UN LIBRO RECOPILA 300 DIBUJOS INÉDITOS DE WARHOL
PREVIOS AL POP

El volumen reúne material de la década del 50 y se presenta la semana que viene en una muestra en Dinamarca. Los trabajos estuvieron más de veinte años guardados en la fundación que resguarda su obra.

Desde la semana próxima, en un libro editado por el galerista Daniel Blau que se presentará en Dinamarca, y que los más acaudalados podrán comprar, los admiradores de la obra de Andy Warhol tendrán más material del célebre artista a su disposición: el volumen recopila casi 300 dibujos de la década del 50 encontrados en 2011 a los que ahora accederá el público. Son obras que anteceden a su era pop, de la que fue ícono, y que dan cuenta de su versatilidad.
Todo empezó cuando Blau le preguntó al encargado de la Fundación Andy Warhol en Nueva York si podría conseguirse algún trabajo desconocido del artista: no pudo creer cuando aparecieron dibujos inéditos que habían pasado más de veinte años guardados.
“Es como si hubieran tomado los juguetes que cuidábamos de chicos, los hubieran guardado mientras estábamos en la escuela y no hubiéramos vuelto a verlos hasta pasados muchos años”, dijo Blau.
Los trescientos dibujos de los años 50 son una revelación, y la semana próxima se los presentará por primera vez. Muestran otro costado de Warhol, un artista conocido sobre todo por las serigrafías pop, las latas de sopa y las Marilyn. Aquí, explicó Blau, vemos a un dibujante virtuoso y sensible más relacionado con el pintor y grabador Egon Schiele que con el arte pop.
Estos tesoros se publicarán en un nuevo libro editado por Blau que se presentará en el museo Louisiana de Dinamarca, en cuyas salas pueden verse hasta febrero casi 200 de esos dibujos. También se lo podrá comprar, lo que contribuirá a alimentar lo que parece una demanda insaciable de los trabajos de Warhol, quien atrae mucho dinero: en 2008, su pintura de dos metros y medio titulada “Ocho Elvis” se vendió en 100 millones de dólares, y en noviembre de 2012 su “Estatua de la Libertad” se vendió a 39 millones de dólares.
Sus dibujos tampoco son baratos. En las próximas grandes subastas de Londres, Sotheby’s ofrecerá uno de Alfred Hitchcock de 1983 con un precio estimado de entre 10.000 y 15.000 libras.
Si bien los “nuevos” dibujos pueden incorporar una nueva dimensión al mercado de Warhol, en términos artísticos también pueden construir una historia propia.

MUSICA. “Dos manos tocando piano”, que Warhol habría dibujado en 1954.
MUSICA. “Dos manos tocando piano”, que Warhol habría dibujado en 1954.

Algunas de las historias son más claras que otras. Por ejemplo, hay dibujos de un joven adicto que se inyecta y se relaciona con la tapa de un disco que Warhol ilustró en 1951, “The Nation’s Nightmare”, una investigación de CBS Radio sobre las drogas. Otro, esta vez de una niña recostada, se convirtió en la tapa de un disco del guitarrista de jazz Kenny Burrell, “Blue Lights”. Warhol también dibujó basándose en fotografías, como en el caso de una multitud que agita banderas al saludar al príncipe Felipe cuando éste visitó los Estados Unidos a mediados de los años 50.
Hay dibujos que pueden vincularse con sus trabajos posteriores: es el caso de un dibujo de 1958, “Rostro repetido ocho veces”, que refleja su obsesión por la réplica. Años después, “100 latas de sopa” y “Ocho Elvis” apelarían a este recurso.
Blau, que tiene galerías en Londres y Munich, está relacionado con la fundación desde hace mucho tiempo. Organizó su primera muestra de Warhol en 1995, ocho años después de la muerte del artista y en momentos en que era casi imposible encontrar compradores. El galerista señaló que existe una idea muy difundida de que la producción de Warhol fue enorme, que hay una cantidad casi inagotable de trabajos suyos, “pero ese no es el caso”. Cuando en 2002 apareció la primera parte del catálogo del artista se hizo evidente qué limitada es su obra.
En el libro que está por lanzarse, Blau escribe: “La oferta de pinturas disponibles ha ido declinando, y es previsible que se esté llegando al final.” Eso llevó a Blau a los dibujos, y en 1997 organizó una exposición llamada “Diagramas fisiológicos”. En 2004, presentó los dibujos de Warhol de los años 50 basados en la fotografía callejera de Edward Wallowitch, mientras que en 2008 montó una muestra de dibujos llamada “Estereo Tipos de Andy Warhol”.
En 2011 Blau contactó a Vincent Fremont, intermediario entre la Fundación Andy Warhol y los galeristas, y le preguntó si había algo más almacenado con lo que pudiera organizarse una muestra importante. Aparecieron entonces los dibujos, que habían quedado olvidados en el depósito desde 1990, y constituyeron toda una sorpresa, a la que ahora podrá acceder el público.

