TESTIMONIOS: OPINAN CLIENTES Y AMIGOS



MONTAJE E ILUMINACIÓN DE UNA EXPOSICIÓN DE CUADROS


"Conozco poca gente culta que tenga real conciencia sobre la importancia de la luz; no exactamente la que proviene del Sol, sino la que mediante los conocimientos y la sensibilidad de un profesional como Pedro Baliña, puede serle útil a toda persona que necesite crear una atmósfera particular, gracias a su asistencia y su talento. Yo no hago ponderaciones inútiles, porque para mí la luz, en este caso artificial, es una de las cosas más importantes en mi vida, es un gozo de la mirada, es exquisita. Trabajar con Pedro es trabajar con un artista, que con su visión puede encontrar respuestas prácticas a la luz de sus sueños."

Aldo Sessa
Fotógrafo
Artista Plástico
Editor
Académico de Número de la Academia Nacional de Bellas Artes




"Han pasado ya muchos años desde que nos conocimos.
En Principium, la nueva galería que abrimos en Buenos Aires luego de Palatina, su colaboración fue amplia y precisa. Su proyecto de iluminación y la disposición demostraron que tiene el "feeling" para estas tareas, tan queridas por los que convivimos con el arte."

Dr. Ricardo Coppa Oliver
Fundador Galería Palatina.
Fundador Galería Principium.
Fundador Galería Coppa Oliver Arte.


“Durante mi carrera militar, particularmente en las unidades que comandé, tuve la oportunidad de compartir con Pedro Baliña algunos interesantes proyectos. El primero de ellos fue el diseño y dirección del las obras de refacción del Museo del Regimiento de Granaderos a Caballo“General San Martín”, Escolta Presidencial, incluyendo la puesta en valor de su patrimonio histórico e iluminación. Posteriormente, por invitación de su Presidente, Grl Div (RE) Valentín O. Venier, asesoró a la Comisión del Arma de Caballería “San Jorge” del Ejército Argentino sobre el nuevo emplazamiento, el diseño del basamento, el entorno y la iluminación del Monumento al Caballo de Guerra, en los jardines del Cuartel del Regimiento de Granaderos a Caballo “General San Martín”, en Palermo. Años más tarde, en la Escuela Superior de Guerra ” Teniente General Luis María Campos”, asesoró, proyectó y dirigió la ejecución de la “Galería del Centenario”, la remodelación e iluminación del Museo Histórico, del Salón de Actos “General San Martín” y del Salón Comedor “Luis María Campos” del instituto, obras que fueron inauguradas con motivo de celebrarse los 100 años de su creación. También emprendimos juntos diversos proyectos privados. Pedro Baliña siempre se distinguió por un meticuloso cuidado para preservar los elementos patrimoniales, históricos y de época, así como por no modificarlos al incorporarles los últimos avances de la tecnología lumínica. Y procuró que se les hiciera una seria y especializada reconstrucción cuando así lo requerían."

General de Brigada (RE) Dardo J. A. Parodi
Ex-Jefe Regimiento de Granaderos a Caballo "General José de San Martín"
Ex- Director Escuela Superior de Guerra "Tte Grl Luis María Campos".



“Es increíble la transformación de nuestra casa con los cambios que le hizo Pedro. La gente se queda asombrada por lo bien que se ven nuestros cuadros ahora. Es notable el sentido como conjunto, el equilibrio y la armonía que les dio a obras de familia llegadas desde muy distintos orígenes. Uno, a partir del paso de Pedro, empieza a ver las cosas de otra manera."

Inés Dodero de Santamarina


"La suya fue una tarea compleja y a la vez completa. Una excelente muestra de profesionalidad y buen gusto, sin dejar de mencionar el gran impacto visual logrado gracias a su inteligente planificación integral. Los resultados están a la vista, porque aún hoy, su labor sigue “iluminando” la tradicional Sala de Lectura de la Biblioteca del Jockey Club."

Roberto D. Müller
Director de la Biblioteca del Jockey Club,
Buenos Aires.


“Lo conocía a Pedro desde siempre pero no había visto ninguno de sus trabajos. Con su ojo indudablemente criterioso, les hizo a mis casas de Buenos Aires y del campo “esos” toques con los que las dotó de una armonía de conjunto, de una coherencia visual y de una calidez que me han hecho mucho más placentera mi vida diaria en ellas. Y encuentro que quizás unos de los méritos mayores de esos toques es que parecen hechos por mí misma, sin la intervención de un profesional. Personalmente me alegré de haberle encargado esos trabajos a Pedro."

Martha Facio de Staudt



"¡Pedro, te felicito! ¡No se puede creer el cambio de esos cuadros! Son increíbles los colores que han aparecido gracias a la nueva iluminación. Un beso, Fina”

Delfina Ruiz Guiñazú de Dodero


“De la mano de Pedro Baliña descubrí el increíble poder transformador de la luz y en él a un verdadero artista tratándola. A la capilla románica del Club Pingüinos, la hizo crecer hasta convertirla en una catedral grandiosa.”

Lic. Ana Braun Bidau
Socióloga
Intérprete Simultánea del Ministerio de Relaciones Exteriores y Culto y de Presidencia de la Nación



“En Pedro Baliña conviven el artista sensible, el observador atento y sagaz, con un ojo analítico, crítico y desmenuzador como he conocido muy pocos, capaz de hacer una completa vivisección de un ambiente en pocos segundos, el refinado creador de climas y el técnico experimentado y consecuente con sus principios, que conoce su oficio desde adentro, que habla sólo de lo que sabe y que disfruta con el trabajo bien hecho, realmente a conciencia. A lo de Pedro hay que verlo. Y entonces, al vivir y experimentar la luz tratada plástica y estéticamente, el asombro disipa cualquier posible temor inicial a los cambios que uno pudiera tener.”

Adriana Zaefferer
Artista Plástica



“Pedro, es férico lo que has conseguido de mi casa al tratarla con tu luz. Cuánta razón tenía Samuel Paz cuando me aconsejó llamarte porque eras la única persona en Buenos Aires que podía resolverme mi tema tan especial con real solvencia.”

Inés M. Pereda de Sánchez Elía
Decoradora


“El polifacético Pedro Baliña, un creador nato, casi compulsivo, tiene mucho de mago y de alquimista. Genera constantemente belleza en todo lo que hace, goza rodeándose de ella y al compartirla con la gente. Va ofreciendo un sinfín de variantes posibles para cada casa, ambiente o situación, como saca un mago los conejos de su galera, todas hilvanadas por su buen gusto, su agudeza visual, su gran olfato para detectar la calidad y su desarrolladísimo sentido de la proporción. Lo hace con la fluidez y naturalidad de alguien que nació en eso, con la convicción de sus principios, y la seguridad y el respaldo que le dan las horas de vuelo que tiene en lo suyo."

