LA RESERVA RIOJANA DEL ARTE

Museo de Bellas Artes “Octavio de la Colina”. Debieron pasar 60 años y varios cierres para que este rico reservorio de pintura volviera a brillar. Aquí, un recorrido guiado por su directora y artistas locales.



LOS INVITADOS DE Ñ AL MOC. Guzmán, Molina, Mercado Luna, Cortés Alvarez, Matzkin.

Por Julio Aiub Morales

Un día el museo municipal de Bellas Artes Octavio de la Colina, de La Rioja, revivió. Debieron pasar más de 60 años y varios cierres para que ello ocurriera. Esta “cigarra” riojana nació en 1951, con un previo Salón de Arte al que se presentaron algo más de mil obras, de las cuales se seleccionaron 499 de los artistas más importantes del país. La reinauguración se hizo con tres importantes muestras: Pensamiento visual, color y forma , de Miguel Dávila, Testimonio expresionista , de Miguel Angel “Toto” Guzmán y la muestra documental Abriendo caminos: orígenes del museo .

Entre los jurados de aquel concurso fundador estaban Raúl Soldi y Horacio Butler, en pintura, y Antonio Sibellino y Nicolás A. de San Luis, en escultura, junto a otros consagrados de la plástica nacional. El Salón se abrió en octubre del 50, con 323 pinturas, 79 esculturas y 97 grabados y dibujos.

Unos 20 mil vecinos –esa era la población de La Rioja entonces– sacudieron su modorra y ávidos de cultura pudieron encontrarse cara a cara con obras de Policastro, Pantoja, Basaldúa, Raquel Forner, Castagnino, Berni, Daneri, Presas, entre otras firmas importantes.

Entre los riojanos estaban Osmán Páez, Guzmán Loza, Elena Luque Vera y otros. Había esculturas de Antonio Devoto, José Alonso, Flora Florini, así como grabados y dibujos de otros consagrados.

El municipio adquirió 20 pinturas, 14 esculturas y 6 grabados y dibujos. Con ese patrimonio, el intendente Angel Vargas creó el museo, pero éste quedó en los papeles hasta que, en 1958, es convocado Miguel Dávila –quien ya vivía en Buenos Aires y luego sería uno de los fundadores de la Nueva Figuración– para dirigirlo. Realiza intensas actividades previas y logra abrir dos salas en 1960, en una casona en el centro de La Rioja, donde expone más de 40 obras prestadas por el Museo Nacional y otras tantas donadas por artistas amigos.

Luego, por los acontecimientos políticos y la desidia oficial el museo funcionó en distintas casonas y muchas de las obras de su rico patrimonio (de Ernesto Deira, Leopoldo Presas, Alfredo Portillos, Carlos Cáceres Sobrea, Mario Aciar, Carlos Cañas, Jorge Demirgian, Ezequiel Linares, entre otros), tanto cuadros como esculturas, se fueron deteriorando por un lado (hasta llegaron a estar en un polideportivo) y varios cuadros pasaron a adornar despachos oficiales y hasta casas particulares de funcionarios. Pero la cigarra –”coyuyo” se llama en el norte– tenía y tiene sus amigos.

Ellos mantuvieron vivo el espíritu del Octavio de la Colina, o MOC, como se lo llama ahora. Así, en 1999 tiene su sede propia y en 2004, retoma su patrimonio. Luego es cerrado para su refacción integral, adecuada a una propuesta museológica, según el ICOM. “Pero igual el museo siguió vivo –comenta su directora Ana Mercado Luna–, llevamos las obras a la plaza principal. Y logramos que las autoridades municipales entendieran la importancia del patrimonio que tiene el Museo”. Así se obtuvo un sector de la céntrica y antigua Estación Sanitaria. Hoy, reinaugurado después de dos años de permanecer en refacciones, un grupo de artistas eminentes riojanos lo recorre, junto con Ñ, para subrayar su peso e influencia en la cultura de la provincia. Para la escultora Martha Cortés Alvarez, el museo logró sobrevivir porque “hay un contrato social” entre la entidad y la sociedad donde se desarrolla, que privilegia “el contacto directo con una obra real”.

“La clave es darse ingenio” para que ese contrato siga vigente en el tiempo, porque “no es sólo cuestión de plata. Tenemos un grupo de amigos del museo, no organizados jurídicamente, que es anterior a nosotras mismas. Fue la comunidad la que lo sostuvo”. El pintor Pedro Molina, otro de los convocados al recorrido, señala que “es saludable no depender del Estado” y su colega Diana Guzmán, acota que “en otras provincias, los museos se han logrado independizar”. Cecilia Matzkin, pregunta “cómo se amplía una institución si el Estado no destina fondos para sostenerlo. Entonces hay que recurrir al merchandising, a las donaciones, a las ONGs”.

El “Octavio” sobrevivió asimismo gracias al ingenio: “para la inauguración, en el 58, Dávila me contó que tuvo que jurarle a Romero Brest que tenía seguros para que el mandara los cuadros.

Y en otra oportunidad, hasta bailó una zamba, porque vino un conjunto folclórico”, cuenta Cortés Alvarez. Otra de las claves de la supervivencia del MOC fue y es “el filtro de calidad, que hay que mantener y elevar”, dice Mercado Luna y “no esperar encontrar aquí lo mismo que en la tele”, acota Molina. Guzmán, que es docente, señala que los alumnos de arte estaban con expectativa por la reapertura “pero no tienen en claro qué es un museo. Por ejemplo, yo le encuentro cada vez más cosas a Dávila. Es un disfrute a largo plazo”.

Para ella, además, “hay que revalorizar a los curadores, son cada vez más necesarios”, pero “no hay que caer en el estrellato del curador, porque eso opaca al artista y su obra, su mensaje”, puntualiza Matzkin. Ahora La Rioja y la región cuenta con un museo “redimensionado, readecuado a una propuesta museológica, basado en las pautas del Consejo Internacional de Museos –enfatiza Mercado Luna– con lo que esperamos superar el drama de los altos y bajos del Octavio”. Sueña con que la próxima muestra en el ala de Grandes Maestros de la Pintura sea la de Carlos Cáceres. Claro que habrá que conseguir los fondos para el transporte..., y el seguro.

Fuente: Revista Ñ Clarín

TRAS LOS PASOS DE BORGES

Homenaje. El curador Alfons Hug convocó al inglés Anthony McCall y al alemán Mischa Kuball a rendir tributo a “El Aleph” en el Faena Arts Center. El resultado son bellas, gigantescas instalaciones de luz.

Space-Speech-Speed, 1999/2013. La instalación del alemán Mischa Kuball.

Por ANA MARIA BATTISTOZZI

 

Tal como le había sido indicado, Borges se incomodó frente al escalón número 19 que llevaba al oscuro sótano de la casa de Beatriz Viterbo en la calle Garay. La promesa de ver el Aleph no le había disipado el temor de estar a merced de un loco. Pero a poco de asumido, el riesgo le deparó su recompensa: cerró los ojos y al abrirlos tuvo la insospechada visión. Vio la pequeña esfera tornasolada, de “casi intolerable fulgor que albergaba múltiples espectáculos”. El “populoso mar, el alba, la tarde; las muchedumbres de América, una plateada telaraña en una negra pirámide, un laberinto roto, e interminables ojos escrutándose en él como en un espejo. Todos los “espejos del planeta y ninguno que lo reflejara”. Vio en un “traspatio de la calle Soler las mismas baldosas que hace treinta años había visto en el zaguán de una casa en Fray Bentos, racimos, nieve, tabaco, vetas de metal, vapor de agua, convexos desiertos ecuatoriales y cada uno de sus granos de arena”. Vio todo eso y mucho más en el escaso diámetro de dos o tres centímetros que le mostraba en “cada cosa infinitas cosas porque claramente la veía desde todos los puntos del universo”.

