EL POMPIDOU DE PARÍS
INSTALA EN SU PUERTA UNA OBRA DE CALDER



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Mide 8 metros y pesa seis toneladas. Se titula ‘Horizontal’ y llevaba casi 30 años escondida en los almacenes del museo parisino. Ahora quedará expuesta de manera permanente junto a su fachada más emblemática, tras una concienzuda labor de restauración. El Centro Pompidou atrajo a más de 470.000 visitantes en 2009 con la última exposición monográfica que dedicó al popular artista estadounidense. 

Fuente: noticiasarteseleccion.com

LA NATIONAL GALLERY DE LONDRES, RECONOCE LA AUTORÍA DE UN NUEVO LEONARDO DA VINCI




Una pintura atribuida hasta ahora a un discípulo de Leonardo da Vinci podría ser una creación de primera mano del maestro renacentista. Eso elevaría su valor desde los 50 euros que se pagaron por ella en 1958 hasta los 200 millones. Su título es ‘Salvator Mundi’ y es una de las 22 versiones del tema que han llegado hasta la actualidad, ya que el original de Leonardo, que se consideraba desaparecido, fue copiado por varios de sus discípulos.
Robert Simon, un galerista que se identifica como "representante de los propietarios”, fue quien llevó la pintura al Museo Metropolitano de Nueva York, donde conservadores y comisarios “coincidieron en que fue pintado por Leonardo". Pero el examen más comprometido se producirá ante miles de personas en la National Gallery de Londres, donde se dedicará una exposición al maestro italiano en noviembre. El museo ha confirmado que Luke Syson, uno de sus comisarios más prestigiosos, "incluirá el cuadro en el catálogo de obras de Leonardo da Vinci, y así se presentará en la exposición.

Fuente texto: noticiasarteseleccoión.com

DE BOTÍN DE GUERRA A SOTHEBY'S


Cuadro de Klimt


 
VIENA (EFE).- El próximo 2 de noviembre se pondrá en venta en la casa de subastas Sotheby's de Nueva York un óleo del pintor austríaco Gustav Klimt, valuado en 24,4 millones de dólares. La obra había sido expoliada por los nazis y restituida recientemente a los herederos de su propietaria, según informó ayer el diario vienés Der Standard.
El óleo es Litzlberg am Attersee , pintado en 1915 y robado por los nazis a su propietaria, que fue deportada y asesinada en Polonia en 1941. La Gestapo se apropió del cuadro y lo vendió a un marchand de arte de Salzburgo. La pintura llegó, finalmente, al Museo de Arte Moderno de esa ciudad, donde estuvo expuesto hasta ahora.
El actual propietario del millonario lienzo es Georges Jorisch, nieto de Amalie Redlich, quien había adquirido la obra en 1938. El Museo de Arte Moderno de Salzburgo había anunciado en abril último la restitución del cuadro a los herederos de la propietaria original.
Se espera que el cuadro sea vendido por un monto significativamente superior al tasado, y Jorisch anunció que donará 1,7 millones de dólares al museo austríaco.

Fuente texto: lanacion.com

TODOS LOS BARRIOS PORTEÑOS
YA TIENEN ESCUDO PROPIO



Fueron diseñados por los vecinos y luego seleccionados por las juntas de estudios históricos y los CGPC. Están colocados en las principales plazas y esquinas.
Reflejan la historia y los íconos. Tras 22 años lograron completar los que faltaban.

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Escudos 4















Por Silvia Gómez.