Virginia Balán
Profesora Nacional de Bellas Artes
Paisajista


“Pedro... ¡qué maravilla! Recuperé la visión que había perdido con estas increíbles luces que nos has puesto. Mis clases de bridge de los martes han vuelto a ser un placer. Las olas del cuadro alemán del mar, en serio parecían agitarse cuando le prendiste la nueva iluminación. Los dos cuadros holandeses quedaron como del Louvre. Y la santa portuguesa ahora levita iluminada desde el cielo. Muchos saludos de Alberto. Un beso."

Nelly Chopitea de Rodríguez Etcheto


“Los trabajos de Pedro Baliña, tienen el inconfundible sello del protagonismo que en ellos les otorga a las obras de arte. Son lo que les da singularidad, calidad, personalidad, atractivo. Pedro distribuye y emplaza obras y objetos de arte y trabaja los planos y volúmenes que las contienen con comodidad, oficio y versación. Es destacable el hábil manejo de las texturas y contrastes entre opuestos, figura y fondo, claros y oscuros, simples y complejos, brillos y mates, luz y semi-penumbra, que intencionadamente hace cuando busca subrayar las obras u objetos de arte de alguna de sus puestas en valor, especialidad ésta dentro de la que se mueve con la facilidad de un pez en el agua.”

Constantino Cornejo

“Pedro Baliña colgó y puso en valor los cuadros y esculturas de la subasta benéfica que anualmente organiza E.M.A., Esclerosis Múltiple Argentina, para sostener su Centro de Atención y difusión de la problemática, en la Embajada Británica y en la Fundación Mundo Nuevo, durante tres años seguidos. El tema no era nada fácil puesto que eran todas obras de diferentes autores, tamaños y formatos, medios, técnicas e imágenes. Pedro con mucho oficio las organizó y las hizo lucir para que los potenciales compradores las vieran rindiendo al máximo de sus posibilidades antes de cada subasta. Y ésto por cierto contribuyó a que se lograran excelentes resultados en las posteriores ventas en el M.A.L.B.A. Fundación Costantini. La misión había sido cumplida.”

Inés Acevedo
Ex – C.E.O. de E.M.A.


“Hace 23 años lo llamé a Pedro por primera vez, siguiendo las recomendaciones de un verdadero conocedor del arte, mi querido amigo Samuel Paz Pearson, que hizo escuela en la Argentina.Con el tiempo confirmé que es uno de los mejores iluminadores del país. Hemos seguido haciendo cosas juntos hasta hoy. Yo, a Pedro lo dejo trabajar: él sabe muy bien lo que hace y los resultados que consiguió, en todos los casos superaron ampliamente mis expectativas. Los ambientes, bien tratados lumínicamente, parecen mucho más amplios, y quedan decididamente más alegres y acogedores. Ni hablar de la increíble transformación que consigue Pedro de las obras y objetos de arte, que quedan mágicamente puestos en valor. Es increíble la diferencia entre el antes y el después. En un país donde la improvisación es moneda corriente de todos los días, estimula ver a profesionales como Pedro, que saben de lo que hablan, que hacen lo suyo con verdadera pasión y habiendo investigado cada tema a fondo.”

Joan Croucher

"Encontrarse frente a un trabajo de Pedro, es sin duda, entregarse a las manos de la belleza. Ante objetos y ámbitos preexistentes, se siente vibrar la presencia lumínica exquisita que él crea. El relieve de una moldura, una pintura solitaria, un bronce voluptuoso, pasan a tener nuevos destellos. El uso del color, atrevido o humilde, recrea nuevos espacios. Parece simple. No lo es. Se necesita de un ojo acostumbrado a todo lo que es bello para poner en valor lo que por sí solo pasa inadvertido. Su gusto por lo legítimo, por nuestras tradiciones, a veces audaz, nos invita a entrar en recintos poco comunes, porque su mirada no admite veladuras ni atajos, porque modifica la nuestra y nos hace mejores. Nos hace ver lo que antes no se veía, porque su luz y su oficio traen consigo la novedad en las cosas, el poder ver las cosas como son cuando alcanzan su punto de madurez y de confianza."

Fabián Velasco
Artista Plástico
Profesor Nacional de Bellas Artes
Premio Trabucco de la Academia Nacional de Bellas Artes


"Los trabajos de Pedro Baliña reflejan su amor por el arte, su gusto excelso y su vasta experiencia profesional. Juega mágicamente con luces y sombras.Sus puestas en valor de obras de arte y de arquitectura combinan arte y técnica con agudo profesionalismo.Sólo artistas como él, logran composiciones tan equilibradas."

Arq. Alicia López León

"De múltiples talentos, versado en muchísimos campos, es un hombre del Renacimiento encorsetado en el proviciano siglo XXl porteño. De gusto seguro, original, audaz, gran honestidad intelectual e ideas firmes. Sus decoraciones y ambientaciones son sobresalientes. Refinado iluminador, sabe cómo poner de relieve lo que quiere destacar. Como coleccionista, saborea cada adquisición, la contempla y disfruta. Nadie como él para mostrar de manera estética y original las cosas más inverosímiles, ya fueran reliquias sanmartinianas o una colección de mieleras. He visto cosas suyas magníficas y espero seguir viendo mejores aún."

Susana María Moret de Reynal


"Dimos con Pedro a través de una revista hace ya casi veinte años. Nunca más lo dejamos.Desde entonces nos acompaña con los trabajos que hace en casa de manera tan cálida y con el sentido de la estética y de la armonía que lo caracterizan."

Mario A. Guerrieri y Betty A. de Guerrieri


"Le estamos muy agradecidos por sus consejos y asesoramiento, siempre tan acertados, y también por el gran afecto que nos ha demostrado a través de ya muchos años de hacer muy lindas cosas juntos."

Laura Rivero Haedo y Eduardo A. Díaz




“Ver la influencia francesa en la arquitectura de Buenos Aires y al barrio de San Telmo a través del ojo conocedor y exquisito de Pedro fue para mí una experiencia sorprendente y enriquecedora. Como no podía ser de otro modo, terminamos muy amigos.”

Romuald de Richemont
Periodista – Escritor
Paris, Francia


PEDRO BALIÑA
EN LA BIBLIOTECA DEL JOCKEY CLUB


El magnífico busto de Carlos Pellegrini, hecho en mármol blanco por el escultor francés Coutan, parece controlar el Sala de Lectura que lleva su nombre.


