetas contemporáneos y su producción escultórica y cerámica.

EL POETA DE LA PINTURA MODERNA

El hilo conductor de esta muestra es cronológico ya que Chagall ha de verse como un "poeta" que nunca se introdujo en ninguna escuela, según el comisario de la muestra. En su trayectoria, artistas como Braque, Leger o Picasso se sorprendieron con su aportación de un lenguaje nuevo que el artista supo mantener a lo largo de su carrera pictórica.

Su peculiar e impensable mezcla de colores, así como el universo de los personajes que protagonizan sus cuadros, lo convirtieron en un precursos del surrealismo. En palabras de André Breton, teórico de este movimiento: "Con él la metáfora hizo su entrada triunfante en la pintura moderna".

El mensaje de "libertad" y de "esperanza" del artista se debe, según el comisario de la muestra, a que Chagall "tuvo la suerte de vivir en una familia feliz". Por ello, mantuvo un "buen diálogo" con sus raíces, algo que se percibe en "la calidad del mensaje que deja en su obras".

En la obra de Chagall se unen el "mundo cotidiano y una dimensión onírica", en palabras de Prat, que puede tener su paralelismo en España en la figura de Joan Miró, tanto en el sentido poético de sus pinturas como en su puesta en evidencia de una cultura.

Asimismo, ha destacado la admiración de Chagall por la pintura española, en especial por la obra de Goya, Velázquez, Ribera o El Greco, una fascinación de la que se pueden encontrar resonancias en las piezas que componen esta exposición.

Fuente: Europa Press

ABRE LA FERIA ART-MADRID 2012

Histeria a través de los perfumes: La obra realizada por Carmen Calvo mediante una técnica mixta (collage y fotografía) se expone en la galería Juan Gris / Rayuela.

La feria Art-Madrid 2012 abre sus puertas los días 16 y 19 de febrero con 58 galerías. Situada en el Pabellón de Cristal de la Casa de Campo, la exposición mostrará las propuestas artísticas de los más jóvenes, junto a las vanguardias históricas y el arte moderno y el contemporáneo. El año pasado atrajo a más de 40.000 visitantes.

ARQUEÓLOGOS ESPAÑOLESHALLAN UNA VEINTENA DE MOMIAS Y UN SARCÓFAGO EN EGIPTO

Fotografía facilitada por la Universidad de Jaén (UJA) cuyo equipo de investigadores que desde hace un mes trabaja en la necrópolis de Qubbet el-Hawa en Asuán (Egipto) ha cosechado sus primeros resultados. EFE

Se trata de la cuarta campaña de excavación de este equipo de investigadores que dirige el profesor de Historia Antigua de la UJA Alejandro Jiménez Serrano, ha informado la universidad en una nota.
Las principales joyas de este hallazgo arqueológico son una gran tumba, construida por un gobernador provincial de la XII Dinastía (1830 a.C.), y un sarcófago de madera en el que fue enterrado un personaje de alto rango.
También se han encontrado otras dos tumbas menores en el exterior del gran complejo funerario que este equipo excava desde 2008.
En total, en esta cuarta campaña arqueológica que se prolongará hasta el próximo 3 de marzo, participan diecisiete investigadores de distintas disciplinas y universidades (Jaén, Granada y Londres).
La formación de un equipo multidisciplinar "ha permitido no sólo centrarse en aspectos puramente arqueológicos o históricos, sino también desarrollar nuevas técnicas, como RTI o el escaneo de piezas en 3D, que ayudan en la lectura de los textos jeroglíficos con una mayor exactitud", explica Jiménez.
El RTI o Reflectance Transformation Imaging consiste en capturar la superficie de un objeto con gran detalle a partir de imágenes en alta resolución, un sistema que permite digitalizar documentos antiguos y facilitar su consulta por académicos de todo el mundo.
Esta es la primera vez que se combinan ambas tecnologías en un proyecto arqueológico, lo que permite que ya se estén procesando los primeros resultados en la Universidad de Jaén, "un salto cualitativo y metodológico que sitúa a esta Universidad a la vanguardia de las investigaciones arqueológicas en todo el mundo", destaca Jiménez.
En los próximos días, los investigadores llegarán a los niveles más antiguos de la tumba, donde hay evidencias claras de la presencia de más cámaras "quizás intactas", apunta el profesor.
La necrópolis de Qubbet el-Hawa en Asuán es una de las más importantes de Egipto, en la que desde la VI Dinastía (2250 a.C.) recibieron sepultura los más altos funcionarios de la provincia más meridional del país árabe.
Dada la situación estratégica de la zona, sus responsabilidades en las relaciones con el Desierto Oriental, las rutas de comunicación con el Desierto Occidental y, sobre todo, los contactos con Nubia -región situada en el sur del país y el norte de Sudán-, permitieron a estos nobles jugar papeles decisivos en las relaciones internacionales y comerciales de Egipto.
Por lo que se sabe hasta el momento, la necrópolis fue utilizada ininterrumpidamente desde la VI Dinastía hasta finales de la XII Dinastía (1800 a.C.), aunque hay tumbas y enterramientos de periodos posteriores.
Qubbet el-Hawa destaca sobre todo por la cantidad y calidad de las biografías de los personajes enterrados.

