UN VERMEER, VENDIDO EN LONDRES POR 10,7 MILLONES DE DÓLARES.

"Santa Práxedes", la obra de Joannes Vermeer fechada en 1655, que acaba de vender Christie's

«Santa Práxedes», de Vermeer (óleo sobre lienzo, 101,6 por 82 centímetros), firmado y fechado en 1655, acaba de ser subastado en la casa Christie's de Londres por 6.242.500 libras (10,7 millones de dólares), muy cerca de su estimación más baja. Partía con un precio estimado de entre 6 y 8 millones de libras (7,4-9,8 millones de euros). Era una de las dos obras del maestro holandés que quedaban en manos privadas. La otra es «Muchacha sentada al virginal», adquirida en 2004 en Sotheby’s-Londres por 30 millones de dólares. Su comprador fue el magnate de los casinos de Las Vegas Steve Wynn.

Se trata de una copia de un cuadro pintado por el italiano Felice Ficherelli, que se halla en la Colección Fergnani de Ferrara, que realizó Joannes Vermeer cuando tenía unos 22 o 23 años. En 1987, un año después de que saliera a la luz la firma del maestro en un estudio que se realizó al cuadro en el Metropolitan neoyorquino, lo adquirió la filántropa y coleccionista Barbara Piasecka Johnson, esposa de uno de los fundadores de la empresa Johnson & Johnson. Ella falleció el año pasado y parte de su colección de arte se está vendiendo con fines benéficos.

Ya en 1969 la obra se atribuye a Vermeer, pero fue objeto de una discusión académica. Tras la investigación citada en el Met en 1986, la obra pasó a su corpus canónico, que es tan solo de unos 36 cuadros. «Santa Práxedes», primera obra fechada conocida de Vermeer, formó parte de la histórica exposición dedicada a Vermeer en 1995-96 en el Museo Mauritshuis de La Haya y la National Gallery de Washington. Se reunieron 22 de sus obras. Algo irrepetible. Podría sorprender la temática religiosa, no habitual en la producción del artista. Protestante, se cree que se convirtió a la fe católica antes de casarse con Catalina Bolnes el 20 de abril de 1653. Tuvieron 15 hijos. Por si quedaba alguna duda de la atribución, el Rijksmuseum y la Universidad Libre de Ámsterdam llevaron a cabo recientemente estudios técnicos del cuadro que confirman que se trata de un Vermeer.

Entre otras cosas, se sabe que empleó un blanco de plomo que podría ser incluso del mismo lote que utilizó en «Diana y sus ninfas» (h. 1654-55, Museo Mauritshuis de La Haya). Ambos cuadros, junto con «Cristo en casa de María y Marta» (h. 1654-56, Galería Nacional de Escocia, Edimburgo), son sus únicas obras conocidas de su etapa juvenil. En 2012/2013 las dos Santas Práxedes (la de Ficherelli y la de Vermeer) se expusieron juntas en el Quirinale de Roma en la exposición «Vermeer y el siglo de oro del arte holandés». Hay algunas diferencias entre ambas. La más llamativa, el crucifijo que lleva la santa pintada por Vermeer. Pudo ser un añadido posterior para enfatizar la religiosidad de la imagen.


Fuente: fama.com

EL HERACLES ARQUERO DE ANTOINE BOURDELLE EN EL MUNDO

El Heracles Arquero es una escultura que Antoine Bourdelle realizó en 1909.

Se trata de un encargo que le hiciera el financista y filántropo Gabriel Thomas.

En un principio y de acuerdo con los deseos de Gabriel Thomas, la obra iba a tener una sola copia.

La escultura, de bronce dorado, causó sensación al ser presentada en el salón de la Société Nationale des Beaux-Arts de 1910.

