EL MUSEO DEL HERMITAGE, ORGULLO RUSO


Visitantes de todo el mundo llegan hasta el gran Palacio de Invierno de San Petersburgo, atraídos por su colección de tres millones de obras de arte.

Se puede decir, sin miedo a equivocarse, que buena parte de la historia de Rusia está ligada a los 365 salones de este museo, distribuidos en seis edificios –construidos en los siglos XVIII y XIX por arquitectos italianos y rusos– ubicados en el centro de San Petersburgo, junto al río Neva. El más importante de todos los edificios es el Palacio de Invierno, la residencia de los zares desde la época de Pedro el Grande hasta la revolución rusa de 1917. Tres millones de obras de arte –reunidas por los zares desde 1764 y luego por el Estado ruso– esperan a los turistas dentro del Palacio de Invierno y los edificios que lo rodean, como el Viejo, el Nuevo y el Pequeño Hermitage, el Teatro Hermitage, el Palacio Menshikov, un ala del Estado Mayor del Ejército, el Museo de la Fábrica de Porcelana y el Centro de Restauración Staraya Derevnya.
Se trata de la mayor colección de pintura occidental en Europa, con cientos de obras de distintos países –incluye desde los maestros del Renacimiento hasta Picasso y las vanguardias del siglo XX– además de esculturas de la antigüedad griega, romana y egipcia. No faltan íconos bizantinos y joyas del tesoro zarista, como los espectaculares “huevos de Pascua” diseñados por Carl Fabergé, el joyero de los zares. Pero además están las piezas arqueológicas rusas de Siberia y el Cáucaso, el arte oriental de China, India, Irán, Indonesia y Siria. El director del Museo del Hermitage desde el año 1990, Mijail Piotrovsky, escribe en las páginas del catálogo que “el museo es inmenso, después de la primera visita uno se siente aplastado por la variedad de las impresiones que producen los tesoros que hay en él”. Por eso, lo recomendable para cualquier turista es ir despacio, informarse previamente y armar un itinerario propio, de acuerdo con los gustos personales. Es que el Hermitage es inagotable.
Un viajero puede pasarse días enteros delante de la colección de pinturas del Impresionismo francés o en las salas dedicadas a Matisse, Picasso, Kandinsky, Rembrandt, Rubens y tantos otros genios. Además, los palacios que dan forma al Hermitage son obras de arte por derecho propio: más de un viajero se sorprenderá ante las arañas de cristal y sus luces, los frescos de los techos de las salas, o los pisos, con un trabajo de marquetería que combina maderas finas.


Visiones inolvidables

Desde las ventanas del Hermitage hay vistas inolvidables hacia el río Neva, la fortaleza de San Pedro y San Pablo, las plazas imperiales o el edificio del Almirantazgo. Y no hay que olvidar las exposiciones itinerantes –colecciones que llegan al Hermitage desde otros museos del mundo– o las más de veinte exposiciones anuales que revisan el patrimonio propio del museo. Tantas opciones, a veces pueden forzar cambios de planes o itinerarios, por eso conviene tomar en cuenta algunos datos prácticos.
Es útil saber que el complejo de edificios del Hermitage está cerrado los días lunes. Funciona de martes a sábados en el horario de 10.30 a 18 y los domingos de 10.30 a 17, aunque el Palacio de Invierno cierra una hora antes. El ticket que permite una visita de dos días consecutivos cuesta 26 dólares; por un solo día el costo es de 18 dólares. Se pueden evitar las colas en la boletería al comprar los tickets por Internet (www.hermitagemuseum.org). Hay servicios de audioguías en español, inglés, alemán y francés. El museo tiene una gran cafetería y acceso a servicios de Internet.
No podía faltar la tienda de recuerdos del Hermitage: allí se venden guías y libros de arte –la guía oficial “The State Hermitage Guidebook” cuesta 30 dólares– además de reproducciones en gran tamaño de varias de las obras maestras de la colección, como “La virgen y el niño” de Leonardo da Vinci o “El joven del laúd” de Caravaggio.

El Museo del Hermitage, orgullo ruso.


Escenarios de la historia

La carga histórica que encierran estas paredes es fuerte. En 1927 Sergei Eisenstein filmó en el Hermitage algunas escenas de su película “Octubre”, a diez años de la toma del palacio por los bolcheviques. En 2001 el cineasta Alexander Sokurov filmó “El arca rusa” sin salir de las innumerables salas del Palacio de Invierno. Esas salas le bastaron como escenario para mostrar los sueños de Pedro el Grande, Catalina II y otros zares de la dinastía de los Romanov que pasearon por aquí durante distintas épocas, junto a filósofos como Diderot y Voltaire. Lo que nació como una colección privada de Catalina II luego de la compra de 225 cuadros al marchand Gotzkowski, no paró de crecer desde entonces. Ya en 1774 el catálogo de la galería de pintura del Hermitage anotaba dos mil obras. El barroco Palacio de Invierno diseñado por el italiano Francesco Rastrelli se incendió en 1837 y fue restaurado a todo lujo, con la escalera de honor, la sala del trono y la gran capilla. Por aquí se paseaban los embajadores y aristócratas. En 1914 con la Primera Guerra Mundial se abrió un hospital en el Palacio de Invierno, que fue también el escenario privilegiado de la revolución rusa de 1917. El nuevo Estado soviético hizo del Hermitage un museo estatal y vendió varios tesoros de la colección en la década de 1930 –ocasión aprovechada, entre otros, por la National Gallery de Washington– mientras los inmensos salones se abrían por primera vez al público. Con el ataque alemán a Rusia en 1941 la ciudad de San Petersburgo (que se llamaba entonces Leningrado) vivió su hora más trágica. Dos trenes blindados trasladaron parte de la colección del Hermitage hacia refugios en los Montes Urales poco antes del inicio del asedio alemán a la ciudad, que duró 900 días. Luego de la disolución de la Unión Soviética en 1991, el Hermitage fue restaurado y se lo actualizó tecnológicamente. Como siempre, también hoy la historia se hace sentir entre estas paredes.



Fuente: clarin.com


ETERNA CADENCIA / TRABAJO DE HORMIGA


La librería Eterna Cadencia se convirtió en un punto de encuentro.
Pablo Braun, su responsable, fundó también una editorial e impulsó el Festival internacional de literatura en Buenos Aires.

PABLO BRAUN - FOTO FLORENCIA COSIN

POR VICKY GUAZZONE DI PASSALACQUA

“Quise hacer una librería que me gustara a mí”, asegura Pablo Braun. Por eso decidió fundar Eterna Cadencia. Su gusto, al parecer, coincide con el de muchos lectores y escritores. Desde diciembre de 2005, la espléndida casona donde funciona la librería es un punto fuerte en la movida literaria porteña. Allí se realiza una amplia diversidad de charlas, conferencias, cursos y presentaciones.
Una vez que la librería se estableció como un punto de encuentro vinculado a la literatura, Braun quiso extender sus redes y fundó una editorial con el mismo nombre. Desde mediados de 2008, un equipo encabezado por Leonora Djament, quien tenía un cargo importante en el sello Norma, ha publicado libros de autores nóveles y consagrados a un promedio de 25 títulos por año.

¿Eterna Cadencia ocupó un lugar que estaba vacante en Buenos Aires?
El local llama la atención porque está en Palermo Viejo, un barrio singular, en un lindo edificio. Sin embargo, no es la única librería de este estilo en Buenos Aires. Admito que me esforcé para generar movimiento y dar forma a un espacio donde sucedieran cosas vinculadas a la cultura. Quizá eso le haya dado visibilidad.

