EL LARGO VIAJE DE LAS PALOMAS

Secreta Buenos Aires
Del español Costoya al cervecero Bieckert, el recorrido de las aves tiene su historia.


Plaza de Mayo. Madre e hija alimentan a las palomas en un lugar tradicional donde suele haber de a miles. / MARIA EUGENIA CERUTTI
Por Eduardo Parise

Los que no las quieren nada son lapidarios: las definen como “ratas con alas”. Los que están del otro lado les llevan migas de pan o galletitas y hasta les compran maíz. La realidad es que Buenos Aires cuenta con una superpoblación de palomas callejeras que, en la última semana, volvieron a ser eje de un debate para resolver qué se hace con ellas.
En la Ciudad de Buenos Aires, la Columbia livia (su nombre científico) tiene su historia. Conocida también como “paloma de las rocas” o “paloma bravía”, esta ave procrea todo el año y tiene un período de incubación de entre 15 y 20 días. Pero ¿cómo llegó este “bicho”, tan común en la Europa Meridional, en el Norte de Africa y en Asia, a estas regiones de América? Se cree que fue en los barcos de los conquistadores, aunque se sabe que pueden recorrer largas distancias.
En Buenos Aires se dice que hubo alguien que influyó mucho en su desarrollo y en que hicieran de la Plaza de Mayo un lugar de concentración especial. Se llamaba Benito Costoya, un español que, a principios del siglo XIX, eligió a esta ciudad como su lugar en el mundo. Cuentan que el hombre, ya jubilado, se había instalado en la zona de la Costanera Sur donde criaba a cientos de palomas. Los más exagerados hablan de que llegó a tener unas quince mil.
Lo concreto es que Costoya tenía cierto predicamento sobre las aves: con un silbato les daba órdenes y las palomas volaban, bajaban o se desplegaban, según cuál fuera el mensaje. Y recuerdan que muchas veces, a través de los puentes, llegaba hasta la histórica plaza guiando a aquellas bandadas. Entonces, les hacía realizar exhibiciones, ganándose algunas propinas de la gente que las admiraba.
Su nombre alcanzó tanta notoriedad que hasta el Municipio llegó a contratar a sus palomas que, con las alas pintadas según la ocasión, participaban en distintos eventos. En las fiestas patrias iban coloreadas de celeste y blanco. Y se recuerda que en el Congreso Eucarístico de 1934 sobrevolaron la gran cruz montada en el Monumento de los Españoles, en Palermo, luciendo el amarillo y blanco de la bandera del Vaticano. También mencionan que en mayo de 1936 estuvieron en la ceremonia inaugural del Obelisco y que, en 1931, lucieron los colores de la bandera británica cuando Eduardo de Windsor, príncipe de Gales, visitó Buenos Aires.
Eran los tiempos en que Costoya recibía un subsidio municipal con el que compraba el maíz para sus palomas. Claro que aquello duró sólo hasta 1937. El 1 de julio de ese año, Don Benito murió y las aves se quedaron sin su guía. De todas maneras mantuvieron la costumbre de llegarse a la Plaza de Mayo y hasta extendieron su radio de acción hacia otras plazas porteñas. Hoy son tantas (se habla de que hay más de mil por kilómetro cuadrado) que algunos especialistas las consideran plaga y transmisoras de enfermedades. Es que en la Ciudad se convirtieron en aves comedoras de carroña y su fuente de alimentación suele estar entre los desechos urbanos.
Por supuesto que no son las únicas aves que sobrevuelan Buenos Aires. Y entre las muchas que se ven también abundan los gorriones, originarios de Europa. La leyenda siempre sostuvo que quien los trajo fue Domingo Faustino Sarmiento. Sin embargo, otros cuentan que arribaron desde Europa en 1870, en un viaje que hizo el cervecero Emilio Bieckert. Dicen que tuvo problemas en la Aduana y entonces, para escaparle a la traba burocrática, simplemente abrió las jaulas. Pero esa es otra historia.

Fuente: clarin.com

LA MUESTRA DE GIACOMETTI, EN PROA,
UN POLO DE ATRACCIÓN

Cultura
La obsesión del artista por la figura humana se muestra en un recorrido por cuatro salas temáticas.