1.- Heracles Arquero de yeso en el Museo Ingres de Montauban

                                                                                                                                                                                           

Bourdelle se inspiró en los trabajos de Heracles, y eligió el sexto de ellos: el exterminio de las aves del lago Estínfalo. En la mitología griega, las aves del lago Estínfalo (en griego antiguo όρνιθες Στυμφαλίδες / Stumphalídes Ornith) eran pájaros monstruosos, se alimentaban con carne humana (según una versión), que infestaban los bosques que rodean el lago Estínfalo, en Arcadia, utilizando las puntas afiladas de sus plumas de bronce (de acuerdo con otra de las muchas versiones) como flechas para matar a los hombres y a los animales para comérselos.

Para crear esta obra, Antoine Bourdelle le pidió a su amigo el capitán Dean-Parigot (1854 -1916), con quien se reunía con motivo de los "Sábados Rodin", que posara como modelo para él. Este militar era un atleta consumado. El despliegue de la tensión del cuerpo y los músculos requeridos por el tiro con arco se ponían de manifiesto en su musculatura. Bourdelle modificó la cabeza de su modelo accediendo a un expreso pedido suyo, para que no se lo pudiera reconocer.

Bourdelle hizo varios estudios que resultaron en una pequeña escultura, que consideró terminada en 1909.

El mecenas Gabriel Thomas, durante la visita al atelier de Bourdelle, queda tan sorprendido con ella que le encarga una escultura monumental para los jardines de su residencia de Bellevue.

2.- Los seis estudios de 1909, Museo Bourdelle, Paris.

3.- Los tres primeros estudios, Museo Bourdelle, Paris

4.- Los siguientes estudios: el 4to., el 5to. y el 6to., Museo Bourdelle, Paris.

5.- El primer estudio, Museo Bourdelle, Paris.

Las dos versiones de Heracles Arquero

La primera versión data de 1909.
Después del encargo de Gabriel Thomas en abril de 1909, Bourdelle hizo la escultura monumental en su tamaño (2,50 m x 2,40 m) en el verano de ese mismo año.
Fue fundida por Eugène Rudier.
La segunda versión se desarrolló alrededor de 1923.
Y se diferencia de la primera versión por la adición de relieves en la roca a la derecha, con la representación de la Hidra de Lerne y el león de Nemée. Por último, una banda que corre a lo largo de la base de la escultura y el monograma diseñado en 1921 completan el trabajo.

Fundiciones

La industria francesa del bronce en 1878, empleaba en 600 fundiciones a más de 7.500 trabajadores. En 1818 los fundidores organizaron una Sociedad de los fabricantes de bronce, para defender sus intereses y, en particular la lucha contra la falsificación. Para luchar contra ella y la multiplicación irresponsable de copias de la misma obra, las fundiciones Rudier, Hébrard y Valsuani, son las primeras en numerar sus copias. Cada obra lleva un número de serie y la cifra total de la tirada ó edición.

Alexis Rudier y fundición Susse
La consagración internacional

En 1914, Antoine Bourdelle se dio cuenta de los daños sufridos por la exclusividad otorgada a Gabriel Thomas. En efecto, después de la Bienal de Venecia, donde Bourdelle había exhibido un Heracles Arquero hecho en yeso, debe negarse a vender una estatua de bronce. Ante la decepción de Bourdelle, Thomas acepta poner fin a su exclusividad y se deshace de la obra de Bourdelle. Esta escultura será adquirida por Suecia en 1920. Thomas posteriormente compró un nuevo bronce, que siguió siendo propiedad de su familia hasta su venta en Drouot-Montaigne, en 1991. Esa copia se encuentra actualmente en Tokio.
Luego del acuerdo con Thomas para que cediera sus derechos, un primer ejemplar le fue entregado en 1916 a la Galería de Arte Moderno de Roma. En 1920 el Museo Waldemarsudde de Estocolmo compra la primera copia de Thomas. En 1923, se venden copias a los museos de Bruselas, Praga y Nueva York. En 1925, la ciudad de Toulouse prevé un monumento dedicado a los deportes valiéndose del Heracles Arquero. En 1926, el Musée de Luxembourg de Paris compró un Heracles (el que actualmente está en el Musée d'Orsay). En 1927, le tocó el turno al Museo de Bellas Artes de Lyon.
Actualmente hay muchos de museos y ciudades que tienen copias de esta obra:

Europa

Francia:

* En París: el Museo Bourdelle, situado en el 16 de la rue Antoine Bourdelle, en el distrito décimo quinto, conserva varias etapas de la obra, una de bronce en el pasillo del jardín y otro en el gran salón.