Desde 2008, Eterna Cadencia es, además de una librería, una editorial. ¿Se hace difícil mantener un proyecto de ese tipo?
Resulta costoso hacerse un nombre en el mercado editorial y conseguir a buenos autores. Es cuestión de ser constante y profesional. Tratamos de ser cuidadosos en todos los aspectos, tanto en la producción de los libros como en el vínculo con la prensa y los lectores. Eso, de a poco, da sus frutos.

¿Cómo selecciona una editorial a los autores que publica?
Buscamos autores que nos gusten o que sirvan para dar prestigio al catálogo. En ocasiones, los mismos escritores se acercan a nosotros. El mundo literario es una maraña enorme. Hay que hacer un trabajo de hormiga para encontrar cosas buenas. Tratamos de ofrecer una combinación de autores nuevos y consagrados.

¿Cuál es tu mirada sobre el horizonte literario actual?
No sé si soy un buen parámetro porque hasta hace cinco años no tenía mucho que ver con este mundo. Me parece que están surgiendo muchas cosas. Todos los días hay lecturas, presentaciones de libros, charlas… ¡Hasta tenemos un festival de literatura! Como en todos los ámbitos, hay cosas buenas y malas. Es importante registrar el movimiento; hay charlas a las que asisten sólo 20 personas, pero subimos la desgrabación a nuestro blog y la leen 200 personas más. Esa amplificación me parece interesante.

Fuiste uno de los impulsores del Festival Internacional de Literatura en Buenos Aires. En septiembre se realizó la segunda edición. ¿Qué balance podría hacerse?
Un balance muy positivo. Vinieron 5 mil personas a escuchar a gente que hablaba de libros… ¡Eso es increíble! Queremos que la próxima vez tenga más sedes y dure más días. También nos interesa involucrar a los escritores en tareas de carácter social, como lecturas en colegios o universidades. La idea es promover la lectura desde un lugar amable, no como una obligación.

¿Cuál es el futuro de los libros impresos?
Casi no tengo dudas de que, en diez años, el 50 % de los libros se venderá en versión digital. Los chicos nacen hoy con una computadora bajo el brazo. En breve, en vez de andar con una mochila llena de libros, van a llevar un iPad con textos cargados. Van a estar acostumbrados a eso y no vendrán a una librería. A mí me gusta mucho leer en papel, pero sé que en algún momento voy a tener que llevar los libros que publico al formato e-book. Como editor, lo voy a hacer, pero como librero seguiré vendiendo libros hasta que nadie quiera comprarlos.

Fuente: revistag7.com

ARTE SACRO, EN PUERTO MADERO



Abrió la XII Bienal
Hasta el 30 de enero, podrán verse 52 obras que conjugan arte y religión

Laura Casanovas
LA NACION

Durante siglos, el arte y la religión cristiana forjaron en Occidente una alianza que produjo obras maestras. Si bien luego separarían sus caminos, el encuentro de esos dos mundos queda fielmente reflejado en la XII Bienal de Arte Sacro, que abrió sus puertas en el Pabellón de las Bellas Artes de la Universidad Católica Argentina, en Puerto Madero.
La exposición presenta 52 pinturas de mediano y gran tamaño, entre las cuales se encuentran las que fueron premiadas por un jurado de consagrados artistas argentinos, integrado por Clorindo Testa, Josefina Robirosa y Eduardo Mac Entyre.
El primer premio correspondió a Silvina Lorena Mirasole, por su obra Vía Crucis ; el segundo, a José Alberto Marchi, por Tierra celeste ; el tercero, a Héctor Viola, por El mensajero de la luz , y el cuarto, a Marcela Baubeau de Secondigné, por Cave, cave, Deus videt . La bienal repartió más de 50.000 pesos en premios.
"Hoy más que nunca, tenemos que abrir caminos de diálogo, para superar todo individualismo y promover la belleza que nos aleja del hedonismo, al transportarnos al mundo de la trascendencia", señala en el catálogo de la exposición Raúl Roberto Trotz, presidente de la bienal.
El conjunto de obras seleccionadas presenta una variedad iconográfica que aborda distintas escenas de la vida de Jesús y de la historia del cristianismo. También los estilos son diversos, con propuestas tanto abstractas como figurativas de corte contemporáneo.
Mirasole, de 36 años, ganadora del primer premio de esta edición, comentó a La Nacion que, para esta bienal, trabajó especialmente en el tema del Vía Crucis.
"La idea es que, al ver la obra, hagas el recorrido de las 14 estaciones", afirmó la artista, que ya había participado en la bienal de 2004. Y definió el estilo abstracto de su obra premiada como "puntillismo neobarroco".
También se otorgaron menciones a Renée Pietrantonio, Juan Ranieri, Pablo Sergio Solari y Mario Vidal Lozano. La Bienal de Arte Sacro fue creada en 1986 por monseñor Vicente O. Vetrano y en sus doce ediciones ha logrado convocar a miles de artistas.
La muestra se podrá ver hasta el 30 de enero en Alicia Moreau de Justo 1300, planta baja, con entrada libre.


LA ILUSTRACIÓN LLEGÓ AL eBOOK

Avance del libro electrónico
Las editoriales apuestan al color

Una de las páginas del libro para chicos Olivia va a Venecia, de Ian Falconer, tal como se ve en el iPad. Foto The New York Times

Julie Bosman
The New York Times

NUEVA YORK.- Millones de lectores en el mundo ya han adoptado los libros digitales en blanco y negro para poder leer novelas o no ficción, pero generalmente prefieren todavía el papel cuando se trata de obras con ilustraciones en color. Esa conducta podría cambiar en un futuro próximo.
Las editoriales están haciendo grandes progresos en la conversión de sus enormes bibliotecas de títulos ilustrados en libros electrónicos, con la esperanza de capitalizar la creciente popularidad del iPad Apple y del Nook Color y su capacidad de exhibir libros con fotografías e ilustraciones en color.
Apuntan a un mercado muy amplio y tentador, como son la literatura infantil, los libros de cocina o de arte fotográfico. Apple está a punto de dar un gran impulso a los libros ilustrados: recientemente presentó más de 100 títulos en su iBookstore.
Entre las obras incluidas hay libros infantiles, de cocina y de fotos. Estarán disponibles algunos de los libros ilustrados para chicos más populares de todos los tiempos, incluyendo algunos de la serie Olivia publicados por Simon & Schuster. Otros títulos son Ad Hoc at Home, un espléndido libro de cocina del chef Thomas Keller; Comienzos, de la fotógrafa Anne Geddes, y también En los Parques Nacionales, una colección fotográfica de Ansel Adams.
Los editores estaban ansiosos por vender libros ilustrados en formato digital, particularmente los destinados a los niños, ya que podrían convertirse en una significativa fuente de ganancias adicionales.
La editorial Simon & Schuster informó que sus libros ilustrados para niños, que forman parte de la lista de Apple, serán los primeros publicados en iBookstore.
Jon Anderson, editor de la división para niños de la editorial, dijo que la firma deseaba dar ese salto "desde que los libros electrónicos se hicieron posibles", pero que siempre habían existido limitaciones, dado que los libros eran en colores.
"Esto finalmente nos da la gran oportunidad de que los libros ilustrados se unan a la revolución del libro electrónico", dijo Anderson. "Nos ofrece una gran ocasión para ganar dinero con nuestros contenidos de una manera que antes no podíamos", añadió.
Anderson señaló que para principios de 2011 la empresa esperaba publicar eBooks ilustrados al mismo tiempo que las versiones en papel, que es la práctica estándar ahora en el caso de los cuentos y novelas en papel y sus contrapartes digitales.

