ANTOLOGÍA DE SARA FACIO: FOTOS DE NUESTRA VIDA

Aparece el entierro de Perón, artistas, escritores y la Ciudad.

Autorretrato. Siempre intenta “robar el alma del fotografiado”./SARA FACIO

Por Julieta Roffo

Alguien vio demasiado. Alguien miró durante 45 años. Fue Sara Facio, una de las fotógrafas más importantes de la Argentina. “Una institución viviente” en palabras de su colega Ataúlfo Pérez Aznar.

Hoy a las 17.30, en el Centro Cultural Recoleta y en el marco del Buenos Aires Photo, Pérez Aznar, el crítico de arte Rodrigo Alonso, y la propia artista presentarán Sara Facio , de Ediciones Larivière. Se trata de la primera antología de la fotógrafa nacida en 1932, que surgió por idea de Pérez Aznar: “Facio es la persona que más se merece un libro antológico por su constante aporte a la reflexión de la fotografía argentina”, escribe en el prólogo.

El recorrido es cronológico, y viaja desde los primeros premios, obtenidos en la década del ‘60, hasta fotos hechas hace tres o cuatro años, cuando empezó a armarse el libro. Por las páginas desfila su serie Buenos Aires Buenos Aires , con imágenes de la Plaza San Martín, de una Costanera Norte con ritmo playero, y de un picadito improvisado en Humberto I° y Balcarce.

Los retratos -lo que más disfruta hacer Facio, según ella misma confiesa- dan cuenta de su recorrido por el mundo: está la famosísima foto de Cortázar, cigarrillo mediante, pero también están Borges, Onetti, García Márquez y Sabato, y algunos textos de los escritores seleccionados para la ocasión. Están Alejandra Pizarnik y Pablo Neruda, a quien espió en Chile, donde el régimen de Augusto Pinochet le prohibió difundir el libro en el que plasmó ese trabajo. Y está, claro, María Elena Walsh, su compañera por décadas, y la primera en la lista de agradecimientos.

Está su serie Humanario , censurada durante la última dictadura militar, en la que retrató a pacientes psiquiátricos. Y está su recorrido por la vuelta de Perón tras el exilio y por sus funerales, en 1974. A Plaza de Mayo, a Plaza Congreso y, obvio, a Ezeiza, fue Facio para ver qué pasaba. Y también a Nueva York, a París, a Guatemala a encontrar instantáneas urbanas. O a museos de ciudades como Madrid, Estocolmo y Copenhage a retratar a espectadores y artistas.

Quino, Astor Piazzolla, Norma Aleandro, Doris Lessing y la propia Facio, que para el libro escribió una autobiografía personal y otra profesional, fueron también víctimas de su “crimen”. Es que para ella, hubo un concepto que guió su trabajo y que venció al paso del tiempo: “Siempre intento lo mismo; robarle el alma al que fotografío”, explica.

“Ataúlfo selecciónó dentro de lo que yo ya había preseleccionado. Y yo dirigí la impresión”, cuenta Facio, que valora esta publicación “por ser la primera que reúne toda una trayectoria”. Hoy, adelantó, sólo dirá que muchas gracias porque el resto “ya está dicho”. Y, por suerte, buena parte está impreso.

Fuente: clarin.com

CAPILLA SIXTINA:LOS FRESCOS CUMPLEN 500 AÑOSY ALERTAN POR SU DETERIORO

La visitan hasta 20 mil personas por día, que le llevan polvo y humedad a la magnífica obra de Miguel Angel.

Los frescos de la Capilla Sixtina cumplen 500 años, probablemente la más sublime expresión del arte humano, que Miguel Angel Buonarroti pintó echado de espaldas sobre un andamio, a casi veinte metros de altura, entre 1508 y 1512. Cuando comenzó, Miguel Angel tenía 33 años y el encargo se lo dio el gran Papa guerrero Julio II della Rovere a instancias del principal arquitecto de la basílica de San Pedro, el Bramante, que quería tender una trampa para demostrar el gran fracaso del escultor y pintor venido de Florencia, donde había surgido el Renacimiento.

