LA COLUMNA PERSA BRILLA EN PALERMO

Secreta Buenos Aires
Es una réplica de las que hay en el Palacio de Ciro II el Grande y fue donada por el último Sha de Persia, en 1965.

Cabezas de bueyes: son símbolo de la fuerza y rematan la columna, que se alza rodeada por tupidas palmeras en la Plaza República de Irán, Bosques de Palermo. (Lorena Lucca)

Eduardo Parise

Muchos saben que se trata de una réplica. Sin embargo, no se puede negar que tiene una doble carga histórica. Por un lado representa una de las columnas de lo que fue el Palacio de Ciro II, el Grande, en la mítica ciudad de Persépolis, capital del Imperio Persa hacia el año 550 a.C. Por otro, significa un símbolo amistoso entre los pueblos porque fue donada por el entonces Sha de Persia cuando en 1965 visitó la Argentina. La obra tiene diecinueve metros de alto, desde 1978 está en el barrio de Palermo y se la conoce simplemente como “la columna del Templo Persa”.

En 1965 la Argentina tenía un breve gobierno democrático y Arturo Illia era su presidente. Como parte de los festejos por un nuevo aniversario de la Revolución de Mayo de 1810, distintas personalidades visitaron el país. Entre ellas llegaba Mohamed Reza Pahlevi y su tercera y bella esposa, la emperatriz Farah Diba. La pareja real se alojó en el Plaza Hotel y para ellos hubo una atención especial con lujosos detalles, muy difundidos por la prensa de la época. Por ejemplo, dicen que en su lecho se colocaron sábanas centenarias confeccionadas con un fino hilado de lino. Y en uno de los tantos agasajos se sirvieron ostras y cada una contenía una perla natural.

En ese contexto fue que el sha donó la columna que hoy se luce en la plaza República Islámica de Irán, en la avenida Figueroa Alcorta, entre las avenidas Sarmiento y Casares. Recién en diciembre de 1978 la Dirección de Paseos de la entonces Municipalidad de Buenos Aires le entregó a la empresa constructora los seis contenedores que tenían las piezas para su armado. Cuentan que para armarla se hicieron unos moldes de la columna cónica, divididos en varios segmentos. Después, fueron rellenados con una mezcla hecha con cemento y piedra molida proveniente de Persépolis, donde están las ruinas de ese palacio, destruido en el año 330 a.C. cuando Alejandro Magno saqueó aquella ciudad.

El remate de la columna también resulta impactante. Allí se ven las grandes cabezas de dos bueyes, símbolo de la fuerza. Los especialistas afirman que en el palacio original (construido entre los siglos VI y V a.C.), y sobre el lomo de esos bueyes, que miran uno hacia cada lado, se apoyaban las vigas realizadas con madera de ébano o cedro, que sostenían el techo de lo que se conocía como la Apadama (Sala de Audiencias). Es que Persépolis era la capital del imperio aqueménida y ese lujoso palacio era una especie de sede gubernamental y símbolo de aquellos emperadores. El final de esa dinastía llegaría en el 330 a.C. cuando Darío III fue vencido por el guerrero macedonio Alejandro Magno.

En Persia, el reinado del sha Mohamed Reza Pahlevi terminó en febrero de 1979 con la revolución que proclamó la nueva República Islámica de Irán. Pero la réplica de aquella columna se mantiene en la Ciudad como símbolo de una cultura milenaria. Y a unos metros, también en la plaza, hay otra obra que aporta historia. Se trata de la imagen de un León Persa, realizada con cerámicos babilonios. Su autor es el artista ítalo-argentino Blas Salvador Gurrieri. Egresado en 1949 del Instituto de Arte Estatal Comiso de Sicilia, en su Italia natal, al año siguiente Gurrieri se radicó en la Argentina y sus trabajos se destacan tanto en el país como en el mundo.

La plaza República Islámica de Irán está llena de palmeras, lo que le otorga un marco especial a la imponente columna instalada en esa zona palermitana tan cubierta de verde y obras artísticas valiosas.