Copyright The Guardian 2013
Traducción: Joaquín Ibarburu

Fuente: Revista Ñ Clarín

FERNANDO BOTERO REGRESA A MEDELLÍN
PARA CELEBRAR SUS 80 AÑOS

El artista plástico colombiano más famoso de todos los tiempos participa del homenaje, que incluye un libro y una cronología ilustrada de su carrera.

CÓMO CRECIÓ EL MALBA EN 2012

El museo exhibe una muestra con las obras que incorporó a su patrimonio, que también interesa porque revela los vínculos y caminos que hacen posible ese crecimiento.

Por Mercedes Pérez Bergliaffa

Un museo adquiere las obras que expone de maneras distintas a lo largo del tiempo. Son muchos los factores y participantes de un proceso tan sutil y poderoso como el de decidir qué artistas y qué obras pasarán a formar parte de un relato, como el que presenta un museo a través de sus obras. Imaginemos: ellos son, en definitiva, los responsables de presentarnos una posible versión del mundo, ordenada y comprensible. Ellos, y la figura clave del curador de cada museo.
El Malba –el Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires– incorpora las obras que expone a través de tres estrategias: un programa de adquisiciones, donaciones de obras para su colección, y comodatos, es decir, trabajos que los coleccionistas, artistas u otras instituciones prestan al museo durante un determinado período para ser expuestos allí. El fruto de todo esto es lo que puede verse actualmente en la sala 1 del museo, ubicada en la planta baja. Si usted se da una vuelta por allí ahora, verá las obras que fueron adquiridas o prestadas al museo durante el año 2012, de esas tres maneras. Son las serigrafías del peruano Fernando Bryce, la cerámica de Leo Battistelli, la pintura de Manuel Esnoz, los dibujos-cartas de Mirtha Dermisache, la serigrafía histórica de Víctor Grippo, las impresiones de Fabio Kacero, los dibujos de Lux Lindner, las intervenciones sobre litografías de Alfredo Londaibere, la impresión digital del colombiano Mario Londoño, la fotografía de Nicolás Mastracchio, el objeto de Cristina Schiavi, y los que fueron, en su momento, tres grandes hits : la delicada y potente instalación de Claudia Fontes, el llamativo King Kong de marihuana de Fernando Brizuela, y una importante pintura del maestro –fallecido en 2002– Alfredo Hlito.
ALFREDO LONDAIBERE, 2005. Sin título. Litografías intervenidas con témpera.
ALFREDO LONDAIBERE, 2005. Sin título. Litografías intervenidas con témpera.

Las tres obras fueron adquiridas durante la feria arteBA del año pasado, la primera mediante el programa Matching Funds arteBA- Zurich y la Fundación Costantini, y las otras dos, gracias a la ayuda de las coleccionistas Aurita Villanueva y Silvia Braier. 
“Montañas (El momento del derrumbe revela puntos clave de la construcción)” es el título de la espectacular obra de Fontes: toda una estructura de líneas en 3-D delicadas, sutiles, realizadas mediante varillas de madera de pino pegadas pacientemente unas con otras. En la cima de estos esqueletos de edificios, la frase, sus letras construidas también con varillas: “El momento del derrumbe…” Dos proyectores iluminan la instalación, superponiendo áreas de luz circulares. “El momento del derrumbe” puede ser cualquiera. El momento del derrumbe crea la revelación, descubre una verdad.
“Monstruo” es el trabajo de Fernando Brizuela: un King Kong de juguetería, cubierto de plantas verdes –“de esas con las que se hace ferromodelismo”, comenta el mismo artista, al pasar– y de flores de marihuana. La obra se encuentra acompañada de cuatro acuarelas que presentan distintas perspectivas de la planta, donaciones de Brizuela.
“Efigie en equilibrio relativo” es el nombre de la pintura de Hlito, exhibida –a diferencia del resto de los trabajos de la muestra– en el primer piso del museo. Esta donación zanja un vacío importante que Malba tenía respecto de un artista argentino fundamental, ex alumno de Joaquín Torres García, miembro co-fundador de la Asociación Arte Concreto Invención y participante, también, del Manifiesto Invencionista.