El 31 de octubre de 1512, Julio II dio un gran banquete en homenaje al embajador de Parma y después se trasladó con 17 cardenales hasta la Sixtina, la más importante de las tres capillas pontificias en el Vaticano. Estaba todo preparado y los visitantes se asombraron cuando se descubrió la bóveda y quedaron a la vista los frescos con La historia de la Creación, Los Antepasados de Cristo, Los Profetas y otros personajes bíblicos, en total más de 300 imágenes.

Hoy, cinco siglos más tarde, otra vez alertan por el estado de conservación de esas maravillas , a las que sobre una pared se agregó 30 años después El juicio universal , que completó la decoración de la Capilla donde desde 1492 son elegidos los papas, aunque en 16 ocasiones debieron consagrar al vicario de Cristo en la Tierra fuera de Roma y en otras siete lo hicieron en Francia, cuando el papado había sido trasladado a Avignon.

La alarma por el deterioro continuo que sufre esta magnífica obra, que tuvo su mejor restauro entre 1980 y 1994, cerrada a la vista del público, reconoce una sola causa: demasiados visitantes . “Hasta veinte mil personas por día, cinco millones al año, que respiran, llevan polvo, transpiran, dejan anhídrido carbono y humedad, alzan la temperatura”. Lo explicó con resignación en una entrevista a Il Messaggero , el director de los museos Vaticanos, Antonio Paolucci.

Paolucci había escrito ya un artículo en el diario L’Osservatore Romano para responder al escritor Piero Citati, que pedía restringir el número de visitantes e impedir que la Capilla pareciera “una estación ferroviaria” en hora pico.

El 18 de abril de 2005, Joseph Aloisius Ratzinger, cardenal de Santa Romana Iglesia, miraba extasiado la bóveda de la Sixtina mientras los otros 114 cardenales reunidos allí lo consagraban como el pontífice número 265 en la bimilenaria historia del catolicismo, con el nombre de Benedicto XVI. Dedicada a la Virgen María, la Capilla es un lugar sagrado, el más importante manual de teología por imágenes de la Iglesia . Hace medio milenio, Julio II y los 17 cardenales que lo acompañaban, descubrieron que el petiso y colérico Buonarroti había establecido un nuevo modo de pintar, de utilizar colores, cambiando radicalmente la visión del mundo figurativo.

Imponente. La Capilla Sixtina y todo su esplendor. Para muchos, un manual de teología en imágenes./MUSEO VATICANO

El director Paolucci contó que desde hace dos años se trabaja para eliminar los agentes contaminantes y que a fin de año se anunciará el gran proyecto de reacondicionamiento del aire y de un nuevo sistema de iluminación. “Pero no se puede restringir la presencia de los turistas y de los fieles, en particular los que vienen de los países emergentes a ver esta obra, que es también una maravilla de la fe”.

En la entrevista Il Messaggero , Paolucci contó una curiosidad que a muchos escapa: Miguel Angel pintó “el trasero de Nuestro Señor, pintado en la creación del Sol: casi un chiste toscano, presente por única vez en una pintura”.

La Capilla Sixtina es una obra infinita, tanto en el campo religioso como en el artístico . En los últimos decenios se han presentado tesis y libros para anunciar que Miguel Angel también transmitió mensajes secretos escondidos en las imágenes.

El Juicio Universa l fue pintado tres décadas después de la inauguración de la bóveda, que el Papa formalizó con una misa el 1° de noviembre de 1512. Buonarroti pintó a las figuras desnudas. Pero ya el clima no era el del Renacimiento sino el de la Contrarreforma, y en la Iglesia cundió el escándalo. Tanto que el Concilio de Trento decidió esconder las intimidades, sobre todo genitales, y ordenó por decreto el “copriantur”. Daniel de Volterra, que estuvo junto a Miguel Angel cuando murió en 1564, e hizo su retrato con su máscara mortuoria, fue encargado de pintar velos y telas para adecentar El Juicio Universal . La tarea le costó el mote de “il Braghettone”, por las bragas con las que cubrió a las imágenes.