En el Musée d'Orsay se puede ver una impresión original de oro en el primer piso de la terraza Lille, otro original lleva la inscripción "HERACLES HPAKANZ - Antoine Bourdelle 1909 - ALEXIS RUDIER  FONDERIE París". La versión del Musée d’ Orsay, se fundió en 1924, después de ejecutar la segunda versión de 1923.

* El Museo Ingres, de Montauban, capital del departamento de Tarn-et-Garonne y ciudad natal de Bourdelle, exhibe un conjunto de Heracles en su Sala Antoine Bourdelle.

* En Toulouse, cerca del Canal de Brienne, se encuentra otra versión de la escultura: el Heracles Arquero de Toulouse.

Por iniciativa de Pablo Voivenel, el Heracles fue emplazado en 1925 en memoria de todos los atletas muertos en combate. Este monumento está dedicado a recordar al rugbier de Toulouse Alfred Mayssonnié.

6.- Monograma e inscripciones del Heracles del Museo d'Orsay


* Lyon: Su Museo de Bellas Artes tiene un Heracles.

* En el departamento de Seine-et-Marne, cerca de París, el Jardín-Museo del condado de Bourdelle - Égreville  fue fundado entre 1966 y 1969 por Michel Dufet Rhodia y su esposa, hija de Cleopatra y Antoine Bourdelle. El Museo exhibe en su Jardín-Museo un bronce del Heracles Arquero de la primera versión, fundido por la fundición Susse.

Asia

* En Tokio, Japón: Museo Nacional de Arte Occidental (NMWA) presenta Heracles Arquero museo al aire libre y Bridgestone Museum of Art presenta la obra en la sala de pinturas impresionistas.

América

* En Buenos Aires, Argentina: el arquero está expuesto en un parque en el barrio de la       Recoleta de Buenos Aires.

* En Nueva York, en el MET, Museo Metropolitano de Arte.

Las representaciones de Heracles en la Publicidad.
La escultura fue utilizada por anunciantes, de muy diversas formas:

* En 1924, Heracles Arquero iba a aparecer en los carteles de los Juegos Olímpicos que se

  celebraban en París. Pero el proyecto no fue aceptado por Bourdelle, finalmente se usaron   

  unos carteles de John Law y Orsi.
* En Francia, son muy conocidos los cuadernos para escolares de la marca “Héraklès”. Foto 13
* En 1941, se usó la imagen para los neumáticos Goodyear.
* En 1946-1948, el periódico Mediodía Deportivo lo usó como emblema.
* Laboratorios Delagrange lo usa en su periódico, que se llama “El Arquero”

Características
Fotografías de las diferentes copias del Heracles Arquero

7.-  El arquero de bronce en Buenos Aires. Está en la Avenida Pueyrredón, entre las avenidas  del Libertador y Figueroa Alcorta.  Nota: obsérvense los graffiti que tiene pintados.

8.- El Heracles Arquero del Musée d'Orsay proviene del Musée de Luxembourg, también de Paris.

 9.- Heracles Arquero, estudio en bronce en tamaño definitivo. Museo Bourdelle, París.

10.- Detalle de la cara del mismo Heracles                                          

11.- Conjunto de la Sala de los Yesos del Museo Bourdelle, en París.