FERNANDO BRIZUELA. “Monstruo”, 2012.
FERNANDO BRIZUELA. “Monstruo”, 2012.

Pero bajando la escalera hacia la sala donde todas estas obras se exponen, hay un trabajo que llama poderosamente la atención y que no figura en el folleto de presentación de la muestra: se trata de “Juanito bañándose entre latas”, una importante pintura de Antonio Berni. Es que esta obra se incorporó a la muestra después de inaugurada.
La razón la explica el curador en jefe del MALBA, Marcelo Pacheco: “El museo estaba buscando desde hacía dos años y medio un “Juanito” de Berni de principios de los 60, y no lo podía conseguir. Hasta que apareció éste, comprado por la coleccionista –y nueva presidenta de la Asociación de Amigos del Malba– Silvia Braier”. Y era un Juanito que Pacheco hacía mucho que no veía. El curador recuerda que Lily, la hija de Berni, se lo había regalado en los 80 a Ruth Benzacar, cuando ella posicionó los precios de Berni a nivel internacional. De allí en más, la obra había desaparecido. “Ahora quedará en comodato en el Malba por dos años”, aclara Pacheco. Y entonces a uno se le revelan, apenas, las complejas rutas que trazan las obras de arte; sus itinerarios. Porque esta exposición se trata de eso: de una historia de belleza, pero también, de relaciones, de caminos.

FICHA
Adquisiciones, donaciones y comodatos 2012

Lugar: Malba, Av. F. Alcorta 3415.
Fecha: hasta marzo de 2013.
Horario: jueves a lunes, 12 a 20. Miércoles hasta las 21.
Entrada: $ 32; Est, doc y jub $ 16; miércoles, gral, $ 16.


Fuente: Revista Ñ Clarín

DIGITALIZAN EN ESPAÑA
LA BIBLIOTECA PERSONAL DE CORTÁZAR

El proyecto coincide con el 50° aniversario de “Rayuela” y recopilará dedicatorias, apuntes y erratas de sus numerosos libros.

Por Susana Reinoso - Especial para Clarín

Su nombre evoca otros vocablos de enorme significación.
Rayuela es adolescencia, memoria, nostalgia, pasado y porvenir. Y fue la obra que le dio visibilidad a Julio Cortázar en los círculos literarios franceses. Su vigencia hoy, al margen de sus valores literarios que se mantienen intactos, quizá proceda de esa anticipación de la lectura fragmentada que define a nuestros días.
Con motivo de conmemorarse su medio siglo de existencia en marzo próximo, la Fundación Juan March de Madrid, depositaria de la biblioteca personal del escritor argentino, que fue donada por su albacea testamentaria Aurora Bernárdez, está concluyendo el proceso de digitalización de buena parte de ese acervo literario para subirlo a la Web. El homenaje tiene otra punta: se cumplen 20 años de la donación de Bernárdez a la institución.
En diálogo telefónico desde Madrid, Paz Fernández, directora de la biblioteca de la fundación, a cargo de la digitalización, dijo a Clarín: “Si bien no digitalizamos todo el contenido, sí lo hacemos con las portadas, las dedicatorias de otros intelectuales hispanoamericanos, las firmas que Cortázar ponía en los libros de su biblioteca, así como sus anotaciones personales. En algunos libros que compraba escribía su nombre, en otros el apellido con la fecha”.
Fernández señaló que hay un verdadero tesoro en el acervo donado por Bernárdez. “Cortázar conservaba en su piso de París libros firmados por Alejandra Pizarnik, Pablo Neruda, Rafael Alberti, muchos de Carlos Fuentes, entre numerosos escritores. Son obras dedicadas a Julio y Aurora, y a Julio y Carol (Dunlop, su segunda mujer)”.
Las razones por las cuales no van a digitalizarse las 4.423 obras, estudios y papeles personales de la biblioteca de Cortázar son dos: el costo y los derechos de autor de muchos escritores que aún viven o que se encuentran todavía en dominio privado.
“El interés de digitalizar esta biblioteca reside no sólo en los investigadores que nos solicitan el fondo, sino en los usuarios admiradores de la obra cortazariana. Para ellos será emocionante”, señaló Fernández.