Al parecer, muchas de esas figuras eran gente que Miguel Angel conoció en las “estufas” (baños termales) de Roma, mezclado con homosexuales, prostitutas y otros personajes que explican también el imaginario homoerótico en El Juicio Universal . El director Paolucci, explicó a The Guardian , que “Miguel Angel estudió con pasión el cuerpo humano hasta en los hospitales, en particular de sexo masculino. Y algún embarazo en su época causó”.

Miguel Angel, la Iglesia Católica y una relación muy conflictiva

Miguel Angel, la Iglesia Católica y una relación muy conflictiva.

Miguel Angel huyó de Roma en abril de 1506, tras una de sus muchas peleas con el Papa Julio II, a quién le estaba preparando su monumento fúnebre. “Si me quedaba hubiera hecho antes mi sepultura”, comentó. El mal carácter toscano de Buonarroti y la omnipotencia pontificia casi arruinaron para siempre el proyecto de decorar con frescos la bóveda de la Capilla Sixtina, indispensable para arreglar el edificio que el Papa Sixto IV hizo construir a partir de 1475.
Por fortuna que en Florencia reinaban los Medici, protagonistas del Renacimiento, siempre en tensión con el papado de Roma. El Papa Sixto y Julio II eran tío y sobrino de la poderosa familia della Rovere. La Señoría florentina impuso una mediación a su ilustre paisano, que en Bolonia se reconcilió tres meses después con Julio, legendario pontífice guerrero con tanto talento para la espada como para la cruz. Así se salvó la decoración de la bóveda con personajes bíblicos anteriores al nacimiento de Cristo. Miguel Angel comenzó el 10 de mayo de 1508 tras firmar un contrato por tres mil ducados.
El Papa quería solo las figuras de los doce apóstoles. Miguel Angel, que consultó a teólogos de la corte pontificia, pidió ser dejado en paz. Julio II aceptó y las figuras fueron más de trescientas. En las paredes laterales pintores mandados por Lorenzo el Magnífico desde Florencia, como Botticelli, o de la Umbria, como el Perugino, dejaron magníficas obras un poco veladas por el esplendor de la bóveda decorada por Miguel Angel.

Fuente: clarin.com

CARAVAGGIO, PASIÓN DE MULTITUDES:HUBO COLAS DENTRO Y FUERA DEL MUSEO

Unas 2.500 personas asistieron a la inauguración de la muestra del genio en el Museo Nacional de Bellas Artes.

Histórica. “Caravaggio y sus seguidores”, destinada a ser un éxito de público desde el primer día./ guillermo r. adam

“Las revoluciones se comen a los revolucionarios”, decía hace unos días Ángel Navarro, profesor de Historia del Arte de la Universidad de Buenos Aires. Hablaba, claro, de Caravaggio (1571-1610), el artista que cambió las reglas de la pintura en los siglos XVI y XVII. “La figura de Caravaggio cayó en el olvido y quedó escondida en un estante de la Historia del Arte hasta que fue rescatada en el Siglo XX”, decía Navarro.

Ayer se inauguró en el Museo Nacional de Bellas Artes Caravaggio y sus seguidores , una muestra en la que se exhiben obras del gran pintor y otras de quienes fueron influidos por él.

Si su genio quedó escondido alguna vez, estaba a plena luz ayer, durante una inauguración multitudinaria y casi sin precedentes.

Más de 2.500 visitantes pasaron por el museo entre las 19.40 y la medianoche. El director del museo Guillermo Alonso y Julio Crivelli, presidente de la Asociación de Amigos del MNBA, recibían a los amigos. Al rato, se sumó Cristiano Ratazzi, presidente de FIAT y uno de los auspiciantes de la Asociación de Amigos. También estaban, entre otros, las artistas Josefina Robirosa, Rosa María Ravera, Carolina Antoniadis; el gestor cultural Miguel Frías; el director de Artes Visuales de la secretaría de Cultura Andrés Duprat y el ex director del museo Jorge Lorenzutti.