Y ya que se menciona a otras obras valiosas vale destacar que una de ellas es la majestuosa estatua ecuestre dedicada al caudillo entrerriano Justo José de Urquiza, realizada por los artistas Héctor Rocha y Renzo Baldi. El monumento, ubicado en el cruce de las avenidas Figueroa Alcorta y Sarmiento, tiene una llamativa curiosidad: los autores olvidaron algo no menor: hacerle a la montura la cincha que la sujeta al caballo. Pero esa es otra historia.



Fuente: clarin.com

EL REGRESO DE AMALIA

El film pionero del cine argentino, surgido de un proyecto benéfico de familias patricias
de la ciudad, se verá esta tarde en una copia digital

   Susana Larreta y Quintana, como la heroína de José Mármol. Foto: Bafici

En horas, cuando la sala principal del Teatro Colón quede gradualmente en penumbras, el mágico languidecer de sus luces no dará paso a la presentación de un eximio de la música ni a ninguna nueva puesta de una ópera célebre. Pero sucederá algo fascinante: un viaje en el tiempo. Esto es así porque hoy, a las 15, se proyectará Amalia, la película que hace un siglo reunió a la elite de entonces en derredor de un proyecto de la Sociedad del Divino Rostro y que con fines benéficos fue exhibida en ese escenario, y se constituyó en una experiencia pionera para el cine argentino.

Será horas antes de la ceremonia de clausura del Bafici como primer y fundamental paso de una compleja tarea que la preservará para las generaciones futuras. El Museo del Cine posee la única copia, si bien incompleta, en 35 mm y virada a diversos colores. Asimismo, existe una versión digital de una reducción a 16 mm en blanco y negro que completa el metraje original. "La que tiene virados de color es esta copia, que resguardó el Museo del Cine, y por suerte nos queda el testimonio colorimétrico de Amalia", confirma Beto Acevedo, de Cinecolor, donde se llevó adelante la preservación del material, que se verá en una copia digital HD. "Además del film, presentamos el programa de mano original, el que se entregó al público aquel día. El film y el programa han recorrido cien años hasta llegar a nosotros", confirma la directora del Museo del Cine, Paula Félix Didier.
Hace poco más de un siglo, Angiolina Astengo de Mitre, viuda de Emilio Mitre y nuera del general Bartolomé Mitre, reunió a gran parte de la alta sociedad de entonces para que colaborara en el proyecto. Solicitó al periodista y dramaturgo Enrique García Velloso la adaptación de la novela de José Mármol y recorrió la ciudad -al igual que García Velloso, que ejercería la dirección y un papel en el film- buscando en préstamo muebles y elementos auténticos de la época rosista. Recordaba Pablo Ducrós Hicken -cuyo nombre lleva hoy el Museo del Cine- la visita del realizador a su casa: "En ese mismo año, y durante los preparativos, sabiendo que mi madre era sobrina de Amalia, vino a vernos en procura de algún retrato de la desdichada heroína, pero hubo que explicarle que si bien José Mármol se había casado con una Amalia (Rubio Molina), nada tenía que ver con la heroína, ficción pura de la imaginación del escritor".
Publicada en el suplemento literario de La Semana de Montevideo en 1851, Amalia fue una de las novelas-folletín que se conocieron inmersas en un romanticismo local: otra de importancia fue La novia del hereje, de Vicente Fidel López, publicada años más tarde, y a la que Amalia le ganó en fervor popular, al mantenerse a través del tiempo (tal como demuestra la versión que en 1936 dirigió Luis Moglia Barth).
Quien asista hoy a la proyección del Colón verá la protagonizada por Susana Larreta y Quintana (como Amalia), Luis García Lawson (como Eduardo) y José Miguens, que encarnó a Juan Manuel de Rosas. Curiosidades del destino, entre los Quesada, Aldao, Estrada, Huergo, Bustillo, Guerrico, Flores Pirán, Zuberbühler y Saguier subyace el apellido de Enrique Schlieper, antepasado directo de Carlos Schlieper, director que en los años 40 supo cincelar como nadie la comedia sofisticada del gran cine argentino. Al igual que en 1914, el film se verá con música en vivo, en este caso a cargo del Adrián Iaies Trío; a diferencia de entonces, cuando la entrada fue carísima, hoy será gratuita.

