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ALEC OXENFORD:
"MI OCIO TAMBIÉN ES DECIDIDO Y ORGANIZADO"
MBA
de Harvard, este coleccionista y flamante presidente de arteBA se
define como un obsesivo de la tecnología y el buen uso del tiempo.
Por Soledad Vallejos / LA NACIÓN
Lo hizo, por lo menos, en tres ocasiones, por eso puede decirse que él es un emprendedor serial. DeRemate.com fue su primera gran conquista, pero ya había tenido algunas experiencias previas en la Web fuera del país. Luego llegó OLX.com , el portal de clasificados gratis más grande del mundo. Y ahora, orgulloso, estrena un nuevo traje: es el flamante presidente de arteBA, tras la salida de Facundo Gómez Minujín.
Para Alec Oxenford (44), empresario con un MBA en Harvard y joven coleccionista, la única dedicación posible es la full time
. Y así va por la vida, despuntando el vicio de la especialización y
"el asesoramiento de calidad" en todo lo que hace y en todo lo que
emprende. Un día se le dio por salir a correr y a los pocos años ya
había participado en dos de las maratones más importantes del mundo, en
Nueva York y Berlín. La entrevista transcurre en el candy corner
de sus propias oficinas, en Palermo, en un espacio luminoso y de
paredes coloridas. Antes de iniciar la charla apoyó su iPhone sobre la
mesa: nunca dejó de sonar...Lo hizo, por lo menos, en tres ocasiones, por eso puede decirse que él es un emprendedor serial. DeRemate.com fue su primera gran conquista, pero ya había tenido algunas experiencias previas en la Web fuera del país. Luego llegó OLX.com , el portal de clasificados gratis más grande del mundo. Y ahora, orgulloso, estrena un nuevo traje: es el flamante presidente de arteBA, tras la salida de Facundo Gómez Minujín.
-¿Te alcanzan las horas del día para cumplir con todo?
-El tiempo nunca me alcanza. Pero intento ser lo más organizado y riguroso posible. De otra manera, sería imposible llevar todo adelante.
-¿Te quedan momentos de ocio?
-Mi ocio también es decidido y organizado [suelta una carcajada]. Nunca me vas a encontrar haciendo algo que no haya decidido especialmente. ¿Tengo tiempo de leer? ¿Cuánto? Una hora y media. Perfecto. Y otro de mis grandes momentos de ocio, sobre todo cuando viajo, es ver películas.
-¿Tu dispositivo favorito?
-iPad. En todos los tiempos muertos, aeropuertos y más aeropuertos, aprovecho para ver pelis.
-¿Y cómo hacés para ensamblar tantos viajes con la vida familiar? Tus dos hijos nacieron en la década más intensa y productiva profesionalmente.
-Sí, es difícil. Y no te voy a decir que no hay reclamos. Pero yo creo que nada es perfecto. Comencé a viajar mucho desde que mis hijos eran chiquitos. Hoy tienen 11 y 13 años. Pero después de cada partida siempre hay un regreso. Y esos reencuentros con mi familia, luego de cada viaje, son momentos intensos. De gran disfrute. Y aprendí, como en otros aspectos, que el tiempo de calidad es el que más vale, el que mejor se aprovecha.
-¿Cuándo compraste tu primera obra de arte?
-Mi acercamiento al arte fue progresivo. Arrancó como algo inesperado, en 2001, cuando Vicky de Carabassa me llamó para armar la Asociación de Amigos del Malba. Me acuerdo que nos reunimos con otras treinta personas en el Malba, que aún estaba vacío, y después de que cada uno expusiera sus ideas Vicky dijo: «Ahora tenemos que votar a las autoridades». Y me fui de esa reunión como el presidente de la asociación. Me cayó de arriba y yo creo que las cosas suceden por algo. Hay que dejar fluir, seguir a la corriente. Y a partir de ahí me involucré con el arte cada vez más, hasta que terminó por convertirse en una pasión. Hasta ese entonces sólo compraba cuadros que quedaran bien con la pared y los colores de mi casa. Pero la primera obra que compré con un fin no decorativo, digamos, fue un cuadro de Catalina León, que era tan grande que lo tuve que guardar por cuatro años en el sótano de la casa de mi abuela.
-¿Te importa la decoración de tu casa? ¿Opinás sobre esas cuestiones?