Con colas organizadas dentro y fuera del museo y en tandas, para cuidar estos verdaderos tesoros, el público empezó a circular. Para amenizar la espera algunos optaban por una copa de champagne o por recorrer otras salas del museo. Los menos pacientes aplaudían para que la cola continuara.

La estrella indiscutible de la noche fue La Medusa . “Qué loco lindo”, dijo alguien de mirada fresca y no muy entendido mientras la contemplaba. “Este señor me impresionó”, decía una señora mientras señalaba al San Jerónimo ”.

El público, que también debió esperar afuera del museo, era variadísimo: parejas jóvenes, familias y muchos italianos mayores. Casi todos se llevaron su propio registro con la cámara de los celulares. Tenían tiempo hasta el 15 de diciembre, pero esas 2.500 personas querían estar ahí, ser parte de la Historia.

Fuente: clarin.com

EL DISEÑO QUE MODIFICA LA REALIDAD

Entre el 24 y 25 de octubre se realizará en el CMD el tercer encuentro de DArA ID, con invitados de lujo: Karim Rashid, Alberto Martínez (CuldeSac), Arthur Casas y StudioMK27.

FIGURA. Karim Rashid, uno de los invitados de lujo que disertará en el encuentro.

FIGURA. Karim Rashid, uno de los invitados de lujo que disertará en el encuentro.

Entre el miércoles y el jueves que viene pasarán por Buenos Aires varios de los referentes internacionales del diseño. Será en el marco de la tercera edición de DArA ID, el encuentro internacional e interiorismo y diseño que se realizará en el Centro Metropolitano de Diseño.

Con invitados de primer nivel, el encuentro que realiza la Asociación de Diseñadores Argentinos intentará averiguar “cómo el diseño modifica la realidad”. Estarán a cargo de las disertaciones personalidades como el estadounidense Karim Rashid; Alberto Martínez, del estudio español CuldeSac; los brasileños Diana Radomysler (de StudioMK27) y Arthur Casas, más Shashi Caan, de la India.

DArA ID es un encuentro bianual que propone el debate y el contacto con grandes diseñadores internacionales. Su primera edición, en 2008, se realizó en el Planetario de la Ciudad de Buenos Aires Galileo Galilei, bajo el lema Laboratorio de la creación: Hacia donde van los diseñadores por el mundo. Asistieron Giovani Gervasoni (Italia), Mathias Klotz (Chile), Calvin Tsao (EE.UU.), Paula Navone (Italia) y Simon Cavelle (Gran Bretaña), entre otros.

En 2010 la temática giró alrededor de la pregunta ¿para quién diseñamos? Estuvieron Miguel Rodríguez Casellas (Puerto Rico), Isabel López (España), Rodolfo Machado y el plato fuerte que fueron los Hermanos Campana llegados del Brasil.

Este año, con la presencia de Rashid, CuldeSac, Casas, Studio MK27 y Shashi Caan, el encuentro promete debates y contenidos de buen nivel. Karim Rashid es uno de los diseñadores más prolíficos de su generación. Con más de tres mil diseños en producción y con más de 300 premios, su trabajo se expandió por todo el mundo y cosechó premios aquí y allá.

En tanto, CuldeSac es un laboratorio creativo de diferentes disciplinas. Se fundó como lugar de encuentro e intercambio en 2002. Por otra parte, Shashi Caan es fundadora y directora de Shashi Caan Collective, en la India. Su obra de proyecto exhibe una sensibilidad sutil a través de la unión de las múltiples capas de arquitectura, diseño de interiores y productos. A través de un proceso de diseño colaborativo único, The Collective ofrece soluciones de arquitectura, interiores, lugar de trabajo y productos que se centran en el apoyo a las personas.