Más variedad

El iPad y el Nook Color son dos de los dispositivos más nuevos que han abierto posibilidades a los editores que están convirtiendo sus libros ilustrados en eBooks, pero los expertos de la industria predicen que muy pronto habrá más variedad de dispositivos disponibles.
Muchos usuarios de iPad, que advirtieron el potencial del dispositivo para emplearlo como instrumento educativo, pidieron que haya mayor disponibilidad de libros digitales para niños.
Pero convertir los libros con pesadas imágenes al formato digital no ha sido sencillo. Los autores suelen comprobar ellos mismos, con cuidado, cómo aparece su obra en la pantalla, y los editores se han esforzado por reproducir la experiencia de leer un libro en papel.
Otros editores cuyos libros se exhibirán en el iBookstore son HarperCollins, Disney Publishing, Hachette Book Group, Macmillan y Workman Publishing, según dijo Apple.

Precio

Los precios de los libros digitales con imágenes coincidirán en general con el precio de sus versiones en papel, de aproximadamente 20 dólares.
Algunos de los libros lanzados recientemente para dispositivos Apple como el iPad son exclusivos del iBookstore, mientras que otros pueden conseguirse a través de diversos minoristas digitales. Pero algunas posibilidades, incluyendo la de ver dos páginas consecutivas como una imagen ininterrumpida, no existen en otras aplicaciones de lectura como el Kindle y el Nook aptos para Apple.
Los libros disponibles en el Nook Store pueden leerse en el Nook Color, un lector electrónico que Barnes & Noble comenzó a vender en octubre por 249 dólares.
Los títulos publicados por la editorial HarperCollins, incluyendo los libros de las series Amelia Bedelia y Fancy Nancy, han estado disponibles para el Nook Color desde hace alrededor de un mes. Son los primeros libros ilustrados que la editorial ofrece en formato digital.
Algunos editores también han tenido éxito en el espacio digital convirtiendo los libros en aplicaciones aptas para dispositivos móviles. Disney Publishing informó que ha alcanzado el millón de descargas de sus libros, protagonizados por Winnie the Pooh, las princesas de Disney y los personajes de la película Toy Story.

Traducción de Mirta Rosenberg

EN LA ARGENTINA

* En alza . Si se consideran las restricciones de costos y dispositivos disponibles, el crecimiento de los libros electrónicos ha sido importante. En 2009 se registraron alrededor de 160 libros con formato eBook, mientras que 2010 se cierra con aproximadamente 500 títulos, según datos del Registro de ISBN -Cámara Argentina del Libro (CAL)-. En ese organismo, consideran que no hay un boom local, pero sí un mercado en expansión.

* Porcentaje. "Para algunos analistas, es probable que, aun tomando las proyecciones más optimistas, el eBook no exceda en la próxima década el 30% del total del mercado [mundial]", señala el especialista Roberto Igarza, quien elaboró para la CAL un estudio sobre la irrupción del libro digital en el sector editorial.

Fuente: lanacion.com

BIOY CASARES TENDRÁ SU PROPIA CALLE
EN LA RECOLETA



Proyecto en la legislatura porteña

Bioy Casares en su casa de Posadas 1650, y Eduardo Schiaffino.

Adolfo Bioy Casares, el notable escritor, cuyas recorridas por la ciudad de Buenos Aires fueron fuente de inspiración para muchos de sus cuentos y novelas, tendrá ahora un nuevo homenaje: un tramo de una calle porteña llevará su nombre.
Se trata de una de las dos cuadras de la calle Eduardo Schiaffino, en el barrio de la Recoleta. El resto de esa arteria, que desemboca en la plaza San Martín de Tours, mantendrá el nombre original.
"Adolfo veía esa calle desde las ventanas de la casa donde vivió en los años 60, en Posadas 1650", dijo ayer la escritora, María Esther Vázquez, al finalizar la audiencia pública en la que se comunicó el proyecto del diputado Raúl Puy que promueve el cambio de nombre de parte de la calle Schiaffino.
"Además, Bioy nació a dos cuadras de esta calle", agregó Puy, en diálogo con La Nacion. El legislador, del Partido Socialista y presidente de la Comisión de Cultura de la Legislatura porteña, propuso el cambio de nombre como un homenaje al autor de La invención de Morel, al que admira desde su adolescencia.
El proyecto fue presentado por Puy durante 2009. "Tuve que esperar a que se cumplan los diez años desde el fallecimiento para poder presentarlo, pero lo hicimos y fue apoyado sin problemas", dijo Puy. Bioy Casares nació en 1914 y murió en 1999.
Aprobado por unanimidad por los demás legisladores, el proyecto volverá a ser debatido durante 2011 para su confirmación, al no haberse presentado objeciones durante la audiencia de ayer.
"Consideramos muy atinado darle el nombre de una calle a Bioy, y sobre todo si es de Recoleta, por donde él circuló mucho", dijo Emiliano Penelas, director del centro cultural y biblioteca popular Carlos Sánchez Viamonte, de la que Puy es socio honorario.

Adolfo Bioy Casares y Silvina Ocampo en su casa de Posadas 1650.

Fuente: lanacion.com


CON FIESTA EN LA CALLE,
REABRIÓ EL MUSEO DE ARTE MODERNO



Luces y ritmo en el renovado edificio de San Telmo. Así el Gobierno porteño celebró la restauración de la fachada del MAMba y la apertura de dos nuevas salas tras cinco años de cierre por obras. El público disfrutó de muestras de grandes artistas. Luces y ritmo en el renovado edificio de San Telmo.

La celebración afuera.