Una toma del estudio del artista.
Por Maria Elena Polack /LA NACIÓN

Nunca visitó nuestro país, ni el hemisferio, pero hubo argentinos y brasileños que lo conocieron y adquirieron su obra en los albores de su descollante trayectoria. A 46 años de su muerte, más de un centenar de las mejores piezas logradas por el escultor suizo Alberto Giacometti (1901-1966) se exponen en la Fundación Proa.
En la década del 30, Elvira de Alvear le compró a Giacometti, en París, Cabeza que mira, una figura de yeso de 1929. Aunque la obra no se ha conservado, sí hay testimonios de la adquisición.
De la mano del decorador Jean-Michel Frank, Giacometti conoció a Jorge y Matilde Born, a quienes les diseñó muebles y objetos de decoración de la residencia que el matrimonio proyectó en San Isidro a fines del 30.
Giacometti, que nació en Borgonovo (Suiza), pero residió casi toda su vida en París, obtuvo el Gran Premio de Escultura de la Bienal de Venecia en 1962. En esa misma muestra, nuestro Antonio Berni se alzó con el Gran Premio de Grabado. Tres años más tarde, el Ministerio de Cultura de Francia le otorgó el gran Premio de las Artes. Y el mercado del arte internacional confirmó su valor en 2010 cuando El hombre caminando fue subastado en 104,3 millones de dólares en Sothebys Londres.
En Proa, la muestra está compuesta por 148 obras, incluidos sus primeras pinturas y dibujos, y cuenta con el guión curatorial de Véronique Wiesinger, directora de la Fundación Alberto y Annette Giacometti, que atesora buena parte de las piezas.
La exposición, que podrá verse hasta el 9 de enero próximo, es el corolario de un extenso trabajo, de más de tres años, entre la Fundación Giacometti, la Pinacoteca del Estado de San Pablo, el Museo de Arte Moderno de Río de Janeiro y la Fundación Proa, junto con Base7 Projetos Culturais, el apoyo de la embajada de Francia en Buenos Aires y el auspicio de Tenaris-Organización Techint.
La exhibición ocupa cuatro salas. En Los comienzos, el descubrimiento del arte primitivo se presentan obras de su juventud, incluida su primera pintura al óleo, efectuada a los 14 años.
En ¿Qué es una cabeza? se repasa el tema central de la búsqueda del escultor que es la cabeza humana y que le costó hasta la expulsión del movimiento surrealista de Andre Breton.
En Jaula y marcos se recuerdan el intercambio intelectual con Jean-Paul Sartre y la manera de delimitar el espacio onírico de representación. Figuras y bustos se completa con figuras humanas y bustos pintados y esculpidos mediante los que Giacometti trataba de captar y transmitir la vida que palpita en el cuerpo del modelo y no su psicología. Imperdibles las figuras a escala del monumento pedido por el Chase Manhattan Bank, para Nueva York.

La muestra podrá recorrerse hasta el 9 de enero próximo de martes a domingos, de 11 a 19, en avenida Pedro de Mendoza 1929, de La Boca. La entrada cuesta $12, estudiantes $ 8 y jubilados $ 4. Los martes son gratuitos para los estudiantes.


Fuente texto: lanacion.com

BUENOS AIRES PHOTO:
UNA FERIA QUE ES MUCHO MÁS QUE IMÁGENES

Desde el 26 próximo, en el Centro Cultural Recoleta, se realizará la muestra que reúne a más de 30 galerías del mundo; el trabajo del artista catalán Joan Fontcuberta, la atracción.
El 26 de octubre arranca la octava edición de Buenos Aires Photo. Se trata de una de las ferias de arte especializada en fotografía más importante que se realiza en todo América latina. El encuentro se llevará a cabo en el Centro Cultural Recoleta y reúne a más de 30 galerías del mundo, entre ellas de la Argentina, Perú, Uruguay, Bolivia y Estados Unidos, entre otros.

Medusa, de la serie Googlegramas de Joan Fontcuberta, artista invitado de BA Photo.
En la exposición se llevará a cabo la presentación de la 7ma edición del Premio Petrobras Bs. As. Photo. El jurado, integrado por la periodista Alicia de Arteaga, Victoria Verlichak, Valeria González, Lucrecia Palacios, Eduardo Gil y Rodrigo Alonso, seleccionará la obra ganadora entre los 15 finalistas convocados. El premio se dará a conocer el jueves 25 de octubre, a las 20, en el espacio de Petrobras dentro de la feria.