Una función con historia

El día de la función

El estreno de Amalia, el 12 de diciembre de 1914, fue anunciado para las 21. Quince minutos antes, el Colón desbordaba, pero no había noticias ni del proyector ni de la película. Diez minutos más tarde, cuando la secretaria de la Sociedad del Divino Rostro se disponía a cancelar el evento, se corrió una cortina de un palco frente al escenario y el proyectorista, valija en mano, instaló rápidamente el equipamiento. La función comenzó puntualmente.

La visita

Entre los descendientes de los participantes de la película que estarán en la función de hoy en el Colón se encuentra la familia del recientemente fallecido cardenal Mejía, cuya madre (Florencia Mejía Quesada) encarnó a Petra en Amalia.

Amalia

Proyección del film de 1914, con música en vivo.
Hoy,a las 15. Gratis, las localidades se retiran desde dos horas antes en la boletería del teatro.
Teatro Colón, Cerrito 618.


Fuente: lanacion.com


"AMALIA", DE ENRIQUE GARCÍA VELLOSO, EL PRIMER LARGOMETRAJE ARGENTINO

"BUENOS AIRES ES VIBRANTE Y ENERGÉTICA"

Un café con Donald Hyslop. Sociólogo. Nació en Escocia y ayudó en Londres a revitalizar el Sur, el llamado Bankside. Está aquí para aportar su experiencia.

Sentencias: “No hacen falta modelos, las ciudades son sus habitantes”, dice Hyslop.

Donald Hyslop formó parte de un equipo multidisciplinario de personas –vecinos, gobierno, empresas, instituciones culturales, profesionales y artistas– que logró transformar un área de Londres que durante décadas estuvo abandonada y degradada: Bankside. Un barrio del “otro lado” (el Sur) de la ciudad formal y turística, en donde había funcionado una central eléctrica. Ese edificio industrial en desuso fue renovado para albergar lo que hoy es la Tate Modern, la galería de arte moderno más visitada del mundo. Y revitalizaron además el Borough Market, un mercado de abasto que funciona muy cerca de la Tate desde hace más de 1.000 años. Hyslop es filósofo, sociólogo y nació en un pequeño pueblo de Escocia. Está de visita en Buenos Aires para contar su experiencia a vecinos, diseñadores, artistas, emprendedores y funcionarios; y ya recorrió La Boca, San Telmo y Barracas, en donde funcionan los distritos de Las Artes y el de Diseño, promovidos por el Gobierno porteño.

¿Cómo fueron los inicios de transformación en Bankside?

La idea original fue usar el arte como catalizador de la revitalización del barrio, pero para hacerlo también nos apoyamos en el Borough Market, no sólo por la historia que tiene, sino como una forma de integrar arte, cultura y gastronomía. Sin embargo, el proyecto no se pensó como una suerte de nave espacial aterrizando en el lugar, sino generar un espacio de convergencia con los vecinos, pese a que se trata de un sitio que convoca también al turismo internacional.

¿Y cómo lograron esa intervención vecinal?

Mi interés siempre fue tratar con la gente, salir a la calle a conocer los barrios y a quienes los habitan. Siempre me inspiró conocer las voces de aquellos que no son el público habitual de un museo. Cuando vivís y trabajás en una ciudad, y estás comprometido con la cultura, necesitás estar abierto al diálogo y todo el tiempo tenés que estar aggiornado los proyectos en función de lo que surge de la comunidad.