La sede social del Jockey Club, ubicada en Avenida Alvear 1345 –antigua residencia de doña Concepción Unzué de Casares– fue adaptada para sus nuevas funciones por el estudio de los arquitectos Acevedo, Becú y Moreno. En esa tarea de reciclaje, que concluyó en 1968, mucho se tuvo que trabajar para instalar en el segundo piso la Biblioteca y la Sala de Lectura. Al primero de esos ámbitos se le proveyó de una elegante iluminación, con artísticas arañas, lámparas individuales en las mesas de lectura y otras de pie adjuntas a cómodos sillones. En cuanto a la denominada tradicionalmente “Sala de Lectura” –donde se solían leer los diarios y revistas ya desde los lejanos tiempos de la sede de la calle Florida–, la altura de su techo representó un problema que se solucionó creando uno falso y más bajo, con una gran abertura central provista con tubos de neón cuya luz caía, a través de un parrilla plástica, directamente sobre la gran mesa donde se desplegaban las colecciones de los periódicos. En 1999, un inesperado accidente –el desprendimiento de parte de ese falso techo– permitió descubrir el techo original, que ostentaba ricas ménsulas y molduras.

Es ésta la única obra para la cual posó Pellegrini y su autor hizo también el monumento que lo recuerda en la plazoleta que está justo frente a la sede del Club y que fuera "levantado por la gratitud nacional". Amén de Presidente de la República Argentina, Carlos Pellegrini fue el principal impulsor de la creación del Jockey Club y su primer Presidente.

Las autoridades de la institución resolvieron que debía rescatarse ese ornato incomparable devolviéndole el aspecto que había tenido en el pasado. Se procedió por lo tanto a su cuidadosa restauración. Una vez concluido ese proceso, llegó el momento decisivo de resolver cómo se solucionaría la cuestión que planteaba iluminar, de manera adecuada, ese salón que había adquirido de repente nuevas proporciones, y fue en ese momento cuando entró tallar la personalidad, la imaginación y la experiencia de un maestro en la materia: Pedro Baliña. Muchas horas pasó Baliña estudiando diversas posibilidades, comentándolas, discutiéndolas, haciendo pruebas, desechando algunas ideas, volviendo sobre otras, hasta que por fin presentó un plan que, por la minuciosidad de su diseño, y por tener en cuenta los más diversos y variados detalles, fue aprobado de inmediato por las autoridades de la institución.

La iluminación, halógena y regulada, baja desde modernos artefactos embutidos en el cielorraso.Los artefactos perimetrales, se instalaron para poner en valor los colores y calidades de las lindas encuadernaciones de los libros de los estantes.Cada socio que lee sentado alrededor de la gran mesa de lectura, puede regular individualmente la luz que le baja desde el cielorraso según sus propias necesidades lumínicas mediante un control ubicado bajo la tapa de la mesa. Esos controles, por ondas de radio activan reguladores embutidos en el cielorraso junto a cada artefacto, que a su vez suben o bajan individualmente la intensidad de la iluminación sobre cada uno de los diez puestos de lectura.


Ante todo, Baliña –que se encargó de dirigir personalmente las obras – tuvo en cuenta los distintos niveles de altura que presentaba el techo: el del cerramiento superior y el del cornisamento más bajo, sobre el que se elevan las grandes ménsulas. En el primer caso compuso un centro con numerosos focos de luz que inciden sobre el centro del salón, graduables en cuanto a la intensidad de la luz desde dispositivos instalados delante de cada uno de las sillas que rodean la gran mesa central. En cuanto a la moldurada cornisa, dispuso todo a lo largo de ella un perímetro lineal de spots que iluminan las estanterías y los libros, consiguiendo así un gran efecto dramático. También consideró los sillones que se encuentran ubicados en los ángulos de ese ámbito, dirigiendo sobre ellos haces de luz individuales.

En las vitrinas de los costados del busto de Carlos Pellegrini, se hacen exposiciones temporarias temáticas de libros singulares, documentos históricos, incunables, grabados antiguos, etc. Se les puso a dichas vitrinas una iluminación cálida, dada con tubos de origen alemán, que generan poca temperatura, con muy bajo consumo y larguísima vida útil promedio, por lo que no dañan el valioso material expuesto y se reducen drásticamente también los riesgos de incendios.


No quedó al margen de su plan la iluminación de las vitrinas para exposiciones, resuelta con luces ocultas para los ojos de los espectadores, ni el busto de Carlos Pellegrini que preside el salón, iluminado con un foco dirigido especialmente hacia él. En fin, la suya fue una tarea compleja y a la vez completa. Una excelente muestra de profesionalidad y buen gusto, sin dejar de mencionar el gran impacto visual logrado gracias a su inteligente planificación integral. Los resultados están a la vista, porque aún hoy, su labor sigue “iluminando” la tradicional sala de lectura de la Biblioteca del Jockey Club.


Roberto D. Müller
Director de la Biblioteca del Jockey Club,
Buenos Aires

Se les puso a las vitrinas de exposiciones temporarias una iluminación cálida, dada con tubos de origen alemán, que generan poca temperatura, con muy bajo consumo y larguísima vida útil promedio, por lo que no dañan el valioso material expuesto y se reducen drásticamente también los riesgos de incendios.

El monumento a Carlos Pellegrini, puede verse en la plazoleta que lleva el nombre del brillante hombre público, justo enfrente a la sede del Jockey Club. Fue también hecho por el escultor Jules Félix Coutan con mármol de Carrara y bronce e inaugurado el 12 de septiembre de 1914. Una leyenda reza "Levantado por la gratitud nacional". Jules Félix Coutan,1848-1938, nació en París, donde recibió premios e intervino en la Exposición Internacional de 1889, con la gran fuente central del Campo de Marte; y en la Exposición de 1900 fue galardonado con el gran premio. Fue autor además de obras importantes en Argentina, tales como las correspondientes a la Biblioteca Nacional de Buenos Aires: "Eros", "La vendedora de pan" y la "Caligrafía".