Fuente: EFE

EL MUSEO CARMEN THYSSEN MÁLAGARECIBE 200.000 VISITANTESY SUPERA LAS PREVISIONES INICIALES

MÁLAGA, 13

El Museo Carmen Thyssen Málaga ha recibido en 10 meses, hasta el pasado 31 de enero, más de 200.000 visitantes, superando así las previsiones iniciales de cerrar su primer año de apertura, que se cumple el 25 de marzo, con esta cifra de asistentes.

El perfil de visitantes es similar al de otros museos españoles: mujer de entre 40 y 60 años y de nivel cultural medio-alto; no obstante, en los últimos meses, fundamentalmente a partir de octubre del pasado año, el número de extranjeros que han acudido a la pinacoteca se ha incrementado.

El superar las previsiones iniciales supone, para la dirección del museo, "cumplir un reto". Además, desde las instalaciones han informado a través de un comunicado que este hecho invita a trabajar "con la misma filosofía".

También han apostado por seguir mejorando tanto en los servicios que se ofrecen a los asistentes como en la oferta artística y educativa, "para que los visitantes se sientan parte de este proyecto, lo hagan suyo y repitan".

Por el momento han pasado por las instalaciones dos muestras temporales: 'La tradición moderna en la colección Carmen Thyssen. Monet, Picasso, Matisse, Miró' y la actual 'Mercedes Lasarte en la colección Carmen Thyssen', que será clausurada el próximo 26 de febrero.

Ambas se complementarán con 'Paraísos. Paisajes idílicos en la colección Carmen Thyssen. Brueghel, Boucher, Renoir y Gauguin', que se inaugura al público el 31 de marzo y que permanecerá en el museo hasta el 7 de octubre de 2012.

Fuente: Europa Press

UN MUSEO VIENÉSACERCA EL KLIMT MÁS DISTANTE AL PÚBLICO

Varias personas observan desde un puente hecho para tal efecto las obras del artista austríaco   Gustav Klimt que se exponen en el Museo de Historia del Arte (KHM) de Viena, Austria. EFE



Una mujer observa una de las obras del artista austríaco Gustav Klimt que se exponen en el Museo de Historia del Arte (KHM) de Viena, Austria. EFE 

Viena, 13 feb (EFE).- Disfrutar cara a cara de varias obras de Gustav Klimt que normalmente sólo pueden contemplarse a diez metros de distancia, es la original oferta del Museo de Historia del Arte (KHM) de Viena para celebrar el 150 aniversario del pintor austríaco.