Debieron pasar 22 años para que los 48 barrios porteños tuvieran cada uno su propio emblema. Representan una parte de su historia y los íconos que mejor los identifican. Edificios, esquinas, lugares, leyendas e historias del pasado. Emblemas a través de los que se puede adivinar a veces el origen del barrio, a los personajes que dejaron su impronta y los rincones que los hacen únicos. Así Carlos Gardel asoma imperante en el de Balvanera y el “Polaco” Goyeneche en el de Saavedra; la basílica San Carlos Borromeo domina el emblema de Almagro, la “Redonda” hace lo propio en Belgrano y la de San Cayetano luce en el escudo de Liniers, en el oeste de la Ciudad.
“Se cumplió el objetivo número uno: que todos los barrios tuvieran su emblema. El próximo paso es que las escuelas, los CGPC y las comisarías los incorporen. Creo que el desafío final será lograr un sentido de pertenencia de los vecinos con sus insignias”, dijo María Isolina Peña, del programa Pasión por Buenos Aires, dependiente de la jefatura de Gobierno porteño. La mayoría de las divisas ya fueron colocadas en esquinas representativas o plazas. Sólo faltan colocar los de Villa Riachuelo, Villa General Mitre y Agronomía.
Nora Matti, del CGPC 10 (que agrupa a los barrios de Villa Real, Monte Castro, Versalles, Floresta, Vélez Sarsfield y Villa Luro) cuenta que en su zona todos los emblemas ya fueron colocados. “Ahora esperamos que también se los mantenga, porque algunos fueron vandalizados en cuestión de días”, se lamenta. Y los vecinos, que hicieron la denuncia en el CGPC, contaron que el de Monte Castro fue arrancado de cuajo de la plaza del barrio por la hinchada de All Boys. En esta zona de la Ciudad, tres de los escudos tienen a las locomotoras como protagonistas: Villa Real, Versalles y Floresta.
Respecto al mantenimiento, en foros y diarios barriales los vecinos se quejan de que muchos fueron destruidos. Es lo que sucede, por ejemplo, en Colegiales. Los vecinos denunciaron que fue robado y además aprovecharon para mostrar su descontento con la ubicación: la plaza San Miguel de Garicoits, en Alvarez Thomas y Forest. Dicen que esa esquina no representa a Colegiales. En los barrios de Retiro y San Nicolás los emblemas también desaparecieron.
La idea de que cada barrio tuviera su emblema data de 1989, cuando el polémico intendente de Buenos Aires, Carlos Grosso, firmó un decreto impulsándolos. “El proyecto nació incluso antes que se declarara la autonomía de la Ciudad. En general lo que he podido ver es que los emblemas representan más lo material que lo simbólico: es decir, las plazas o los edificios, más que los hechos históricos. Y lo que lamento respecto a la creación de cada uno es que no hayan participado más activamente las escuelas. Los chicos hubieran sido una fuente inagotable de ideas”, opinó el historiador Eduardo Lazzari, uno de los mayores especialistas en la historia de los barrios porteños.
Lazzari promueve la idea de que se reconozca también a los casi 50 barrios no formales, tan identificados por la gente como los formales. Por ejemplo Once, Congreso, Las Cañitas, Abasto, La Imprenta, Bajo Flores, Belgrano R, Palermo Viejo y tantos otros. “Estos barrios informales podrían tener sin dudas sus propios emblemas. Tienen su propia identidad, quién puede negarlo”, argumenta Lazzari. Así entonces el vals “Los cien barrios porteños” tendría su razón de ser: “Cien barrios porteños, cien barrios de amor, cien barrios metidos en mi corazón”, cantaba Alberto Castillo.
Por el momento falta difusión para que los vecinos conozcan sus emblemas y los tomen como propios. Algunas juntas históricas –hay unas 40 sólo en la Ciudad– proponen que se los incluya en otros lugares, más allá de las plazas y las esquinas representativas: por ejemplo hacer stickers para pegarlos en los comercios, incluirlos en los periódicos barriales, colocarlos junto a los escudos de las escuelas o imprimirlos incluso en los impuestos de la Ciudad. También en centros de jubilados y centros culturales. Lo cierto es que, pese a que algunos tienen mas de una década de vida, son muy poco conocidos por los vecinos.

Fuente: clarin.com

YUNTA DE GIGANTES:
STUPÍA Y NOÉ DIBUJAN A CUATRO MANOS


Los artistas exponen cincuenta obras que hicieron juntos durante seis meses.

DIÁLOGO. LOS PLÁSTICOS USARON EL DIBUJO COMO UN LENGUAJE PARA COMUNICARSE. CADA OBRA ES UNA CONVERSACIÓN VISTA EN UN PLANO. 