En primer plano, se ve al Heracles Arquero y atrás se ven a las diferentes figuras que integran el Monumento al Brigadier General Don Carlos María de Alvear, emplazado junto al Palais de Glace, en Avenida Alvear y Posadas, Buenos  Aires. Arriba, se ve la figura del General Alvear montando su caballo y en el nivel del piso las cuatro figuras femeninas representando a La Fuerza, La Elocuencia, La Libertad y La Victoria (que ocupan  los cuatro vértices del pedestal del monumento de Buenos Aires).

12.- El Heracles Arquero en bronce dorado del Metropolitan Museum of Art, MET, de Nueva York.

13.- El Heracles Arquero de Bourdelle como isologotipo, en la etiqueta de unos conocidos cuadernos franceses.

14.- El Heracles Arquero del museo-jardín del condado de Bourdelle - Égreville.

15.- El Heracles Arquero de Toulouse. Este monumento está dedicado a recordar a todos los atletas muertos en combate y al rugbier de Toulouse Alfred Mayssonnié.

Citas
* "Se entiende que este bronce será único en el sentido de que no se reproducen en la misma magnitud o sin algunos cambios de interpretación", escribió Thomas Gabriel Bourdelle el 2 de abril de 1909 en la orden que encarga el Heracles Arquero.

* La caricatura de Adolfo León Willette es memorable:

- Coro de las señoras: "¡Ah, un hombre completo, lo que es un sueño Bourdelle Bravo"

- Coro de los hombres: "¡Oh, una mujer sin cabeza, lo que es un sueño de Rodin Bravo"

Bibliografía

* Registro del Arte # 10 de enero / febrero de 1993.
* Bourdelle por Jianou Lonel y Michel Dufet Edición Artedi 1970.
* Jardín-museo del condado de Bourdelle Égreville por Herve Joubeaux - Conservador    

   del Patrimonio Territorial en mayo de 2005 ISBN: 2-9524413-0-8

LA AVENIDA DE MAYO CUMPLE HOY 120 AÑOS Y LOS CELEBRA A PLENO

Aniversarios
Fue estrenada el 9 de Julio de 1894 tras una década de obras y polémicas. Hoy habrá desfiles, comidas y se verá la semifinal. Quieren restaurar sus cúpulas.

Notable. Una foto de 1911 de la Avenida, desde el lado del Congreso hacia la Plaza de Mayo. La traza fue muy discutida.