Según surge de los datos de la dirección del museo, la decisión de construir en Bankside la sede de la Tate Modern “le generó a Londres beneficios económicos por 100 millones de libras por año”. Desde su apertura, en 2000, el museo ha sido visitado por 40 millones de personas. Y desde 2009 trabajan en la ampliación del edificio.

¿Se puede llevar a cabo una transformación como la que generó el Tate Modern en una ciudad como Buenos Aires?

¿Por qué crear una copia? Creo que no es necesario importar un modelo específico, porque lo que atraviesa a las ciudades son sus habitantes y la necesidad de alcanzar un objetivo, el objetivo propio de cada comunidad. Sin embargo, lo rico es compartir la experiencia sobre cómo se produjeron los diálogos, los convenios y las alianzas entre tantos actores: gobiernos, empresas, artistas, vecinos y todo tipo de profesionales.

Hay cierta similitud con la Usina del Arte, en La Boca. Ambos edificios estuvieron ligados a la producción de electricidad.

Son similares en muchos aspectos, aunque el edificio de la Tate es tres veces más grande. Pero estos sitios tienen un potencial, que es poder generar energía para los vecinos pero redefinida en el siglo XXI. Que puedan proveer energía creativa y artística y que nutran a los lugares en donde están emplazados. otra forma de generar energía.

¿Cuál fue su impresión al conocer los distritos de Las Artes y el de Diseño?

Lo primero que pensé fue que si estos mismos distritos estuvieran en Londres, Nueva York o Berlín serían un éxito. Sin dudas, los artistas y diseñadores estarían desesperados por estar ahí. Vi mucho potencial, especialmente en la gente del barrio. Conocí a muchos pioneros, vecinos con mucho orgullo por ser del barrio y con potencial para transformarlo. En cualquier intervención que pensemos es importante conjugar lo existente, es decir los vecinos pioneros, con lo que se viene. Las ciudades son ecosistemas delicados, es necesario que su desarrollo se produzca integrándose a las características existentes en el barrio.

¿Y su impresión general de Buenos Aires?

Es fantástica y el mix de su arquitectura, hermoso. Lo primero que vi cuando llegué fue una bicicleteada con cientos de personas participando. Es una ciudad vibrante, con mucha energía. Siempre me interesó el país, por su fútbol y por su historia. Seguí la Copa del Mundo que se jugó aquí y también los hechos sociales y políticos de los años 70 y 80.

¿Tuvo oportunidad de conocer el transporte público? ¿Qué opinión le merece?

Una de las claves para definir qué tipo de ciudad queremos es su transporte público, es lo que diferencia a una ciudad de otra. Todas las buenas ciudades necesitan un buen sistema de transporte y si no hubiera sido por él, el Bankside no hubiera funcionado.

Hyslop trabaja ahora en un proyecto similar al del Highline de Nueva York, pero al revés: se trata de unas vías de ferrocarril elevadas que interrumpen la vinculación de los barrios. Buscan generar un corredor artístico, de diseño, con locales y restaurantes, debajo de las vías. Una suerte de Low Line. Quizá se transforme en un nuevo sitio obligado en Londres.


Fuente: clarin.com

¿FOMENTAR EL MERCADO DEL ARTE?

El Gobierno debería revisar las últimas regulaciones impositivas, que, en lugar de fomentar y proteger la actividad artística, la afectan.

"RETRATO DE ALBERTO GINASTERA"
Firmado y fechado "43" arriba, a la derecha
Mide 40 x 30 cm.
Técnica: Óleo sobre cartón
Obra expuesta en el Instituto de Arte Moderno de Buenos Aires el 23 de abril de 1951. Correspondiente etiqueta al dorso.
Expuesta en la muestra individual del artista realizada en el Instituto Torcuato Di Tella del 4 al 29 de noviembre de 1964 y reproducida bajo Nº 56 del catálogo.
Correspondiente etiqueta al dorso.

JOAQUÍN TORRES GARCÍA
Montevideo, 28 de julio de 1874 - 8 de agosto de 1949.
Fue un destacado pintor, profesor, escritor, escultor y teórico del arte uruguayo. Creador del Universalismo constructivo y del Taller Torres García, uno de los principales movimientos artísticos de su país.