-Sí, me importa y mucho. Y estando en el grupo de la asociación desmitifiqué esa creencia de que a los hombres no le importan esas cuestiones. Es más, a todos los que estábamos ahí nos importaba tanto o más que a nuestras propias mujeres. Porque la casa también tiene que ver con uno.
-¿Y qué coleccionás?
-Arte contemporáneo argentino. Pero, como creo fuertemente en el asesoramiento de calidad, pedí consejo a Inés Katzenstein. Juntos empezamos a armar una línea de colección. Un cuerpo de obras con un sentido, un criterio. Ella me ayuda a seleccionar cosas y yo elijo. Bah, en realidad, yo siento que estoy eligiendo, pero en el fondo elige ella [Se ríe].
-¿Creés que siempre es así?
-Tal cual, una mujer quiere comprar algo, y te dice: «¿Cuál te gusta más, ésta o ésta?» Elegí vos. Ya está. Listo.
-¿Sostenés que el coleccionismo no es exclusivo de gente adinerada?
-Por supuesto. Creo que hay muchos motivos para acercarse al arte. Primero, te ayuda al alma. Cuando me siento mal, no hay nada que me reconforte tanto como admirar una linda obra. Me serena. Como cuando la gente reza. A mí el arte me reconforta el espíritu. Y creo que el arte no tiene nada que ver con la billetera. Existen obras baratas, no todas cuestan millones de dólares.
-¿Se pueden encontrar en arteBA obras que estén al alcance del común de la gente?
-Literalmente, por unos cientos de pesos podés comprar una obra de arte, y muy linda. Una obra curada. Y me parece bueno resaltar que hay pocas cosas en la Argentina que sean verdaderamente de calidad internacional. El arte contemporáneo es una de ellas.
-¿Y cuál es tu trabajo como nuevo presidente? ¿Qué objetivo te impusiste?
-Mi trabajo es impulsar el coleccionismo, generar una escena revitalizada en los artistas. Que ellos puedan producir más y que la gente pueda acercarse al arte. Comprar un cuadro no es sólo una cuestión económica.
-¿Dónde te sentís más cómodo, rodeado de artistas o de techies ?
-Si agarrás un grupo de artistas y tech ies dentro de un cuarto y los mezclás, no vas a reconocer cuál es cuál. Tienen el mismo aspecto. Bastante desalineados, muy informales, no les dan bolilla a los horarios, no son nada jerárquicos y sólo te respetan si tenés algo para aportar. Y todos tienen ese aspecto fresco. En realidad, con ambos me energizo, me refresco y, al mismo tiempo, puedo llegar a volverme loco. Por eso también necesito tomar otro aire, alejarme de todo ese mundo.
-¿Y con qué te desconectás que no sea tu familia? ¿Con tecnología, tal vez?
-Absolutamente. Es algo que no puedo dejar de hacer.
-Tenés cuenta en Facebook, Twitter y un blog abandonado hace casi un año. ¿El último post fue en junio del año pasado?
-Sí [ríe]. Lo abandoné por Twitter, que es un microblogin. Tuiteo todos los días, me parece una herramienta mucho más ágil. También tengo cuenta en Instagram, que utilizo bastante. Pero el blog no lo cerré por la cantidad de comentarios que tiene. En algún momento pensé en darlo de baja, pero ahora que lo mencionás pienso retomarlo el mismo día que lo dejé, pero un año más tarde.
-¿Estar prendido a la tecnología te ayuda a no envejecer?
-Creo que la juventud es una actitud. Absolutamente. Y todo lo que tiene que ver con la actividad tecnológica es joven, de vanguardia. Yo soy muy curioso, inquieto, y me intereso ante cada cosa nueva. Además, estar con gente joven también te rejuvenece, y en OLX, por ejemplo, el promedio de edad es de 25 años. En arteBA pasa algo parecido, tal vez, el rango es un poco más amplio. Pero los artistas son personas dinámicas, luminosas. Y en ambas disciplinas existe el trato horizontal, cero conservador, nada de jerarquías. No hay casillas estancas.
-¿Sos estricto en cuanto al uso de la tecnología con tus hijos?