¿Cómo trasladar este caudal de imágenes literarias a un equivalente visual? ¿Cómo plasmar en una instalación contemporánea esa percepción infinita de todos los espacios y todos los tiempos? El desafío asumido por el curador alemán Alfons Hug en el Faena Arts Center al convocar al artista alemán Mischa Kuball y al inglés Anthony McCall es enorme. Los dos artistas, que trabajan con el tiempo y la luz, adaptaron en Buenos Aires dos trabajos suyos previos en homenaje al célebre relato de Borges. Publicado por primera vez en 1945 en la revista Sur, el Aleph ha sido objeto de tantas lecturas e interpretaciones que tornan muy compleja la cuestión.

Hace tiempo escuché al cineasta británico Karel Reisz afirmar que muy pocas veces un gran relato literario había logrado plasmarse en una buena película y que, por el contrario, folletines de tono menor habían llegado a transformarse en grandes hitos de la historia del cine. La observación viene a cuento por la dificultad que reviste la traducción. Aunque en verdad el relato borgeano no estuvo en la génesis de ninguna de las dos obras presentadas en Buenos Aires sino que su confluencia responde más bien a una idea del curador. Y todavía más, al oscurecer los espacios del FAC para hacer lugar a las intervenciones de ambos artistas, Alfons Hug no tuvo en mente sólo la extraordinaria visión del Aleph sino una tradición más larga de luces y sombras, descensos e imágenes proliferantes que remiten tanto a la alegoría de la Caverna de Platón, como al “purgatorio de Dante” o al propio laberinto de circularidad infinita de Borges. Podría decirse que cada uno de los artistas convocados traduce esa genealogía con mayor o menor acierto.

La versión de Mischka Kuball es ciertamente la de aproximación más problemática. Adaptada al interior del FAC, su obra “Space-Speech-Speed” se materializa en varias esferas de espejos, como las que producen brillos múltiples en las discos, que dispersan las tres palabras que lleva por título, en un espacio que se expande al ritmo de un giro que no cesa. Si bien el desplazamiento veloz de las letras podría aludir al confesado temor infantil de Borges a que las letras se escapen de los libros durante la noche, el recurso para lograrlo, tan banalizado por los efectos DJ, disuelve la sutileza que demanda cualquier asociación con esa fantasía.

Between You and I. Anthony McCall hizo en el Faena Arts Center una nueva versión de la instalación que presentó en 2006 en la Round Chapel de Londres.

El tropiezo quizá radique en no advertir que la obra de Kuball se orienta hacia claras implicancias de orden político que operan como consignas. Las palabras que giran sobre la cabeza del visitante lo sugieren y lo confirma el propio artista, aunque el sentido que él le imprime a la obra pueda no ser definitivo: “En estos tiempos la gente está recobrando sobre todo el espacio público que se encontraba muy controlado por la economía y los políticos”, se entusiasma Kuball mostrándose al tanto de los conflictivos itinerarios que atravesó nuestro país desde el 75 en adelante. En ese sentido pareciera entenderse la fuga incesante de las palabras “Space-Speech-Speed” que en su obra, opera como aliento al libre accionar democrático. No cabe duda de que la libertad de expresión y movimiento de la sociedad es algo que le interesa particularmente. Pero cuando se le interroga por la relación de su obra con el Aleph, responde que en realidad la adaptación realizada a instancias de Alfons Hug para el Faena, (espacio connotado política y socialmente si los hay) debiera ser tenida sólo como punto de partida para trabajos ulteriores que seguramente incluirán otras áreas que reflejen otros estamentos de la sociedad como en otros proyectos suyos. Cabe recordar que una de las interpretaciones del Aleph ha vinculado su ubicación en un sótano de un barrio del Sur con la particular predilección de Borges por los arrabales y las literaturas de culturas periféricas no europeas.

Pero volviendo al punto de origen, la intervención de Anthony McCall, una adaptación de “Between You and I”, la instalación que realizó en abril de 2006 en la Round Chapel de Londres, revela por muchas razones una afinidad más estrecha con el relato borgeano. Desde una sensibilidad común y la propia experiencia que propone, la obra, situada en el cruce entre el cine, la escultura y el dibujo, es una sucesión de delicados velos que acogen al espectador. Es cine porque depende de un desarrollo temporal y al mismo tiempo es escultura porque articula formas tridimensionales que invitan a recorrerla, rodearla o penetrar su interior. Por último son dibujos en movimiento que se proyectan con un haz de luz del techo al piso. No es una cuestión menor que la pieza involucre al cuerpo del espectador, seduciéndolo y asimilándolo como la incomodidad primera que impone la visión del Aleph. McCall, cultor de prácticas performáticas, fue modelando su pensamiento por la necesidad de los registros fílmicos que esas prácticas requerían y que terminaron definiendo su adscripción a la vanguardia del cine de los 70. A ese momento se remonta su pieza “Line describing a cone”, en la que aparece por primera vez la forma escultórica evanescente, como resultado de la proyección de la luz. Transcurridos casi cuarenta años –de los cuales pasó veinte sin mostrar nada– la levedad de su obra se ha afirmado tanto como su rotunda presencia inmaterial. Seguramente allí está la sutil conexión con el Aleph.

 

Anthony McCall básico

Londres, 1946. Artista plástico.

Es reconocido por sus instalaciones de luz sólida –una serie que comenzó en 1973 con su obra seminal “Line Describing a Cone”– en la que una forma volumétrica de luz proyectada evoluciona en el espacio. Ocupando un espacio entre la escultura, el cine y el dibujo, sus trabajos se han exhibido en el Pompidou de París, la Tate de Londres, el Whitney y el MoMA de Nueva York, el Museum Moderner Kunst de Viena, y el Museo Hirshborn de Washington, entre otros. Anthony McCall vive y trabaja en Manhattan.|

Mischa Kuball básico

Düsseldorf, Alemania, 1959. Artista plástico.

Utiliza la luz como medio para explorar el espacio arquitectónico y el discurso político y social en sus instalaciones y fotografías. En sus proyectos, el espacio público y privado se funden hasta volverse indistinguibles, dando lugar a una plataforma para la comunicación con el público. Sus trabajos se exhibieron en Bauhaus Dessau, en el Museo Judío de Nueva York, en Berlín, en Tokio y en el Centro Pompidou-Metz. Desde 2009, desarrolló una serie de instalaciones site specific llamadas “Public Preposition”. Vive y trabaja en Dusseldorf.