Serie Gastropoda, de Joan Fontcuberta.
Uno de los artistas invitados a esta nueva edición es el catalán Joan Fontcuberta, que tendrá una sala exclusiva para mostrar gran parte de su trabajo reflejado en las series: Orogenésis, Gastropoda y Googlegramas. Además presentará varias de sus publicaciones el 26 de octubre en el Auditorio oficial de la feria con una conferencia moderada por Rodrigo Alonso
Entre los adquisidores principales está Chandon, que comprará a puertas cerradas la primera obra de la feria. Esto se realizará en el marco de un amplio programa de adquisiciones que se prepara para este año en Buenos Aires Photo, a los que se suman las de MALBA, El museo FOLI de Perú, Rabobank y la colección Arte al Día..
Más información: 26 al 29 de octubre de 2012 Centro Cultural Recoleta - Junin 1930. Horario: de 13 a 21hs. Entrada $ 40 (2x1 con American Express, Club La Nación y Club Arte al Día) www.buenosairesphoto.com | info@buenosairesphoto.com

Fuente: lanacion.com

CARAVAGGIO Y SUS SEGUIDORES
EN EL MUSEO NACIONAL DE BELLAS ARTES

Obras maestras del Barroco

Procedentes de colecciones de Italia, Malta e Inglaterra, más de veinte pinturas del artista italiano que provocó un quiebre en el arte del siglo XVII y sus epígonos más encumbrados se exhibirán desde la semana próxima en Buenos Aires.

















 

Por Ángel Navarro / Para LA NACIÓN

Siete obras de Michelangelo Merisi, llamado Caravaggio, componen el núcleo más importante de la exposición Caravaggio y sus seguidores, que se inaugurará la semana próxima en el Museo Nacional de Bellas Artes. Realizadas entre 1597 y 1610, cubren los últimos trece años de la producción de este artista que, en tiempo brevísimo, estableció un modo expresivo que teñiría la pintura venidera tanto en Italia como en todo el mundo occidental.
Consideradas cronológicamente, la primera obra es la Cabeza de Medusa, que data de 1597 e ilustra la tapa de este número de adncultura. Se trata de una representación de la cabeza de este terrible ser mitológico cuya mirada paralizaba los hombres, colocada sobre un escudo convexo y circular, tal como podría verse en el escudo de Alejandro Magno. A esta obra también se la conoce como Medusa Murtola en alusión al poeta Gaspare Murtola, que la menciona en dos composiciones que escribió en 1610; sirve para distinguirla de una versión posterior encargada por el cardenal
Francesco Maria del Monte, quien la obsequió al gran duque Ferdinando I deToscana, hoy en la Galería de los Uffizi en Florencia. La Cabeza de Medusa puede ser considerada como la culminación de obras tempranas donde Caravaggio se interesa por la representación de gestos así como por el desarrollo de elementos naturalistas.
Retrato de cardenal, realizada posiblemente en 1599-1600, es la segunda. Conservada en la Galería de los Uffizi, de Florencia, perteneció a la colección de los Medicis a partir de 1704 y era considerada un retrato del cardenal Cesar Baronio. En 2010, luego de haber sido objeto de estudios y análisis por parte de diversos especialistas, fue aceptada como obra del artista, a la vez que se planteó la posibilidad de que el retratado fuera el cardenal Benedetto Giustiniani (1554-1621).
Las cinco pinturas restantes están dedicadas a santos representados en meditación, en el curso de una experiencia mística o sufriendo un martirio. Realizada entre 1605 y 1606, San Jerónimo escribiendo muestra claramente las características de la pintura de Caravaggio en su mejor estilo: la figura del santo traductor de la Biblia en su mesa de trabajo se recorta contra el fondo oscuro, bañado por una luz que ilumina los libros y la calavera, sus instrumentos de trabajo y meditación. En ese espacio, pequeño y poco profundo, crea un ambiente recoleto y severo en el que reconocemos a un hombre sencillo y basto ensimismado en sus pensamientos. El borde de la mesa, el paño blanco que cae de ella y los libros que la rebasan son referentes que ayudan a conformar el escaso espacio que culmina en el inmediato plano del fondo; esta inmediatez de la representación convierte al observador en un elemento más de la composición, integrándolo como un testigo de un momento culminante de la vida del santo.