ALGUNOS SISTEMAS LUMÍNICOS PROYECTADOS




De arriba hacia abajo y de izquierda a derecha: 1.- Vista de una parte del living del departamento de la calle Mariscal Ramón Castilla de la Sra. Inés María Pereda de Sánchez Elía, decoradora del grupo de Quintus. 2.- Proyecté y dirigí la nueva iluminación exterior para poner en valor la arquitectura de las magníficas instalaciones que diseñaran los Arquitectos Miguel y Guillermo R. Madero para el Golf del Jockey Club en San Isidro y su entorno inmediato. También proyecté y dirigí la iluminación de la avenida de acceso al nuevo campo de deportes de socios del Jockey Club Argentino, en San Isidro, Prov. de Buenos Aires. 3.- La escalera de acceso al interesante edificio de estilo Secesión Vienesa (Art Nouveau) sede de la Jefatura del Regimiento de Granaderos a Caballo "General San Martín", que fue tecnológicamente innovador a principios del siglo XX, en plena presidencia del Dr. José Figueroa Alcorta, cuando se lo construyó e inauguró. 4.- Palacio Unzué de Casares, actualmente sede social del Jockey Club en Avenida Alvear 1345, Buenos Aires. La casa, en su estado actual, es el resultado de la integración de dos mansiones: la que tiene su ingreso por Avenida Alvear, proyectada por el Arquitecto Juan A. Buschiazzo (Italia, 1846 - Buenos Aires, 1917) para Concepción Unzué de Casares a principios del siglo XX y que fue reciclada y adaptada para el uso societario por el Estudio de los famosos Arquitectos Acevedo, Becú y Moreno e inaugurada en 1968, y otra con frente sobre la calle Cerrito 1446, la casa Sánchez Elía-Álzaga, que fue adquirida por el Jockey Club en 1981. Por sus estilos, ambas son muestras destacadas de la arquitectura ecléctica que estuvo tan en boga en nuestra ciudad a partir de los últimos años del siglo XIX. 5.- El frente del petit hotel de Talcahuano 1234, hecho en 1928 por el Arquitecto Alejandro Bustillo.Se hizo en él Casa F.O.A. de 1986. Los descendientes de Otto Bemberg y Sofía B. de Bemberg lo donaron al C.E.M.I.C. y tiene hoy su sede ahí la Fundación Norberto Quirno. Se diseñó el nuevo sistema lumínico y se dirigieron los trabajos necesarios para instalarlo. 6.- Palacio Bosch, sede de la residencia de la Embajada de los Estados Unidos de América en Buenos Aires. Se iluminaron el Salón Francés, el Comedor Principal y el Comedor Privado de los Embajadores. Capitalizando la enorme altura de techos, se colocaron artefactos con lámparas halógenas de haces cerrados que abren al llegar a las obras de arte. Hubo que colocar transformadores electrónicos lo más disimulados posible entre las hojas en relieve de la boiserie dorada a la hoja. 7.- Restaurante Cabaña Las Lilas, en Puerto Madero, Buenos Aires. Sobre la pared del fondo, uno de los cuadros del pintor Nicolás García Uriburu que se pusieron en valor: se restauraron, se les hicieron bastidores nuevos de cedro, debido a su gran tamaño y peso, se colgaron con cables de acero multifilamento y se iluminaron con lámparas halógenas AR 70, con bulbo apantallado, que ponen sus colores al máximo de sus posibilidades, permitiendo además una correcta visualización desde grandes distancias debido a la excelente definición de imagen. 8.- La casa de Rufino de Elizalde hecha por el Arq. Alejandro Bustillo para la escritora Victoria Ocampo en 1929, con el espíritu de Le Corbusier. La compró Amalia Lacroze de Fortabat para sede del Fondo Nacional de las Artes cuando era su presidenta. Aggiorné su iluminación interior, sobre todo la general y la específica de obras de arte cuando tenían la casa el publicista Francisco "Nono" Pugliese y la ex-modelo Claudia Sánchez, la célebre pareja de los avisos de LM, que despejaron a la casa de pesados ornatos que se le habían agregado sin criterio y le restituyeron un aspecto muy similar al que la casa tenía en época de Victoria Ocampo. Pasaron por y se hospedaron en ella personalidades mundiales de las artes, las letras y la cultura. Tiene espacios interiores muy interesantes y unos 800 metros cubiertos. 9.- Proyecté un sistema de iluminación para poner en valor los 10 vitrales, el altar mayor, el atrio y el campanario de la capilla de Jardín de Paz, primer cementerio privado de la República Argentina, y dirigí los trabajos necesarios para su instalación. La planta de la capilla de Jardín de Paz, es la paloma que representa al Espíritu Santo: en la cabeza está el altar, en las alas, están el coro y una zona simétrica que lo equilibra, y la cola, en forma de abanico, forma el atrio. 10.- Proyecté y dirigí la instalación del nuevo sistema de iluminación para la Sala de Lectura "Carlos Pellegrini" de la Biblioteca del Jockey Club Argentino en su sede social de la Avenida Alvear 1345, Buenos Aires, hice la iluminación de los cuadros de la zona de la escalera principal que va al primer piso - el de Napoleón al frente de sus tropas en la invasión a Rusia hecho por Francois Flameng, el retrato del Arq. Roberto Vasquez Mansilla hecho por Juan Lascano y el gigantesco cuadro que representa a una reina de Castilla cuando se casa en Venecia con un príncipe local - y para el jardín posterior, parte del cual se ve en esta foto. 11.- Algunas piezas arqueológicas griegas y romanas de la importante colección de Inés M. Pereda de Sánchez Elía.

¿A QUÉ SE LLAMA
PUESTA EN VALOR DE OBRAS DE ARTE?








 Una acuarela de Jorge Larco, tres grabados de descripción científica de distintas variedades de narcisos con passe-partouts franceses hechos a mano, un óleo de Camy con su marco Luis XIV y dos motivos florales japoneses también pintados a mano. El detalle importante: la mezcla en el ambiente de la moderna iluminación halógena para poner en valor las obras de arte con la tradicional iluminación incandescente proveniente de las clásicas lámparas con pantallas de pergamino. Es precisamente esa mezcla lo que hará que el efecto general no quede frío.                                      

Se llama PUESTA EN VALOR DE OBRAS DE ARTE al total de las acciones que conducen al máximo lucimiento visual de un conjunto de obras de arte: su colocación, ambientación, enmarcado, conservación, restauración e iluminación. Colocar "así nomás" una colección o exposición temporaria de obras de arte, por supuesto lo hace cualquiera. Pero disponerla correctamente PUESTA EN VALOR, sólo lo hace quien puede.
Para PONER EN VALOR OBRAS DE ARTE con eficiencia, hace falta, aparte de los conocimientos técnicos indispensables, tener un ojo sensible, atento, curioso, que esté muy interesado en ver y, además, muy entrenado. Ese ojo, por lo general verá bastante más que el ojo del común de la gente. Ésto, es de vital importancia a la hora de disponer cada obra de arte adecuadamente PUESTA EN VALOR. Y si el profesional en sí es un tipo creativo, tanto mejor. Es muy común que el cliente, sea un coleccionista privado, un galerista, un rematador o el curador de un museo, se sorprenda. "A mí, jamás se me hubiera ocurrido", dicen ante la originalidad de muchas de las propuestas que les hace el profesional avezado en PUESTA EN VALOR DE OBRAS DE ARTE


DAMOS UN SERVICIO NADA COMÚN





 
Damos un servicio profesional muy completo y nada común:
- Asesoramiento integral para comprar obras de arte.- Armamos su colección.
- Montamos su exposición.
Nos ocupamos:
- de la compra en sí, obra por obra.
- del seguimiento integral de la limpieza, restauración ó conservación de cada
obra.
- del diseño y producción del marco apropiado o de la base.
- de la colocación y ambientación.
- de la iluminación con todo lo que nos ofrece la maravillosa tecnología
luminotécnica de hoy en día.