Por Nora Sánchez

Con el corte de cinta y el aplauso de la gente que se sumó, ayer volvió a la vida tras cinco años el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, MAMbA. El edificio de San Juan 350, dependiente del Ministerio de Cultura porteño, fue reinaugurado con una ceremonia y dos muestras y tuvo su momento cumbre con una fiesta de luces y música en la calle, luego del cierre por remodelación y ampliación durante la gestión Ibarra, que abarcó 3.000 m2.
El acto fue presidido por el jefe de Gobierno, Mauricio Macri, junto al ministro de Cultura, Hernán Lombardi. Mientras Macri presentaba el espacio, haciendo una comparación con otros pares del mundo como el MoMA o el Pompidou, fue insultado. Un hombre le gritó “facho”. El jefe de Gobierno le respondió que su actitud era la contracara de lo que se estaba viviendo. “Clamo por la paz y la convivencia”, expresó. “Acá estamos inaugurando un museo de arte y a unas pocas cuadras vemos la otra cara de la moneda: la violencia”, sobre los incidentes en Constitución (ver El País ).
Luego, funcionarios, vecinos y curiosos pudieron redescubrir el MAMbA (creado en 1956 por el crítico Rafael Squirru y con más de 7.000 obras de arte argentino de los siglos XX y XXI). En la de planta baja, de 380 m2, recorrieron la muestra “Narrativas Inciertas”, un reflejo del arte local de los últimos 20 años con dibujos, objetos, pinturas y videos de artistas como Max Gómez Canle o Incola Costantino.
Mientras, en la sala de 488 m2 del primer piso la gente pudo visitar “El imaginario de Ignacio Pirovano”, un panorama del arte abstracto con obras de la Colección Pirovano y también del patrimonio del MAMbA.
Una de las primeras en entrar fue la artista Marta Minujín, que dijo: “Nunca debimos haber perdido este museo, no puede ser que una Ciudad como esta no tenga un museo de arte moderno, verlo ahora es too much , muy bueno”, agregó. Mientras el público recorría este MAMbA que durante más de 30 años funcionó en varios lugares hasta que en 1989 fue instalado en su sede actual, se vio a otras personalidades, como el empresario automotriz Cristiano Rattazzi, Cristiano Rattazzi, presidente de las Asociación de Amigos del Museo. “Siempre estuvimos esperando este momento, y hoy se reabre un tercio: ojalá que no pasen otros cinco años para abrirlo la obra que falta”, declaró.
La renovación presentada ayer también alcanzó al acceso por la avenida San Juan. En el hall habilitaron una boletería, un guardarropa y una tienda del museo. También instalaron ascensores, una escalera escultórica y otra contra incendio. Acondicionaron un depósito para embalaje de obras de arte y restauraron la fachada original. En el primer piso, hicieron baños para el público y en planta baja, para los visitantes con movilidad reducida. Además, renovaron el equipamiento y la infraestructura. Las obras estuvieron a cargo del Ministerio de Cultura y del de Desarrollo Urbano.
Precisamente el ministro Lombardi tuvo una frase justa para la ocasión: “Esta es la flor nueva del viejo romance que mantienen los porteños con la cultura”. Mientras se preparaba el show de luz y sonido de la compañía de teatro Ojalá!, dirigida por Pichón Baldinú, un vecino de San Telmo, Eduardo, contó: “Vi cosas muy lindas en este museo cuando estaba abierto, y espero que el nuevo MAMbA sea un espacio democrático para los artistas que no están de moda pero vienen trabajando desde hace mucho”.
Y estalló la fiesta en la calle. El show fue como si la fachada del edificio “hablara”, mediante luces audiorrítmicas desde el interior, que asomaban por distintas ventanas de los dos pisos superiores del edificio y se iban iluminando. Fue un gran cierre de vanguardia digno de semejante museo.

Fuente:clarin.com

HALLAN UNA NUEVA RAMA DE LA FAMILIA HUMANA


Restos de un dedo y una muela de juicio descubiertos en una cueva de Siberia serían de homínidos "primos" de los neandertales

Carl Zimmer
The New York Times


NUEVA YORK.- Un equipo internacional de científicos identificó restos de homínidos de una cueva de Siberia como primos de los neandertales que vivieron en Asia hacia entre 400.000 y 50.000 años atrás y que se habrían cruzado con los ancestros de los actuales habitantes de Nueva Guinea.
En la cueva de Denisova, ellos dejaron el hueso de un dedo y una muela de juicio. De estos escasos restos fósiles se pudo conocer el genoma completo de aquellos antiguos habitantes de Asia.
Los resultados del análisis de ese ADN, publicados ayer en Nature, revelan que el genoma de los habitantes de Nueva Guinea posee un 4,8% del ADN de los homínidos de Denisova. Los científicos proponen que los ancestros de los neandertales y los homínidos de Denisova aparecieron en Africa hace medio millón de años. Los neandertales se extendieron hacia el Oeste hasta Europa, mientras que los homínidos de Denisova lo hicieron hacia el Este y, hace unos 50.000 años, se cruzaron con los humanos que emigraron de Africa a lo largo de la costa del sur de Asia, y les dejaron algo de su ADN.
La investigación fue dirigida por Svante Paabo, del Instituto Max Planck de Antropología Evolutiva, en Alemania. Con su equipo, desarrolló métodos para rescatar fragmentos de ADN antiguo de restos fósiles.
En mayo, el equipo publicó el genoma completo del Neandertal y concluyó que los humanos y los neandertales descendían de ancestros comunes de unos 600.000 años atrás. Halló también que un 2,5% del genoma Neandertal era más parecido al ADN de los habitantes de Europa y Asia que al de los africanos.
El año pasado, el equipo del doctor Anatoli Derevianko, de la Academia Rusa de Ciencias, que explora cuevas en Siberia, le envió a Pääbo un fragmento del hueso de un dedo hallado en la cueva de Denisova. Para Derevianko, el fósil de unos 50.000 años de antigüedad habría pertenecido a uno de los primeros habitantes humanos de Siberia.
El equipo de Paabo aisló una porción de ADN de la mitocondria ósea y descubrió que el ADN del fósil de Denisova era significativamente diferente del de los humanos y los neandertales. "Fue un gran shock; eran grupos distintos", dijo Paabo.
Entonces, el equipo reunió todo el ADN del dedo, secuenció el genoma y envió la información a un equipo de la Escuela de Medicina de Harvard y del Instituto Broad de Cambridge, para compararla con otras especies: el hueso pertenecía a una rama que se había separado de los ancestros de los neandertales hacía 400.000 años. Paabo la bautizó "denisovanos".
Luego, el genetista Nick Patterson, del Instituto Broad, comparó el genoma de los homínidos con los de cinco personas de Sudáfrica, Nigeria, China, Francia y Papúa-Nueva Guinea. Una parte del genoma "denisovano" incluía partes del ADN de Nueva Guinea. Ahora, el equipo tratará de conocer el aspecto de esos homínidos si encuentra restos fósiles de un cráneo o un esqueleto completo
.

Fuente:lanacion.com

LA CIUDAD RECUPERA UN BASTIÓN CULTURAL:
REABRIÓ EL MAMBA



Después de cinco años / El museo alberga 7000 obras.
Miles de personas asistieron al acto, que finalizó con una exhibición de luces y música.

Laura Casanovas
LA NACION

Y llegó el gran día. Ayer por la tarde, en medio de una enorme expectativa, reabrió el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires (Mamba), remodelado y ampliado. Miles de personas se acercaron para celebrar el acontecimiento.
Durante cinco años, el edificio de avenida San Juan 350 estuvo cerrado para poder concretar el proyecto que el consagrado arquitecto argentino Emilio Ambasz donó en 1997. Por el momento, el público podrá recorrer 3800 metros cuadrados del total de 11.350 -más del doble del viejo edificio- que tendrá el museo cuando finalice toda la obra, que se estima que estará concluida a mediados de 2012.
En una de las dos grandes salas abiertas al público tuvo ayer lugar el acto oficial, que encabezó el jefe de gobierno porteño, Mauricio Macri, acompañado por varios miembros de su gabinete.
"En un momento importante para la cultura porteña, estamos viviendo a cuadras de acá situaciones de violencia que son la contracara", comentó Macri en referencia a los episodios de ayer en Constitución y luego de que un hombre interrumpió su discurso con insultos.
Por su parte, Cristiano Rattazzi, presidente de la Asociación de Amigos del Mamba, expresó: "Estoy muy emocionado, porque un tercio del museo está operando. Espero que no pasen cinco años más para ver todo terminado. Pero esto es extraordinario. Fue una lucha grande". Esa lucha fue reseñada en su discurso por Marion Helft, vicepresidenta de la misma asociación.
Una nutrida concurrencia ingresó durante el acto en forma constante en el renovado museo. Fue posible ver a historiadores de arte, galeristas y artistas de diferentes generaciones, como Enio Iommi, Marta Minujín y Dino Bruzzone. También se hicieron presentes el presidente de la Fundación arteBA, Facundo Gómez Minujín; la historiadora María Sáenz Quesada; los galeristas Orly Benzacar y Fernando Entín, entre muchas otras personalidades del mundo del arte y la cultura.
"Hoy el museo fantasma dejó de serlo", dijo el ministro de Cultura porteño, Hernán Lombardi.
Creado en 1956 por iniciativa del crítico de arte Rafael Squirru, el Mamba, dirigido actualmente por Laura Buccellato, posee un importante patrimonio de unas 7000 obras de arte argentino e internacional de los siglos XX y XXI. En las dos salas ya abiertas al público se presentan dos muestras. En la planta baja, se exhibe un interesante panorama de obras de reconocidos artistas jóvenes argentinos. Y en la sala del primer piso se despliegan obras de la destacada colección Pirovano que atesora el museo.
Hacia la noche, un impactante espectáculo de luces y de música con tambores se desplegó sobre la fachada del museo y cerró la jornada tan esperada.