Recuerdos. Cortázar conservó en su biblioteca firmas de autores como Pablo Neruda. / FUNDACIÓN JUAN MARCH
A los amigos. El poeta español Rafael Alberti les dedicó un dibujo a Cortázar y Bernárdez. / FUNDACIÓN JUAN MARCH
Además de las portadas, habrá muchos dibujos digitalizados que acompañaron las dedicatorias, y otros que hizo el propio autor de Bestiario: “Dentro de los libros hay boletos de metro o una entrada al cine, por eso es riesgoso dejarlos a la mano del público”, explicó la representante de la entidad madrileña.
La Fundación March amplió la donación original con estudios sobre la obra de Cortázar o ediciones en otras lenguas, como la de Rayuela en serbio, por ejemplo.
En la Fundación Juan March descubrieron, a lo largo de la digitalización, que Cortázar era muy riguroso con las erratas y que entre sus libros no había ni un ejemplar de El Quijote.
Rayuela, dicen, es un juego de escritura que abrió caminos. La biblioteca personal contiene además otras obras de Octavio Paz, Jorge Luis Borges, Nadine Gordimer, Juan y José Agustín Goytisolo, Marguerite Yourcenar, José Lezama Lima, y otros.
El acervo de la Fundación March contiene también apuntes de puño y letra con sus expresiones en español, francés o inglés, de acuerdo con la lengua en que leía. Hay varios ejemplares de su célebre Rayuela, incluso con el agregado que Cortázar le hizo 17 años después de publicada para corregir la omisión de la primera edición.
Todos los géneros literarios, arte, historia y filosofía son parte del tesoro que Cortázar albergaba en su departamento de la parisiense Rue de Martel.
El periodista y escritor español Jesús Marchamalo preparó un libro sobre esta biblioteca personal que saldrá en versión digital en los próximos meses.
Cortázar y los libros: Un paseo por la biblioteca del autor de Rayuela se titula el volumen donde Marchamalo se adentra en las huellas de Julio Cortázar, a través de sus subrayados, sus páginas dobladas y los papeles en los cuales escribía (hojas de almanaques, recortes de diarios, etc). Como decía Marguerite Yourcenar, ésta es una de las mejores maneras de trazar un retrato de un escritor.
Pero las noticias por los 50 años de Rayuela no concluyen en la digitalización de su biblioteca personal en España. En Buenos Aires, según contó a Clarín el director de la Biblioteca Nacional, Horacio González, en marzo, al cumplirse el gran aniversario, se le impondrá el nombre de “Rayuela” a la Plaza del Lector, ubicada en avenida Las Heras y Agüero.

Fuente: clarin.com

ANUNCIAN LA RESTAURACIÓN DE LA FONTANA DI TREVI

El detalle de los desprendimientos en la mampostería de mármol de la Fontana di Trevi en Roma. (EFE)
A los trabajos que se están llevando a cabo en el Coliseo y que empezarán en las ruinas de Pompeya se le sumará también la restauración de la Fontana di Trevi, la emblemática fuente romana en la que año a año miles de turistas arrojan sus monedas a cambio de que se le cumpla el deseo de volver a la Ciudad Eterna. La inversión, de 2,5 millones de euros, correrá por cuenta de la firma de moda italiana Fendi.



Esa conjunción de factores provocó el desprendimiento en 2012 de algunos fragmentos de la fuente, concretamente varios trozos del lateral izquierdo de hasta ocho por ocho centímetros de tamaño. El gobierno italiano inició entonces la búsqueda de patrocinadores para restaurar el escenario del baño protagonizado por Anita Ekberg, en La Dolce Vita, el clásico cinematográfico de Federico Fellini.