-En casa somos todos bien tecnológicos, y ellos tienen todo. Cada uno su computadora, su iPad, su teléfono. No están prendidos a la iPad todo el día. Es algo que tienen naturalizado, y no me preocupa. También salimos a andar en bicicleta, jugamos a la pelota, tenemos otras actividades.
-También sos hincha de River. ¿Fanático?
-Soy de River, simpatizo. Pero el fanático es mi hijo. Con apenas 10 años se bancó todo el descenso y la mala racha. Que tu club se vaya a la B es complicado. Pero se ve que él también cree que de los fracasos se aprende. Son necesarios para estructurar las bases y salir nuevamente adelante. El verdadero hincha es él. Yo lo acompaño.
Fuente: lanacion.com
LA CASA DE LOS ALDAO, LISTA PARA EL 25 DE MAYO
Inauguran las obras de restauración
Sobre la construcción
Fuente: ellitoral.com
La fecha patria que conmemora la Revolución de
Mayo estará acompañada este año por la inauguración de la restauración
de una casona emblemática en Santa Fe que fue declarada Monumento
Histórico Nacional: la Casa de los Aldao
 |
Últimos trabajos. En siete días deberán estar
concluidas todas las tareas de restauración, ya que el próximo sábado
se realizará la inauguración de las obras.
Foto: Gentileza Gobierno de la Provincia
De la Redacción de El Litoral |
area@ellitoral.com
La importante obra de restauración realizada en la
Casa de los Aldao será inaugurada por el gobernador Antonio Bonfatti en
el marco de los festejos del 25 de Mayo. La intervención, que culminará
en los próximos días, implicó una inversión superior a los 400.000
pesos.
La construcción forma parte de la herencia cultural
santafesina, y ello fue lo que motivó incluirla dentro del Programa de
Recuperación Patrimonial que apunta al mantenimiento de numerosos
edificios que integran el patrimonio cultural de la provincia.
Luego de un diagnóstico realizado por la Direccción
Provincial de Arquitectura e Infraestructura, se decidió intervenir el
cuerpo histórico de la casona con el fin de recuperar y poner en valor
su estética edilicia tal como fue concebida.
El evidente deterioro que presentaba, especialmente
en sus muros —producto de su antigüedad, del clima, de la falta de
mantenimiento y de equivocadas intervenciones realizadas anteriormente—
reactivó la urgencia de una inmediata restauración y puesta en valor. La
casona presentaba desprendimiento de revoques interiores y exteriores,
fisuras y grietas en la tapia, deterioro de los enmaderados de la
cubierta y de la carpintería de madera por erosión causada por hongos y
por los efectos del clima, además de otros daños ocasionados por la
falta de mantenimiento.
Concretamente, entre otros trabajos, se realizó la
restauración integral de muros y aberturas a través del tratamiento de
la mampostería, los revoques y la pintura respetando la técnica
constructiva original realizada con tierra apisonada entre dos
entablonados que después se retiraron para poder revocar en su forma
original.
Los trabajos en esta fase, poseen un avance superior al 90 %.
Sobre la construcción
La Casa de los Aldao, ubicada en el centro histórico
de la ciudad de Santa Fe sobre calle Monseñor Zazpe 2861, representa uno
de los escasos exponentes de la arquitectura doméstica del período
hispánico que se conserva en el país.
La histórica propiedad fue declarada Monumento
Histórico Nacional en la década del 40, por lo que es un bien de
características únicas en el país. En 1942 adquirió la denominación:
Casa de los Aldao.
Su construcción finalizó en 1711, aunque el proyecto
original del edificio se remonta al año 1694. Allí vivió mucho tiempo
Josefa Aldao, uno de los ejemplos de valor testimonial más
representativo de lo que fue la Santa Fe colonial.
En la actualidad se conserva sólo una parte de la
vivienda original, construida con paredes de tapia apisonada y cubierta
de tejas sobre estructura de madera. El edificio, de dos plantas y
aspecto señorial, rememora las casas del paisaje andaluz.
Entre 1962 y 1965, la Dirección Nacional de
Arquitectura concretó una serie de trabajos de restauración sobre la
casona, para luego convertirse en la actual sede de la Junta Provincial
de Estudios Históricos de Santa Fe.