Magdalena desvanecida, óleo sobre tela realizado por Artemisia Gentileschi en el
siglo XVII. Foto: Gentileza MNBA
El gran contraste de luz y sombra que el artista produce crea una atmósfera dramática, con dos puntos focales: por un lado, la figura del santo, viejo, flaco, desnudo, envuelto apenas en un manto rojo, sumido en su traducción y, por otro, la calavera, tétrica naturaleza muerta que nos recuerda nuestro destino final. La organización de los diferentes elementos de la composición -santo, mesa, libros, calavera, paño- no es inocente, como tampoco lo es la luz usada sabiamente para destacarlos, que acentúa formas fundamentales en el discurso que el artista despliega. La luz especialmente distribuida es la que califica este discurso que Caravaggio quiere que percibamos de modo especial.
En San Juan Bautista alimentando un cordero y San Genaro degollado (o San Agapito), ambas pintadas alrededor de 1610, así como en las dos versiones de San Francisco meditando, encontramos también el empleo de las características que se han constituido en la base expresiva del artista.
Nacido en Caravaggio, una villa cercana a Milán que le dará su nombre, Michelangelo Merisi fue formado en el taller de Simone Peterzano a partir de 1584. No se conoce cuándo ni en qué circunstancias llegó a Roma. Habría llegado allí en 1592; aparece mencionado en un documento de 1594 y sabemos que trabajó en el taller de Giuseppe Cesari, il Cavaliere d'Arpino, donde tenía como tarea la pintura de frutas y flores. Posteriormente entró al servicio del cardenal Del Monte, quien lo introdujo en círculos romanos. Éste es el tiempo en que el artista pinta jóvenes efebos, solos o en grupos haciendo música, y escenas con decidores de buenaventura o jugadores de cartas, personajes que pueblan las calles de la ciudad que por entonces se halla en un proceso de cambio.
Desde fines del siglo XVI y a lo largo del XVII hubo en Roma una gran actividad arquitectónica y artística, lo que explica el interés de los artistas que buscaban trabajo. Asimismo, la ciudad era un centro de concurrencia obligada debido a las obras de arte que albergaba, producidas en los últimos tiempos así como también en épocas clásicas. Nuevos palacios, iglesias y edificios gubernamentales, trabajos de renovación de viejas obras arquitectónicas y de decoración de las nuevas, generaron un enorme movimiento de artistas y competencias, envidias y rivalidades que en muchos casos era saldadas mediante duelos.
Caravaggio no quedó fuera de esta ola de actividad. En 1599 recibió un encargo para la capilla Contarelli, en la iglesia de San Luis de los Franceses, donde realizó tres obras dedicadas a san Mateo, que fueron las que lo lanzaron a la fama. En ellas se despliegan ampliamente las características señaladas en San Jerónimo escribiendo y que, luego, se verán en toda la producción realizada hasta su muerte en 1610.
Las formas esenciales de sus pinturas, motivadas por el abandono de toda idealización y la búsqueda de un acabado realismo, que lo llevó a pintar cuidadosos detalles o a la elección de personajes populares vestidos con ropas contemporáneas para representaciones de escenas que se desarrollan en su propio tiempo, provocaron muchas veces el rechazo de sus obras, para las que debió plantear nuevas soluciones. Vale la pena anotar que las obras rechazadas encontraron siempre compradores y fueron destinadas a importantes colecciones, como sucedió con su Muerte de la Virgen -hoy en el Museo del Louvre-, que fuera adquirida por Vincenzo Gonzaga, duque de Mantua, aconsejado por Peter Paul Rubens, entonces al servicio de su corte.