La suma de todas estas acciones, con la obra de arte como protagonista absoluta, resulta en que cada obra quede debidamente
PUESTA EN VALOR y luciendo al máximo de sus posibilidades.
La gente, al comparar el antes y el después, se sorprende con los resultados.
No dude en consultarnos al celular
(15) 5423-4998
ó en contactarnos por email a:
plbal@hotmail.com

 

LA IMPORTANCIA DE SABER VER




Ver, no ve cualquier ojo. Un ojo sensible, atento, curioso, muy interesado en ver y, además entrenado, suele ver más que el común de los ojos.
Y ésto tiene vital importancia a la hora de poner en valor obras de arte.
El ojo de un artista, sea un gran fotógrafo o no, suele tener más condiciones, más aptitud para ver y descubrir donde otros no ven ni descubren. Es un ojo que "sabe ver".



ROBAN DOS PIEZAS ARQUEOLÓGICAS
DEL MUSEO DE BELLAS ARTES DE MONTREAL





Imágenes captadas por una cámara de vigilancia del Museo de Bellas Artes de Montreal (MMFA) del sospechoso del robo de dos piezas arqueológicas, una cabeza de mármol que data del Imperio Romano y un bajorrelieve asirio.


Por Ho


Dos piezas arqueológicas, una cabeza de mármol que data del Imperio Romano y un bajorrelieve asirio, fueron robados del Museo de Bellas Artes de Montreal, anunció el miércoles la institución, precisando que la aseguradora ofrece una recompensa a quien dé datos para recuperarlas.
El robo, ocurrido en el pasado otoño, se mantuvo en secreto hasta ahora para no entorpecer la investigación policial, precisó a la AFP la directora de comunicaciones del museo, Danielle Champagne.
Pero ahora la aseguradora de la colección, AXA Art, decidió ofrecer una jugosa recompensa a cambio de información que pueda permitir la recuperación de las dos piezas.
"Es muy importante para nosotros encontrar estas obras debido a su valor patrimonial", dijo Champagne. "Son parte de una colección accesible de forma gratuita para todos, es necesario que la gente pueda verlas", dijo.
El museo publicó imágenes de los objetos robados, una cabeza de mármol que data del Imperio Romano y un bajorrelieve en piedra arenisca de Asiria, ambas de unos 20 centímetros de altura.
El bajorrelieve es especialmente una "pieza muy rara", estimada en "varios cientos de miles de dólares", señaló Mark Dalrymple, investigador especializado que trabaja para AXA, contactado por la AFP en Londres . Una estimación precisa del valor de los objetos "no tiene sentido", porque todo anticuario calificado sabría que son obras de arte robadas, agregó.
Según el experto, pueden haber cruzado la frontera con Canadá, pero "no pueden ser vendidas legalmente". "Por supuesto, los ladrones pueden venderlas", observó.
Dalrymple se negó a revelar el monto de la recompensa, que se determinará "en función del valor de las obras" encontradas. "Pero no vamos a pagarle a los delincuentes", dijo.
El museo publicó fotos y un vídeo que muestra a un potencial sospechoso, un hombre relativamente grande, con chaqueta negra, vaqueros y una gorra de béisbol, que llevaba un bolso en bandolera. Pero su rostro aparece borroso.
AXA prometió una segunda recompensa, fijada en 10.000 dólares canadienses (que equivale a un monto similar en dólares estadounidenses), a quien lo identificara.
La policía de Montreal, contactada por la AFP, confirmó que "la investigación continúa", sin dar más detalles.

Fuente: AFP

AMÉRICA LATINA AVANZA CON FUERZA
EN EL MERCADO DEL ARTE





Un señor observa una obra del artista español Juan Francisco Casas, expuesta por la galería colombiana El Museo en Arco, el miércoles 15 de febrero. La feria de arte contemporáneo de Madrid cierra sus puertas el domingo.

Por Sonia González /AFP

En un mercado que lucha por olvidar la crisis, América Latina ofrece al arte compradores dispuestos a invertir y una industria creativa cada vez más conocida en Europa, como evidencia la presencia de artistas hispanoamericanos en la feria de arte contemporáneo de Madrid.
Con la sección 'Solo Projects: Focus Latinoamérica', ARCOmadrid 2012, que desde el miércoles hasta el próximo domingo presenta obras de más de 3.000 artistas procedentes de 29 países, fija la atención en la escena artística latinoamericana.
"El interés por el arte latinoamericano va creciendo" en España, explica Eloísa Góngora, que vende la obra de artistas españoles en Colombia a través de la galería El Museo y de artistas de América Latina en España, en la galería Fernando Pradilla.
Este mayor interés se explica para Góngora porque se trata de "una propuesta diferente". "A veces, el arte latinoamericano tiene menos filtros", tiene "una impronta más rápida que representa lo que realmente ellos quieren expresar", mientras que "Europa es más fría", valora.
En este panorama, Brasil es un alumno aventajado, constata Rochelle Costi, artista de Sao Paulo. "Las cosas cambiaron mucho en los últimos diez años, es un momento mucho mejor. Brasil tiene mucha visibilidad ahora", explica.
Para la argentina Sonia Becce, una de las comisarias que desarrollaron 'Solo Projects: Focus Latinoamérica', el objetivo de ARCO fue poner "énfasis en la calidad y la representatividad de lo que ocurre hoy en América Latina".
Lo que une la obra de estos artistas "no tiene que ver tanto con el mundo del arte, que sigue siendo muy eurocentrista, tiene que ver con las sociedades de las que venimos" y de las transformaciones que están viviendo, considera el hondureño Adán Valdecillo.