En tanto, la arquitecta Diana Radomysler, participa en Studio MK27 desde 1994, donde comparte tareas junto a un grupo de 15 arquitectos. Es coautora de la Casa Du Plessis, la Casa S401, la casa D y la casa Toblerone, entre otros. También desde Brasil, Arthur Casas recorrerá en la conferencia su repertorio cosmopolita: desde modernistas brasileños a la Bauhaus, de Stevens Mallet hasta arquitectos japoneses contemporáneos. Racionalista y poética, su arquitectura se encuentra en una búsqueda constante de conceptos modernistas, de atemporalidad clásica y de una creación que pone de manifiesto una forma original de estilo brasileño.

Por otra parte, el estudio francés Ciguë, fundado en2003, está compuesto por seis arquitectos. El objetivo es producir arquitectura, interiores, obras de arte y objetos que combinen la intelectualidad con la artesanía y la intuición. “Tenemos conciencia y respeto de larga data para los entornos en los que trabajamos, con las personas con quienes trabajamos y con los materiales que manipulamos”, dice Hugo Hass, el representante del estudio que disertará en el CMD. La programación completa, en www.daraid.com

Fuente: ARQ Clarín 

LA ARTISTA QUE FUE VIOLADA Y TORTURADA Y, AL FINAL, HONRADA POR REYES Y NOBLES

A partir de mañana se podrá ver una obra de esta gran pintora barroca, una de las únicas de su época.

Magdalena desvanecida. Contrastes, heroínas y personajes religiosos.

En su cuadro más famoso, Judith decapita a Holofernes con toda tranquilidad. Son personajes bíblicos: la princesa hebrea que finge ceder a los requerimientos del general invasor, lo emborracha y, cuando el general duerme, le corta la cabeza. En su obra más famosa, se cree, Artemisia Gentileschi se vengó para siempre de su violador. Judith se parece a Artemisia y Holofernes a él. Hace 400 años que le está cortando la cabeza. Otra obra de una de las grandes de la pintura barroca –Magdalena desvanecida– podrá verse en el Museo Nacional de Bellas Artes, en la muestra Caravaggio y sus seguidores , que inaugura mañana.

Artemisia Gentileschi es la única mujer entre los quince artistas de esta exposición. Una soledad como la que tuvo en vida: nacida en Roma en 1593, no era habitual que una mujer pintara. Pero Artemisia era la hija de Orazio Gentileschi, otro pintor con obra en esta muestra. Orazio seguía a Caravaggio, desde que, en el 1600, había visto sus obras sobre San Mateo. El dramatismo, el uso de luces y sombras de Caravaggio le marcó un camino. Entre esas telas se crió Artemisia, la única de cuatro hermanos con talento para la pintura.

Tenía 12 años cuando murió su madre y su papá se imaginó para Artemisia un destino femenino: monja, por ejemplo. Pero era pintor Orazio y la fuerza artística de la chica se hacía ver. A los 15, ya estaba trabajando con él. A los 17 pintó su primera obra, Susana y los viejos . Susana es joven, está desnuda, dos hombres avanzan sobre ella. Algunos dirían que ese primer cuadro fue profético.

Es que la casa de los Gentileschi era, también, el taller. Pasaban modelos, artistas, clientes. Hombres. Sólo por eso, la reputación de Artemisia viajó de boca en boca. Algo que importaría más tarde, cuando para acusar al violador tuviera que defenderse de esos rumores.

Para que aprendiera, para que supiera de perspectiva, el padre puso a la hija a estudiar con Agostino Tassi, un florentino, pintor de paisajes y marinas, que estaba trabajando con él en el palacio del Quirinal, en Roma.

Los testimonios del juicio cuentan que el 6 de mayo de 1611, cuando Orazio había salido, Tassi entró a la casa y la encontró acompañada por Tuzia, un amigo de la familia. Que le pidió que saliera, y Tuzia salió, aunque Artemisia no quería.

Judith decapitando a Holofernes. El cuadro más famoso de la pintora.