ALBERTO EVARISTO GINASTERA
Buenos Aires, 11 de abril de 1916 - Ginebra, 25 de junio de 1983
Fue un compositor argentino de música académica contemporánea, considerado uno de los más importantes del siglo XX en América Latina. Fundó junto a otros músicos la Liga de Compositores, la Facultad de Música de la Universidad Católica, de la que fue su primer decano y la Escuela de Altos Estudios Musicales del Instituto Di Tella, que dirigió hasta su emigración. Documentación a disposición de los interesados.

EDITORIAL DIARIO LA NACIÓN DE BUENOS AIRES,  16 DE ABRIL DE 2015

Nuestro país cuenta con excelentes artistas plásticos que, con gran esfuerzo, desarrollan sus carreras profesionales y, en muchos casos, avanzan gracias al apoyo de mecenas. Lamentablemente, el Estado no destina recursos para el crecimiento y posicionamiento del arte argentino. Frente a un Estado prácticamente ausente en adquisiciones y cada vez más limitado en su presupuesto para difundir obras de arte, todo queda en manos de los particulares y de su acción en pos del crecimiento y consolidación de un mercado que sea capaz de dar respuesta a tan valiosa oferta.

La realidad nos demuestra que el mercado local es pequeño y debe crecer inexorablemente incorporando nuevos compradores y formando colecciones particulares. En tal sentido, es necesario difundirlo y posicionarlo a nivel internacional, para lo cual resulta fundamental, entre otras cosas, la participación de nuestros artistas en residencias del exterior y ferias internacionales.
Durante los últimos años, los museos locales públicos y privados han llegado a tomar un papel importante en la difusión del arte y muy especialmente del arte contemporáneo; sin embargo, esto no se vio reflejado en adquisiciones. También se ha consolidado en Buenos Aires una feria internacional de arte contemporáneo, que ha despertado el interés de curadores y coleccionistas internacionales. Lo cierto es que, poco a poco, el arte argentino despierta mayor interés.
En este camino de ida y vuelta resulta fundamental el rol de las galerías, que con gran esfuerzo participan de eventos locales e internacionales para mostrar y consolidar a sus artistas.
En igual sentido es destacable la labor de los mecenas locales que apoyan la edición de libros para documentar las obras de los artistas y aportan fondos para solventar los gastos de muestras o residencias de artistas en el exterior. Aunque no logren concretar ventas, la primera etapa del éxito es dar a conocer la producción y sembrar para el futuro. El camino es largo, requiere mucho esfuerzo y necesita del compromiso de todos.
Mientras mucha gente trabaja para consolidar y ampliar el mercado del arte, la AFIP ha establecido varias disposiciones que obligan a informar numerosas transacciones y la tenencia de obras en propiedad.
Por una reciente resolución, se creó el Registro Fiscal de Operadores de Obras de Arte, en el que deben inscribirse las galerías y todos aquellos que actúen como comercializadores de obras en forma habitual, quienes deben comunicar mensualmente las transferencias a título oneroso cuyo precio total sea igual o mayor que 10.000 pesos.
También debido a esa resolución, todas las personas físicas o jurídicas (excepto organismos públicos y entidades exentas de impuesto a las ganancias, como fundaciones o asociaciones civiles) deben presentar una declaración jurada anual mediante la cual deben dejar constancia de las obras de arte de su propiedad, cuando su valor de costo individual sea igual o superior a 10.000 pesos.
Adicionalmente, mediante otro instrumento, el ente fiscal creó un régimen de información para los remates y subastas de obras de arte, entre otros bienes. Bajo estas disposiciones se debe informar la totalidad de las obras vendidas, vendedores y compradores, sin importar el precio.
Con posterioridad, la AFIP derogó el sistema de información para galerías y/o comercializadores que queden comprendidos bajo el sistema de facturación electrónica, es decir, los responsables inscriptos en el IVA.