Según medios italianos, Fendi será el mecenas de la restauración y hasta podría incluso financiar la reparación de una joya de Borromini, la iglesia de San Carlino.
Así, la firma se sumaría a la lista de marcas que invierten fuertes sumas de dinero para restaurar las joyas arquitectónicas de la Ciudad Eterna, como la casa de zapatos de lujo Tod's, que destinó 25 millones de euros para la restauración del Coliseo a cambio del derecho exclusivo sobre el uso comercial de la imagen del monumento durante quince años.


También, la casa de moda Valentino fue mecenas de otro importante monumento romano, el Templo de Venus, el cual, gracias a una donación de 200.000 euros, fue escenario del gran desfile organizado por el diseñador italiano para conmemorar sus 45 años de trayectoria.


Fuente: clarin.com

UN MEGAPROYECTO SE PONE EN MARCHA
PARA SALVAR LAS RUINAS

Italia, la Unión Europea y la UNESCO presentaron un plan de salvataje. Hasta 2015 piensan invertir 105 millones de euros en las restauraciones más urgentes de las magníficas reliquias romanas.

Problema. Vista de una calle en las ruinas de Pompeya después de la lluvia. Las infiltraciones de agua representan el mayor riesgo. fotos: victor sokolowicz
Por Julio Algañaraz

Desde hace siglos el Vesubio es un volcán durmiente, aunque dos millones de personas que viven en torno de la zona del golfo de Nápoles se aterrorizan con la idea de que vuelva a despertarse, como aquel 24 de agosto del año 79. En esa última erupción devastadora sepultó debajo de cinco metros de cenizas y pequeños pedazos de lava sólida a la bella ciudad romana de Pompeya, donde habitaban cerca de veinte mil personas, entre ciudadanos, libertos y esclavos.
Pompeya es una de las maravillas arqueológicas de nuestro mundo porque la erupción sepultó y guardó todo lo que había allí. Con los siglos, las excavaciones, que forman el área arqueológica más extensa del planeta, han descubierto 44 de las 66 hectáreas que quedaron bajo los detritos del Vesubio. Un tesoro inigualable de casas, decoraciones, estadios, útiles domésticos y hasta el vacío de los cuerpos que permitieron llenarlo con calcos perfectos de los cuerpos que hoy se exhiben en los museos pompeyanos.
Aunque más de dos millones de visitantes admiran en las 33 hectáreas abiertas al público la urbe que quedó casi intacta para la posteridad, la degradación del patrimonio arqueológico se ha agravado mucho en los últimos años. En 2010, el derrumbe de la Casa de los Gladiadores advirtió que se había llegado al límite. Desde entonces cayeron otra media docena de muros, víctimas del tiempo que pasa, la falta de mantenimiento y el agua que corroe los cimientos.
Italia, la Unión Europea y la UNESCO, la organización de las Naciones Unidas que declaró patrimonio de la humanidad a Pompeya, han lanzado el Gran Proyecto para salvarla, presentado a la prensa internacional. Son 105 millones de euros que desde ahora hasta 2015 deben ser empleados en cinco planes de intervención para hacer las restauraciones más urgentes. En seis meses, la Unión Europea quiere que los resultados estén a la vista y se ha creado un mecanismo para impedir que los trabajos caigan en manos de la mafia napolitana, la legendaria camorra, como ocurre siempre por estos lados.
Los trabajos incluirán la restauración de las magníficas pinturas a fresco en la Casa dei Dioscuri y muchas otras residencias de ricos. También la piazza Esedra, el viale (avenida) delle Ginestre, los teatros, las termas Stabiane, la bella vía de la Abbondanza.