San Jerónimo escribiendo, de 1605-1606. Foto: Gentileza MNBA

Reconocido como artista a partir de los últimos años del siglo XVI y promovido con obras públicas como las dedicadas a la historia de san Mateo en la iglesia de San Luis de los Franceses, Caravaggio también fue conocido por su carácter irascible y su naturaleza pendenciera, que lo enviaron a los tribunales en diversas oportunidades a partir del año 1600.
El pintor Giovanni Baglione lo demandó en 1603 por considerarlo autor de versos difamantes; estas demandas se acrecentaron con el correr del tiempo a causa de su conducta. En 1604 motivó dos incidentes y al año siguiente tuvo cinco, entre ellos, uno motivado por portar puñal y espada sin autorización, y otro por una disputa por una mujer llamada Lena, modelo en algunas de sus obras. En 1606 una reyerta culminó con la muerte de Ranuccio Tomassoni algunos días después, convirtiendo a Caravaggio en asesino. Juzgado in absentia, es desterrado de Roma, tras lo cual se inicia un periplo para huir de la ley: primero estuvo en las colinas romanas para seguir luego a Nápoles y Malta, donde es nombrado caballero de la orden, y Sicilia. Siempre intentó conseguir el perdón para poder retornar a Roma. Pero la muerte lo sorprendió en Porto Ercole el 18 de julio de 1610, en circunstancias que no están claras todavía.
Esos diez años fueron de intensa actividad. En Roma trabajó para responder a encargos para iglesias, como Santa Maria del Popolo, Santa Maria in Valicella, San Agustín y Santa Ana de los Palafreneros, además de responder a comisiones privadas. Luego de su huida en 1606, Caravaggio recibió encargos y pintó para iglesias en los diferentes lugares donde estuvo, difundiendo así su personal estilo, que ya había sido aclamado por sus colegas artistas y también por el público, que se reconocía en los personajes populares que pueblan sus escenas. Esta empatía y su original vocabulario naturalista es lo que se admira y se acepta de este artista bohemio y pendenciero, que supo calar hondo en el sentimiento de su época.
Copiado e imitado en su propio tiempo, Caravaggio tuvo gran cantidad de seguidores en toda Europa, que originaron un movimiento caracterizado por el uso de luces y sombras en contraste, fondos oscuros y figuras populares; algunos tomaron su fórmula de figuras de medio cuerpo, como sucedió con su amigo Orazio Gentileschi (1563-1639), que adoptó su estilo tempranamente y lo difundió trabajando en París y en Londres, donde murió.
Otros usaron las composiciones de grupos, como sucedió con su rival Giovanni Baglione, con quien compartió el ambiente romano y quien escribiría sobre él en Vite de' pittori (Roma, 1644), o con Lionello Spada, que en su Coronación de espinas genera un grupo de gran dinamismo enfatizado por el contraste de luces y sombras. Simon Vouet y Valentin de Boulogne, dos franceses que estuvieron en Roma luego de la muerte de Caravaggio, apelaron a su estilo y lo difundieron en su país.
La obra de este artista apasionado fue revolucionaria y marcó un quiebre con las formas expresivas del último manierismo, y fundó al mismo tiempo uno de los pilares de la pintura barroca. Algunas obras de Caravaggio de esta exposición han sido sólo recientemente descubiertas y aceptadas como autógrafas. El artista fue injustamente olvidado durante mucho tiempo y sus revolucionarias innovaciones se integraron a la pintura del siglo XVII, que siguió un camino donde su nombre no tuvo lugar. En el siglo XX, los estudios de Roberto Longhi renovaron el interés en Caravaggio, especialmente luego de la exposición de Milán en 1951, que incluyó unas cuarenta obras.
A partir de entonces aparecieron nuevas pinturas, entre las que podríamos señalar La conversión de la Magdalena, adquirida en 1974 por el Instituto de Arte de Detroit, que Indalecio Gómez había comprado en París en 1904 y que luego de su muerte permaneció olvidada en una estancia salteña. Hoy, el número de obras se ha duplicado, lo que aumentó el conocimiento sobre este artista "maldito" de vida novelesca.
adn caravaggio
Foto: Gentileza MNBA
Milán, 1571- Porto Ercole, 1610

Considerado un precursor del Barroco, fue promovido con obras públicas y tuvo una gran cantidad de seguidores. Sus pinturas, con imágenes realistas y dramáticas, provocaron muchas veces rechazo pero siempre encontraron compradores. También se destacó por su carácter irascible.



