LO QUE ÉL PREFIERE:QUEDARSE EN CASA TRABAJANDO CON ORO

El artista Daniel Brush fundió sus primeros trabajos y empezó de nuevo.

JOYERIA HETERODOXA. Daniel Brush en su estudio.

Por Ted Loos - The New York Times

Hay momentos en que Daniel Brush parece ir contra la corriente: por lo general, prefiere no hacer ninguna de las cosas que hace un artista contemporáneo. Brush, que tiene sesenta y cinco años, se dedica al arte desde hace más de cuatro décadas, pero no tiene galerista, y nunca lo ha tenido.

En ocasiones los coleccionistas vienen a verlo, pero con frecuencia no vende, dado que exige que haya una relación personal y que los compradores aprecien su arte con sensibilidad. Nunca ha aceptado un encargo.

Brush tampoco recorre el circuito de inauguraciones y fiestas. A veces pasan meses y hasta años en que casi no abandona su enorme loft de Nueva York, que está lleno del equipo (un torno del siglo XVIII, sopletes, fresadoras) que usa para crear pequeños objetos preciosos y elaborados como "Wave" (1993-1996).

Una escultura de acero tallado no más larga que un teléfono inteligente tiene una parte inferior de oro puro que proyecta un halo cálido sobre todo lo que esté debajo o detrás.

En la década de 1970, cuando tenía poco más de veinte años, luego de una exposición individual en la Phillips Collection en Washington, D.C., de sus pinturas abstractas vendió muchos trabajos, pero la popularidad no le sentó bien.

Como recordó hace poco, "me sentí tan mal que recompré hasta el último trabajo y destruí todo".

Hace menos tiempo, cuando uno de los museos más prestigiosos del mundo (no reveló cuál) quiso comprar su obra, se negó. "No quería que estuviera almacenada en el sótano", dijo.

En un cambio de actitud, sin embargo, Brush aceptó una primera amplia retrospectiva de su trabajo, "Daniel Brush: Blue Steel Gold Light", que se inauguró el 16 de octubre y podrá verse hasta el 17 de febrero en el Museo de Arte y Diseño de Nueva York.  "Wave" integra la muestra.

También se expone su joyería heterodoxa –que no tiene por objeto que se la use, dijo–, que comprende un camello del tamaño de un broche con incrustaciones de diamantes y mariposas de oro. La pieza más compleja es una instalación de 176 partes llamada "Loose Threads" que está formada por trozos de acero inoxidable con incrustaciones de diamante. Se inspira en un hilo suelto que vio en un pulóver de su mujer.

"Preferiría que se los llamara objets de vertu, por más que es un término que ahora no se usa mucho", dijo Brush haciendo referencia a sus trabajos, que son difíciles de catalogar.

"Escribo sobre acero, sobre telas y papel", declaró. "Escribo sobre lo que vengo pensando en todos estos años. Cuando la presión se hace demasiado fuerte, hago objetos y joyería".

François Curiel, presidente de Christie’s Asia y especialista en joyería de la casa de subastas, admira desde hace mucho tiempo a Brush.

"En términos de maestría técnica, en una escala de uno a diez él es un once", dijo Curiel. "Lo más cercano que se me ocurre a una pieza de Brush, si bien su trabajo no es de ese estilo, es un huevo de Fabergé".

El interés de Brush por el trabajo en metal y las artes decorativas se despertó muy temprano. "Podía dibujar muy bien las armaduras del Museo de Arte de Cleveland", dijo haciendo referencia a las clases de arte que tomaba en su infancia en esa ciudad de Ohio.

Tras rechazar sus primeras pinturas por considerarlas sin valor, Brush se trasladó a Nueva York con su esposa en 1978.

Empezó a trabajar en oro y otros metales sin muchos resultados. "Cerré la puerta durante diez años", dijo. "Nadie vio el trabajo".