Así lo contó ella, según las actas del proceso: “Cerró la habitación con llave y una vez cerrada me lanzó sobre un lado de la cama dándome con una mano en el pecho, me metió una rodilla entre los muslos para que no pudiera cerrarlos, y alzándome las ropas, que le costó mucho hacerlo, me metió una mano con un pañuelo en la garganta y boca para que no pudiera gritar y habiendo hecho esto metió las dos rodillas entre mis piernas y apuntando con su miembro a mi naturaleza comenzó a empujar y lo metió dentro. Y le arañé la cara y le tiré de los pelos y antes de que pusiera dentro de mi el miembro, se lo agarré y le arranqué un trozo de carne”.

Después él prometió casamiento y ella aceptó, por el honor de la familia. Pero él no se iba a casar. Meses más tarde, Orazio hizo le escribió al papa Pablo IV: “Una hija del suplicante ha sido desflorada a la fuerza y conocida carnalmente por Agostino Tassi, pintor, amigo y colega del suplicante” . Hubo juicio.

No bastaba el relato de Artemisia: para probar que no mentía, le hicieron exámenes ginecológicos en público. Para probar que podía sostener su verdad, la torturaron con un instrumento que apretaba cuerdas en torno a sus dedos. Quedó marcada.

“Este es el anillo que me regalaste, éstas son tus promesas” , dicen que le gritó a Tassi.

“Desflorar” es el verbo clave. Como ella era virgen, como no se pudo probar otra cosa en siete meses de juicio, Tassi fue condenado a un año de cárcel y cinco de expulsión de Roma, algo que al parecer no cumplió.

Entre 1612 y 1613 Artemisia pintó su primer Judith y Holofernes, que hoy está en Nápoles. Entre 1614 y 1620, el segundo, el más famoso. “ Me he visto honrada por todos los reyes y gobernantes de Europa a quienes he enviado mis trabajos. no sólo con regalos sino con las más favorables cartas, que guardo conmigo ”, le escribió en 1635 a su amigo Galileo Galilei.” Fue la primera mujer en la Academia de Dibujo de Florencia. Recibió encargos de la nobleza. Pero tras su muerte, su figura se desdibujó. Reapareció en el siglo XX. En 1944 la italiana Anna Banti escribió una novela sobre ella, que en 2008 se reeditó, con prólogo de Susan Sontag. Después vinieron más novelas, ensayos, películas.

Algo de toda esa fuerza se puede ver ahora. En Bellas Artes.

Fuente: clarin.com

ABREN A LA GENTE EL CUARTO DEL HOTEL DONDE VIVIÓ LORCA

La habitación 704 del Castelar, un “museo” que recuerda al escritor.

Muebles de época. Se reformuló la decoración y se armó un cronograma de visitas. FOTOS: JUAN MANUEL FOGLIA.

Por Romina Smith

En ese cuarto, pequeño, planeó un viaje a Chile con su amigo Pablo Neruda. Ahí se vistió de gala para ir al teatro Avenida. Y desde ahí, también, se enamoró de la nostalgia y la vida cultural de Buenos Aires. Hoy, la vista es la misma que entonces . La cama de hierro también está igual, como si lo estuviera esperando. Y el escritorio tiene su huella: un dibujo propio, y un diario que retrata el horror de la Guerra Civil española. La habitación 704 del Hotel Castelar , sobre Avenida de Mayo al 1100, sigue intacta y con la huella nítida de Federico García Lorca en cada uno de sus rincones. Y desde la semana que viene estará abierta al público para todo el que quiera conocer el paso del poeta andaluz.

La idea, dicen en el hotel, es que esa habitación sea un “cuarto museo” , que sirva como punto de partida para divulgar más la obra del escritor, que visitó Buenos Aires entre 1933 y 1934. “Lorca llegó en octubre de 1933 para presentar ‘Bodas de sangre’ invitado por Lola Membrives. Se iba a quedar un mes, pero la Ciudad lo atrapó , lo conquistó, se rodeó de amigos como Neruda y Alfonsina Storni y se quedó cinco meses más. Durante ese tiempo vivió en este hotel, en esta habitación”, contó María Letizia Cafora, colaboradora del área de Cultura del Castelar y una de las promotoras de esta movida.

Objetos. Una bata igual a la que uso el escritor en su estadía de seis meses.