UNA VIDA DE NOVELA


1571
Nace en el pueblo de Caravaggio, cercano a Milán; de allí proviene su apodo.
1598-1605
Va a prisión por portar armas y es acusado de agresión al artista
Girolamo Stampa. Recibe varias denuncias en su contra.
1606
En una discusión durante un juego de pelota mata a Ranuccio Tomassoni. Es desterrado de Roma y huye de la ley.
1608
En prisión por haber herido a un compañero, pinta Degollación de San Juan Bautista. Escapa y huye a Sicilia. Es nombrado caballero de la Orden de Malta y luego expulsado de ella.
1610
Muere en Porto Ercole el 29 de agosto, en circunstancias que no son muy claras.
***

Para agendar

Para acompañar la muestra Caravaggio y sus seguidores, la Asociación Amigos del Museo Nacional de Bellas Artes organizó el curso Tres tardes con Caravaggio y los tenebristas, que propone develar la sugestión del universo de Caravaggio y los artistas que lo continuaron en su particular manejo de las formas, el color y la luz. Lo dictará el profesor Miguel Ángel Muñoz los miércoles 21, 28 de noviembre y 5 de diciembre, de 19.30 a 21, en el auditorio de Av. Figueroa Alcorta 2280. También allí, el 23 de octubre a las 19 los curadores de la exposición, Rossella Vodret y Giorgio Leone, darán una conferencia sobre la muestra. Informes e inscripciones: 4803-4062 y 4804-9290, int. 215, o info@aamnba.org.ar



EL GOBIERNO MARROQUÍ
DESMIENTE DESTRUCCIÓN DE GRABADOS PREHISTÓRICOS


Vista de la cordillera del Atlas (Marruecos) nevada, durante la etapa Rabat-Er Richida de la 24 edición del Rally Arras-Dakar, en una fotografía tomada el 1 de enero del año 2002.

Por Patrick Hertzog

El Gobierno marroquí desmintió este jueves la destrucción por salafistas de grabados prehistóricos en las montañas del Alto Atlas, en el sur del país, como afirmó días atrás una ONG local.
"Las afirmaciones de que estos grabados en la piedra fueron destruidos son erróneas, como pueden comprobar", declaró el ministro de Comunicación, Mustafá El Jalfi, en un desplazamiento con la prensa organizado en el emplazamiento de la meseta de Yagur, en el macizo de Tubkal.
"Uno de nuestros objetivos consiste en proteger estos monumentos prehistóricos, que dan fe de la diversidad cultural y la larga historia" de Marruecos, explicó Jalfi a la AFP.
En el lugar, una docena larga de grabados del sol eran visibles en rocas de las inmediaciones, en buen estado aparente, constató el periodista de la AFP.
Varios medios de comunicación, citando a una ONG local, evocaron la destrucción por salafistas de grabados prehistóricos.
Contactado el miércoles por la AFP, un responsable de la Liga Amazigh de los Derechos Humanos (LADH), Abubakr Anghir, confirmó que "grabados en piedra que representan al sol", de "más de 8.000 años de antigüedad", "fueron destruidos hace varios días por salafistas".
Uno de esos grabados, situados en dicho macizo de Tubkal, al sur de Marrakech, "se llama 'La placa del sol' y es anterior a la presencia de los fenicios en Marruecos", precisó, e indicó que "mandó un correo al Ministerio de Cultura y no recibió respuesta
Un comunicado ministerial consideró este jueves "totalmente infundadas" esas afirmaciones tras realizar "investigaciones" en colaboración con las "autoridades locales y regionales".
"Dicho lo cual, los emplazamientos de grabados rupestres (...) pueden sufrir (...) las consecuencias de una degradación natural e inclusive humana, pasando a veces por el vandalismo y el tráfico ilícito", agregó.
La representación del sol puede ser considerada por ciertos movimientos fundamentalistas como una representación de una divinidad y una "idolatría", contraria a la unicidad de Dios.

Fuente: AFP

EL VICTORIA AND ALBERT MUSEUM DE LONDRES
SE VISTE DE CINE


Visitantes admiran la colección de vestuarios más famosos del cine en el Victoria and Albert Museum de Londres, el 18 de octubre de 2012