Buena parte ni siquiera sobrevivió. Fundió muchas de las primeras piezas y empezó de nuevo. En 1998, su pequeño círculo de admiradores se amplió un poco cuando se publicó un libro sobre su trabajo y simultáneamente sus piezas de oro se expusieron en la Galería Renwick, parte del Museo Smithsonian de Arte Estadounidense en Washington. Pero la muestra del Museo de Arte y Diseño es la más completa hasta ahora.

Brush señaló, sin embargo, que la exposición no lo llevaría cambiar sus métodos ni su estilo de vida.

¿Qué aconseja a los artistas jóvenes que quieren hacer un buen trabajo? "No salgan". 

Fuente: Revista Ñ Clarín

SECRETOS DE LA ÓPERA:REMATAN LA COLECCIÓN DE ARTURO TOSCANINI

Son manuscritos, cartas y otros objetos del legendario director de orquesta italiano.

La casa de subastas Sotheby’s sacará a remate una colección de manuscritos, cartas y otros objetos del legendario director de orquesta italiano Arturo Toscanini (1867-1957), cuya venta se estima en más de un millón y medio de dólares .

Se trata de un total de 88 lotes, que incluyen un manuscrito firmado por Giuseppe Verdi (1813-1901), que saldrá a la venta el próximo 28 de noviembre en la sede de la tienda en Londres. El material que ahora será vendido al mejor postor está en poder de los herederos de Toscanini, uno de los directores de orquesta más destacados del siglo XX. Es el legado del artista que heredó primero su hijo, Walter, y finalmente su nieto, Walfredo.

El manuscrito de Verdi contiene tres borradores de la ópera “Falstaff”, cuyo precio de salida está fijado en entre 80 mil y 100 mil libras –equivalente a 128 mil y 160 mil dólares– , mientras que también se venderá un manuscrito del “Ave María” para coro, con un precio similar de puja. El borrador de “Falstaff” muestra las primeras composiciones de la ópera, con tres oberturas, material que fue entregado a Toscanini por la sobrina de Verdi, informó la casa de remates.

En otro de los lotes hay un telegrama enviado por Verdi a Toscanini después de la primera actuación de “Falstaff” en La Scala de Milán en 1899, que puede alcanzar un precio de 1.500 libras. Otro de los objetos que se destacan es un valioso manuscrito de Mendelssohn, correspondiente a la obertura “Die Schone Melusine”, que fue entregada al director de orquesta por el pianista Rudolf Serkin y cuyo precio puede llegar a las 600 mil libras, equivalente unos 962 mil dólares.

El director del Departamento de Libros y Manuscritos de Sotheby’s, Stephen Roe, dijo ayer que esta venta es de “suma importancia” puesto que mucho de los artículos fueron adquiridos por Toscanini directamente a los compositores, a sus familias o amigos. El director nacido en Parma era particularmente famoso por sus interpretaciones de Beethoven y Verdi, y en los Estados Unidos fundó la Orquesta Sinfónica de la NBC, con la que actuó con regularidad hasta mediados de los años 50.

Fuente: clarin.com

EL BAJO DE LA RECOLETA

Esquina de Vicente López y José Evaristo Uriburu, Recoleta, donde hoy está el Village Recoleta. Foto de Adolfo Bioy Casares, tomada circa 1960.

Por Ricardo de Lafuente Machain

   

Entre el camino del  Bajo y el río se extendían zonas más o menos vastas, según la fuerza de las crecientes, tan variables como frecuentes y rápidas.

Allí señoreaban las lavanderas mientras realizaban su tarea en los pozos de la playa, que les servían de  bateas.

Su trabajo era animado por cantos, bromas, gritos y peleas, sin contar las corridas e insultos cuando, por cualquier circunstancia, un chiquillo, una persona distraída o mal intencionada o algún perro, llegaba a pisar la ropa que se asoleaba sobre las toscas, obligándolas a rehacer, por lo menos, una parte del trabajo.