Como consecuencia, la normativa sigue en vigor para los monotributistas que comercialicen obras, para las casas de remates y para los particulares que deben informar la tenencia anual de obras en propiedad.
No cabe duda de que estas disposiciones tienen un claro propósito fiscalista, pero revelan un profundo desconocimiento de un mercado de por sí anémico, por un lado, y sensible al exceso de controles inconducentes. El valor fijado es ciertamente exiguo y contrario a un interés fiscal práctico y se convierte en una carga irrazonable para el responsable de suministrar la información.
En cuanto al listado de obras en propiedad, es de difícil implementación, dado que muchos tenedores no pueden determinar el valor de costo o consideran la obra en su poder como algo meramente decorativo.
De todas formas, sería relevante que todas ellas se pudieran exteriorizar en forma ordenada para identificar y preservar el patrimonio cultural de la Nación, y no cabe duda de que el camino adecuado está lejos de un régimen de información tributaria.
Asombra el criterio rector de las disposiciones de la AFIP; en rigor, cabría pensar todo lo contrario a lo que se pretende. En efecto, sería deseable contar con las siguientes normas:
* Un régimen amplio de desgravaciones impositivas para quienes compren obras de arte y, más aún, para quienes las donen a museos o centros culturales o a cualquier tipo de instituciones públicas o privadas comprometidas con el arte.
* Un régimen que permita la exteriorización e identificación de todas las obras para poder dimensionar y proteger el acervo cultural de la Nación.
* Un sistema que premie o ayude a quien importe obras de arte que se encuentran en el exterior para su radicación definitiva en nuestro país.
* Una ley de fomento a los jóvenes artistas y apoyo a galerías que los promuevan.
El patrimonio artístico nacional poco se defiende desde el punto de vista legislativo y se ve menoscabado por reglamentaciones como la que nos ocupa, cuyo efecto no querido será, sin duda, la paralización en lo inmediato de las operaciones que tengan por objeto obras de arte y, en un futuro, la expatriación de valores artísticos que al país le interesa conservar.
Por lo demás, las artes plásticas son fuente de interés turístico y cultural de proporciones gigantescas; basta mirar las colas para ingresar a museos en el exterior y destacar el creciente interés general por la oferta de nuestros museos y galerías. Y no hay que olvidar que una legislación estimulante para el mecenazgo, como la existente en Brasil con la ley Rouannet, puede favorecer el fortalecimiento del mercado y una mejor cotización para nuestros artistas en línea con la espectacular alza registrada en el mercado internacional el año último.
Así como el Estado debe comprometerse a proteger la cultura, las medidas de fiscalización tributaria deben ayudar a consolidar un mercado de arte receptivo de tan valiosa expresión cultural. Fortalecerlo es privilegiar la cultura nacional. La comentada resolución de la AFIP dista de contribuir a ese propósito y debería ser revisada.

LONDRES SE AFIANZA COMO CAPITAL DE LOS MUSEOS

En 2014, el Louvre fue otra vez el más visitado, pero cuatro salas inglesas copan el top ten

Tate Modern, Londres.

PARÍS.- La Gioconda está feliz, aunque la alegría no desborda su sonrisa enigmática. Es que su hogar, el Louvre, sigue siendo el museo más visitado del mundo. En 2014, recibió a 9 millones de personas. Pero Londres apura a París y se afianza como la ciudad cultural del planeta, ingresando con cuatro salas al ranking de los museos preferidos.

Cada año, Giornalle dell'Arte y Art Newspaper realizan un ranking de concurrencia de público en los museos del mundo. El trabajo de 2014 ha arrojado algunas novedades interesantes. Con la excepción del Louvre, los otros grandes museos parisinos no ocupan lugares en el top ten del listado de los más visitados.

El Museo Metropolitano de Arte (Met) de Nueva York fue desplazado en su puesto por la National Gallery de Londres. Esa sala británica fue recorrida por 6,6 millones de turistas.