Según sumó María Celeste Orta Grill, del área de Eventos y Banquetes del hotel, fue la gente la que insistió en que hubiera visitas guiadas para conocer el lugar que tanto inspiró a Lorca en su estadía porteña. “Muchos turistas nos pedían alojarse en esta habitación. Hasta ahora el cuarto tenía un decorado escenográfico y nosotros mismos acompañábamos al que quisiera ir a verlo. Pero creemos que el hotel no puede prescindir de este patrimonio y por eso reformulamos la decoración con muebles de la época y armamos esta propuesta de visitas”, contó.

Además del cuarto, la visita permitirá conocer, por ejemplo, cada una de las etapas de la vida de Lorca a través de láminas con fotos y textos que acompañan todo el pasillo del séptimo piso, ver el acta de nacimiento que mandaron desde Granada y espiar sus cartas manuscritas. La movida comenzará esta tarde con una presentación para invitados especiales, entre ellos el directorio del hotel, autoridades del Gobierno porteño y de las embajadas de España y de Francia, y seguirá el miércoles 31 con un recorrido de cuatro horas , abierto a todos los interesados. Después habrá visitas guiadas todos los miércoles, también para escuelas o grupos.

“Buenos Aires tiene algo vivo y personal; algo lleno de dramático latido. Yo sé que existe una nostalgia de la Argentina, de la cual no quiero librarme” , escribió Lorca aquí. Nunca más pudo volver: dos años después, fue capturado y fusilado por el franquismo.

Fuente: clarin.com

EXHIBIRÁN OBRAS DE GAUGIN EN PANAMÁ

Un hombre observa una pintura del Paul Gauguin el 5 de octubre de 2012 en Madrid. Varias obras originales del pintor posimpresionista francés del siglo XIX serán exhibidas en el Museo del Canal Interoceánico de Panamá, donde se espera romper el récord de visitas, informaron el jueves los organizadores.

Por Pierre-Philippe Marcou


Varias obras originales del pintor posimpresionista francés del siglo XIX Paul Gauguin serán exhibidas en el Museo del Canal Interoceánico de Panamá, donde se espera romper el récord de visitas, informaron el jueves los organizadores.

Titulada 'Paul Gauguin, el sueño de Panamá', la muestra de 16 óleos, grabados y dibujos estará abierta al público del 7 de diciembre al 10 de marzo de 2013.
"Es un sueño hecho realidad poder traer a Panamá a uno de los grandes de la pintura universal... Esta va a ser la exposición más visitada" en la historia del país, aseguró en una rueda de prensa la directora del Museo, Ángeles Ramos.
Según los organizadores, es la primera vez que se podrán ver obras originales del pintor francés en Centroamérica, gracias a museos de Francia y Gran Bretaña y de particulares que las cedieron.
La muestra contará también con cinco cartas escritas por Gauguin a su esposa desde Panamá, 13 fotografías de la época, además de dos pinturas originales de Charles Laval, un joven artista con quien el genio francés llegó a suelo panameño.
En 1887, Gauguin vivió durante cinco semanas en Panamá, adonde llegó resuelto a "vivir cual salvaje" en la isla de Taboga, en el Pacífico, cuenta Marc de Banville, periodista y documentalista francés.
Sin dinero, el artista terminó trabajando en las obras de construcción del canal interoceánico, que fueron iniciadas por los franceses, aunque no se quedó mucho tiempo. "Su tendencia a las borracheras y peleas hizo que lo despidieran al cabo de pocas semanas" y partiera rumbo a Martinica, llevándose "como recuerdo una disentería, la malaria y los cálidos colores de Taboga", dice Banville en su libro 'Canal Francés. La aventura de los franceses en Panamá'.
"Vamos a tener muy cerca el espíritu de Gauguin", dijo el embajador de Francia en Panamá, Hugues Goisbault.
Capitaneados por Ferdinand de Lesseps, los franceses intentaron desde 1880 hasta 1904 construir un canal interoceánico en Panamá, pero fracasaron por las enfermedades tropicales y las dificultades económicas.

Fuente: AFP