Por Silvia Gómez

Vestidos con sus ropas y uniformes de obreros y enarbolando antorchas, un 8 de julio de 1894, más de 800 trabajadores protagonizaron una marcha que dejó habilitada uno de los íconos de la Ciudad: la Avenida de Mayo. Fueron quienes trabajaron durante más de una década para materializar lo que en aquellos tiempos era la representación de un país que respiraba aires de progreso y buscaba inspiración en los amplios bulevares franceses. Aquellos obreros, en su gran mayoría inmigrantes, lograron dejar una marca indeleble en la Ciudad. La inauguración oficial –con las pompas de la época– sería al día siguiente, un 9 de julio de 1894; 120 años atrás.
El arquitecto ideológico de la avenida, y quien propició su apertura, fue Torcuato de Alvear, el primer intendente que tuvo la Ciudad; quien murió antes de verla terminada. Y la construcción de la calle fue un desafio de tal magnitud que en la previa se la llamó la “Avenida de los Pleitos”. Es que por aquellos años Buenos Aires conservaba una impronta casi de aldea, con calles estrechas y una cuadrícula de damero típico del trazado colonial. Faltaban algunos años para que comenzara la construcción de los palacios y los edificios que aún hoy se conservan y que, muchos transformados en embajadas o instituciones, también son el sello distintivo de Buenos Aires.
En una investigación realizada por la Asociación de Amigos de la Avenida de Mayo, dan cuenta de las dos primeras transformaciones que demandó la construcción de la avenida: fueron la demolición de la Vieja Recova (que estaba ubicada en lo que lo que sería el medio de la Plaza de Mayo, al Oeste de la Casa Rosada actual) y del Cabildo, que era una reliquia intocable por aquellos años y que tenía tres arcos más que los dos actuales. También hubo que expropiar 13 manzanas para lograr el ensanche. Esto último también fue un escándalo, porque perjudicó a familias muy influyentes y pertenecientes a la alta sociedad de aquellas épocas.
Finalmente, en 1884 fue sancionada la ley que autorizaba la apertura de esta avenida de 30 metros de ancho. La obra definitiva terminó en septiembre de 1894, pero la inauguración ya se había hecho aquel 9 de julio.
Hoy siguen luciéndose sobre su traza un puñado de edificios maravillosos, por mencionar solo algunos: como el Palacio Barolo (en el 1370 de la avenida, de Mario Palanti, quien en el 1125 construyó el Hotel Castelar), el Café Tortoni (825), la Casa de la Cultura (565, ex La Prensa ), el Palacio Vera (769), el Edificio Siemens (869) y una joya del art decó, la sede de lo que fue el diario Crítica , construida por los hermanos Kalnay (en el 1333 de la avenida). Y en el Oeste de la calle, ocupando el 1400, el Palacio Heinlein cierra un recorrido magnífico: aunque ahora está deslucido, por la falta de mantenimiento, posee dos cúpulas simétricas y una gran ornamentación.
Y a lo largo de los años sus usos se fueron modificando. Aunque nació con aires residenciales, a principios del 1900 llegó a tener 18 hoteles. Luego vivió los vaivenes de la economía y de la política del país y debajo de sus cuadras adoquinadas se construyó la traza del primer subterráneo de América latina, la línea A (ver Y la rompieron para el subte...).
Desde la Asociación Amigos de la avenida contaron que hay un plan de reconstrucción de cúpulas y fachadas. “Hay que rejuvenecer y refundar la avenida que fue la expresión de la modernidad”, opinó Manuel Pérez Amigo. Quien además la consideró como “un símbolo del país”.
Hoy la Avenida de Mayo será escenario de una serie de festejos organizados por el Gobierno porteño y la CAME, que arrancarán a las 11.30 con la bendición de la Bandera y la interpretación del Himno por parte de la Banda del Regimiento de Infantería 1 de Patricios. Luego habrá un desfile de las colectividades y los centros tradicionalistas de Buenos Aires, quienes llegarán con sus caballos. A las 17 se transmitirá el partido de la selección Argentina contra Holanda en pantallas gigantes y después los locales gastronómicos ofrecerán promociones de happy hour.
Por su parte la subsecretaría de Derechos Humanos porteña organizará su tradicional “Buenos Aires celebra”, con puestos gastronómicos y de artesanías de las colectividades asentadas en la Ciudad. Con la caída del sol, se encenderá el faro del Palacio Barolo y las marquesinas y frentes de los edificios.
Emulando a esos 800 trabajadores que 120 años atrás empuñaron sus antorchas encendidas, un puñado de trabajadores gastronómicos les rendirán homenaje; también con antorchas ardientes.

Fuente: clarin.com

MURIÓ ROGELIO POLESELLO,EL ARTISTA QUE VIO EL MUNDO COMO UN CALEIDOSCOPIO

Tenía 74 años y ayer tuvo un infarto en su casa.
Fue uno de los referentes del arte óptico de la Argentina y de Latinoamérica.
Lo velan hoy en la Legislatura.

Colores. Las figuras geométricas y la luz fueron protagonistas de la obra del artista plástico y escultor. / LEO VACA

Patricia Kolesnicov

Vestido de colores, sonriendo, como jugando: así se vio siempre a Rogelio Polesello. Quizás por esa vitalidad, la incredulidad atravesó ayer las redes sociales cuando corrió la noticia: había muerto el creador, el exponente del arte óptico, el hombre que diseñó la pintura de un Audi para un coleccionista de autos, que hizo un mural para el subte y un monumento por la batalla de la Vuelta de Obligado, el que esculpió para el Comité Olímpico, el que tiene obras en el Museo de Bellas Artes pero también en el Malba, en Caracas, en Miami, en México y en el Guggenheim de Nueva York.
A fin de mes iba a cumplir 75 años. En 2013 lo operaron de un aneurisma en la aorta; en diciembre tuvo una complicación y ayer murió de un infarto.