Una escultura del artista colombiano Fernando Botero titulada 'Mujer en una cama', expuesta en el 'stand' de la galería Marlborough de ARCOmadrid 2012, la feria de arte contemporáneo de la capital española.

Valdecillo, que en los cinco años que lleva viviendo del arte siempre ha expuesto a ambos lados del Atlántico, se presenta en ARCO de la mano de la galería 80m2 de Lima con un enorme cuadro realizado a base de viejos neumáticos que recorrieron cientos de kilómetros por las calles de Tegucigalpa.
Pero Latinoamérica no se hace notar sólo porque su arte se empiece a conocer más en Europa, sino también porque la pujanza de sus economías hace del mercado entre México y Argentina un atractivo destino para las ventas de obras de arte.
Es algo que Mirta Demare constata desde la galería Bergsingel, basada en Róterdam (Holanda), donde observa una "diferencia sideral" entre el coleccionismo latinoamericano y el holandés, que compra menos por los temores que provoca la crisis económica y financiera que afecta a Europa.
El mercado del arte en América Latina está creciendo porque es el "único lugar en el que hay dinero en estos momentos", sentencia la galerista, que presenta en ARCO una instalación de la artista argentina Alicia Herrero, que precisamente analiza el mercado del arte. A través de diagramas que mezclan el lenguaje financiero y el artístico, Herrero plantea al espectador la "dicotomía entre el valor real como obra y el precio de las obras".
A la emergencia económica hay que añadir un aumento de las ferias y exposiciones, cada vez más frecuentes en Latinoamérica. Eduardo Brandao, copropietario de la galería Vermelho, con sede en Sao Paulo, que representa principalmente a jóvenes artistas de vanguardia brasileños, conoce esa realidad de cerca.
"El sistema brasileño de museos y galerías es más fuerte, y para los coleccionistas eso es muy importante, ayuda mucho a vender en el extranjero", explica. El hondureño Valdecillo hace un llamamiento a aprovechar la buena coyuntura del mercado del arte en América Latina: "Es importante que los artistas latinoamericanos tomemos más conciencia de fortalecer los vínculos regionales, porque es un mercado en crecimiento".

Fuente: AFP

EL NEÓN EN SU PLANO ARTÍSTICO,
EJE POR PRIMERA VEZ
DE UNA EXPOSICIÓN EN PARIS





Imagen facilitada hoy por la colección Frank Cohen de la obra de Jason Rhoades "Sin título" (2004) que forma parte de la exposición "Who's Afraid of red yellow and blue? (¿Quién teme al rojo, al amarillo y al azul?), la primera gran exhibición internacional dedicada al neón que se exhibirá desde mañana y hasta el 20 de mayo en la Maison Rouge de París. EFE

París, 16 feb (EFE).- Cuando el neón, el argón y el sodio atraviesan un campo eléctrico, estos gases incoloros e inodoros comienzan a irradiar luz fluorescente, materia prima que por primera vez protagoniza, en su vertiente artística, una exposición en París.
La muestra "Who's afraid of red yellow and blue?" ("¿Quién teme al rojo, al amarillo y al azul?"), que también es el título de una de las piezas, es la primera gran exhibición internacional dedicada a ese elemento, que iluminará la Maison Rouge parisina desde mañana y hasta el 20 de mayo.
Más de un centenar de obras, históricas o inéditas, reflejan las posibilidades de esta materia que ha sido tratada por todas las expresiones artísticas.
Las salas de la exposición recogen distintas temáticas del movimiento fluorescente, con títulos como "A contracorriente", "La luz rota", "Crisis", "Sobreexposición" o "Sueño, eclipse, extinción".
Aunque en rigor no sea más que "una simple línea de luz que permite poca manipulación más allá de doblarla, torcerla y elegir su longitud y su color", a juicio del comisario de la exposición, David Rosenberg, "esa torsión abre mil posibilidades" si es utilizada para explorar el lenguaje, la filosofía, el diseño o la escultura.
"Lo interesante es que se trata de un material simple, hosco y superado por otras tecnologías; un material antiguo que justo ahora cumple 100 años", indicó hoy a Efe Rosenberg.
Según se explica al visitante, ese invento ideado en 1912 por el químico francés George Claude, que fue presentado en la Exposición Universal de París, patentado y vendido a la compañía Packard, empezó a inundar las calles en los años veinte del siglo pasado.

Otra imagen facilitada de la obra de Jason Rhoades "Sin título" (2004) que forma parte de la exposición "Who's Afraid of red yellow and blue? (¿Quién teme al rojo, al amarillo y al azul?), la primera gran exhibición internacional dedicada al neón que se exhibirá desde mañana y hasta el 20 de mayo en la Maison Rouge de París. EFE

En la década de los treinta, el fotógrafo y pintor húngaro Moholy-Nagy profetizó que los juegos de iluminación nocturna en las grandes ciudades constituían un "campo de expresión" que no tardaría en encontrar sus artistas.
Y así ocurrió: la luz fluorescente llegó al mundo del arte en los años cuarenta, cuando pioneros como Gyula Kosice y Lucio Fontana comenzaron a trabajar esta modalidad en sus pinturas y esculturas.
Pero hubo que esperar a los sesenta para que los artistas se vieran realmente "iluminados" por esa luz, con tres focos, EEUU, Italia, Francia, y un grupo de unos quince artistas que según el comisario abrieron "todas las puertas posibles".
Gente como Martial Raysse, que trabajó con la pintura y la imaginería pop; Bruce Nauman, que unió la escultura y las instalaciones; François Morellet, que se sirvió de la geometría, o Piotr Kowalski, que exploró las palabras y la poesía.
Los colores fluorescente y la sinuosidad de las líneas sirven para destacar palabras simples, que flotan solitarias y adquieren volumen en medio de los muros blancos sobre los que se exhiben.
Los fragmentos de frases presentes en la exposición, irreverentes, descarados, en algunos casos hasta nihilistas, interrogan al espectador, le desafían y le hacen reflexionar o soñar.
Juegos de palabras, como un cartel que de forma intermitente indica "Error" y "Terror", u otro que reza "Todo menos rojo" mientras se ilumina precisamente en este color, muestran los tintes vanguardistas de buena parte de los artistas que han trabajado con este elemento.
En opinión de Rosenberg, todas las obras que juegan con el lenguaje "transforman las paredes en páginas", así que el visitante se encuentra ante una especie de "libro desplegado" al que las salas del museo le sirven de soporte.
La "red light" de la que Police quiso apartar a Roxanne en su famosa canción homónima se desprende aquí de ese matiz sórdido y adquiere, según él, una belleza "perturbadora pero fascinante".
Todo porque a ojos del comisario, el neón "es una suerte de soplo, de respiración poética encerrada en tubos de cristal".