Solución. El arqueólogo Fabio Galeandro muestra bocetos en uno de los domus del proyecto.
Otro aspecto importante son las más de diez mil inscripciones, dibujos en las paredes y pinturas que durante siglos dejaron ignotos ciudadanos o esclavos y que forman una parte fundamental de la historia de Pompeya. En el siglo sexto antes de Cristo la ciudad era ya un importante cruce de caminos y tráficos comerciales, pero los primeros poblados se remontan a dos mil años antes. 
La curiosidad del público siempre reserva una atracción especial por el famoso lupanar pleno de decoraciones, algunas de valor artístico. El arqueólogo Pietro Guzzo, que ha escrito un libro sobre el fenómeno de la prostitución en la época romana, afirma que hoy muchos creen que Roma era una continua bacanal.
“En realidad, el Eros desenfrenado en Pompeya era una fuente de rédito muy importante para los ricos, que regulaban los placeres carnales como en el resto del imperio romano. En Roma había un centenar de burdeles”, dice.
En el lupanar de Pompeya se han encontrado 59 relieves artísticos con prácticas sexuales pagadas, que explicaban los “mil modos” de hacerlo en bellos frescos que ahora están nuevamente en restauración.
“Muchos no saben –explica el arqueólogo Guzzo– que la prostitución estaba prohibida a las mujeres y hombres libres de Roma, que si violaban esta norma estricta perdían muchos derechos civiles. Eran los esclavos y los libertos, los que no tenían derechos y por lo tanto tampoco deberes, los que vendían su cuerpo en el lupanar, en las termas y en otros lugares de la ciudad. Pero todos estaban con patrimonio al servicio de sus ricos patrones, que controlaban el negocio de la prostitución”.
También en las principales villas residenciales de los poderosos, como en la Casa dei Vettii y la Casa del Centenario, hay pequeños ambientes con coloridas escenas eróticas. Eran lugares donde los “dominus” ponían a disposición sus esclavos, mujeres y varones adolescentes.
El arqueólogo Guzzo concluyó que “el sexo pagado contribuía bastante a la actividad económica de la época romana”.

El Coliseo, con secretos infinitos


Hace dos semanas se encontraron en el Coliseo romano frescos de colores y dibujos eróticos hechos en el siglo I y III. También, grafitis realizados por el público. Para los expertos, fue un “descubrimiento extraordinario” que reescribe la historia del anfiteatro romano. Los restauradores Paola Lanzillotti, Alejandro Danesi y la ingeniera Ida Simonelli, guiados por el director de los trabajos Maurizio Pinotti, quedaron maravillados. Desde octubre del año pasado, los científicos y técnicos se dedicaban a limpiar, consolidar y restaurar los restos de los enduidos, hasta mostrarlos a lo largo de las bóvedas, las paredes y las ruinas de la galería. Y se descubrieron algunos “secretos”, como por ejemplo que sus mármoles externos tenían revoques y estucos que los blanqueaban. Pero hay miles más.

Fuente: clarin.com

EL TIEMPO DA LA RAZÓN A LE CORBUSIER

De Nueva York a Estocolmo, museos de todo el mundo reexaminan el legado del arquitecto.

La influencia de sus utópicas teorías cobra actualidad.
La pintura 'The poem of the Right Angle plates' (1955), de Le Corbusier.
Álex Vicente - Estocolmo 

Los suecos todavía no se han olvidado de Le Corbusier. En 1933, el arquitecto tuvo la ocurrencia de tirar abajo el centro de Estocolmo para crear una urbe moderna, con torres y rascacielos que permitieran responder al boom demográfico gracias a la verticalidad, así como grandes avenidas cerradas a la circulación para favorecer la calidad de vida. Pero ganó la piedra decimonónica y el proyecto no fue seleccionado. “Sabía que nunca le darían el encargo. Fue una provocación teórica, pero también una estrategia para venderse a sí mismo”, explica Jean-Louis Cohen, profesor de la New York University, uno de los mayores expertos en el arquitecto y comisario de Moment. El laboratorio secreto de Le Corbusier,la nueva exposición inaugurada en el Moderna Museet de Estocolmo, con el objetivo de inspeccionar el proceso creativo del arquitecto francosuizo.
Es la primera de las numerosas muestras que, a lo largo de este año, reexaminarán el legado de Le Corbusier, avanzándose a la próxima efeméride de envergadura, la conmemoración dentro de dos años del 50º aniversario de su muerte. El MoMA de Nueva York se anticipará al calendario con su primera muestra sobre el arquitecto, prevista para mayo y destinada a convertirse en su blockbuster estival, que se apoyará en numerosos documentos de su archivo personal, de las acuarelas pintadas durante sus viajes de juventud a los esbozos del paisaje indio que inspiraron la construcción de su ciudad utópica en Chandigarh, la capital del Punjab.
A finales de abril, se inaugurará en Bruselas una muestra sobre Le Corbusier y la fotografía, que abordará cómo se sirvió de la disciplina para documentar sus proyectos, pero también para publicitar su trabajo e incluso su persona, reclutando a artistas tan reputados como René Burri y Lucien Hervé. En Marsella, ciudad impregnada de su legado urbanístico, una exposición sobre Le Corbusier y la herencia del brutalismo abrirá sus puertas en octubre. Todo ello, mientras sigue abierta la muestra sobre sus proyectos italianos en el MAXXI de Roma, y al tiempo que ocupa un papel protagonista en otra exposición sobre la evolución del oficio de arquitecto que todavía puede visitarse en la Pinacoteca Moderna de Múnich.