Según fama que nadie discutía, allí se comentaban todos los secretos de las familias porteñas, y a esto se refieren los conocidos versos: “Quien quiera saber de vidas ajenas,/ que vaya a las toscas con las lavanderas/ que allí se murmura de la enamorada,/ de la que es soltera, de la que es casada,/ que si tiene mantas y tiene colchón/ o cuja labrada con su pabellón”.

Pasando el Pobre Diablo, hacia la derecha, comenzaba la arboleda “del Bajo” propiamente dicho, donde se escondían algunos ranchos. Por ahí, a fines del siglo XVIII, se estableció un puesto de parada para las carretas que venían de los pagos de la Costa, con grandes protestas por parte de los vecinos que tenían quintas en la Recoleta.

Recurrieron éstos al Cabildo, quien trató el asunto y no hizo lugar al pedido de remoción, considerando que era un mal necesario, y sería peor llevarlo a otro sitio, por lo cual no había más remedio que tolerarlo.

Esos terrenos, sin destino fijo, se utilizaban para los más variados destinos. Así, en 1842, el gobernador Rosas ordenó se enterrara en ese lugar a tres indios chilenos que fueron fusilados en el cuartel de Cuitiño.

Cuando aumentó la población de la parte alta, mucha gente, más o menos vagabunda, buscó refugio en los terrenos del Bajo, cuya zona recibió el nombre popular de “Tierra del Fuego”. Después, el ferrocarril y la urbanización volvieron a desalojarlos, desplazándolos hacia el bosque de Palermo, de donde el progreso también los sacó.

Entre los ocupantes de los ranchos primitivos, era muy conocido un inglés que se decía soldado de Beresford durante la invasión de 1806, el cual atraía visitantes con relatos de ese acontecimiento militar, y lo refería con prodigalidad de anécdotas y detalles.

En dicha parte se veía un precioso grupo de ombúes, “árbol que por lo haragán e inútil nos representa…, fanfarrón y plebeyo”, según dicho de Sarmiento, resto tal vez de los que dieron nombre a la chacra originaria del capitán Valdez e Inclán y de doña Gregoria de Herrera.

Por allí cruzó más tarde el Ferrocarril del Norte y quedó instalada la estación Recoleta, que rodeó de jardines. En su proximidad hubo una “montaña rusa” que alcanzó gran éxito entre la gente menuda y algunos que ya no pertenecían a ella.

En los terrenos inmediatos, hacia Palermo, se formó la quinta del canónigo doctor Santiago Figueredo, rector de la Universidad, y después, en el mismo sitio, hacia 1861, se inauguró el Buenos Aires Cricket Club, cuyos socios, casi todos ingleses, para facilitar el acceso al mismo, arreglaban personalmente los pantanos próximos, suscitando con esto comentarios y bromas, hasta en los periódicos.

Más tarde, en el mismo lugar, se construyó la primera casa para la máquina del servicio de aguas corrientes, obra ampliada con las bombas y filtros que proveyeron de agua potable al vecindario de la Capital, en reemplazo de los antiguos pozos y aljibes caseros. También terminaron ellos con los carritos aguateros, tan típicos de las calles porteñas, que distribuían a domicilio el agua del río, vendiéndola por canecas.

A propósito de aguateros, parece haber sido este gremio un buen aliado de Eros, pues se citan casos de enamorados a quienes sus futuros suegros no miraban con simpatía, que se valieron del traje y la tarea de los aguateros para comunicarse con la interesada sin despertar sospechas.

Se cuenta que, en su origen, se anunciaban a los clientes con un estridente pregón, prohibido luego por la autoridad, la que ordenó su substitución por una campanita de bronce, para que lo hicieran en forma menos ruidosa. No obstante lo conveniente de la medida, se le opuso resistencia, y sólo pudo imponerse después de disputas y grescas.

Debíase esto, en parte, a que los muchachos, siempre prontos para cuanto importe bromas, y encontrar el lado humorístico de las cosas, perseguían a los aguateros, preguntándoles: ¿quién está en capilla?, aludiendo con esto a la costumbre de pedir limosna callejera para el sufragio del alma de los condenados a muerte, pues en esa circunstancia, los peticionantes recorrían las calles haciendo sonar la campanilla. Los aguateros, fastidiados con la burla, provocaban incidentes. Pero como todo tiene fin, el público se acostumbró y dejó tranquilo al gremio.  