Por Claudia Rahola

De las primeras comedias mudas de Charlot a los más recientes estrenos como "Anna Karenina", pasando por las películas de la Edad de Oro de Hollywood, el Victoria and Albert Museum de Londres ha reunido 130 de los trajes más emblemáticos de la historia del cine para una exposición.
"Hollywood Costumes", que abre sus puertas al público el sábado, explora el papel fundamental que ha desempeñado el a menudo ignorado diseño de vestuario en el cine a lo largo del último siglo.
"En cada película, la ropa es la mitad del trabajo para crear al personaje", dice en una de las entrevistas diseminadas a lo largo del recorrido la versátil actriz estadounidense Meryl Streep, quien ha lucido algunos de los trajes presentados en la muestra en películas como "Mamma Mia!" o "La dama de hierro".
Además de su función esencialmente narrativa, algunas de estas creaciones forman ya parte de la historia del cine.
Es el caso del vestido de cóctel negro diseñado por Givenchy que llevaba Audrey Hepburn en "Desayuno con diamantes", del vaporoso vestido blanco que inmortalizó Marilyn Monroe sobre una boca de aereación en "La tentación vive arriba", del modelo verde de terciopelo hecho con cortinas que Vivian Leigh llevaba en "Lo que el viento se llevó" o del delantal azul sobre una blusa blanca de Judy Garland en "El Mago de Oz".
Todos ellos, junto con los trajes de otros inolvidables personajes como Darth Vader, Harry Potter, Indiana Jones o Cleopatra están incluidos en esta exposición dividida en tres "actos": "Deconstrucción", que explica la labor del diseñador; "Diálogo", que examina colaboraciones exitosas entre directores y diseñadores; y "Apoteosis", una especie de plató donde se codean algunos personajes míticos.
"Detrás de cada traje, hay siempre un diseñador cuyo trabajo empezó con una obra escrita para crear una persona real" en la pantalla, explicó el comisario adjunto Keith Lodwick.
Una de las más famosas diseñadoras fue la estadounidense Edith Head, ganadora de ocho premios Oscar a lo largo de 50 años de carrera en Paramount y Universal, en los que llevó a cabo una larga colaboración con Alfred Hitchcock.
Cuando hicieron "Los pájaros" recibió la consigna de usar sólo el verde o el azul para el escaso vestuario del personaje interpretado por Tippi Hedren. Optó por el primero que consideraba menos agresivo para hacer el sencillo vestido con chaqueta a tono que la actriz lleva casi toda la película.
"La idea era que el público se olvidara de lo que llevaba. Pero hay un arte detrás de todo esto", explicó Lodwick.
La exposición, que presenta todos los modelos con maniquíes hechos a medida en diversas poses y con la imagen digital de la cabeza del actor, analiza también la evolución de la profesión a través de los radicales cambios que se han producido en el mundo del cine: del mudo al sonoro, del blanco y negro al color y, más recientemente, del celuloide al formato digital.
Y la conclusión es que desde el conjunto de pantalón ancho, chaqueta, bombín y bastón elegido en 1914 para caracterizar a Charlot en "The Tramp" (Charlot vagabundo), la labor del diseñador esencialmente no ha cambiado.
Con las imágenes generadas por ordenador, explica Lodwick, los diseñadores "siguen haciendo trajes para que lleven los actores, aunque cuando uno ve la película terminada son personajes creados por un animador".
Conseguir reunir todas las piezas de la exposición, prestadas por más de 60 instituciones o particulares, ha sido una "caza del tesoro" que ha durado cinco años.
Y el mayor botín son los "Zapatos Ruby" creados en 1939 por uno de los grandes diseñadores de vestuario de la Era Dorada, Adrian, para la protagonista de "El mago de Oz".
"Eran plateados en el libro, y el guionista los cambió porque creía que el rojo quedaría mejor en tecnicolor sobre una carretera amarilla. Y con ese golpe, se han convertido en parte de la mitología moderna", dijo Lodwick.
Aunque la exposición estará abierta hasta el 27 de enero, los zapatos sólo se quedarán cuatro semanas antes de regresar al Museo Smithsonian de Washington, del que son "la principal atracción".
"¡Esta es la magia del diseño de vestuario, vivir más allá de la película", concluyó el comisario adjunto.