Ficha
Anthony McCall / Mischa Kuball
El Aleph
Lugar: Faena Arts Center, Aimé Paine 1169
Fecha: hasta el 28 de octubre
Horario: sábados a lunes, 12 a 19
Entrada: $40; menores de 12, gratis;
estudiantes y jubilados, $ 20; lunes, gratis

Fuente: Revista Ñ Clarín

Fotos 3, 4, 5 y 6:  Reuters

RECELO POLÍTICO EN LA BIENAL DE MOSCÚ

La bienal, que cierra el 20 de octubre, es moderna y energética, abierta a un público entusiasta, pero parece sumamente cautelosa en cuanto a los inconvenientes políticos y burocráticos que puedan atraer la ira de las autoridades en la Rusia de Vladimir V. Putin.

Un montaje tranquilo de protestas, creación del artista irlandés Tom Molly.

Por STEVEN LEE MYERS
The New York Times

 

Hubo algunas complicaciones cuando el artista conceptual estadounidense John Baldessari trajo sus últimas obras a Rusia como parte de la Quinta Bienal de Arte Contemporáneo. Primero, el título de su proyecto, Double Take, no era fácil de traducir al ruso, de modo que se cambió por 1+1=1.
Más problemático todavía fue el hecho de que dos coleccionistas se negaran a prestar obras de Baldessari para la muestra. Adujeron temores por el entorno político en Rusia, como el asilo otorgado al denunciante de archivos de seguridad Edward J. Snowden, la adopción de una ley contra la "propaganda" gay y la acusación contra Pussy Riot, el colectivo de arte punk. "No he tenido ningún tipo de problema personal", dijo Baldessari, de 82 años, en una entrevista en Garage, una galería cerca de Gorky Park. "Pero sé que el clima está".
La bienal, que abrió en septiembre y continuará hasta el 20 de octubre, sintetiza ese clima. Es moderna y energética, abierta a un público entusiasta, pero parece sumamente cautelosa en cuanto a los inconvenientes políticos y burocráticos que puedan atraer la ira de las autoridades en la Rusia de Vladimir V. Putin.
Desde su inicio en 2005, la bienal ha marcado cuidadosamente un camino entre la ambición de los organizadores de transformar a esta ciudad en un centro internacional de arte contemporáneo y el conservadurismo de un país donde la línea entre lo aceptable y lo inaceptable puede ser muy delgada.
Apenas un mes antes de la inauguración de la bienal, funcionarios de San Petersburgo confiscaron cuatro pinturas de una galería en vísperas de la reunión anual del Grupo de los 20. Una representaba a Putin con un camisón rosa de mujer, peinando a quien fuera su protegido, el primer ministro Dmitri A. Medvedev, que aparecía con corpiño y panties. El artista, Konstantin Altunin, huyó rápidamente a Francia. Por el contrario, ninguno de los artistas elegidos para exponer en la bienal aprovechó la oportunidad para abordar directamente los problemas cotidianos.
En comentarios inusualmente francos, Ivan I. Demidov, viceministro de cultura, describió el auspicio dado por el ministerio a la bienal como un honor y a la vez una carga. "Me da la sensación de que cuando el gobierno, una estructura por definición conservadora, apoya la actividad, especialmente relacionada con temas tan sensibles a nivel de la sociedad como la cultura y el arte, sobre todo el arte moderno, hay cierto grado de riesgo", dijo. "Quizá para ambas partes".
La curadora del evento de este año, Catherine de Zegher, que actualmente vive en Bélgica, no es ajena a la política. Durante nueve años fue directora del Centro de Dibujo de Nueva York al que renunció cuando los funcionarios hicieron naufragar los planes de trasladarlo al lugar donde se hallaba el World Trade Center. El contenido de algunas exposiciones del Centro de Dibujo había desatado tanta furia que los críticos llegaron a afirmar que el centro era antipatriótico y no tenía cabida en la Zona Cero.

El artista chino Song Dong armó una instalación con todo el contenido de la casa de su madre.

En los primeros 5 días de la bienal, más de 18.000 personas circularon por la sede principal de la muestra en Manezh, una histórica academia de equitación a pocas cuadras del Kremlin que fue transformada en museo en la década de 1950. Docenas de exposiciones simultáneas también se desarrollan en galerías de todo Moscú, como la de Baldessari en Garage, que presenta 44 de sus pinturas.
Para la exposición principal en Manezh, De Zegher reunió obras de 72 artistas del mundo entero. El hall central del edificio de Manezh se transformó en un laberinto de galerías con vistas de las torres del Kremlin a través de los ventanales que miran al sur. El tema de la bienal es "Bolshe Sveta", o "Más luz", que De Zehger describió como una reconsideración del tiempo y el espacio en un mundo donde ambas cosas parecen cada vez más invadidos por la tecnología y la explotación.
Demidov, que prohibió la proyección de una película serbia titulada Clip el año pasado debido a sus descripciones del consumo de drogas y el sexo, dio su apoyo al tema, diciendo que "enternece especialmente nuestras almas burocráticas".
Ahora que las prohibiciones rusas sobre la libre expresión han atraído críticas internacionales, como convocatorias a protestas o exhortaciones a un boicot de los Juegos Olímpicos en Sochi en febrero próximo, De Zegher dijo que ella evitaba los temas abiertamente polémicos. "No hubo nada que me impidieran hacer pero algunas cosas exigieron una negociación", dijo. "Creo que hay más autocensura que censura." El canal de la televisión estatal Kultura ha elogiado la bienal por sus "valores positivos, su ánimo positivo y su fantasía ilimitada". Otros, sin embargo, se quejaron de que el evento sacrificó la potencia artística en aras de la conveniencia.
Dmitri Pilikin, crítico de arte de San Petersburgo, cuestionó la selección realizada por los organizadores. "El arte contemporáneo está centrado principalmente en la negación", dijo. "Hacer un proyecto que saca semejante conclusión positiva es un riesgo, porque lleva a preguntarse: ¿Hasta qué punto es auténtico? ¿No es acaso un intento de recrear para nosotros algún tipo de kitsch glamoroso estalinista?" De Zegher objetó el comentario si bien reconoció que prefiere la sutileza a la agresión manifiesta. "No me gusta la provocación, en realidad, porque frena todo", dijo.

Algunas obras de temática política son tan discretas que es muy posible que sean pasadas por alto. El artista irlandés Tom Molloy, por ejemplo, montó pequeños recortes fotográficos de protestas del mundo entero sobre un largo estante en lo que parece ser una enorme marcha de protesta en miniatura. "Si se mira atentamente, se ve que hay mucho cuestionamiento y crítica", dijo De Zegher. "Es el público el que debe mirar".

Fuente: Revista Ñ Clarín

ÉRASE UNA VEZ EL IMPERIO BRITÁNICO

Historia. Un trabajo notable del investigador Richard Gott revela el papel del aparato político y militar inglés en el mundo, incluso en Malvinas. También cuenta las resistencias que generó.

Presencia permanente. El mapa muestra los alcances de una narrativa llena de sangre y muerte que se desparramó por el mundo entero.

Por Isidoro Gilbert

Carlos I, rey de España, pudo decir que “en mis dominios nunca se pone el sol” pero también y más sólidamente lo podrían haber repetido varios monarcas británicos, particularmente la reina Victoria.

El sistema colonial británico que comienza a emerger en el siglo XVI, se afianza en el XIX y es una etapa clave de la historia mundial. Sobre ese proceso, que nos alcanzó desde la independencia hasta no hace demasiado tiempo hay una extensa literatura y también definiciones: Vladimir Lenin colocó a la Argentina como modelo de independencia política formal y dependencia del imperio británico y a su manera lo dijo el vicepresidente Julio Roca cuando firmó en Londres el pacto económico con Runciman. La política argentina de los años 30 fue signada por ese acuerdo que fue fustigado por Lisandro de la Torre, Raúl Scalabrini Ortiz, la agrupación Forja, los hermanos Irazusta y la izquierda.