¿Quién le arruinó el dibujo a quién, Stupía? “Acá todos nos arruinamos el dibujo a todos”, contesta, sonriendo, el artista Eduardo Stupía, cuando se le pregunta por la exhibición “¡Me arruinaste el dibujo!”. Y aunque el título suene a reproche, nada más lejos de la realidad: se trata de un chiste, de un código común entre dos viejos conocidos y dos monstruos del arte argentino: los artistas Yuyo Noé y Eduardo Stupía. Ellos son quienes exponen los cincuenta y un dibujos surgidos de una experiencia singular, un dibujar “a cuatro manos”.
“Es una experiencia bárbara”, explica Yuyo, “porque, aunque uno siempre tiene un diálogo interior, cuando aparece un interlocutor siempre es mejor. Y como el dibujo es un lenguaje, esto de dialogar a través suyo me pareció bien interesante.” “Ya habíamos tenido una experiencia previa en esto de dibujar juntos”, explica Stupía. “Fue en el 2006, cuando Yuyo hizo una exposición individual en la galería Rubbers y me invitó entonces a crear una obra en conjunto.” “Y este año, Eduardo tuvo la idea de hacer toda una exposición siguiendo la misma táctica”, dice Noé. Y agrega: “Habremos tardado unos seis meses en dibujar todas las obras; aunque el trabajo más intenso fue el de los últimos dos”.
Inundando toda la sala del Borges –hay dibujos por arriba, por abajo, ¡hasta en las columnas!–, las obras bi-autorales llaman la atención. Pasa eso que se produce cuando dos potencias artísticas se juntan: se retroalimentan entre sí, se enriquecen. Son una dinamita mental. Esto se ve en “Adelante”, “Nubosidad variable”, “Historia natural”, “Muerto en vida”, “Libertad” y “Tiempo al tiempo”, por ejemplo, todos sobre papel, con tinta, acrílicos y collage (con ese recurso tan típico de Yuyo, de cortar fragmentos de otros dibujos y pinturas realizados anteriormente, pegándolos dentro de uno nuevo). 

YUNTA DE GIGANTES. STUPÍA Y NOÉ DIBUJAN A CUATRO MANOS.

Hay algunas obras realizadas con color, pero hay, sobre todo, una gran pintura de dos por tres metros -“Interferencia en el jardín de infantes”,- que es una explosión cromática con trazos a escala mayor incluidos. “Es una obra sobre papel entelado”, explica Yuyo. Y es ahí, en el momento en que meten color, cuando estos artistas la rompen y ya nadie los puede parar.
“En el momento de dibujar de a dos hay que tener presente que el otro hace lo que se le ocurre”, explica Stupía. “Y ante eso, uno, como artista acostumbrado a trabajar en solitario, se siente un poco invadido. Entonces, dejar que la irrupción del otro tenga una consecuencia, fue una experiencia de desapego. Una práctica del carácter.” ¿Volverían a repetir la experiencia? “Yo con Yuyo repetiría cualquier experiencia de cualquier índole”, contesta, riendo, Stupía. “Es un artista histórico, que atraviesa épocas y conceptos, y que está siempre experimentando.” “Trabajar en conjunto es como hacer un libro; no significa que siempre vaya a ser así”, explica, por su parte, Noé. “Pero la verdad es que fue intelectualmente divertido”, concluye.
Hay yunta de gigantes en el Borges. No la deje pasar.

 PÚBLICO VIENDO LA MUESTRA.