Polesello hacía arte con la luz. Y empezó de chico. El lo contó así: “Cuando chico, jugaba con un vidrio que me ponía en un ojo y así exploraba. Cuando empecé a pintar hacía monocromías buscando el oficio y me encontré un día sentado en casa pensando qué quería pintar; de pronto el sol atravesó la ventana y se deshizo en una de mis esculturas de acrílico, esos monóculos estridentes que conservaron mi infancia, y se expandió por todo el espacio ese mandato iridiscente y terminó la ceguera: aquí está, dije, agarré el soplete y junté el sol en el plano”. A través de vidrios había mirado los dibujos de su mamá: el efecto de la luz –decía– los convertía en caleidoscopios. Su arte sería eso: jugar con la luz y sus efectos.

Desde muy joven trabajó en publicidad. En ese mundo conoció nuevos materiales, como el acrílico, que le serviría para generar efectos ópticos: “Incorporé la trama de los lentes de aumento a las piezas de acrílico”, explicaría tiempo después. En la agencia publicitaria conoció, también, el mundo del consumo.
A la vez, estudiaba arte en la Escuela Prilidiano Pueyrredón. Tenía 20 años en los 60, cuando la idea de deformar la realidad y la psicodelia flotaban en el aire.
En 1959 expuso por primera vez; en 1965 participó en la Bienal de San Pablo y en el 69 exponía en el Instituto Di Tella, donde pasaba todo en esa época.

Polesello descomponía la geometría a su gusto, incluso en los paneles de acrílico en los que “cavaba” lupas. Quien se haya cruzado con alguno de sus grandes plásticos, se habrá rendido ante la tentación de jugar: a verse deformado, a dejarse atravesar por un funcionamiento nuevo de los ojos y de todos los sentidos, a mirar de una forma nueva.

La luz, el movimiento, como materia prima del arte. Ahora estaba trabajando en una retrospectiva importante que se haría en el Malba en junio del año que viene. “Tengo ganas de abrir la pared de la sala para que la exhibición se pueda ver a través de las esculturas de acrílico”, contó hace poco.
Para él, la obra no aparecía de un chispazo: “Como artista hay que tener muy claro lo que uno quiere hacer, la tecnología es sólo un apoyo, es la mente creadora la que dirige a la mano”. Hay que mirar la calle, dijo entonces, el arte de la calle.

Atento al presente, como quienes construyen el futuro, Polesello murió como vivió: lleno de proyectos.
Desde hoy a las 8 y hasta mañana, lo velan en la Legislatura.


Fuente: clarin.com

ABRIÓ UN PARQUE DE DIVERSIONES DEDICADO AL PRINCIPITO

Cultura

Queda en Francia. Son 24 hectáreas con globos aerostáticos y personajes del libro de Saint Exupéry

El Principito, protagonista del célebre libro del escritor y piloto francés Antoine de Saint-Exupéry, tendrá su propio parque de atracciones en Ungersheim, Alsacia, al noreste de Francia. (AFP)

Hay globos aerostáticos, un gran tobogán con forma de serpiente, zorros y ovejas vivas: todo en el "Parque del Principito", un parque de diversiones que abrió ayer en Francia, inspirado en el famoso relato que Antoine de Saint-Exupéry publicó en 1943.

Son 24 hectáreas cerca de Mulhouse, una localidad muy cercana a la frontera con Alemania, y esperan que, en lo que queda del año, lo visiten unas 80 mil personas: a partir del año que viene, estiman unas 150 mil personas anuales al complejo, que incluye 31 juegos y atracciones inspirados no sólo en El Principito, sino en sus viajes a otros planetas y en los animales con los que se cruza en su periplo, que se tradujo a más de 270 idiomas y que lleva vendidos unos 150 millones de ejemplares en el mundo. Los lectores argentinos no se escapan del fenómeno: en la última Encuesta de Librerías que publicó la Ciudad de Buenos Aires, la historia de ese chico que, en un planeta lejano y chiquito ama una rosa y dibuja un elefante encerrado en la panzota de una boa, fue una de las 20 más vendidas en 2013.