La editorial Capital Intelectual editó El imperio británico, trabajo encomiable del historiador inglés Richard Gott quien ha narrado ese largo proceso histórico desde “abajo”, es decir, a partir de las resistencias que en todos lados encontraron las invasiones militares, el método dominante en esta saga, en los cinco continentes. Precisamente el trabajo de Gott lleva como subtítulos “Resistencia, represión y rebeliones. El otro lado de la historia”.

Digamos que el autor es especialista en asuntos latinoamericanos: escribió libros como Guerrilla movements in Latin America en 1970, así como Cuba a New history o Hugo Chavez and de Bolivarian Revolution . Es integrante del South American Council, un grupo d e intelectual es y políticos que quieren que Gran Bretaña y la Argentina negocien sobre las islas Malvinas.

Extraña por ello que el trabajo no aborde la irrupción de la corbeta de guerra Clio , al mando del capitán Onslow en enero de 1833 en las Malvinas, ni la resistencia que presentó la pequeña guarnición y sobre todo los gauchos como Antonio Rivero que pudieron reconquistar el control de las islas. O, más tarde, la resistencia a la irrupción naval franco-británica que produjo la Vuelta de Obligado.

Cuenta Gott la resistencia a las dos invasiones inglesas de los vecinos de Buenos Aires, en su mayoría “indios y mestizos de distintas razas, descritos de formas diversas como pardos, morenos y chinos”. Pero también se refiere a la rendición “en diez días y (que) cincuenta y ocho miembros de la elite gobernante se prestaron a jurar obediencia al rey George”. Las derrotas militares de las tropas británicas frente a reacciones populares no fueron infrecuentes, pero durante largo tiempo han sido transitorias. Otro caso de catástrofe definitiva fue Afganistán donde la colonia debió dejar el territorio pese haber ocupado Kabul.

Gott analiza las contradicciones que Londres tuvo con París, pero también con el reino de España u Holanda en la faena de colonizar India o Norteamérica y el Caribe, diferencias que se buscó amortiguar con repartos de territorios en diferentes conferencias internacionales que siempre fueron violadas, especialmente por Gran Bretaña. Es muy descriptiva la narración del proceso independentista de las 13 colonias del Este norteamericano, preñado de matanzas de las naciones de naturales como “los cheroquis, un pueblo montañés que vivía en los Apalaches” y “eran la mayor nación americana nativa en las fronteras de la América británica, que en enero de 1760 protagonizó una gran rebelión en Carolina del Sur, luego de que una afluencia de colonos amenazara con incautarse de más tierras”.

La extensión territorial fue para los colonos, dice Gott, la principal razón histórica de la declaración de la independencia en 1776 encabezada por George Washington, “gran terrateniente y propietario de esclavos” y no los impuestos, entre ellos al té. Por ello las naciones nativas, aliadas a veces con los franceses, se unieron a los británicos contra los colonos que tuvieron como meta la liquidación de los aborígenes.

Resistencias antiimperiales 

Es una narrativa llena de sangre y muerte, igual que la “guerra del opio” para abrir los puertos chinos a los mercaderes británicos o la resistencia musulmana en varios países árabes, de negros en Africa, el reclutamiento de esclavos que inauguraron ingleses y europeos, mano de obra vil que cuando no pudo sostenerse se reemplazó por hindúes y chinos, como ocurrió en el oeste de EE.UU., Guyana, isla Mauricio, Sudáfrica.

Richard Gott utiliza el término “imperialismo”, un fenómeno que surge con el predominio del capital financiero y el desarrollo del capitalismo. En rigor, debería referirse al coloniaje. Su trabajo agrupa una diversidad de rebeldías y de luchadores de la resistencia en el curso de los años 1755 a 1857 con nombres que entraron en el olvido.

Precisamente el libro ha querido recuperar para la memoria histórica lo que no se incluye “en los registros imperiales”, aunque en algunos países ciertas figuras están en el terreno de las leyendas.

Lo que recorre los episodios narrados por Richard Gott es un hilo de resistencia de los rebeldes, indios, irlandeses, africanos, árabes, caribeños, maoríes, etcétera, que fueron ocupantes de las tierras que les arrebataron. Dice el autor que las primeras luchas de mediados de la década de 1750 en la India y América del Norte “no fueron sino un anticipo de las rebeliones que ocurrirán en los años posteriores, mientras los tentáculos imperiales de Gran Bretaña se extendían en nuevas regiones del mundo”. Ya se sabe: en la mayoría de los casos las luchas terminaron mal, pero en ocasiones, esa resistencia defensiva fue efectiva.

Los esclavos de Haití derrotaron a los ocupantes ingleses y los obligaron a irse; esclavos rebeldes en otras partes del Caribe ayudaron a acelerar el fin de la esclavitud, la incorporación de Latinoamérica por la fuerza fue una tarea perdida, a excepción de Belice, Guayana, algún enclave que subsiste en las Antillas y las islas Malvinas. Los que tuvieron más éxito—sostiene—son los colonos rebeldes blancos, no las naciones indígenas. Con todo, si en Norteamérica los colonos pudieron triunfar, no ocurrió igualmente en Australia o Sudáfrica. Los colonos canadienses no lograron con sus luchas la independencia pero sí la autonomía, y los ejemplos son variados.

Gott da pistas de hechos históricos que dejaron huellas hasta nuestros días. Luego de la invasión a Egipto en 1882, “la oposición islámica brotó en Oriente Medio y en el mundo árabe. La oposición nacionalista a la invasión alimentaría una tradición antibritánica que sobreviviría a través de los años”. Un líder de la resistencia, el coronel Ahmed Arabi alertó que los mahometanos consideraban a Egipto como la llave a la Meca y Medina “y todos están obligados por su ley religiosa a defender estos lugares sagrados”.

El llamado de Ahmed Arabi a una jihad fue ignorado entonces pero rebrotaría más tarde en todo el mundo árabe. El imperio británico como fue alguna vez concluyó formalmente en los años ‘60 del siglo pasado, “pero su infeliz legado está presente en el mudo actual” donde subsisten conflictos en lo que fueron territorios coloniales.

Fuente: Revista Ñ Clarín

LA PINTURA ESENCIAL DEL "GOYA" TUCUMANO

Maestro. Gerardo Ramos Gucemas prepara, a los 71 años, la consumación de su gran exposición en el Museo de Bellas Artes Timoteo Navarro de Tucumán.

Gucemas, en su lugar de trabajo. El artista tiene claro que "el cuadro que vale es el que aporta alguna inquietud".

Por Rubén Elsinger

Vivió aquí más de la mitad de sus 71 años, pero viéndolo y escuchándolo hablar uno no se convence de que sea “más argentino que español”, como él asegura. Cabellos y barba blancos que alguna vez fueron rubios, chispeantes ojos celestes, vozarrón ronco, casi un rugido, en el que unos pocos fonemas tucumanos incrustados sucumben a la dicción ibérica, el pintor Gerardo Ramos Gucemas es para todos “el Gallego”. Aunque no acierten con el apelativo, pues en realidad es oriundo de Extremadura.