Fuente: ellitoral.com
EL ARTE ESPAÑOL GANA ESPACIO
EN EL METRPOLITAN MUSEUM DE NEW YORK
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Fotografía cedida por el Museo Metropolitan de varios cuadros que formarán parte de la galería de grandes maestros europeos del museo Metropolitan de Nueva York. EFEFotografía cedida por el Museo Metropolitan de varios cuadros del artista español Francisco de Goya que formarán parte de la galería de grandes maestros europeos del museo Metropolitan de Nueva York. EFE |
Por Mateo Sancho Cardiel
Nueva York - Tras dos años de trabajo de reestructuración, el museo Metropolitan de Nueva York reabrió hoy su galería de grandes maestros europeos, en la que el arte español ha sido recolocado en tres salas ordenadas cronológicamente donde Velázquez, El Greco y Goya ocupan posiciones privilegiadas.
Nueva York - Tras dos años de trabajo de reestructuración, el museo Metropolitan de Nueva York reabrió hoy su galería de grandes maestros europeos, en la que el arte español ha sido recolocado en tres salas ordenadas cronológicamente donde Velázquez, El Greco y Goya ocupan posiciones privilegiadas.
Antes de esta nueva disposición, las no pocas obras de Velázquez,
Goya, Ribera, Murillo o El Greco que el Metropolitan posee estaban
desperdigada por distintas salas, atendiendo a distintos movimientos y
temáticas. Pero a partir de hoy, este museo que abarca desde la
Antigüedad Clásica hasta las vanguardias, tiene un hueco propio para el
arte español.
"Por fin podemos contar la historia del arte español entre el siglo
XVI hasta el XVII, desde El Greco a Goya, en tres salas consecutivas y
ordenadas cronológicamente. Es un momento emocionante para nosotros",
explicó a Efe el comisario de arte europeo del MET, Xavier F.Salomon.
"Hemos puesto a disposición del visitante todos los cuadros juntos.
Algunos los hemos restaurado, otros los hemos sacado del almacén y a
otros les hemos cambiado los marcos. Les hemos sacado el máximo partido
posible", continúa.
En concreto, el pintor aragonés Francisco de Goya dispone de una sala
monográfica, con los retratos de Don Manuel Osorio Manrique de Zúñiga o
la Condesa de Altamira con su hija Maria Agustina, realizados antes de
convertirse en pintor de cámara de Carlos IV, así como con un
autorretrato temprano y naturalezas muertas.
La atención que levanta Goya en el Met es tal que Salomon viajará la
semana que viene a España para intentar conseguir más cuadros para una
posible exposición centrada en los retratos que realizó de la familia
Altamira.
No en vano, la suya era hoy una de las salas más visitadas junto con
las de Botticelli, Caravaggio, Rembrandt o Rubens, con las que el Met
recupera "el que siempre ha sido uno de los núcleos de la colección",
según Salomon. "Han sido dos años de ir cerrando salas, pero ha merecido
la pena", añade, orgulloso de las 45 salas que ahora copan estos
maestros de la historia del arte.
"El resultado es magnífico. El visitante puede mirar los cuadros como
nunca los había visto antes, de una manera totalmente distinta. La
recolocación, los fondos y la sinergia de unos cuadros con otros han
creado en nuestros expertos y colegas auténticas revelaciones ante
algunas de las pinturas", asegura.
El retrato ecuestre del Conde Duque de Olivares, el de la infanta
María Teresa, el rey Felipe VI o el de su asistente del pintor, Juan de
Pareja, destacan en la sala donde Velázquez comparte paredes con
pinturas religiosas de Murillo, como "La crucifixión", en la sala
dedicada al arte español del siglo XVII.
Inmediatamente antes, El Greco, nacido en Grecia pero residente en
Toledo, toma el protagonismo con sus angulosos rostros y vestiduras con
"Vista de Toledo", "La visión de San Juan" o "Retrato de un cardenal",
entre otros, que se exhiben junto a cuadros de José de Ribera como "La
penitencia de San Pedro".
Pese a los grandes esfuerzos, y teniendo en cuenta que la nueva
configuración de las salas dedicadas a los maestros europeos han
intentado que la pintura interactúe con la escultura o las otras artes
decorativas, Salomon asegura que queda mucho trabajo por delante para
hacer justicia al arte español en el que está considerado uno de los
museos más importantes del mundo.