No es la primera vez que los franceses explotan uno de sus éxitos literarios hasta convertirlo en un parque temático: Astérix ya tiene el suyo; siempre sirven para, además, contar la historia de los autores.

Uno de los autores del proyecto, Jérôme Giacomoni, contó a la prensa: "Nuestro objetivo es un púbico de chicos de entre 2 y 12 años, así como los adultos que todavía se acuerdan de que alguna vez fueron niños". Apela a esa sensibilidad a la que también invitaba el pequeño príncipe, a eso de no perder de vista, aunque pasen los años, que "lo esencial es invisible a los ojos".

El Principito, protagonista del célebre libro del escritor y piloto francés Antoine de Saint-Exupéry, tendrá su propio parque de atracciones en Ungersheim,  Alsacia, al noreste de Francia. Las instalaciones contarán con dos globos gigantes que evocarán los planetas visitados por el protagonista de este clásico de la literatura universal, y con un “aerobar” donde los visitantes podrán comer a 35 metros de altura, sentados con los pies en el vacío. El parque temático tendrá salas de cine para proyectar películas relacionadas y un espacio dedicado a los animales del libro, como una granja de mariposas, un espectáculo con zorros y un rebaño de corderos. (AFP) - See more at: http://hd.clarin.com/tagged/el-principito#sthash.TkahIEPS.dpuf

El  Principito, protagonista del célebre libro del escritor y piloto  francés Antoine de Saint-Exupéry, tendrá su propio parque de atracciones  en Ungersheim, Alsacia, al noreste de Francia. Las  instalaciones contarán con dos globos gigantes que evocarán los planetas  visitados por el protagonista de este clásico de la literatura  universal, y con un “aerobar” donde los visitantes podrán comer a 35  metros de altura, sentados con los pies en el vacío. El parque temático  tendrá salas de cine para proyectar películas relacionadas y un espacio  dedicado a los animales del libro, como una granja de mariposas, un  espectáculo con zorros y un rebaño de corderos. Foto AFP 

Fuente: clarin.com

EL ARCHIVO GENERAL DE LA NACIÓN TENDRÁ EDIFICIO PROPIO

MAQUETA. El Archivo General de la Nación contará por primera vez con un edificio especialmente construido para albergarlo, el cual comenzará a levantarse en febrero próximo en el predio que la ex cárcel de Caseros ocupa en el barrio de Parque Patricios.

Foto:Télam

HALLAN RESTOS DE UNA CIUDAD DE LA ÉPOCA GRECORROMANA

En el noroeste de El Cairo.

Detalle. La exploración magnética detectó construcciones y un muro. /EFE

Expertos italianos y egipcios descubrieron las ruinas de una ciudad que data de la época grecorromana en la provincia de Al Bahira, al noreste de El Cairo, según informó ayer el ministro egipcio de Antigüedades, Mamduh al Damati. A través de un comunicado, el funcionario explicó que los vestigios fueron hallados bajo una gran capa de limo en el área de Al Kom al Ahmar, a unos 25 kilómetros al sur del Rashid, un afluente del río Nilo.

La exploración magnética del lugar reveló que la zona contiene varias edificaciones rodeadas por un enorme muro de forma rectangular, que probablemente fueron dedicadas a usos administrativos y religiosos. Al Damati dijo que “este hallazgo tiene una importancia histórica, porque refleja la vida diaria de esa época”, entre el 343 a.C. al 395 d.C. Además, brinda “más detalles de la naturaleza arquitectónica de esas ciudades, ya que es un prototipo destacado del estilo helénico y romano”, según el ministro.