Inconfundiblemente española es también su pintura. Sobre todo la que él llama su “pintura esencial” para distinguirla de sus retratos, paisajes y naturalezas muertas. Esos cuadros de habilísima factura, carnales y cruentos, en los que el colorido vibrante y una luz implacable parecen coagular la violencia que la opresión o el deseo ejercen sobre unos cuerpos vulnerados. Cuadros que “rara vez se venden”, acota, pero que le valieron –prácticamente desde que pisó la Argentina, hace 42 años– un entusiasta reconocimiento de espectadores, jurados de importantes concursos y críticos, que lo posicionó en un lugar destacado entre los artistas plásticos activos en el país. Gucemas tiene muy clara la filiación de su manera de pintar: “Soy hijo de Goya; él es mi padre putativo”, afirma.

No había cumplido los 20 cuando “descubrió”, juntos, a Goya y Madrid. Por entonces hacía la “mili” en esa ciudad, ganaba un premio en un concurso de tarjetas navideñas, retrataba a un coronel y su familia y visitaba a diario el Museo del Prado, cuyos bedeles se habituaron a verlo pasar horas en las salas dedicadas a las Pinturas negras del genial zaragozano.

Vástago de una familia campesina, Gucemas había crecido en su Llerena natal –antigua sede de la Santa Inquisición y hogar de Zurbarán, el gran pintor religioso del Siglo de Oro– indiferente al pasado del pueblo. Sólo la alta torre mudéjar de la Iglesia de la Virgen de la Granada atraía la atención del niño Gerardín, que la dibujaba una y otra vez con una destreza que confirmaría después como retratista de sus tíos abuelos. Más tarde, los libros que dejó un profesor difunto y de la biblioteca pública le abrieron ventanas hacia otros mundos. Convirtió el “doblado” (desván) de su casa en su taller de sueños adolescentes y se tornó una celebridad local cuando uno de sus retratos del “tonto del pueblo” se exhibió en la principal tienda.

“Después de Goya, fui otro. En esas horas en El Prado sentado en esos bancos sin respaldo, pensando a partir de su obra, descubrí qué hacer con la pintura y mi propio mundo”, recuerda Gucemas. Lo que al joven pintor se le reveló fue un concepto no formalista ni constructivista de la pintura al que se mantuvo fiel desde entonces: “Sin ideas ni emociones la pintura no puede existir; debe romper con el buen gusto y decir cosas. El cuadro que vale es el que aporta alguna inquietud, algún malestar; algo que haga sospechar que las cosas, que el mundo, no están bien”, proclama.

Corrían ya los años 60 y se quedó en Madrid. Mientras se ganaba la vida haciendo grabados químicos sobre metal para una fábrica de Barcelona, realizó algunas muestras y tuvo que soportar la censura del régimen, que reprimía lo que consideraba, con en su caso, pintura “fea” o “agresiva”. Adhirió a la Asociación Libre de Artistas Plásticos Españoles, que dirigía el escultor Eduardo Chillida, y participó en contestaciones al franquismo que ella organizaba, como “sentadas” en El Prado y muestras callejeras de grabados.

En 1968 conoció en Madrid a la tucumana Imelda Cuenya, con la que se casó al año siguiente y se embarcó hacia la Argentina en 1971, harto ya del franquismo. Echó nuevas raíces en Tucumán, donde en cuatro décadas produjo sin pausa (aunque no sin sobresaltos durante la última dictadura militar) una extensa obra que periódicamente exhibió en galerías, salas y museos de diversas capitales provinciales y de Buenos Aires, a veces en grandes muestras retrospectivas, como la que hizo en 2004 en el Museo Sívori. En 2011, la diputación de Badajoz, su provincia española, le rindió homenaje con una importante exhibición de sus cuadros. Para 2014, Gucemas planea hacer otra gran exposición en el Museo de Bellas Artes “Timoteo Navarro” de Tucumán para mostrar los frutos más recientes de su labor incesante.

Trabaja al mismo tiempo en decenas de cuadros, que comienza sin ningún plan: “Simplemente, me tiro a la pileta”, metaforiza. Y confiesa, al desmenuzar cómo funciona la “cocina” de su pintura: “Lo que más odio es la tela en blanco”. Por eso, cuenta, comienza “ametrallándola” y “abofeteándola” con pintura y luego deja “que esa superficie así excitada empiece a tirarme ondas, que las manchas entablen relaciones entre ellas y las ideas vayan incorporándose a partir de indicadores temáticos que surgen solos”.

Gucemas está al tanto de que lo que pasa en el arte a nivel mundial (“Ahora, con Internet, puedo entrar desde aquí a todas las galerías de Nueva York o de Berlín”, explica), pero a esta altura de su vida, advierte, “ya tienes claro qué debes hacer y, más aún, qué no debes hacer”. Es consciente, también, de que tal vez habría logrado un reconocimiento mayor de su obra si la hubiese producido en un lugar menos periférico. Sin embargo, no lo lamenta: “Me gusta la vida de provincias. Estoy cómodo. Sigo haciendo en mi taller tucumano lo mismo que hacía en el doblado de mi casa en Llerena”, constata con una sonrisa.

Fuente: Revista Ñ Clarín

16 AÑOS DE ESPERA Y BUROCRACIA PARA EL MOLINO

Patrimonio

El 15 de octubre la cátedra de Introducción a la Arquitectura Contemporánea de la FADU – UBA realizará una intervención sobre la fachada de la ex confitería para alertar sobre el estado del edificio.

EL MOLINO. El edificio de Francisco Gianotti lleva cerrado 16 años y su deterioro es notable.

Por Federico Ambrosio

A 16 años de su cierre, el edificio de la ex confitería El Molino espera silencioso, olvidado y enredado en una telaaraña de burocracia y desidia por parte de las autoridades, tanto de la Ciudad como del Gobierno Nacional. Con la intención de revertir este proceso y alertar sobre el estado del edificio, la cátedra de Introducción a la Arquitectura Contemporánea, a cargo del arquitecto Marín Marcos, convoca a realizar una intervención sobre la fachada de la ex confitería. Con este llamado busca establecer un contacto entre la sociedad y el patrimonio arquitectónico.
La convocatoria, organizada por docentes y alumnos de la FADU, tiene como particularidad que llama a los interesados a asistir con tazas de té o pocillos de café, las que al finalizar el evento serán colgadas sobre la valla metálica que cubre la fachada del edificio de la ex confitería El Molino.
Ubicada en la esquina de avenida Callao y avenida Rivadavia, se realizará una charla informativa sobre el valor arquitectónico y patrimonial del edificio. Hacia el cierre se harán sonar las tazas y pocillos como símbolo del vacío existente que provocó el cierre de la mítica confitería, construida en 1916.
Obra del arquitecto italiano Francisco Gianotti, el edificio de estilo antiacademisista manifiesta la recurrencia de pináculos y arquerías, particularmente su cúpula de 65 metros de alto y los arcos en voladizo.
Compañero de Palanti, autor del Palacio Barolo, Gianotti era considerado en el ámbito local un contestatario de la academia. De su perfil profesional queda claro que perteneció a esa legión de constructores italianos que no había formado parte del círculo de la Sociedad Central de Arquitectos.