"Este es un museo enciclopédico", asegura el comisario, "pero hay que
tener en cuenta que la colección de arte español no era tan popular
como la de arte italiano o arte francés. Comparado con otros museos,
podemos seguir mejorando esta parte".
Hasta final de año, el museo neoyorquino, situado en la Quinta
Avenida con vistas a Central Park, celebrará esta reestructuración con
una serie charlas sobre, por ejemplo, el arte francés desde Delacroix a
Courbet o distintos conciertos, como uno de barroco veneciano u otro de
Johann Sebastian Bach.
Fuente: EFE
"NIÑOS EN LA PLAYA" DE SOROLLA,
SUBASTADO POR 3 MILLONES DE DÓLARES
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Fotografía facilitada por la casa de subastas Sotheby's de Londres del cuadro "Niños en la playa" del pintor español Joaquín Sorolla, que un coleccionista privado adquirió hoy por 2,77 millones de libras en una subasta de la casa en Londres. EFE |
Por Paula Díaz
Londres - Un coleccionista privado adquirió hoy por 2,77 millones de libras (3,24 millones de euros o 3 millones de dólares) el cuadro "Niños en la playa" del pintor español Joaquín Sorolla (1863-1923), uno de sus cuatro grandes trabajos según los expertos.
Londres - Un coleccionista privado adquirió hoy por 2,77 millones de libras (3,24 millones de euros o 3 millones de dólares) el cuadro "Niños en la playa" del pintor español Joaquín Sorolla (1863-1923), uno de sus cuatro grandes trabajos según los expertos.
El óleo alcanzó el precio más alto de la subasta "Pinturas europeas
del siglo XIX", organizada en Londres por la casa Sotheby's y que reunió
120 lotes entre los que se encontraban joyas del artista danés Vilhelm
Hammershøi (1864-1916) o el belga Fernand Khnopff (1858-1921).
Relizada en 1916, "Niños en la playa" permanecía desde la década de
los cincuenta del siglo XX en manos de la familia del pintor y salió hoy
por primera vez a la venta con un precio estimado de entre 1,80 y 2,50
millones de libras (2,13 y 2,93 millones de euros).
Las numerosas pujas realizadas por teléfono y en la sala llevaron al
óleo a superar el precio estimado, aunque no consiguió duplicarlo tal y
como se esperaba.
Tampoco logró superar el récord establecido por el lienzo "Pescadores
valencianos" (1895) de Sorolla, que se vendió el pasado noviembre en
Londres por 3,74 millones de libras (4,37 millones de euros).
Horas antes de la subasta, la directora del Museo Sorolla, Consuelo
Luca de Tena, aseguró a EFE que con la actual coyuntura económica era
imposible pujar por este cuadro, si bien apuntó que es un "orgullo" que
el pintor alcance tan altos precios de cotización.
Las cifras se justifican por la fascinante historia de esta pintura,
realizada cuando el pintor acababa de terminar su panel sobre Valencia,
uno de los que componen su conocido "Visiones de España" para la
Hispanic Society of America de Nueva York.
Durante el verano de 1916, que disfrutó en las playas valencianas,
Sorolla apenas realizó nuevas obras y fue "Niños en la playa" una de las
pocas en las que trabajó durante esta época, considerada por los
expertos como el punto álgido de su carrera.
Desde una perspectiva complicada, el pintor retrata en primer plano a
un niño que observa junto a la orilla cómo otros dos menores juegan
tumbados en la arena, uno de ellos en una posición especialmente difícil
de conseguir.
El movimiento que impregna la escena distingue a la obra entre el
resto de pinturas de Sorolla, tanto que fue elegida en 1963 para
ilustrar una edición especial de sellos que conmemoraban el centenario
del nacimiento del artista.
Junto a "Niños en la playa" se subastaron otros dos lienzos del
artista valenciano; el primero, "En la playa", alcanzó 386.500 libras
(451.665 euros), superando su precio estimado de entre 200.000 y 300.000
libras (235.000 y 352.000 euros).
Asimismo, Sotheby's vendió por 62.500 libras (73.038 euros) el óleo
"En el río", que había partido con un precio de salida de 50.000 libras
(59.000 euros).
Desde junio de 2000, la casa Sotheby's ha subastado más de 60
trabajos del pintor valenciano con los que ha recaudado una cifra
superior a 47 millones de euros.