Desde hoy, un puente que se levanta 12 metros sobre la pared norte del vestíbulo de la pinacoteca, permite acercarse e intimar con las pinturas con las que Gustav Klimt decoró en 1890 la escalinata principal del edificio.

Aquel encargo, realizado por Klimt, su hermano Ernst y su amigo Franz Matsch, inunda los espacios entre las columnas y lunetas del vestíbulo con una serie de pinturas que simbolizan la evolución del Arte, desde el Antiguo Egipto hasta el Renacimiento italiano.

Ese ciclo de pinturas puede verse hasta el próximo 6 de mayo en la exposición con la que el Museo de Historia del Arte participa en las celebraciones del Año Klimt.

Esta nueva forma de acercarse a estas pinturas, inédita desde que fueron creadas, es también una forma de conocer al Klimt menos conocido y a su trabajo antes de la fundación de movimiento Wiener Sezession, en el que alcanzó fama y reconocimiento, explicó hoy en rueda de prensa Otmar Rychlik, comisario de la muestra.

Aunque las pinturas están en perfecto estado, la dirección del museo ha decidido acercarlas a los visitantes mediante este puente, antes que correr el riesgo de descolgar los lienzos, fijados a la pared en 1891.

Para Rychlik, la decoración de la escalinata anuncia ya la época dorada de Klimt y es uno de los pocos vestigios de una fase de transición en la que se combinan elementos hiperrealistas, ornamentales y alegóricos.

El trabajo de los hermanos Klimt y de Matsch en el Museo de Historia del Arte llegó después de su éxito en la decoración del techo de la escalinata de otro importante edificio vienés, el Burgtheater.

Así, junto al puente levantado para contemplar de cerca las pinturas de las paredes del KHM, la muestra inaugurada hoy presenta bocetos de este proyecto pero también del trabajo en el Burgtheater y el Palacio Dumba y esquemas de las pinturas encargadas para el Salón de Actos de la Universidad de Viena.

Estas últimas fueron consideradas demasiado crudas y hasta pornográficas y nunca fueron instalados en la Universidad. En 1945, los nazis destruyeron las pinturas.

El 150 aniversario del nacimiento de Klimt se está celebrando por todo lo alto en Viena, donde los principales museos van a organizar exposiciones dedicadas al autor de "El beso".

Para animar a los visitantes, diez museos han acordado crear un "Pasaporte Klimt", que rebaja en un euro la entrada a todas las exposiciones previstas.

Quien complete las diez visitas, recibirá un regalo, y aquellos que lleguen a cinco participarán en el sorteo de un fin de semana en Attersee, el lago austríaco que sirvió de inspiración para muchas obras de Klimt y donde este verano se inaugurará un centro de estudio sobre el pintor.

Antonio Sánchez Solís

Fuente: EFE

DESCUBIERTAS EN LA CATEDRAL DE SEVILLADOS INHUMACIONES CRISTIANAS DEL SIGLO XVY UN MURO DE LA ANTIGUA MEZQUITA

En la Capilla Real

También ha sido localizada una "potente cimentación" que el plano más antiguo de la Catedral señala como una cabecera "previa a la gótica"

SEVILLA, 13 

Las catas arqueológicas comprendidas en el proyecto de restauración de la Capilla Real de la Catedral de Sevilla, un templo declarado Patrimonio de la Humanidad y coronado por el famoso alminar almohade de la Giralda, se han saldado con el descubrimiento de un muro de ladrillo en muy buen estado de conservación y que habría pertenecido a la antigua mezquita de la Isbilya musulmana, dos enterramientos cristianos datados en el siglo XIV y cimentaciones asociadas a una cabecera del templo previa al ábside gótico.