Fuente: clarin.com

LA COMUNIDAD ITALIANA RECLAMÓ POR LA ESTATUA DE COLÓN EN SU DÍA

Reunidos por el 12 de octubre, volvieron a exigir que no sea trasladada a Mar del Plata.

Banderas. La italiana y la argentina, junto a la plaza donde el Gobierno desarmó el monumento. / FERNANDO DE LA ORDEN

El himno argentino, el himno italiano y el canto de todos: “Colón no se va, Colón no se va, no se va, Colón no se va”. Con la estatua de Cristóbal Colón desmantelada de fondo, unas cien personas participaron ayer del acto convocado por las distintas instituciones que representan a la comunidad italiana en el país. Fue para recordar la llegada del navegante genovés a América y para reclamar que el monumento no se traslade a Mar del Plata para emplazar en su lugar un homenaje a Juana Azurduy, tal como había solicitado la Presidenta a principios de este año.
“En este siglo XXI donde ya hemos superado muchas barreras ideológicas, religiosas y de muchos prejuicios, hoy no deberíamos estar formulando distintas antinomias entre los pueblos originarios y el aporte de la cultura europea al desarrollo de este continente. En todo caso ambas culturas son complementarias y han generado un aporte esencial y abierto, un gran potencial para el desarrollo de este nuevo continente”, decía uno de los párrafos del documento que leyó Darío Signorini, presidente de FEDIBA, también firmado por las organizaciones Fedital, Feditalia, Facia y Comites Bs. As. Del encuentro participaron representantes de ONG como Basta de Demoler y Salvemos a las Estatuas, y hubo críticas al Gobierno de la Ciudad por su falta de colaboración en la organización.
“El 12 de Octubre es el día del descubrimiento de América y se valida la teoría de un gran navegante como ha sido Colón. Por otra parte, reivindicar este acto de amor que significó para nuestra comunidad haber donado esta obra de arte al pueblo argentino con motivo del primer centenario de la Revolución de Mayo”, agregó Signorini.
Michele Munno, un calabrés que llegó al país en 1951 y todos los 12 de octubre participa de los festejos en el monumento, estaba conmovido. “Es una indignación tremenda, lo veo como una provocación. Es absurdo completamente. A pesar de todo soy optimista, creo que Colón va a seguir acá arriba, mirando al río, de donde vino”, expresó.
Entre los asistentes había gente con banderas y carteles, como Julián Luis Ortuondo. “Vivo en Estados Unidos, pero hace un tiempo que estoy acá. Allá hoy es el Día de Colón, Columbus Day, el día del nuevo mundo creado por este genio que está acá atrás. Esa comunidad celebra la diversidad. Acá hoy se lamenta el odio, esa es la gran diferencia. Mi mujer es de Colombia y hoy allá es un día de fiesta, en América es un día de fiesta. Es un día de gran alegría porque todos los que estamos acá no existiríamos si no fuera por este hombre que está ahí”, se sumó.
En los últimos días volvió a ingresar una grúa al predio de la Plaza Colón, y tapiaron la parte baja del monumento. Según anticipó a Clarín Horacio Savoia, abogado que presentó uno de los amparos para impedir el traslado, la jueza que interviene en la causa ya ordenó correr vista a la fiscal para que opine sobre la cuestión de fondo: si el monumento está bajo la órbita de la Ciudad o de la Nación. “Todo hace pensar que estamos cerca de una definición”, apuntó. Los primeros días de septiembre se había prorrogado por tres meses o hasta que se defina la cuestión de fondo la cautelar que impide sacar la estatua de esa plaza.

Fuente: clarin. com


LA ESTATUA DE JUANA AZURDUY ESTARÁ LISTA EN ENERO

Tendrá nueve metros y medio de alto y un peso de ocho toneladas

 Andrés Zerneri trabaja sobre la escultura de Juana Azurduy que
 tiene 9,5 metros de alto. Foto: LA NACIÓN

En el fondo de uno de los galpones de la ex ESMA, el escultor Andrés Zerneri trabaja en el molde de yeso de una imponente escultura de 9,5 metros de altura y alrededor de 8 toneladas de bronce que, según estima, estará finalizada en enero del año que viene: el monumento a Juana Azurduy. A finales del año pasado, el gobierno de Bolivia convocó a Zerneri para encargarle la obra, con el fin de donarla a nuestro país.

Tras meses de trabajo conjunto y el aporte de historiadores y escultores bolivianos, Zerneri llegó a la imagen final de la heroína de la independencia. En el monumento puede verse a una Juana Azurduy combativa, que lleva una espada en la mano izquierda y que carga a uno de sus hijos en la espalda. Con la mano derecha, en un gesto protector, cuida a los niños y al pueblo que la siguen.
A partir del mes que viene, una vez que la matriz esté terminada se avanzará en la fundición del bronce y el ensamblado final, lo que tomará cuatro meses de trabajo, estima el artista.
Zerneri aseguró que, una vez terminada, la obra quedará a disposición del gobierno de Bolivia que destinó un millón de dólares para financiar la obra, con la finalidad de que fuera instalada en Buenos Aires el Día de la Confraternidad Argentino-Boliviana, que se festeja el 12 de julio.
Fuente: lanacion.com

AL MAESTRO CON CARIÑO

Uno de los hombres más queridos de la cinematografía argentina recibió el reconocimiento de sus pares, su familia y sus amigos

Por Hugo Beccacece / Para LA NACIÓN

Es uno de los hombres más queridos de la cinematografía argentina . Se trata de José Martínez Suárez, responsable del Festival Internacional de Cine de Mar del Plata y director de films como Dar la cara , Los muchachos de antes no usaban arsénico y Noches sin lunas ni soles Martínez Suárez cumplió todo tipo de tareas en la industria: fue actor, asistente de algunos de los mejores cineastas del país, productor y guionista. Además, es un lector impenitente, con una notable cultura literaria. Varias de las figuras más brillantes del cine nacional de hoy lo consideran un maestro en la profesión y en la vida, tal es el caso de Juan José Campanella, que así lo deja asentado en el prólogo de Estoy hecho de cine , un libro de conversaciones de Martínez Suárez con el entrevistador Mario Gallina. La expresión de ese afecto se vio en la presentación del volumen en Malba. Había actores, técnicos, directores y discípulos de todas las generaciones. Martínez Suárez se refirió con humor a su pasado y a su presente. Por último, Mirtha Legrand, la célebre hermana de Martínez Suárez, habló en nombre de la familia. No pudo evitar las lágrimas, pero se recuperó pronto. Hubo un episodio gracioso. "Chiquita" quiso leer un testimonio sobre su hermano, pero apenas si veía en la penumbra (¿por qué no habría una luz conveniente en la mesa?). Acostumbrada a la iluminación perfecta, recibió una ayuda inesperada. Alguien que llevaba una pequeña linterna de bolsillo le fue iluminando los renglones uno por uno. Mirtha y el público se rieron.

LA INDIA HOMENAJEA A SU VIDA SALVAJE

Un elefante decorado en el parque zoológico Nandankanan, en las afueras de la ciudad oriental de Bhubaneswar, en la India, el pasado viernes 4 de octubre.
La semana de la vida salvaje se celebra en la India a partir del 2 de octubre.