Fuente: AFP


LA ONU MUESTRA LA TRADICIÓN ANDINA
A TRAVÉS DE LA FIGURA DE LA MUJER


Una mujer observa la obra escultórica "Doña María de Duchicela" de la exposición "Mujeres de los Andes", inaugurada hoy en la sede de la ONU en Ginebra y que incluye piezas de arte elaboradas por artistas originarios de los Andes rememoran la historia y los problemas de esta región a través de la figura de mujeres. EFE
Por Lourdes Abad

Ginebra, 18 - Piezas de arte elaboradas por artistas originarios de los Andes rememoran la historia y los problemas de esta región a través de la figura de mujeres, en una exposición que con el título "Mujeres de los Andes" se inauguró hoy en la ONU.
Los artistas reconstruyen la historia de esta región de América con pinturas, esculturas, tejidos y fotografías que reivindican la figura matriarcal de las mujeres indígenas, que se perdió con la colonización y que aún hoy día no se ha recuperado.
La comisaria y también artista expositora en "Mujeres de los Andes", Paulina Altuna, afirmó a Efe que esta exposición surgió cuando sintió la necesidad de que el pueblo latinoamericano, especialmente las mujeres, reconocieran las tradiciones y folclore andinos que se han conservado durante cinco siglos y recuperaran aquellos perdidos sin rechazar las aportaciones de la colonización.
"Las mujeres andinas tienen que saber de donde vienen. Reconocer su cultura milenaria sin rechazar su mestizaje, sus raíces españolas. Siempre ha habido un problema de falta de identidad", dijo la comisaria, de origen ecuatoriano.
Es esencial que las mujeres andinas contemporáneas entiendan "lo que son capaces de hacer" y rechacen todo tipo de violencia o exclusión por motivos de género al que son actualmente sometidas.
Y es que "en la época previa a la colonización eran las matriarcas, las que tomaban las decisiones de la familia y las que creaban el calor de hogar", argumentó la comisaria.
Altuna señaló que para recuperar esos valores precolombinos tuvo que recurrir a la figura de mujeres de la época, "pero había muy pocas representaciones" y por eso decidió "crear algunas basadas en mitos y documentos que describían a las mujeres de los Andes".
Ella presenta las esculturas de dos mujeres de la dinastía Shyris Duchicela, de la civilización precolombina Quitucara -que finalmente fue absorbida por la Inca-, que fueron la primera y la última reinas de Quito, "Princesa Paccha Shrys XVI" y "Reina Cori Duchicela".
Otra de las piezas de Altuna que muestra la valentía de las mujeres andinas es la escultura de "Doña María Duchicela", ya nacida en la época de la colonización y que fue conocida por ser una indígena guerrillera, bella, independiente, rica y ser la primera mujer en divorciarse legalmente en el Ecuador.
"Ella es la primera feminista de Ecuador. Ni en Europa se divorciaban las mujeres. Ella lo hizo legalmente y fue libre aunque nunca fue aceptada en sociedad", destacó la artista ecuatoriana.
Otras piezas de la exposición reflejan el importante papel de las andinas para almacenar en la memoria sus propias raíces a pesar de los numerosos peregrinajes de estas comunidades sobre los perfiles montañosos que recorren Ecuador, Argentina, Chile y Perú.
Rita Merino, maestra de Altuna, expone documentos coloniales de la Biblioteca Nacional de Ecuador que rescató "después de que fueran tirados a la basura".
"Los documentos son juicios que muestran las injusticias sociales que sufrían especialmente las mujeres andinas. Ella los ha transformado en obras de arte extendiendo las frases incompletas en dibujos. De su obra nace esta exposición. La solidaridad con las desigualdades y su denuncia", relató su discípula.
En esta misma línea, el chileno René Vásquez expresa de forma violenta, con colores oscuros en sus cuadros y esculturas de mujeres desgarradas, el sometimiento de la mujer y el machismo que se vive en la actualidad en Latinoamérica y que vivió en su propia casa.
"Mi madre me decía que había cosas que yo no podía hacer en la casa, que las tareas del hogar le correspondían a ella o a mi hermana. Cuando salí de Chile entendí que eso no era igual en todos los países y que había que cambiarlo", confesó Vásquez.
El artista dice que no sabe si sus obras resultaban bellas, como la escultura "Bailandina", una figura de mujer que parece que se rompe el vestido, mira al cielo y suspira.
Su intención es reflejar que el machismo continúa, incluso con violencia extrema en la región andina.
"La mujer andina sufre en silencio incluso hoy", denunció el artista, que añadió que esta exposición es una oportunidad para defender la importancia y la independencia de la mujer andina.

Fuente: EFE