 Fuente: clarin.com

LA NATIONAL GALLERY DE LONDRES
INSTALA UNA MODERNA ILUMINACIÓN LED



La National Gallery instala una moderna iluminación LED


La National Gallery de Londres ha optado por la iluminación LED (Diodo Emisor de Luz) para mejorar la exposición de sus tesoros artísticos y reducir el consumo de electricidad. Después de tres años de consultas e investigaciones, la histórica institución londinense eligió combinar las luminarias de bajo consumo con un sofisticado mecanismo que regula automáticamente la cantidad de luz solar que entra en la sala. 
Un complejo dispositivo computarizado controla la apertura y cierre de las persianas colocadas en el techo para dosificar la luz natural que llega a los cuadros y esculturas. Dependiendo de su intensidad y del ángulo con el que incide sobre las obras, el sistema hace aumentar o disminuir la cantidad de luz que proyectan los LEDs, sin que los visitantes noten los cambios. 
El principal museo de Arte londinense comenzó instalando este revolucionario sistema en la sala 62, extendiéndose posteriormente a las salas 6, 7 y 8. Los resultados resultaron muy satisfactorios, por lo que el plan de renovación continuó en las salas 5 y 10. Ahora ha comenzado el cambio de todos los focos de tungsteno en un programa que está previsto que concluya en marzo de 2013.
El uso de lámparas LED en todas sus instalaciones permitirá a la National Gallery reducir sus emisiones de anhídrido carbónico a menos del 60 por ciento, lo que supone dejar de emitir a la atmósfera 400 toneladas anuales de gases de efecto invernadero. Aún más espectacular será el recorte de la factura eléctrica, que caerá por debajo del 20 por ciento.
Las lámparas LED tienen una vida media 25 veces más alta que la de los focos incandescentes, lo que también permite rebajar los costes de mantenimiento. Otra ventaja significativa del nuevo sistema es que no produce luz ultravioleta ni infrarroja, por lo que envejecen o deterioran las obras de arte iluminadas y por lo que se puede prescindir de los filtros que hasta ahora recortaban de manera apreciable la cantidad de luz disponible.

Fuente: noticiasarteselección.com

ANTON MAUVE EN EL RIJKSMUSEUM AMSTERDAM



Anton Mauve,1838-1888.
 
Antonij (Anton) Mauve nació en Zaandam en 1838. A la edad de 16 años, se fue a Haarlem, donde fue aprendiz del artista Pieter van Os Frederik, un especialista en el ganado vacuno, seguido por Verschuur Wouterus que pintaba caballos. Junto a Pablo Gabriel, diez años mayor que él, solía ir al campo a pintar directamente de la naturaleza. A partir de sus veinte años, se queda y trabaja regularmente en Oosterbeek, adonde se habían ido muchos artistas se fue, así como en La Haya, Scheveningen, Amsterdam Dordrecht, y Drente. En 1871 se trasladó a un estudio en La Haya, donde se convirtió en una figura prominente en el mundo del arte. Con sus paisajes evocadores de los campos con ganado, Mauve pertenecía a la Escuela de La Haya.
Vincent van Gogh lo nombra y cita muchas veces a Mauve en sus célebres cartas a su hermano Theo.


Anton Mauve, Escuela Holandesa, 1838 -1888. 
Cliquee sobre la imagen para ampliarla.

título
“Cabalgata matutina por la playa”

año
1876

artista
Anton Mauve

técnica
Óleo sobre lienzo

dimensiones
45 x 70 cm

número de inventario
SK-A-3602

Aunque Anton Mauve es más conocido por sus cuadros con ovejas, esta pintura  “atmosférica” de hombres vestidos elegantemente, paseando a caballo por la costa holandesa, es sin duda una de sus obras más destacadas. Mauve (1838-1888) fue un paisajista famoso en su época y tuvo una gran influencia en su primo político Vincent van Gogh a quien alentó para que se convirtiese en un artista profesional. Mauve trabajaba de manera mucho más tradicional que su pariente más joven, conocido como Impresionismo holandés o 'Escuela de La Haya ".
El elemento más interesante de esta pintura son, probablemente, las variaciones del deslumbramiento de la luz que se extienden sobre la tela, lo que sugiere una gran cantidad de movimiento y dinamismo. Personalmente, cuando veo la escena, puedo casi sentir el viento soplar y oir el grito de las gaviotas.
Que hermosa luz: resultó ser aún más claro de lo que se pensaba hace algunos años, cuando el cuadro fue limpiado y su barniz amarillento fue removido. La misma restauración reveló otro detalle sorprendente: la aparición de los excrementos de caballo en la arena. Un dueño anterior de la obra, aparentemente por haberlos considerarlos indecentes, les había pintado encima.
Un grupo de caballos desciende a un ritmo pausado de las dunas de la playa. Es un día de verano, alrededor del mediodía: el sol está alto y las sombras son cortas. Jinetes bien vestidos está tomando un relajante paseo por la playa de Scheveningen, un popular destino turístico costero de la jornada. Al pie de la duna de un gran número de casetas de baño. Estos caballos de andar son  inusuales en una obra de Anton Mauve. Normalmente pintaba caballos de trabajo y animales en su ambiente natural. Y era particularmente famoso por sus paisajes con ovejas.

Manchas de color y toques de pintura
                                                    
                              
                               Cabeza de mujer.