Según este podio, luego de la pirámide parisina, Londres ocupa los siguientes cuatro lugares de preferencia de concurrencia en el mundo: al Museo Británico fueron 6,6 millones de personas; a la National Gallery, 6,4; a la Tate Modern, 5,7, y al Museo de Historia Natural, 5,4 millones.

En suma, durante el año pasado, 182 millones de personas visitaron los primeros 100 museos de la estadística, que se concentran básicamente entre Europa y Asia. La cifra general supera la registrada en 2013, por ocho millones de personas.

Así como llama la atención la irrupción de Londres, no debe soslayarse el crecimiento de recepción de público que han tenido los museos de Asia. Entre esos centros, las estrellas asiáticas son el National Palace de Taipei, con 5,4 millones de visitantes, y el Museo Nacional de Corea, en Seúl. También crece la cantidad de público en el Museo Nacional de Tokio, Japón, con 1,914 millones.

Sin grandes variaciones de afluencia de público en Italia, los Museos Vaticanos, la Galleria degli Uffizi, la Academia, el Palazzo Pitti y el Museo del Palazzo Vecchio. En España, el Reina Sofía apenas aventaja al Prado (2,6 millones de personas y 2,5, respectivamente).

A la hora de elegir destinos arqueológicos, el circuito del Coliseo, el Foro Romano y el Palatino se lleva las de ganar, con 6,176 millones de personas. Les siguen las ruinas de Pompeya y la Arena de Verona.

Agencia ANSA.

 
Fuente: lanacion.com

LOS MUSEOS DE RUSIA REESCRIBEN LA HISTORIA

Cerca del Kremlin. Las doctrinas nacionalistas, siguiendo al presidente Putin, marcan las curadurías actuales. Varias muestras masivas suavizan al ejército soviético y a los zares. Algunos museos críticos perdieron apoyo estatal.

   Relato. La muestra sobre la Segunda Guerra evita los aspectos desagradables del ejército soviético.

Por Neil Macfarquhar y Sophia Kishkovsky. The New York Times

 

Iván el Terrible, el zar ruso, debería ser considerado en realidad Iván el No Tan Tremendo, a juzgar por una exposición histórica de enorme convocatoria realizada hace poco cerca del Kremlin. La muestra acusaba a los medios occidentales de caracterizar equivocadamente al zar Iván IV como "el Terrible". Una exhibición de grabados alemanes contemporáneos que muestra a las tropas del zar del siglo XVI cometiendo atrocidades se presentó como prueba de que etiquetarlo como asesino no era más que una difamación extranjera. Iván fue también el primer gobernante ruso afectado por sanciones de Occidente, según la exposición.

 La muestra fue una de varias exhibiciones recientes muy concurridas que los historiadores, entre otros, afirman que distorsionan el pasado de Rusia para crear falsos paralelismos que justifiquen la política actual del Kremlin.
“Se está usanado la historia como herramienta ideológica”, dijo el historiador Nikita P. Sokolov. El mensaje, dijo, es que “Rusia es una fortaleza sitiada que necesita un comandante fuerte, y cualquiera que intente democratizar el país y quitarle poder al comandante está desestabilizando”.
Los funcionarios de distintos museos que crearon algunas de las muestras negaron estar siguiendo órdenes del Kremlin. Dijeron que, en todo caso, el derrumbe de la Unión Soviética en 1991 desató un torrente de investigaciones históricas excesivamente negativas que debe equilibrarse.
“Nunca me ha indicado ningún representante del gobierno cómo debe escribirse la historia”, dijo Yuri A. Nikiforov, curador voluntario para la Sociedad Histórico-Militar Rusa, a la cual los críticos del gobierno acusan de dirigir la avanzada de exhibiciones ideológicas.
Enfatizar la gloria de Rusia se convirtió en un objetivo del presidente Vladimir V. Putin al empezar su tercer mandato en 2012. Exhortó a la Sociedad Histórico-Militar Rusa a preservar “el patriotismo y el deber sagrado de defender nuestra patria y la dignidad nacional”.
En contraposición a Nikiforov, el ministro de Cultura Vladimir Medinsky agradeció el consejo del Kremlin. “Necesitamos mucho esa clase de órdenes del Kremlin”, dijo. “Son muy adecuadas.”
En 2014 una exhibición de pinturas organizada por la Sociedad Histórico-Militar celebró la reciente anexión de Crimea. “Donde no hay motivación ideológica, se forma un vacío y el fascismo se yergue”, dijo Rostislav Medinsky, de la institución.
El show de la Sociedad con Iván el Terrible atrajo a 250.000 personas. La exposición homenajeaba a la dinastía que gobernó unos setecientos años los territorios de la actual Rusia. Según los opositores, Medinsky usó la muestra para promocionar su interpretación de un período difícil de documentar.