Fuente: AP / Biswaranjan Rout

NUESTRA MIRADA SOBRE EL MONTE CHAQUEÑO

Un grupo de chicos de El Impenetrable chaqueño, en su mayoría wichí, retrató junto a Giacomo Pirozzi, fotógrafo emblemático de Unicef, cómo es la vida cotidiana en el monte, es la serie de fotografías que conforma la muestra Tiyaj (nuestra mirada) que podrá verse a partir del lunes 7 en el espacio cultural de la Casa del Chaco en Buenos Aires. - See more at: http://hd.clarin.com/tagged/El+D%C3%ADa+en+Fotos/page/4#sthash.xkAsMiK3.dpuf

Un grupo de chicos de El Impenetrable chaqueño, en su mayoría aborígenes de la etnia wichí, retrató junto a Giacomo Pirozzi, fotógrafo emblemático de Unicef, cómo es la vida cotidiana en el monte, es la serie de fotografías que conforma la muestra Tiyaj (nuestra mirada) que puede verse a partir del lunes 7 en el espacio cultural de la Casa del Chaco en Buenos Aires.

UNA EXPOSICIÓN EN SAN PETERSBURGO

Un visitante camina a lo largo de la exposición titulada “El hombre y el poder en Rusia en los siglos XIX-XXI” en el Museo Estatal de Historia Política de Rusia en San Petersburgo. (Reuters) - See more at: http://hd.clarin.com/tagged/El+D%C3%ADa+en+Fotos/page/2#sthash.6i1ETkaY.dpuf

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Un visitante camina a lo largo de la exposición titulada “El hombre y el poder en Rusia en los siglos XIX-XXI” en el Museo Estatal de Historia Política de Rusia en San Petersburgo.
 

Fuente: Reuters

ENCONTRARON 2.000 PIEZAS ARQUEOLÓGICAS PREHISPÁNICASEN EL LADO BOLIVIANO DEL LAGO TITI CACA

Parte de las piezas arqueológicas encontradas por el arqueólogo belga Cristophe Delaere en el lago Titicaca, durante su presentación en La Paz (Bolivia).
Un equipo de arqueólogos liderado por Delaere anunció el hallazgo de 2.000 piezas de cerámica, piedra tallada, huesos y láminas de oro de la época prehispánica halladas mediante excavaciones en el lado boliviano del lago Titicaca, compartido con Perú.

Fuente: EFE/AFP y REUTERS

VUELVEN LAS VISITAS A LA TORRE DEL RELOJ

Estuvo en obra durante 7 meses. Además de la reparación, se cambiaron las luces y se hizo una terraza verde.

Como nuevo. Un ícono de Buenos Aires que fue inaugurado el 3 de octubre de 1931. /FOTOS DE GUSTAVO GARELLO

Por Romina Smith

Tiene una gran torre, alta, muy alta, de casi cien metros, y que se ve desde lejos. Tiene, también, un reloj monumental que aún hoy, y a cada hora, hace sonar sus campanadas como siempre. Y tiene, además, una pérgola semicircular y soleada que da a un patio interior y que, según cuentan, solía ser el paseo de Juan Domingo Perón y Eva Duarte a mediados del siglo pasado, cuando ella tenía allí su fundación de ayuda social. El bellísimo palacio de la Legislatura porteña, que fue declarado Monumento Histórico Nacional en 2011, acaba de pasar por una intensiva etapa de recuperación que demoró siete meses y demandó $ 7 millones. Desde esta semana todos sus espacios emblemáticos volverán a estar abiertos para visitas guiadas. Incluso el reloj: uno de los pocos que quedan en la Ciudad y que todavía está en manos de expertos relojeros que dominan el oficio.

El edificio, donde sesionan los diputados porteños, fue inaugurado el 3 de octubre de 1931, hace exactamente 82 años, y ocupa una manzana triangular. En su punto más alto, que está bordeado por un balcón circular, regala una vista hacia toda la Ciudad: desde las torres altísimas de Puerto Madero, hasta el Río de la Plata o, más cerca, la Casa Rosada y las cúpulas del Casco Histórico. Toda esa área, que hasta hace pocos meses estaba dañada y con grietas, acaba de ser puesta a nuevo por restauradores. 

“La torre estaba muy deteriorada, había desprendimientos y hasta informes de Defensa Civil que alertaban del mal estado. Todo eso se reparó a nuevo, se mejoró la iluminación, que ahora cuenta con tecnología Led, y se repararon las dos cúpulas y la pérgola”, explicó Cristian Ritondo, vicepresidente Primero del parlamento porteño. Además de las luces ecológicas, también se colocaron 400 metros de terrazas verdes. Según Ritondo, “para hacerlo sustentable adaptando todo el edificio a las normas ecológicas que los mismos legisladores impulsaron el año pasado”.

De colección. El reloj, uno de los pocos de su tipo que queda en la Ciudad.

Los trabajos fueron licitados y concluyeron esta semana. Según fuentes de la vicepresidencia de la Legislatura, desde ahora toda el área recuperada también integrará los recorridos de las visitas guiadas, que se sumarán a otros espacios del edificio, como el vestidor de Evita.

Los trabajos se hicieron dentro y fuera y fueron coordinados por la Unidad Ejecutora de Obras. Alberto Greco, a cargo del área, detalló: “En el interior se pintaron paredes y se recuperaron solados de mármol y granito para que se destaque más el enorme reloj de cuatro cuadrantes de 4,5 metros de diámetro cada uno, y en el exterior se recuperaron canteros con plantas traídas de la Reserva Ecológica”. Además, contó que se restauraron los plafones de bronce y vidrio tallado que coronan los balcones del sexto piso, en el paseo más alto del edificio de 9 mil metros cuadrados. Y en una próxima etapa también se arreglarán las fachadas externas. La idea es que el enorme palacio se mantenga “como signo distintivo de la Ciudad”. Para eso, este paso no será el único cambio para el edificio: de noche, dicen, también será iluminado. Será una apuesta más para que se destaque entre otros monumentales del Casco antiguo de la Ciudad.

Fuente: clarin.com

MEDINA ELVIRA, EN UNA EXPOSICIÓN COMO CUNA DE LA CULTURA ANDALUSÍ

Añadir leyendaDos hombres contemplan parte de la exposición "Mil años de Madinat Ilbira", que el Consorcio del Milenio del Reino de Granada ha inaugurado hoy, en la sala Leonardo del Parque de las Ciencias de Granada, con más de 400 piezas, recreaciones en 3D y montajes audiovisuales que ensalzan el papel del yacimiento de Medina Elvira como germen de la cultura andalusí. EFE Granada -

El papel de Medina Elvira como germen de la cultura andalusí centra una exposición inaugurada hoy por el Consorcio del Milenio del Reino de Granada, que cuenta con más de 400 piezas, recreaciones en 3D y montajes audiovisuales. Más de 2.000 metros cuadrados de la sala Leonardo del Parque de las Ciencias de Granada acogen desde hoy esta exposición titulada "Mil años de Madinat Ilbira" y que permanecerá abierta hasta el próximo mes de febrero. La muestra recoge algunas de las piezas descubiertas en el yacimiento de Medina Elvira, una zona de más de 330 hectáreas declaradas Bien de Interés Cultural (BIC) y ubicadas entre los municipios granadinos de Atarfe y Pinos Puente.El comisario de la muestra, Antonio Malpica, ha subrayado el papel que tuvo Medina Elvira en la transición desde el mundo antiguo al árabe, y ha deseado que sirva para dar a los yacimientos "una difusión general para que la gente conozca y ame su pasado".