El Bajo terminaba en la playa, amplia en épocas de sequía, donde durante las bajantes  quedaban numerosos peces muertos, atrayendo bandadas de gaviotas que los devoraban, después de aproximarse describiendo rápidas curvas y certeras picadas para apoderarse de ellos.

También servía en esa época como teatro para animadas guerrillas de pilletes o rabonas de muchachos, prácticos en tirar con la honda o en arrojar piedras, de donde no faltaba alguno que se retirara con un chichón, lastimadura o, por lo menos, con la ropa desgarrada.

Las crecientes, por su parte, deparaban otras sorpresas, pues traían camalotes arrastrados por las aguas del Paraná, y sobre ellos, viajeros involuntarios, animales de toda especie, que luego eran motivo de sustos y cacerías, como sucedió con un tigre, que llegó hasta la plazuela de la Recoleta, donde le dieron muerte.

El suceso hizo vivir las impresiones de una cacería en la “jungle”, desarrollada en un arrabal de Buenos Aires, con el pintoresco final de un pleito respecto a la propiedad de la piel del tigre, sostenido por quienes se atribuían el mérito de su muerte y no pudieron establecer sus derechos de común acuerdo ni mediante una memorable gresca que no hizo sino enredar más el asunto entre los protagonistas de la jornada cinegética, cuyos incidentes recuerdan numerosos cronistas narrándolos según su fantasía.

Fuente: "El barrio de la Recoleta", libro de Ricardo de Lafuente Machain

LA BASÍLICA COMO LIBRO DE HISTORIA

Es Nuestra Señora de la Merced. De las Invasiones Inglesas a la Batalla de Tucumán.

Figuras. En la fachada, la imagen de Belgrano le ofrenda a la virgen el bastón de mando del Ejército del Norte. La obra es de Buschiazzo. / EMILIANA MIGUELEZ

Por Eduardo Parise

Su ubicación es casi contradictoria. Se trata de una de las iglesias católicas más antiguas de Buenos Aires. Es decir: un lugar donde prima la fe y la mística por encima de lo material. Y sin embargo está en el corazón de la city, donde bancos y entidades financieras reinan con sus números y sus valiosas monedas. Claro que en 1580, cuando don Juan de Garay le asignó esos terrenos a la orden de los dominicos, allí no había tesoros sino mucho horizonte. Nueve años después, con la llegada de los mercedarios, el lugar cambió de manos y empezó otro rumbo histórico que hoy, 422 años después de ese desembarco, sigue como referencia religiosa de la Ciudad.

La Basílica de Nuestra Señora de la Merced está en Reconquista 207. El proyecto se realizó en 1721, una parte se habilitó en 1733 y se inauguró en 1779. Aquella obra fue pensada y dirigida por los arquitectos italianos Andrea Bianchi (o Blanqui, como se lo conoció aquí) y Giovanni Battista Primoli, dos jesuitas que diseñaron muchos de los templos porteños. Pero su gran remodelación, incluyendo su monumental fachada, tiene como año clave a 1894. La tarea estuvo a cargo de Juan Antonio Buschiazzo, un arquitecto nacido en 1846 en Italia, pero que llegó a la Argentina cuando tenía 4 años. Era hijo de un maestro mayor albañil. Y en 1878 fue la segunda persona en recibir el título de arquitecto en estas tierras. El primero fue Ernesto Bunge. El trabajo de remodelación de la Basílica de la Merced llevó seis años y se inauguró en abril de 1900, cuando empezaba a rodar el siglo XX.