Le Corbusier
Un retrato del arquitecto tomado en Estocolmo en 1962. / ahrenberg collection
Todas ellas insisten en sus múltiples facetas de arquitecto, urbanista, paisajista, diseñador de interiores, escritor y artista, dignas de un hombre renacentista. A través de sus 400 proyectos urbanísticos —una aplastante mayoría de los cuales nunca serían realizados— y de los 75 edificios que logró erigir en una docena de países, Le Corbusier ideó una nueva poética de la arquitectura, a medio camino entre la armonía clásica y la funcionalidad que requerían los tiempos modernos. Sus hallazgos formales procedieron, a menudo, de su experimentación en la pintura y la escultura. Cuentan que Le Corbusier, artista plástico de formación, visitaba su atelier cada mañana para trabajar en sus lienzos, antes de dirigirse a su estudio cada tarde para estudiar cómo aplicar las mismas composiciones en el plano arquitectónico.
Ese vivero de experimentación —al que llamaba su “laboratorio secreto”, como dejó dicho en 1948— protagoniza la muestra de Estocolmo, que hasta el 18 de abril se introduce en la mente de Le Corbusier a través de 200 pinturas, esculturas, esbozos arquitectónicos, naturalezas muertas, fotografías de época y hasta su colección personal de crustáceos marinos, cuyas cavidades misteriosas inspiraron las formas de sus edificios tardíos. Por ejemplo, con un poco de imaginación se logra entender cómo el caparazón de un cangrejo pudo inspirar la capilla de Ronchamp, construida en los cincuenta.

El plano que hizo Le Corbusier en 1933 para alterar el centro de la capital sueca.

La semejanza entre sus obras pictóricas y sus creaciones arquitectónicas del mismo periodo resulta todavía más flagrante. Las formas geométricas de sus residencias de la cercanía parisiense, con la Villa Savoye al frente, se parecen sospechosamente a las que figuran en uno de sus primeros cuadros, La chimenea (1918), cuando todavía utilizaba su auténtico apellido, Jeanneret, para firmar sus obras con caligrafía perfecta. Más tarde, salpicaría el blanco nuclear con algunas manchas de colores primarios, como resultado de su descubrimiento de la corriente holandesa De Stijl. A finales de los años veinte, las formas irregulares y las gamas cromáticas de sus bodegones poscubistas empezaron a aparecer en sus edificios. Las correspondencias entre arte y arquitectura se alargarán hasta el final de sus días. “Sus edificios de los años cuarenta, como la Cité Radieuse de Marsella, integran diferentes disciplinas y reproducen su interés por la síntesis de las artes”, explica Le Cohen junto a las numerosas maquetas de la exposición, preparadas para la ocasión por la Universitat Politècnica de Catalunya.
“Nos seguimos interesando por Le Corbusier al margen de los aniversarios porque es una figura seductora en la historia de la arquitectura, por su capacidad de invención y su reivindicación de libertad”, afirma el comisario. “Pero también porque el corbusianismo ha sido un lenguaje mal imitado, con el que seguimos conviviendo”. Así es en todo el mundo. También en Estocolmo. Su proyecto fue rechazado por escandaloso, pero acabaría dando lugar a otro mucho peor en los cincuenta. De entre todas sus ideas, solo se privilegió la del desarrollo vertical, lo que exigió demoler gran parte del centro histórico de Klara, recordado hoy con nostalgia por los autóctonos. En cambio, la circulación congestionada sigue ahí.


Fuente: elpais.es