MÁS IMÁGENES DEL ECLIPSE TOTAL DE LUNA



BUENOS AIRES - El 2010 se despide con un eclipse total de luna. Télam

BUENOS AIRES - El 2010 se despide con un eclipse total de luna. Télam

EL SALVADOR. El 2010 se despide con un eclipse total de luna. EFE

WASHINGTON - El 2010 se despide con un eclipse total de luna . EFE

WASHINGTON - El 2010 se despide con un eclipse total de luna . EFE

NUEVA YORK - El 2010 se despide con un eclipse total de luna. AFP

NUEVA YORK - El 2010 se despide con un eclipse total de luna. AFP

MARYLAND - El 2010 se despide con un eclipse total de luna. AFP

MANHATTAN.. El 2010 se despide con un eclipse total de luna. AFP

ISLANDIA - El 2010 se despide con un eclipse total de luna. AFP

ISLANDIA - El 2010 se despide con un eclipse total de luna. AFP

EL SALVADOR - El 2010 se despide con un eclipse total de luna‎. AFP

BROADWAY - El 2010 se despide con un eclipse total de luna. AFP

Eclipse total de luna.

La sombra que proyecta la Tierra cubrió por completo el disco lunar.

Las autoridades del Planetario dispusieron de telescopios para todo el público.

La gente se acerca al Planetario para disfrutar del espectáculo.

A las 4,41 la Luna quedará totalmente oscurecida por la sombra de la Tierra.

Fuente: clarin.com

SE COMPLETÓ EL ECLIPSE TOTAL DE LUNA

Los argentinos fueron testigos esta madrugada del fenómeno astronómico que recién volverá a repetirse el 15 de junio de 2011.

URUGUAY. El 2010 se despide con un eclipse total de luna‎. (EFE)

CHILE. El 2010 se despide con un eclipse total de luna‎. (EFE)

VENEZUELA. El 2010 se despide con un eclipse total de luna‎. (AFP)

La Luna fue la gran atracción de la noche.

COLOMBIA. El 2010 se despide con un eclipse total de luna‎. (EFE)

La sombra de la Tierra ya comenzó a cubrir el disco lunar.

Se empezó a apreciar el último eclipse total de la década.


Cientos de personas observaron el eclipse lunar desde el Planetario

El Planetario porteño Galileo Galilei ofreció la posibilidad de apreciar el espectáculo a través de telescopios, gratis, en Sarmiento y Belisario Roldán entre las 3.30 y las 5 de mañana.
Los eclipses totales de Luna son poco habituales. El último ocurrió el 21 de febrero de 2008. Es que para que se produzca, el Sol, la Tierra y su satélite deben forman una perfecta línea recta en el espacio. Pero como la órbita lunar está inclinada con respecto a la de la Tierra, la mayoría de las veces pasa por encima o por debajo de la sombra (si así no fuera, cada Luna llena habría eclipse).
El satélite asomó poco antes de las 20 de ayer por el Noreste, y durante varias horas se vio redondo e iluminado. A las 3.33 comenzó el cambio, cuando la Luna entró en la umbra, la parte central de la sombra que la Tierra proyecta al espacio. De ahí en más, la redondeada sombra terrestre cubrió progresivamente al disco lunar.
A las 4.41 llegó lo mejor: el inicio de la parte central del eclipse, cuando la Luna quedó completamente hundida en la sombra terrestre y tomó un suave color rojizo anaranjado. A las 5.40, aún en pleno eclipse, se ocultará en el Noroeste mientras, en el Este, el Sol comenzará a salir. Será una inusual puesta de Luna.
Por una coincidencia astronómica, este último eclipse de Luna del 2010 coincidió con el solsticio de diciembre.
La totalidad del eclipse se apreció desde el Océano Pacífico, América del Norte, América Central y el noroeste de América del Sur. Desde el oeste de Europa y África solo se vio el comienzo del fenómeno.
En las islas del Pacífico, Alaska, el oeste de Estados Unidos y México; el oscurecimiento de la Luna comenzó antes de la medianoche. Para los ubicados en el Hemisferio Norte, el eclipse ocurrió la noche previa al día más corto del año, mientras que en el Hemisferio Sur sucedió lo contrario.

LAS DIFERENTES TONALIDADES QUE TOMÓ AYER LA LUNA, ENROJECIDA POR LA LUZ DEL SOL.

UN ESPECTÁCULO POCO HABITUAL.

Fuente: clarin.com

CONFIRMAN QUE UNA OBRA ES DE VELÁZQUEZ



Después de 37 años
El cuadro se exhibe en el Met de Nueva York


Fragmento del retrato del joven Felipe IV. Foto THE NEW YORK TIMES

NUEVA YORK.- El retrato de un joven Felipe IV, propiedad del Museo Metropolitano de Nueva York, ha vuelto a ser atribuido a Velázquez tras un proceso de restauración y después de que "perdiera" a su autor tras una investigación, en 1973, que concluyó que había sido pintado por un discípulo suyo.
El cuadro, pintado en 1624 por el maestro español y de 2,10 metros de altura, fue vuelto a exhibir desde ayer, recuperado su crédito, treinta y siete años después del impacto que causó su no atribución a Velázquez (1599-1660). "Uno de los más grandes pintores de la tradición occidental -y un retrato real, por si fuera poco- es recuperado", declaró al diario The New York Times el responsable de pintura europea del Met, Keith Christiansen. El cuadro muestra al rey español con 18 años, vestido con traje negro y capa.
El hispanista Jonathan Brown, que defendía que este retrato no era del autor de Las meninas , supervisó cada paso de la restauración y llegó a la misma conclusión que Christiansen.
En el estudio de 1973, obras anteriormente atribuidas a El Greco, Rembrandt o Vermeer perdieron su "estatus", pero el caso del retrato de Felipe IV tuvo un impacto especial debido a que el Met conservaba el recibo de pago firmado por el propio Velázquez, que datada del 4 de diciembre de 1624. La obra se había exhibido durante 60 años en el museo hasta que se puso en entredicho su autoría y se ordenó la investigación .
No obstante, Christiansen aún tenía dudas, y por tal razón solicitó al conservador del Met, Michael Gallagher, una nueva limpieza y evaluación del cuadro, tras el trabajo que había hecho con otro retrato del mismo rey, perteneciente a la Frick Collection.
La historia del cuadro permitió entender lo ocurrido: fue restaurado en 1911, cuando era propiedad de Joseph Duveen, conocido por pedir a los restauradores que repintaran los cuadros para venderlos más fácilmente. Los excesos de aquellos retoques terminaron por hacer difícil establecer la autoría del lienzo.
La tecnología de los rayos X demostró ahora numerosas pérdidas del material original, sobre todo en la parte alta de la obra.
El cuadro de Velázquez, según Gallagher y Christiansen, es muy similar al que puede verse en el Museo del Prado, de Madrid, a tal punto de que lo consideraron en un principio una réplica firmada. Sin embargo, al estudiar el lienzo de Madrid y analizarlo con rayos X, concluyeron que ambos eran originales.