Además de los lienzos de Sorolla, brillaba en la subasta de hoy "El
taller de los niños" (1885) de Edelfelt, que salió por un precio
estimado entre 350.000 y 450.000 libras (414.572 y 533.000 euros) y se
vendió finalmente por 458.500 libras (536.200 euros).
"Ida en interior con piano" (1901), el retrato que de su mujer hizo
Hammershøi, escaló hasta los 1,14 millones de libras (1,33 millones de
libras), pero "Interior con estufa (1909) no encontró comprador.
La última de las grandes apuestas de Sotheby's para la subasta, "Los
hijos de monsieur Nève", compuesto por Khnopff en 1893, que tenía un
precio de salida de 400.000 libras (473.861 euros), finalmente tampoco
se vendió.
Fuente: EFE
SE SUBASTARÁ EL RECIBO ORIGINAL DE "VUELO DE BRUJAS"
DE FRANCISCO DE GOYA
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Fotografía facilitada por la casa de subastas Sotheby's del recibo original con el que Francisco de Goya firmó la venta de su lienzo "Vuelo de brujas" (1797), protagonista de la película "Trance" del director británico Danny Boyle, que saldrá a subasta en Londres el próximo 5 de junio. EFE Londres |
Londres - El recibo original con el que
Francisco de Goya firmó la venta de su lienzo "Vuelo de brujas" (1797),
protagonista de la película "Trance" del director británico Danny Boyle,
saldrá a subasta en Londres el próximo 5 de junio.
La casa Sotheby's estima que el precio del manuscrito, fechado en
Madrid a 27 de junio de 1798, se sitúe entre las 25.000 y las 30.000
libras (29.000 y 35.000 euros).
El texto, de puño y letra de Goya (1746-1828), revela que el artista
recibió un pago de "seis mil reales" (equivalente a 250 pesetas) por una
serie de media docena de óleos centrados en la brujería, entre los que
se encontraba el cuadro "Vuelo de brujas".
Los compradores de la obra fueron los amigos y mecenas del artista
aragonés, los duques de Osuna, que le habían encargado previamente la
serie que sería destinada al palacio que poseían en Alameda de Osuna.
Allí permaneció "Vuelo de brujas" hasta 1896, cuando el edificio y la
librería salieron a subasta pública. Actualmente, el óleo pertenece a
la colección del Museo del Prado de Madrid.
El interés que despierta el manuscrito se justifica por el papel
central que "Vuelo de brujas" juega en el "thriller" psicológico de
Boyle, donde la obra alcanza las 27,5 millones de libras (32 millones de
euros) en una subasta.
Por su extraordinario valor, el lienzo de Goya -"el primer artista
que retrató la mente humana", según el director de "Trainspotting"-, es
el objeto de deseo de una banda de gángsters encabezada por el actor
francés Vincent Cassel y el escocés James McAvoy.
La psicología que subyace en la obra del artista español sirvió al
director británico para sumergirse en una historia sobre la memoria y el
olvido, con la hipnosis como puente entre la una y el otro.
Si bien no promete la emoción del thriller de Boyle, el
vicepresidente de Sotheby's, Mark Poltimore, destacó hoy la importancia
del manuscrito, que calificó como una "pieza imperiosa de la historia
del arte".
Los otros lienzos de la serie de Goya incluyen "El hechizado por
fuerza", colgado en las paredes de la National Gallery de Londres, "El
Aquelarre" y "El conjuro o las brujas", ambos en la Fundación Lázaro
Galdiano de Madrid.
Completan el encargo de los duques de Osuna "La cocina de las
brujas", en manos de un coleccionista privado, y "El convidado de
piedra", del que no se conoce su paradero.
Fuente: EFE
BOTERO EN BUENOS AIRES
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Un visitante observa la exposición "Botero, dibujos en tela y en papel" del artista colombiano Fernando Botero en el Museo Nacional de Bellas de Buenos Aires (Argentina). EFE |
Por Nury Rojas Patiño
Buenos Aires - Escondidos tras unas gafas de marco negro y lentes completamente redondos, los ojos del artista colombiano Fernando Botero son los encargados de recibir a los visitantes que desde hoy podrán ver una muestra de sus dibujos en el Museo Nacional de Bellas Artes de Buenos Aires.