Andrea Olea


Fuente: EFE

FOTOGRAFÍAS "COMPLICES"
DE FRIDA KAHLO Y DIEGO RIVERA
EXPUESTAS EN BRUSELAS





Un par de mujeres observan una fotografía de los emblemáticos artistas mexicanos Frida Kahlo y Diego Rivera. EFE/Archivo


Bruselas, 16 feb (EFE).- La muestra fotográfica "Complicidades", que reúne imágenes de los emblemáticos artistas mexicanos Frida Kahlo y Diego Rivera, se inaugura hoy en Bruselas con la premisa de rememorar, a través de su vida, los sucesos políticos más destacados que acaecieron en México en la primera mitad del siglo XX.
La exposición, compuesta por 36 fotografías, llega hoy a Bruselas después de un periplo por varios países y se exhibirá en la sede del Instituto Cervantes de la capital belga hasta el 24 de abril.
La embajadora de México en Bruselas, Sandra Fuentes-Berain, declaró en comunicado que las fotografías expuestas evidencian los principales sucesos políticos ocurridos en México en la primera mitad del siglo pasado.
Pero, a su vez, "nos llevan, paso a paso, a dar seguimiento a esa relación entre Rivera y Kahlo".
"La Revolución Mexicana los marcó de manera singular y dio origen a la gran complicidad que siempre existió entre ellos", enfatizó.
La exposición fotográfica retrata las pasiones compartidas por ambos artistas durante más de veinticinco años de relación sobre el trasfondo de la historia mexicana, en algunos de cuyos acontecimientos políticos de su época se involucraron mucho.
La muestra relata "una historia de gestas políticas y luchas laborales imbuida de nacionalismo, que les unió en vida y tras su muerte", resumieron sus organizadores.
En 2010, el Palacio de Bellas Artes de Bruselas acogió la exposición sobre Frida Kahlo más importante celebrada hasta entonces en Europa, en la que se exhibieron 26 obras del Museo Dolores Olmedo de Ciudad de México.


Fuente: EFE

LA FUNDACIÓN FRANCISCO FRANCO
HARÁ UNA DENUNCIA
POR LA ESCULTURA DE ARCO





El vicepresidente de la Fundación Francisco Franco, Jaime Alonso, toma fotografías de la obra en la que aparece Franco vestido de militar dentro de una cámara frigorífica de bebidas, en ARCO. La fundación ha anunciado que presentará una denuncia contra el artista Eugenio Merino por la escultura "Always Franco", exhibida en el expositor que la galería barcelonesa ADN tiene en ARCO, feria a la que, junto a IFEMA, considera responsable civil subsidiario.- EFE

Madrid, 16 feb (EFE).- La Fundación Francisco Franco presentará una denuncia contra el artista Eugenio Merino por la escultura "Always Franco", exhibida en el expositor que la galería barcelonesa ADN tiene en ARCO, feria a la que, junto a IFEMA, considera responsable civil subsidiario.
El vicepresidente de la Fundación, Jaime Alonso, acudió hoy, junto a un notario, a tomar fotografías de la obra en la que aparece Franco vestido de militar dentro de una cámara frigorífica de bebidas.
El propio Alonso tomó las imágenes tras pedir permiso a una de las encargadas del expositor de ADN en Arco.
Alonso dijo que, en su opinión, se está "ofendiendo gravemente al anterior jefe del Estado, al que se está caricaturizando, y convirtiendo en guiñol" a alguien que merece un respeto tanto por haber sido jefe del Estado como por estar muerto.
"Se trata de una persona que merece un tratamiento adecuado y no podemos caer en la gratuidad de la ofensa y permitir que, por un pretendido interés artístico, se comentan estas ofensas", agregó.
El vicepresidente de la Fundación Francisco Franco anunció que se interpondrá una demanda civil y que van a estudiar una posible demanda penal al tratarse del anterior jefe del Estado.
"ARCO debe velar y distinguir entre lo que es arte y lo que es propaganda. La feria debería valorar lo que se expone en ella", señaló Alonso, quien consideró que "mucha gente" se acerca a esa obra "por el morbo" y por buscar "lo chabacano y lo ruin".
Además, aseguró que la Asociación Francisco Franco actuaría "de la misma manera" si esta caricaturización se hubiera hecho "con algún comunista o socialista que ya haya pasado a la historia".
Fuentes de la Asociación Francisco Franco han informado a última hora de esta tarde de que la denuncia aún no ha sido presentada.
Por su parte, ARCO ha evitado pronunciarse sobre la iniciativa anunciada por la Asociación Francisco Franco y ha explicado a Efe que será la dirección de IFEMA la que, si corresponde, se manifestará sobre el asunto.
"Always Franco" tiene un precio de 35.000 euros y su autor comenzó a trabajar en ella el pasado agosto.
"Franco es un tema del que se habla constantemente y no tratarlo es una forma de eludir algo importante para un artista", declaró a Efe Eugenio Merino el pasado lunes. "Franco está vivo de una manera alegórica. En otra ocasión hice a Bin Laden y ahora le ha tocado Franco", añadió.
En 2008, Merino llevó a ARCO la obra "Fidel zombi", en la que mostraba al ex presidente cubano como recién surgido de los muertos, y en 2010 fue "Starway to Heaven" la obra que suscito polémica en la feria e incluso la protesta de la Embajada de Israel.
La obra representaba a un musulmán orando arrodillado, con un sacerdote católico encima de él, también de rodillas, y sobre éste, de pie, un rabino.


Fuente: EFE

EL MACBA
PREPARA SU APERTURA
PARA SEPTIEMBRE PRÓXIMO





El Museo de Arte Contemporáneo de Buenos Aires, Macba, prepara su apertura para septiembre de 2012.

El aspecto futuro que tendrán los frentes del Macba y del Mamba juntos, sobre la Avenida San Juan al 300, en el barrio de San Telmo.