La Capilla Real, cabecera del templo gótico pero de rasgos renacentistas, fue creada a partir de dos de las capillas periféricas que ya existían en la Catedral y sus obras arrancaron en 1551 de la mano del arquitecto Martín de Gainza. Fue el arquitecto Hernán Ruiz Jiménez, en 1569, el encargado de concluir el proyecto. Esta parte del templo guarda un gran simbolismo para la iconografía cristiana y sevillana, pues alberga la urna de plata en la que descansa el cadáver del rey Fernando III, quien conquistó la ciudad para la cristiandad en 1248. También en la Capilla Real se ubican los sepulcros de Alfonso X de Castilla y de su madre, la reina Beatriz de Suabia, así como los restos del rey Pedro I de Castilla, conocido como El Cruel, y de su esposa, la reina María de Padilla.

RESTAURACIÓN DE LA CAPILLA REAL

Como ya se había informado, el proyecto de restauración promovido para remozar la Capilla Real comprendía una serie de catas arqueológicas, de carácter preventivo, en el subsuelo de este sector del templo catedralicio. La escuela taller de auxiliares de arqueología 'Catedral de Sevilla VII', dirigida por la fundación 'Forja XXI', ha sido la encargada de acometer tales catas y Georgina Aguilar, la arqueóloga que ha coordinado las labores, reconocía en la primera fase de la intervención que uno de los objetivos de los trabajos era la localización de lo que hubiera sido la antigua cabecera gótica del templo.

Pues bien, la propia Georgina Aguilar, en declaraciones a Europa Press, ha informado de que ya ha finalizado "la fase de campo" de la intervención arqueológica, compuesta por un total de seis sondeos para examinar "lo máximo posible" el subsuelo de la Capilla Real. La arqueóloga ha recordado que la extracción y limpieza de la solería instalada en el siglo XVIII en este sector del templo ya deparó el descubrimiento de vestigios de la solería de ladrillo de barro cocido colocada en el recinto en 1.573 y que se creía ya perdida. También en los primeros momentos de la intervención, fueron localizados unos "anclajes" que entonces se asociaban a "la tercera o cuarta tumba" de Fernando III, con lo que se trataría del último lugar en el que reposó el cadáver del famoso monarca antes de ser depositado en su urna de plata.

UN MURO DE LA ANTIGUA MEZQUITA

Tras la conclusión de todo el trabajo de campo, Georgina Aguilar ha explicado, finalmente, que las labores de investigación se han saldado con un buen número de descubrimientos. Así, fruto de estos seis sondeos arqueológicos, el equipo que ella misma dirige ha localizado en el extremo oeste de la Capilla Real restos "muy bien conservados" de un muro de ladrillos que habría pertenecido "al cierre oriental" de la antigua mezquita, el templo islámico sobre el cual fue levantada la propia Catedral. El muro, cuyo estado de conservación ha destacado intensamente la arqueóloga, dataría del siglo XII.

En el sector este del muro de la antigua mezquita, además, estas labores de investigación han supuesto el descubrimiento de dos sepulturas "cristianas" y pertenecientes al uso del antiguo templo islámico como lugar de culto cristiano. "Son enterramientos cristianos del siglo XIV", ha señalado Georgina Aguilar.

UNA CABECERA PREVIA AL ÁBSIDE GÓTICO

Pero los hallazgos no terminan ahí, pues el equipo de Georgina Aguilar ha descubierto además en el subsuelo de la Capilla Real "una potente cimentación" que cruza este sector "de norte a sur" y que correspondería "con una cabecera previa a la gótica", según se desprende del plano a escala de la Catedral de Sevilla más antiguo del que se tiene constancia, un documento hallado en 2008 en Guipúzcoa por la investigadora de la Universidad de Cantabria Begoña Alonso. Esta cimentación en cuestión, según Georgina Aguilar, "figura reflejada en el mapa" y correspondería a una cabecera del templo "previa a la gótica" y cuya antigüedad se remontaría a "la primera mitad del siglo XV".

Sobre la propia cabecera gótica, finalmente, estos trabajos de arqueología han supuesto la localización de sus cimientos, aunque según la arqueóloga coordinadora, "a día de hoy, no podemos saber si ese ábside gótico se terminó de construir".


Fuente: Europa Press