Buenos Aires - Escondidos tras unas gafas de marco negro y lentes completamente redondos, los ojos del artista colombiano Fernando Botero son los encargados de recibir a los visitantes que desde hoy podrán ver una muestra de sus dibujos en el Museo Nacional de Bellas Artes de Buenos Aires.
Una sala pintada de color naranja especialmente para este montaje
funciona como escenario de "Botero, dibujos en tela y en papel", un
grupo de cincuenta obras de la colección personal del artista
colombiano, realizadas entre 1973 y 2011, que conforman la primera
exposición realizada únicamente solo con sus dibujos.
"Es muy importante porque son obras que Fernando (Botero) seleccionó
una a una. No se venden, son suyas y ahora tenemos la posibilidad de
mostrarlas en Argentina", dijo Teresa de Anchorena, la comisaria de la
muestra, en un recorrido por la exposición especial para la prensa.
Las técnicas utilizadas por Botero en estas obras donde aparecen sus
tan característicos "gordos" son diversas: van desde la acuarela, el
lápiz, la tinta y el carboncillo sobre papel, pasando por innovar con
una poco utilizada, la sanguina (óxido férrico) sobre tela, considerada
por muchos artistas y críticos como exigente y de gran destreza para
desarrollarla.
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Una visitante observa la exposición "Botero, dibujos en tela y en papel" del artista colombiano Fernando Botero en el Museo Nacional de Bellas de Buenos Aires (Argentina). EFE |
Los trazos claros y contundentes que muestran la voluptuosidad, una
característica tan particular de Fernando Botero, contrastan con el
manejo que el artista hace de los colores y la luz, ya que sus obras
parecen pensadas para que el espectador se sienta cómodo y en calma, aún
con aquellas imágenes que hablan de la violencia.
Precisamente, en "Violencia y toros", uno de los capítulos de la
muestra, los dibujos "Desplazado" y "Desplazados", ambos de 2004, llaman
la atención porque evidencian el querer del autor por dar testimonio y
pronunciarse ante la realidad cargada de violencia que genera el
desplazamiento de los campesinos en su país natal.
La "fiesta brava", un tema continuamente trabajado por Botero a lo
largo de su carrera, también está presente en esta exposición, con
dibujos que representan a sus personajes principales, resaltando la
figura del torero, el picador y hasta del toro mismo.
La música, otro de los temas importantes para el artista, es plasmada
mediante distintas técnicas en las que el violín, por ejemplo, ha
tenido uno de los papeles estelares a través de los años, ya que suele
aparecer de diferentes maneras, ya sea solo, siendo interpretado,
descansando en manos de un músico o sobre una mesa.
Una noche, después de cenar con su esposa y cautivado por la
sencillez de un circo montado en una humilde carpa, sin lujos ni grandes
avisos, Botero revivió todo aquello que sintió cuando en su niñez
visitó los humildes circos de pueblo, y son esos recuerdos los que en
2006 dieron origen a "Circo", un capítulo de caballos, elefantes,
payasos y color, de los que también hay ejemplos en esta exhibición, que
estará abierta hasta el 30 de junio.
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Un visitante observa la exposición "Botero, dibujos en tela y en papel" del artista colombiano Fernando Botero en el Museo Nacional de Bellas de Buenos Aires (Argentina). EFE |
Sin embargo, el cuadro más llamativo es "Pedrito", de 1981, donde
Botero, mediante acuarela sobre papel, dibuja a su hijo Pedro, quien
falleció a los cuatro años, en 1974, en un accidente automovilístico, y
desde ese entonces el artista dedicó gran parte de su tiempo a retratar a
su hijo mediante diversas técnicas.
Artistas, música y viajes se entrecruzan en el capítulo "Vida
latinoamericana", que da cuenta de distintas escenas que, en sus
recorridos por América Latina, Botero considera significativas para
contar y que, a su vez, decide plasmar ya sea en un lienzo o una tela,
para detener en el tiempo y compartir con todo aquel que tenga la
oportunidad de acercarse a su obra.
"Queremos que todo el país disfrute de la obra de un gran artista que
con orgullo podemos decir que es latinoamericano, porque siendo
mundialmente reconocido, Botero nunca se ha apartado de sus raíces",
destacó Teresa de Anchorena.
Fuente: EFE
Fuente: EFE
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