Agencia EFE y Diario El País - lanacion.com

EL MUSEO DE ARTE MODERNO PORTEÑO
REABRE SUS PUERTAS, CON NUEVA CARA



Tras una profunda remodelación, el jueves reinaugura, con muestras en dos salas.

EN PLENO MONTAJE. LA SALA DONDE ESTÁ LA MUESTRA DE ARTISTAS INVITADOS, AYER.

Por Patricia Kolesnicov

Acá estamos en el medio del mar”, dice Laura Buccelato, directora del Museo de Arte Moderno de Buenos Aires (MAMBA), cuando pasamos por una sala donde todavía hay escaleras, cosas sueltas, trabajo sin terminar. Pero no, no estamos en el medio del mar y basta levantar los ojos para saberlo: estamos en el sector del MAMBA que se reinaugura el jueves y se reinaugura porque en 2005 fue cerrado para hacer una profunda remodelación. Cinco años y unos 58 millones de pesos después, el Museo abre sus primeros 2937 metros cuadrados renovados. Una parte: al final serán 11.350 metros.
La historia de esta remodelación tiene más de cinco años. En 1997, el arquitecto Emilio Ambasz donó a la ciudad un anteproyecto para la obra, con la idea de cuidar una porción relevante de su patrimonio: la colección Pirovano, que incluye obras de Enio Iommi, Hlito, Le Parc, Maldonado y Kandinsky, entre otros. Hoy parte de esa colección se expone en una de las dos salas que abren el jueves, en la muestra titulada El imaginario de Ignacio Pirovano , con obra de Matisse, Martorell, Arden Quinn, Greco, Kosice y Lozza, entre muchos otros. “Pusimos la colección en diálogo con otras obras del patrimonio”, aclara Buccelato, al frente del museo desde 1997.
El MAMBA, dice Buccelato, se complementa con Bellas Artes. “Tenemos obra desde los años 20, pero el núcleo más importante es el que empieza en los 40, cuando las vanguardias argentinas están al compás del reloj internacional”.


LA EXPOSICION DE OBRAS QUE FORMAN PARTE DEL PATRIMONIO DEL MUSEO.

La reinauguración, entonces, mostrará el patrimonio del museo y en la otra sala “nueva”, la obra de invitados como Leandro Erlich, Nicola Costantino, Luna Paiva, Marcelo Grosman y Lux Lindner.
“En una capital cultural de América Latina, la falta de un museo de arte moderno era una llaga abierta”, grafica no sin dramatismo Hernán Lombardi, ministro de Cultura porteño. Lombardi, que también está a cargo del área de Turismo, mira el museo estratégicamente y habla de “la necesidad de anclar un hecho de cultura contemporánea en el sur, en San Telmo, haciendo un juego de espejos con el barrio y complementándonos con lo que el Centro Cultural de España hace en el ex Padelai”.
No es el medio del mar. Tras la fachada tradicional del edificio de San Juan 350 (que al final del proyecto estará casi cubierta de plantas) se abre un espacio moderno, enorme, con buen aire acondicionado y una escalera atractiva que resulta fácil subir.
Buccelato y Lombardi dicen que ahora la institución cumple con los estándares internacionales (temperatura, humedad, iluminación, seguridad) y eso facilitará la llegada de obra de otros países, ya que los seguros cotizan según el riesgo que corra la obra. En principio, esperan que en abril venga al museo el videoartista Pierrick Sorin.


SIGLO XXI. SE ACCEDE AL MUSEO POR UNA RAMPA. LUEGO, ESTA ESCALERA.


¿Qué falta? En marzo inauguran una sala para dibujos y proyectos especiales y, también, el Patio de las Esculturas, cuyo mobiliario lo harán varios diseñadores. También, y esto será un impacto, para el otoño calculan tener lista la fachada. Finalmente llegarán la cafetería (“importante, a la calle”, dice Buccelato), los talleres de restauración, el auditorio, la biblioteca y otras salas. A más tardar, dice Lombardi, todo listo en 2012, con un gasto de unos 26 millones de pesos más.
Antonio Seguí, cuentan con entusiasmo, donó 120 obras gráficas. Con un patrimonio importante y “la única colección de diseño industrial del país”, el MAMBA vuelve al ruedo. “En estos años, el espacio se lo repartieron entre Proa, el Recoleta, el Malba y el Borges”, dice Buccelato. Así que MAMBA tendrá que volver a ganarse un lugar. Empiezan el jueves.


Fuente: clarin.com

ARTE PARA TODOS -
EL ARQUERO DE SAN SEBASTIÁN, DE ALBERTO LAGOS.
CÓMO VER LA OBRA

En esta espléndida escultura, el autor logra sintetizar inquietud espiritual, amor por la forma humana y destreza técnica


Foto Graciela Calabrese

Esta estupenda imagen de un joven en el acto de tensar su arco hasta el límite de rotura adquiere carácter de monumento en razón de su tamaño colosal, del aliento expresivo que irradia y de la fuerza sutil con que el escultor Alberto Lagos ha logrado transmitir el conflicto entre la potencia del músculo y la terca flexibilidad del arco.
Porque, como puede verse en este estupendo Arquero de San Sebastián, la tensión del cuerpo activo es reflejo de una inquietud espiritual que se vislumbra en todas las esculturas urbanas del autor.
Escultor argentino educado en la tradición académica francesa, Lagos pasó largas temporadas en París entre 1909 y 1925, donde fue alumno de Segoffin, admirador de Rodin, compañero de Landowski y Paulin, y merecedor de premios y adquisiciones oficiales; una suerte de enfant gaté de los círculos artísticos y sociales de la época, que celebraron no sólo sus dotes de escultor, sino también su don de gentes y la exquisitez de sus recetas culinarias (particularidades continuadas hasta hace poco por su nieto, el Gato Dumas).
Creado en París en 1925 y expuesto al año siguiente en Buenos Aires, este Arquero fue adquirido por la municipalidad porteña y colocado en Avenida del Libertador y Mariscal R. Castilla, uno de los vértices de Palermo donde Buenos Aires más consiguió parecerse a París. Con su altura de más de tres metros, elevada sobre un paralelepípedo de granito desnudo, sin placas ni ornamentos, esta escultura necesita ser observada y disfrutada lentamente, recorriéndola en círculo bajo el follaje de la tipa gigantesca que la resguarda.
No está de más sugerir un trayecto lineal desde este Arquero de Palermo hasta el monumento al coronel Falcón, frente a la iglesia del Pilar. Son apenas seiscientos metros que permiten unir esas dos esculturas de Lagos con el par de bajorrelieves en la fachada del Automóvil Club y el monumento a Jorge Canning, de 1917, reubicado en la plaza Mitre, todos de su autoría. Y, de paso, enriquecer la apreciación del Lagos intimista entrando en los museos nacionales de Arte Decorativo y de Bellas Artes, donde se exponen Ritmo, Medusa y Hermes (MNAD) y La Rama y Voluptuosidad (MNBA). Un recorrido para conocer y disfrutar a uno de nuestros mejores escultores.

Por Alberto G. Bellucci

El autor es arquitecto. Director del Museo Nacional de Arte Decorativo, MNAD, ex director del Museo Nacional de Bellas Artes e interventor del Museo Nacional de Arte Oriental. Profesor titular de Historia de la Arquitectura en la Universidad de Buenos Aires y de Apreciación Artística en la Universidad de San Andrés.