"Mil años de Madinat Ilbira" suma a las piezas del yacimiento los resultados de la investigación realizada durante la última década para analizar la toponimia, historia y arqueología en el Reino de Granada, dirigida también por Malpica.
La exposición aborda cómo se gestó la ciudad, qué acontecimientos históricos la convirtieron en uno de los principales focos de la cultura andalusí y la transición entre lo que fue Madinat Ilbira y la ciudad de Granada.

Un hombre fotografía uno de los expositores de la muestra "Mil años de Madinat Ilbira", que el Consorcio del Milenio del Reino de Granada ha inaugurado hoy en la sala Leonardo del Parque de las Ciencias de Granada, con más de 400 piezas,recreaciones en 3D y montajes audiovisuales, sobre el papel de Medina Elvira como germen de la cultura andalusí. EFE

Para trasladar al visitante hasta aquella medina y el germen del Reino de Granada, la exposición se articula con un diseño similar al de una ciudad islámica con una vía central de la que parten diferentes estancias dedicadas a sus secciones, como la ciudad olvidada, la vida en la medina o la dedicada a la difusión del yacimiento.
Se trata de la primera vez, ha dicho Malpica, que una exposición reúne 400 piezas de este valor, muchas de ellas restauradas para la muestra y cedidas por diferentes museos y administraciones.

El espacio expositivo ofrece paneles, muestras audiovisuales, recreaciones en tres dimensiones, maquetas topográficas y arquitectónicas para acercar la creación del reino de Granada y ofrecer una imagen de cómo era la ciudad hace mil años.

Entre otras, exhibe piezas de vidrio, metal, cerámica al agua, al fuego o doméstica como las lámparas procedentes de la Mezquita Mayor de Madinat Ilbira, candiles de los siglos VIII al XI y ornamentos de la que fue la mezquita mayor de la ciudad.

El recorrido, que ofrece una visión de cómo era la vida cotidiana hace diez siglos, cuenta además con tres talleres de cerámica, arqueología y ornamentación.

Fuente: EFE

¿Y SI LA GIOCONDA NO ES MONA LISA?

En un banco suizo había una obra que ahora se sabe que es un Da Vinci. Con ella se abre un nuevo interrogante.

Antes y después. El boceto de Isabella que se conocía y el cuadro terminado, que ahora se encontró.

Una vez más, el artista italiano Leonardo Da Vinci (1452-1519) está en el centro de las conversaciones de los historiadores del arte. Es que el genio renacentista no para: ayer apareció una de las obras que los expertos –aun sin estar seguros de su existencia– llevaban años buscando: un retrato a color de Isabella D’Este.

La dama fue una de las mujeres más influyentes del Renacimiento italiano y mecenas de artistas de la talla de Rafael. Se sabía que ella había sido retratada: un boceto suyo a carboncillo, datado en 1499, se conserva en el museo parisino del Louvre. Los historiadores del arte llevaban años discutiendo si Leonardo habría llegado o no a pintar el retrato definitivo. Este hallazgo parece ser la respuesta: Carlo Pedretti –máxima autoridad en estudios sobre Da Vinci de la Universidad de California– dijo en declaraciones al diario italiano Corriere della Sera que “no hay duda sobre la autenticidad de la obra”.

Pero lejos de ser el fin de la intriga, este parece sólo el principio: Los expertos presentaron varios documentos de los que, dicen, se puede deducir que la Mona Lisa y la Gioconda podrían ser dos cuadros distintos. En los documentos se habla de una de las dos modelos (no sabemos cuál), como una dama italiana consorte de un caballero llamado Francesco. Y así se llamaba el Duque de Mantua, esposo de Isabella D’Este. Por eso, la duda de que una de ellas fuera realmente Isabella queda latente y tendrá que ser investigada más a fondo, aunque las opiniones más osadas apuntan ya a que la pintura encontrada podría ser la que el artista llamaba “Mona Lisa”, cuyo nombre vendría entonces de Mona L’isa (bella).

Por el momento, lo que se sabe de la pintura –que fue encontrada en la cámara acorazada de un banco suizo, propiedad de una acaudalada familia italiana que por ahora ha preferido no revelar su identidad– es que se trata de un óleo sobre tela, de 61 cm de largo por 46,5 cm de ancho, realizado entre 1513 y 1516, y que presenta similitudes con el famosísimo cuadro pintado entre 1503 y 1519. Se parecen unas serie de aspectos: en la redondez del mentón, en la pose, en el color y la iluminación y, claro, en la enigmática sonrisa. La pintura, además, tiene varios motivos iconográficos inspirados en Catalina de Siena (1347-1380), como la corona y el cetro.

Según Pedretti, “es una pintura excepcional”. El experto va más lejos y asegura que el retrato de Isabella es “único en el mundo”.

No es la primera vez que un hallazgo relacionado con la obra de Leonardo Da Vinci está a punto de cambiar de forma significativa un pedazo de la Historia del Arte y no cabe duda de que bien podría ser, además, el argumento perfecto para otro de los novelescos best-sellers sobre la obra del artista. Podría ser una de esas novelas que tan bien parece dominar el escritor norteamericano Dan Brown que, con obras como El Código Da Vinci ha conseguido que, en el imaginario de muchos de sus lectores, se desdibuje la finísma línea que parece separar la realidad de la ficción en lo que se refiere a Da Vinci, los supuestos secretos que encierran sus obras y los vínculos de algunas de ellas con los comienzos del cristianismo.

Fuente: clarin.com

HALLAN PARTE DE UN MAGRITTE DESAPARECIDO HACE 80 AÑOSGRACIAS A LOS RAYOS X

Expertos descubrieron que la obra “The Enchanted Pose”, del pintor surrealista René Magritte, que por más de 80 años se había dado por perdida o destruida, fue utilizada por el artista para realizar al menos dos cuadros sobre ella.

Mediante el empleo de rayos X y otras técnicas los investigadores pudieron observar que la cabeza y el torso de la pintura -que representa dos desnudos femeninos iguales juntos-  se encuentran bajo el cuadro  “The portrait” de 1935, que actualmente posee el Museo de Arte Moderno de Nueva York, Estados Unidos (MoMA).

Mientras que los pies de las figuras desnudas fueron descubiertos debajo de “La Modele rouge” del mismo año y que actualmente es propiedad del museo especializado en el mismo arte pero de Estocolmo, Suecia.

El descubrimiento fue realizado mientras investigaba la muestra del artista belga, El Misterio del Ordinario que actualmente se exhibe en el MoMa y se sospecha que el resto de la obra se encuentra de debajo de otros dos trabajos de Magritte a los que aún está pendiente tomar radiografías.

Anne Umland, curador de este museo, expresó su emoción respecto al hallazgo al calificarla como una obra grande e importante y consideró que la decisión del pintor pudo haber sido producto de la insatisfacción que sentía por el cuadro o porque tal vez se dañó, pero aseveró que sería mejor esperar los otros análisis para poder recabar más pistas de las motivaciones.

Mientras que Michael Duffy, tambien curador del MoMA, dijo que era inusual que una pintura tan grande hubiera desaparecido, pues se cree que mide 114cm de alto por 162cm de ancho.

Fuente: http: www.theguardian.com