      


                                                             

 Figuras a la distancia.



“Cabalgata matutina por la playa” fue pintado con una pincelada rugosa y con poco detalle. El rostro de la mujer, por ejemplo, es sólo una mancha de color, sin definición clara, mientras que las figuras a la distancia son uno o dos golpes libremente pintados de pincel. Y sin embargo, el tema es inmediatamente reconocible para el espectador. Al igual que otros pintores de la Escuela de La Haya, Mauve toma prestado este estilo de pintura de los impresionistas franceses. Mauve no era llegaba al extremo de algunos de sus colegas que construyeron composiciones enteras con puntos de pintura sin mezclar, sin contornos. Sólo la distancia hace fundir los colores en un todo.



Efectos de luz

Al igual que los impresionistas franceses, Mauve se centró en la atmósfera del paisaje - la suave arena y la bruma caliente - y en particular la forma en que cae la luz. Por ejemplo, estudió el efecto de la luz sobre los caballos de cerca. El pelaje más brillante de los caballos oscuros tiende a absorber la luz, mientras que los cuartos de los caballos más claros reflejan los rayos del sol como un espejo. La parte trasera del caballo gris se acentúa con un poco de blanco.

La obra en su estado actual, tal cual como la hizo Mauve.

La obra con el barniz oxidado y sin los excrementos de los caballos.

Restauración y censura
 

Cuando el barniz original amarillento y oxidado se removió hace unos años, la pintura de aire brillante, clara, volvió a aparecer. La obra maestra de Mauve fue devuelta a su estado anterior. Durante la restauración, los excrementos de caballo a los que se les había pintado encima fueron redescubiertos.
Mauve parece haber considerado este fenómeno natural pertinente a la composición general. Propietarios posteriores pensaron que el detalle era inadecuado para una gran obra de arte y les hicieron pintar encima con un tono aparentemente ligero.

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título
Jinetes en la nieve en los bosques de La Haya

año
c. 1879

artista
Anton Mauve

técnica
Acuarela sobre papel y color carrocería / Acuarela, color carrocería blanca

dimensiones
44,1 x 26,7 cm

número de inventario
SK-A-2443

Una escena con tres jinetes por un bosque en invierno, en color gris suave, de color blanco grisáceo, amarillo, un poco de color marrón y rojo. Se trata de niebla. Las ramas se recortan contra el cielo suavemente iluminado por el sol, ha caído nieve y  está por caer más. Anton Mauve ha captado con precisión la atmósfera de un día de invierno: el frío, la helada niebla son casi tangibles. Al mostrar a los jinetes desde atrás, la sensación de desolación es aún mayor.


Mauve representa el paisaje nevado con una gama de grises y blancos. Sólo el blanco es color pigmentario, el resto de los colores son de acuarela. Sutiles toques dar a la obra una sensación de profundidad. El sombrero del primer jinete, por ejemplo, es de color amarillo grisáceo y contrasta con el árbol. Un toque de rojo en la grupa del caballo marrón da un cierto énfasis. Mauve fue uno de los pintores de la Escuela de La Haya, artistas que se centraron en la atmósfera y la luz en la Naturaleza.



Ovejas en el bosque.
El esquilador.













Naturaleza silenciosa
 

El tema favorito de Mauve era la naturaleza en sus formas más puras y más tranquilas. Pintó el brezo, bosques, playas y dunas - a menudo pobladas de ovejas o vacas. Fueron sus pinturas con ovejas que lo hicieron famoso. A veces un trabajador agrícola se ve en el campo, pero, por lo general, para preservar la integridad del paisaje Mauve le restó importancia al elemento humano. Una excepción notable es la “Cabalgata matutina por la playa”, una pintura que retrata el ambiente de cultivo de Scheveningen.

Encantadora imagen de un paisaje de invierno. 



Ruiters en sneeuw de in het Haagse Bos. "El carretón de tronos"": un paisaje de invierno sin nieve.
     
Invierno
 
Los paisajes invernales no son un tema común en Mauve. Regularmente, salía con el frío del invierno a capturar la atmósfera y la luz sobre tela o papel. "Con valentía inquebrantable marchamos a través de la nieve todos los días, armado con una caja de pinturas que rara vez se quedó fuera de uso ", escribió la mujer de Mauve en 1885.