Datos útiles

• Año: 1925
• Técnica: bronce fundido a la cera perdida
• Dónde encontrarlo: Av. del Libertador y Mariscal R. Castilla, frente al Museo Nacional de Arte Decorativo

Alberto Lagos:
(1885-1960): inició estudios de arquitectura en la Universidad de Buenos Aires, los que abandonó para dedicarse a la escultura. Conservó siempre un mismo estilo de trabajo, sin dejarse llevar por el surgimiento de nuevas tendencias

Fuente:lanacion.com
Nota:
Alberto Lagos vivía y tenía su taller en la calle Mariscal Ramón Castilla, entre Dardo Rocha y Juez Tedín, en pleno Barrio Parque de Palermo Chico, de la Avenida Figueroa Alcorta hacia el río.
P.L.B.

UNA OBRA DE UN MILLÓN DE DÓLARES,
VENDIDA COMO CHATARRA EN US$ 40



Fue robada con otras 34 obras de grandes artistas en noviembre. La encontraron a punto de ser fundida.


TOPOS IV. LA OBRA DEL ESCULTOR ESPAÑOL EDUARDO CHILLIDA ESTA HECHA EN HIERRO Y PESA UNA TONELADA Y MEDIA.

Por Juan Carlos Algañaraz
Madrid. Corresponsal

El sensacional robo de 35 obras de arte de grandes pintores y escultores, valoradas en más de 6,5 millones de dólares, ha terminado por ser una operación de tres o cuatro ladronzuelos que no tenían ni idea del valor de los cuadros, dibujos y esculturas . Menos de tres semanas después del atraco, la Policía Judicial ha terminado por incautarse de 34 de las joyas artísticas. La clave fue una famosa escultura del gran artista español Eduardo Chillida, valorada en 1.040.000 dólares. La banda ofreció esta obra, Topos IV, que pesa una tonelada y media de hierro, a un chatarrero que le pago “al peso” 40 dólares y se aprestaba a fundirla .
El robo se había producido el 27 de noviembre y causó una gran conmoción porque se trataba de varias obras de Chillida, cinco piezas, tres dibujos y dos óleos del colombiano Fernando Botero, un dibujo de Pablo Picasso, y trabajos de Antoni Tapiés, Julio González, Juan Gris y Antonio Saura.
Un camión trajo las obras desde Colonia (Alemania) y París (Francia) y las transportó al polígono industrial Los Olivos de Getafe, uno de los suburbios de Madrid. El vehículo quedó con su valiosa carga dentro del predio de Crisóstomo Transportes, la empresa especializada en el traslado de obras de arte.
Según registró el video de seguridad, eran la una de tarde cuando tres individuos forzaron la puerta de entrada, se dirigieron al camión y lo pusieron en marcha con toda facilidad porque tenía las llaves puestas en el encendido . Después salieron a toda velocidad. Ni siquiera se molestaron en desconectar las alarmas. Cuando llegó un patrullero, ya estaban lejos.
De inmediato se habló de un robo planeado por sofisticados especialistas posiblemente extranjeros que podían haber contado con la complicidad informativa de alguien vinculado al transporte o a la empresa responsable. La realidad no tenía esos altos vuelos.
Los agentes de la Policía Judicial iniciaron un minucioso trabajo que los llevó, insólitamente, hasta un chatarrero que tenía en su taller, mezclada con rollos de cables y montañas de materiales, la famosa obra de Chillida.
El chatarrero se quedó de piedra cuando los policías le dijeron que había pagado 40 dólares por una obra que vale 1.040.000 . “Ya estaba preparando todo para fundirla”, confió a los investigadores.
“Vamos por buen camino en la investigación y pronto los detendremos. No sabemos si son profesionales o aficionados, pero les aseguro que nos han dado mucho trabajo”, dijo uno de los responsables de la policía.
Los ladrones llevaron el camión a un lugar apartado en Alcorcón, otro suburbio madrileño, y metieron el botín en una furgoneta. Cuando la policía llegó hasta la camioneta, que estaba al aire libre sin ninguna protección, encontró que algunas de las obras habían sido desembaladas, pero de la mayoría ni se molestaron en ver que contenían las valijas, maderas y materiales de protección que las envolvían. La furgoneta se encontraba a cuatro kilómetros del lugar del saqueo.
Falta una de las obras robadas –no se reveló cuál– y algunos investigadores y periodistas se preguntan si ese valioso trabajo no es en realidad lo que los ladrones buscaban porque les había sido encargado por algún misterioso coleccionista. De todas maneras, esta es una especulación.
La mayoría de las obras de arte se exhibían en la galería Stefan Ropke de Colonia. Finalizada la muestra, el camión de la empresa española, conducido por un rumano, recogió otras en el camino. Se detuvo en París para cargar diez obras de Fernando Botero, que iban a ser exhibidas en Singapur.
En total, siete galerías –seis de Madrid y Barcelona y una colombiana– se vieron afectadas por el mayor robo de obras de arte contemporáneo en España .
Algunas malas lenguas, que nunca faltan, han dejado mensajes en algunas web de arte españolas señalando que la obra de Chillida era “pura chatarra” y que hicieron bien los cacos en venderla “al peso”. Varios internautas se han apresurado a defender la gran calidad artística de la obra del escultor vasco.


Fuente: clarin.com

DESCUBREN SECRETOS
SOBRE LA VIDA REPRODUCTIVA
DE LOS NEANDERTALES


Las mujeres eran las garantes de la diversidad genética de los Neandertales al integrarse en comunidades distintas a la familiar, según las conclusiones de un estudio que descifró por primera vez el ADN de un elevado número de Neandertales de un mismo grupo.
La investigación fue llevada a cabo por científicos españoles del Consejo Superior de Investigaciones Científicas (CSIC) con restos de 12 individuos de la cueva de Asturias, norte de España. Los Neandertales convivieron con los humanos (los Homo sapiens sapiens) en Europa y Asia, pero se extinguieron hace 30.000 años.
El estudio revela que la mujer Neandertal abandonaba en la adolescencia su núcleo familiar para integrarse en otra comunidad, creando una red de intercambio de mujeres que ayudaba a evitar la endogamia.
La investigación, publicada en la revista Proceedings de la Academia Nacional de las Ciencias de EE.UU., se realizó con el ADN mitoconcrial, que es el material genético que se hereda de la madre, y aportó claves sobre la conducta reproductiva de los Neandertales, unos individuos que vivían en grupos de baja diversidad genética. El análisis genético favorece el conocimiento de las condiciones de supervivencia bajo las cuales vivió esta especie y que, finalmente, dio lugar a su extinción, como los parámetros de fertilidad y mortalidad asociados a su desaparición.

Fuente: clarin.com

LOS 30 AÑOS DEL
CENTRO CULTURAL RECOLETA.
DE LAS VANGUARDIAS AL ARTE INTERNACIONAL


Por sus salas pasaron desde Batato Barea hasta Yoko Ono. Y es un símbolo de libertad.

CONTEMPORANEIDAD TOTAL. HOY, EL PATIO ES DE GRAFFITIS: EL RECOLETA MUESTRA TAMBIEN ARTE URBANO.