Las temáticas centrales fueron que Rusia ha sufrido agresiones durante largo tiempo y que sólo por medio de la unidad ha rechazado a los invasores. El tratamiento de diferentes asuntos ha despertado una crítica generalizada.
Iván fundó la versión original de la policía secreta en 1564, según Sokolov, y sus ejecuciones eran crueles, nada de ficción occidental. “Fue una exhibición política, no histórica”, afirmó.
El ministro de Cultura dijo, en cuanto al récord de ejecuciones del zar, que el de la reina Isabel I de Inglaterra era mucho peor.
Los historiadores han expresado preocupación de que Rusia esté girando hacia una versión esterilizada de la historia, discontinuando las investigaciones relativamente abiertas de los años ‘90 para volver a interpretaciones de estilo soviético, que enfatizan la ideología. Putin rechazó esas críticas.
Algunos museos que han destacado aspectos más oscuros de la historia rusa terminaron sometidos a presiones o incluso fueron cerrados. Por ejemplo, el Perm-36, dedicado a la represión política, anunció su cierre después de que le suspendieran el apoyo estatal.
En muchas muestras, los paralelismos trazados entre pasado y presente no son nada sutiles. Se espera que esto aumente con las exposiciones por el 70° aniversario de la derrota del nazismo de 1945.
Nikiforov, de la Sociedad Histórico-Militar, curó una exhibición que a través de fotografías, se concentraba en el surgimiento del nazismo, especialmente en lugares como Ucrania y el Báltico, las atrocidades de Hitler y los más de un millón de soldados soviéticos que murieron antes de capturar Berlín. Hubo un gesto hacia la política actual: una pared ilustraba grupos de derecha actuales en Ucrania.
Rusia sostiene que la razón por la cual anexó Crimea hace un año y después aprobó la contienda de los separatistas en Ucrania oriental fue que la destitución del gobierno de Kiev en febrero de 2014 implicaba un resurgimiento nazi.
La muestra de fotos otorga un tratamiento sumario a los aspectos desagradables de la Unión Soviética en la Segunda Guerra Mundial, como el pacto que unió a Moscú con la Alemania nazi hasta la invasión de Hitler en 1941. “Es inevitable simplificar cuando no hay mucho espacio”, dijo el curador.
El Museo de Historia Contemporánea exhibe actualmente una muestra sobre la batalla de 1943 para recuperar Ucrania. Irina Y. Velikanova, directora de esa institución, dijo que la misión de cualquier museo histórico debía tener sus raíces en el patriotismo. “No escondemos el hecho de que nos interesa formar la actitud cívica y patriota de la juventud rusa”, aseguró.


Fuente: Revista Ñ Clarín    

VENDIERON UN HUEVO SUBFOSILIZADO DE PÁJARO ELEFANTE

Objetos comunes o de colección que valen una fortuna.  Un especialista de Christie's sostiene un huevo subfosilizado de un pájaro elefante, que se extinguió hace más de un siglo y que fue vendido por 202.555 dólares (188.732 euros).


Foto: Reuters

Fuente: clarin.com