El Macba es un proyecto fundado en 2009 por el financista Aldo Rubino y su mujer la curadora de arte María Constanza Cerullo y prevé su apertura para la primera semana de septiembre de 2012.
Especialmente construido para los fines expositivos de una colección ya consolidada, el Macba, está ubicado en Av. San Juan 328 en el barrio de San Telmo, un área estratégica de la Ciudad de Buenos Aires que relaciona la nueva urbanización de Puerto Madero y el tradicional Barrio de La Boca. 
El edificio, proyecto del Estudio Vila- Sebastián Vila, está compuesto por dos subsuelos, planta baja y seis plantas en donde se combina el programa de salas de exposición de arte en los niveles inferiores junto con los usos de tienda y cafetería en el último piso. 
Las actividades del Museo se desarrollarán en cuatro plantas distribuidas en una superficie total de 1500 mt2. Las salas de exposiciones temporarias y de colección permanente estarán integradas en todos sus niveles por una rampa que resolverá la circulación vertical del edificio.
El edificio se plantea arquitectónicamente como un contenedor único que toma la altura de los edificios adyacentes y conforma una unidad morfológica con el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, Mamba. 
El valor distintivo que le otorgará singularidad será su fachada, un frente integral vidriado de 15 x 12 metros que comunicará el conjunto de muestras y eventos que se desarrollarán en sus salas. El volumen edilicio está retirado del frente y del fondo del terreno por unos patios que permiten iluminar naturalmente todas las funciones que aloja el mismo. Resuelto con una estructura de hormigón a la vista y grandes paños vidriados, el edificio resuelve con materiales nobles y de bajo mantenimiento un alto standard de iluminación y ventilación natural que complementará los dispositivos técnicos de acondicionamiento artificial generando una imagen contundente, sustentable y contemporánea.
El Museo tiene por objeto, coleccionar, estudiar y difundir el arte del siglo XX y contemporáneo, no sólo dentro del ámbito latinoamericano, sino a través del mundo, mostrando la convivencia de artistas de todas las nacionalidades, sin distinción de ningún tipo, pero compartiendo el mismo lenguaje... "las líneas estéticas que conforman la colección permanente".

Fuente: Mirabaires News

LA BIBLIOTECA NACIONAL
COMPRÓ UNA PRIMERA EDICIÓN DE BORGES





La institución adquirió la primera versión de Historia de la eternidad, tercer libro de ensayos del escritor. Se compraron además una serie de cuadernos manuscritos de Macedonio Fernández.


La Biblioteca Nacional compró una primera edición de Borges
JORGE LUIS BORGES

Historia de la eternidad es el tercer libro de ensayos del autor de Ficciones.  
Publicado originalmente el 29 de abril de 1936 por la casa Viau y Zona -con una tirada de 300 ejemplares-, la pieza, que desde hoy pertenecerá a la Biblioteca Nacional (BN), era de la colección personal del periodista y escritor Rogelio García Lupo.
El volumen, plagado de notas a pie de página que más tarde formarían parte del texto definitivo, fue un regalo personal de Borges al periodista, entonces asesor de la BN, en 1955.
El conjunto de notas permite apreciar, como una segunda voz, el trabajo del editor. Se sabe que a instancias de José Edmundo Clemente Emecé comienza a editar en 1952 las obras completas de Borges.
La segunda edición del libro aparecería en 1953, y este ejemplar sirvió de base para ese trabajo e incluye, además de las correcciones mencionadas, textos dáctilo-escritos de los dos ensayos agregados para esa oportunidad.
García Lupo dijo que el ejemplar "fue un regalo de Borges. Se lo pedí. Era una devolución de la primera edición (estaba por salir la definitiva). Yo elegí el ejemplar anotado. Él no tuvo ningún problema".
Y agregó que "es muy interesante ver cómo trabajaba Borges, cómo iba agregando, cambiando, alterando, corrigiendo los textos; cómo eliminaba lo que con el tiempo iba considerando superfluo, o muy infectado de criollismos".
"El libro tiene 45 cambios. Podría decirse que este es un segundo original, porque tiene la letra manuscrita de Borges. La edición de 1953 incorpora dos textos que no estaban en la edición de 1936, la que tengo yo".
Pero ya es hora. "Este ejemplar estuvo en mis manos unos 55 años. Y por la edad que tengo, creo que es hora de que puedan acceder al libro estudiosos y curiosos lectores. Y así también lo decidió la Biblioteca Nacional", completó García Lupo.
Por su parte, Maite Obieta, nieta de Macedonio Fernández e hija de Adolfo de Obieta, concedió que la lectura de la obra publicada de su abuelo "es una experiencia alucinógena".
"Estos eran papeles que encontré en una caja fuerte que hacía años nadie revisaba. Había muchísimo material. Muy poco estaba revisado por mi papá. El resto era desorden. Estoy tratando de ordenarlo", contó a este medio.

Fuente: infobae.com

SE REMATA
LA MONEDA MÁS FAMOSA DE EUROPA






Una impactante colección de monedas antiguas hispánicas, compuesta por unas 38.000 piezas, entre ellas el único ejemplar existente de la moneda más famosa de Europa, se exhibe desde el 14 de febrero de 2012 en Nueva York mientras espera nuevo dueño en un remate organizado por Sotheby's.

Fuente: AFP

UN RETRATO DE MUJER DE FRANCIS BACON,
VENDIDO POR MÁS DE 25 MILLONES DE EUROS






El cuadro 'Retrato de Henrietta Moraes', del pintor anglo-irlandés Francis Bacon.

Por Carl de Souza

El cuadro 'Retrato de Henrietta Moraes', del pintor anglo-irlandés Francis Bacon, se vendió el martes por 21,3 millones de libras (25,5 millones de euros), el segundo precio más alto pagado jamás en una subasta de arte contemporáneo organizada por Christie's en Londres, anunció la propia casa.
Ejecutado en 1963, este cuadro, propiedad de la misma colección privada desde hace casi 30 años y que no había salido nunca antes a subasta, fue adquirido por un pujante anónimo dentro de la estimación de entre 18 y 25 millones de libras.
El retrato de la amiga y modelo de Bacon (1909-1992), que también fue musa de muchos de sus contemporáneos británicos, era considerado por los organizadores como "uno de los cuadros más seductores y con mayor carga sexual" realizados por el artista anglo-irlandés a lo largo de su carrera.
"La falta de interés erótico personal de Bacon en las mujeres desnudas no hizo nada para evitar que estos cuadros fueran tan apasionados como los cuerpos masculinos que lo obsesionaban", dijo en una ocasión el ahora desaparecido crítico británico David Sylvester, citado por Christie's.
Otras obras destacadas fueron la del pintor alemán vivo Gerhard Richter "Abstraktes Bild" (1994), que alcanzó 9,8 millones de libras (11,7 millones de euros), y el paisaje abstracto del francés de origen ruso Nicolas de Stael (1914-1955), "Agrigente" (1953), que se vendió por 5,3 millones de libras (6,3 millones de euros). En total, la subasta de arte de posguerra y contemporáneo de Christie's recaudó 80,5 millones de libras (96,5 millones de euros).

Fuente: AFP