Por Adriana Carrasco

Dejó la adolescencia cuando se remodeló la sala Cronopios, siguiendo los estándares mundiales de exposición. Desde entonces empezó a albergar grandes muestras internacionales y resonaron entre sus paredes nombres de peso singular. La obra de Yoko Ono, Richard Estes, Alex Katz, Tunga, ahora estaba a la mano. Clorindo Testa, uno de los tres arquitectos progenitores del Centro Cultural Recoleta, dice que los edificios deben ser modificados según pasan los años. “La ropa de un chico debe ser diferente del traje de un adulto”. Para los festejos de los treinta años, le llegó el turno al auditorio El Aleph. Las reglas del mercado del arte obligaron a dejar atrás, de manera más contundente, la mística extrabrut del Recoleta.
Es que el tiempo todo lo interviene. Lo sabe bien el anfitrión de estos festejos. Claudio Massetti, actual director del Recoleta, cuenta cómo se sucedieron las etapas que llevaron a la adultez. “Uno añora aquella sensación que se tenía al comienzo. Después de tanto sueño reprimido, ahogado”. Se refiere a los primeros años de democracia, durante la gestión de Osvaldo Giesso, “abridor de puertas, generador de novedades”. Los noventa fueron, en cambio, “años de construcción y de afianzamiento. Y en la década del 2000, el Centro Cultural Recoleta se consolidó en calidad”.
Atrás habían quedado definitivamente Batato Barea y sus performances con licuadora. Inimaginable pensar que existió una sala con piso de tierra y que allí se hizo una exposición de Carlos Regazzoni. La remodelación de Cronopios puso fin al sueño de la horizontalidad. El Centro Cultural ahora tenía sala de lujo. Todos los artistas querían exponer en la plataforma de lanzamiento internacional. Las vanguardias locales emigraron ante la falta de sala consagratoria. Porque no todos pueden ahora exponer en Cronopios.
La transformación del Recoleta en un espacio donde el público puede disfrutar de muestras de nivel internacional, durante la gestión de Teresa Anchorena, tuvo su precio.
El sacrificio de la vanguardia local . Es cierto que el gusto cambió. En los eventos ya no se sirve vino blanco sino solamente tinto o champán. La adultez es enemiga de la estética del cartón pintado o de las instalaciones construidas con residuos de verdad.


CREATIVIDAD DIGITAL. UNA IMAGEN DE 2007, DEL FESTIVAL ONE DOT ZERO.

Sin embargo, hay que reconocer que este toque de adultez ayudó, en determinado momento, a que un episodio de censura local se transformara en un hecho capaz de despertar indignación internacional. El escándalo referido permitió mucho más que afianzar la autonomía del arte. Fue en 2004, durante la gestión de Nora Hochbaum, cuando la Iglesia católica hizo todo lo posible por prohibir una muestra del artista plástico León Ferrari . El episodio no quedó en el plano de lo anecdótico, a partir de la presión de artistas nacionales y extranjeros, que sabían del peso del Recoleta. Y sobre todo porque el público consagró aquella muestra como un hito en la lucha por la libertad de expresión en todo el país.
Más allá de este matiz militante de su adultez, el Centro Cultural Recoleta envuelve a su modo la historia de los artistas y visitantes que pisaron sus baldosas. La impronta de Clorindo Testa, que se encontró hace treinta años con un asilo de ancianos lleno de objetos arrumbados y, junto con Jacques Bedel y Luis Benedit, lo transformó en Centro Cultural. Tan abandonado estaba el edificio, que en una de las habitaciones alguien había olvidado cuatro ataúdes vacíos, sin tapa. El sello de Osvaldo Giesso, que organizó un desfile de modas con diseños totalmente absurdos, cortado por tandas de modelos ataviados como oficinistas, solo para enganchar el auspicio de Casa Muñoz.
Desde el túnel del tiempo llegan los improperios de Enio Iommi al ver su obra Hechos espaciales completamente doblada, después que el público creyó que podía intervenirla. Los debates en los Conversódromos diseñados por el segundo director del Recoleta, Rodolfo Livingston. El trabajo con agua y electricidad durante la primera función de De la Guarda, y el temor de la tercera directora, Diana Saiegh, que cruzaba los dedos para que “la máquina de impedir” no la clausurara. Los esfuerzos de Liliana Maresca por limpiar de restos de mortajas las metálicas de ataúdes que iba a usar en su obra sobre la Guerra del Golfo. Los ladridos de la perra Laika, que vivió casi veinte años en el Recoleta, y jamás osó intervenir una instalación. El susto de Liliana Piñeiro el día que salió humo de la aerodinámica Cronopios.
En el festejo de los treinta años, el Centro Cultural Recoleta dejó atrás las zapatillas. Sabe que sus catálogos no se restringen al ámbito local. Y sobre todo, cuando viaja al extranjero, no tiene que andar explicando quién es. Pero con apenas treinta años, las canas pueden jugar a favor de la previsibilidad. Y el arte, perdón por la metáfora organicista, se alimenta de disrupción.


Fuente: clarin.com

UNA HISTORIA CON MUCHAS ÉPOCAS DORADAS



REMODELACION. ASI SE VEIA EL FRENTE DEL EDIFICIO CUANDO SE INICIARON LAS OBRAS QUE LO CONVERTIRIAN EN EL CENTRO CULTURAL QUE ES HOY.

Marta Minujín añora los años de Osvaldo Giesso al frente del Centro Cultural. No duda en señalar esa época como la edad de oro del Recoleta. “1985 fue el año top. Fue cuando hice el Laberinto Minujinda . Había cola hasta Las Heras para entrar. Giesso te daba libertad y te ayudaba a conseguir de todo. Promovía el arte de participación masiva”.
No solo ella ubica la edad de oro a mitad de los ochenta. Marcos López recuerda cuando Liliana Maresca organizó la muestra La Kermesse , junto a un grupo de artistas. También señala la gestión de Miguel Briante como parte de esa época dorada. “Era un espíritu de hacer arte en busca de exorcizar el dolor, los años de represión, después de la dictadura, pero con un ánimo festivo y de búsqueda de una identidad cultural. La palabra mercado no existía. No importaba si la obra se vendía o no. De eso no se hablaba”, rememora López.
Eduardo Stupia subraya “la saludable virulencia política” de la muestra de León Ferrari, en 2004, y la que historiaba los 30 años del golpe de Estado de 1976. “No hay que olvidar que, en esa época, el Recoleta era virtualmente el único espacio donde podían verse con cierta regularidad grandes muestras internacionales a nivel museológico”.

LIBRE EXPRESION. LA RETROSPECTIVA DE LEON FERRARI EN 2004 FUE UN HITO EN LA LUCHA POR LA LIBERTAD DE EXPRESION: LA IGLESIA INTENTO QUE LA MUESTRA SE PROHIBIERA PORQUE LA CONSIDERO “BLASFEMA”. NO HUBO CENSURA.

El curador Raúl Santana no cree que haya existido una época de oro del Recoleta. “Sube y baja todo el tiempo. Cada director tuvo sus momentos. Osvaldo Giesso le dio su carácter como lugar de apertura, y así se mantuvo a lo largo de estos treinta años”.
Para Clorindo Testa, tampoco hubo un momento especial. “En estos treinta años siempre funcionó muy bien. Las actividades varían, pero todos los directores fueron buenos”. Gyula Kosice opina lo mismo.
El escultor Enio Iommi apunta al futuro. “El actual director, Claudio Massetti, va a ser muy importante. Ahora mismo, con la exposición Testa, Bedel, Benedit , dice que el Recoleta va a producir grandes cosas. Estos treinta años fueron de afirmación. Ahora hay que hacer grandes muestras. Por ejemplo, la Historia de la Escultura Argentina , que estamos proyectando para el año próximo”.

Fuente: clarin.com