El miembro de la parte egipcia del equipo mixto, Mohamed Qanaui, explicó que las primeras investigaciones indican que la ciudad empezó a construirse en el Periodo Tardío faraónico (724-343 a.C.). Las excavaciones fueron efectuadas en conjunto por el Ministerio egipcio de Antigüedades y del Centro de Arqueología Italo-egipcio.

Fuente: clarin.com

SÁBAT MUESTRA SU GENIAL GALERÍA DE PERSONAJES IMAGINARIOS

Abrió una exposición en Recoleta. “Borges y compañía” reúne una cincuentena de pinturas del eximio retratista rioplatense.

Borges. La única cara reconocible es la del autor de "El Aleph".

Ficciones. Sábat pintó a los hombres y mujeres inventados para esta exposición con óleo y agua sobre telas.

Ficciones. Sábat pintó a los hombres y mujeres inventados para esta exposición con óleo y agua sobre telas.

Inauguración. De izq. a der., el director del Recoleta, Mauricio Macri, "Menchi" Sábat y Hernán Lombardi. /CCR

Por Bárbara Álvarez Plá

Un retrato de Borges con un extraño gesto. El autor de El Aleph está entre el sueño y la vigilia. Lleva puesto pulóver azul. Eso es lo primero que observamos al entrar en la muestra Borges y compañía del prestigioso artista gráfico Hermenegildo Sábat, que abrió ayer en el Centro Cultural Recoleta. ¿Y la compañía? La respuesta acude al pasear la mirada por el resto de la sala C: se despliegan casi 50 retratos. Rostros anónimos, que no son nadie, pero que son, a la vez, de cualquiera: arquetipos que nuestra cultura visual procesará hasta que creamos reconocer a alguien.

“Seguro que la gente va a reconocer a más de uno”, comenta divertido el artista, “pero, claro, no son”. Los retratos no tienen título y, en charla con Clarín, el eximio acuarelista, reconoció que se resiste a titular sus obras, y explicó el por qué de esta muestra: “Yo tenía el retrato de Borges y como todo el resto son cabezas innominadas, las agrupé e hice un paquete”.
A pesar del frío, un grupo de fans esperaba al artista a eso de las siete de la tarde: Sábat los recibió con una sonrisa y dejándose besar por todos. Además de besos, repartió firmas por los libros que algunos de los visitantes traían bajo el brazo para celebrar la ocasión.
Tampoco quisieron faltar el ministro de Cultura porteño, Hernán Lombardi, ni el jefe de Gobierno de la Ciudad, Mauricio Macri, quien confesó a Clarín los motivos por los que cree que Sábat es un maestro: “Me gusta su expresividad y su audacia, es un personaje muy querido porque su gran trayectoria y su enorme compromiso con la libertad y los valores que tienen que ver con el desarrollo del hombre”.
Y otra vez la libertad. Porque a ella se remitió también el artista cuando Clarín le preguntó por qué eligió pintar rostros anónimos: “Son un experimento personal, me resulta más fácil que hacer un retrato a una persona. Así me siento libre”.¿Cómo construyó Sábat todos estos rostros sin nombre? El artista lo tiene más que claro: “Me cuesta arrancar. Hay cosas que son fijas, uno sabe que tienen que tener nariz, ojos, a veces orejas… pero yo solo me entretengo con lo que hago, y dejo que salga solo en el momento en que me pongo a pintar, no hay nada premeditado”.
Colores suaves, tranquilos, como el artista. Rostros sin nombre y ese trazo diluido que hace que uno inmediatamente sepa: es Sábat. Los rostros pueden no ser de nadie concreto, pero el artista, indudablemente, está en cada uno de ellos. No le gusta hablar de sí mismo, asegura, pero no importa: dejemos que sean sus obras las que hablen.

AGENDA

Borges y compañía

Cuándo: Hasta el 3/8. De martes a domingo.
Dónde: Centro Cultural Recoleta, Junín 1930.
Entrada gratuita

Fuente: clarin.com