Más allá de los valiosos elementos interiores, la Basílica tiene un referente curioso incluido en la remodelación propuesta por Buschiazzo: un frontis con un grupo escultórico que alude a un hecho histórico y clave en la lucha por la liberación del imperio español. En ese trabajo se ve a Manuel Belgrano ofrendando a la Virgen de la Merced el bastón de mando del ejército del Norte (que él comandaba) y dos banderas capturadas a los realistas.

Eso tiene una explicación. El 24 de septiembre de 1812 (acaban de cumplirse 200 años) las fuerzas patriotas derrotaron a los españoles que los superaban ampliamente en número y armamentos. Fue en la Batalla de Tucumán y allí se decidió la suerte de las Provincias Unidas del Río de la Plata que pugnaban por afianzar su revolución. Esa mañana, antes del combate, Belgrano había estado rezando en aquella provincia ante el altar de la virgen. Era el día de su veneración. Y puso a su ejército bajo aquella protección. El resultado del combate convirtió el triunfo en milagro y desde entonces Nuestra Señora de la Merced es patrona y generala de nuestro ejército.

Hoy la Basílica que está en Buenos Aires es Monumento Histórico Nacional. Y entre 2001 y 2007 se hizo una última restauración para conservarla como corresponde. Es que el lugar es una referencia para muchos hechos importantes de la Ciudad. Por ejemplo, durante las invasiones inglesas, fue el lugar desde donde Santiago de Liniers dirigió el asalto a la Plaza Mayor para reconquistar Buenos Aires. En ese atrio, dicen, pronunció una emotiva arenga a sus tropas, atrincheradas allí. También los estudiosos recuerdan que en ese templo, el 12 de septiembre de 1812 (ya también se cumplió el bicentenario) el sacerdote y educador Luis José de Chorroarín bendijo el matrimonio de un joven teniente coronel de Caballería (tenía 34 años) y una adolescente de 15 años. Eran José de San Martín y María de los Remedios Escalada. Los testigos fueron Carlos de Alvear y su esposa María del Carmen Quintanilla. Pero esa es otra historia.

Fuente: clarin.com

MONEO DICE QUE SU PREMIO ES UN MENSAJE DE ESPERANZA PARA MUCHOS ARQUITECTOS

El arquitecto Rafael Moneo, que el viernes recibió el Premio Príncipe de Asturias de las Artes, a su llegada a Oviedo. EFE

Oviedo - El arquitecto Rafael Moneo, Premio Príncipe de Asturias de las Artes 2012, considera que este reconocimiento puede servir como un mensaje de esperanza para muchos colegas que en esta época de crisis están pasando por malos momentos.

"Los arquitectos españoles están pasando por una época y periodo tan malo que puede que al distinguirme con este premio hayan querido abrir una puerta de esperanza", ha señalado Moneo nada más llegar a la capital asturiana, donde el viernes recogió su galardón de manos de don Felipe.

A las puertas del Hotel de la Reconquista, que hospeda y concentra buena parte de la actividad de los premios Príncipe de Asturias, Moneo se ha referido así al mensaje que el jurado quizá quiso dar al concederle este galardón la pasada primavera.

El jueves y el viernes, Moneo compartió protagonismo con el resto de los galardonados con los Premios Príncipe 2012, unos galardones y actividades de los que siempre le han dicho que "son hermosos y tratan bien a los premiados".

"Considero que es una fortuna este premio", ha afirmado Moneo, que dictó una conferencia en Gijón, donde inauguró también una exposición sobre su obra.

Una de sus primeras actividades fue la visita a Santa María del Naranco, uno de los monumentos prerrománicos asturianos que en opinión del galardonado es una "pieza única de la arquitectura española y europea", y donde impartió una lección magistral.

De hecho, este arquitecto navarro que ha firmado la ampliación del Museo del Prado o la catedral de Los Ángeles, ha reconocido que Santa María del Naranco fue siempre, desde el inicio de su carrera, una de las obras que más le han "atraído e intrigado".

Fuente: EFE

NUEVA YORK EXPONE LA VERSIÓN DE 'EL GRITO' DE MUNCH QUE BATIÓ EL RÉCORD MUNDIAL.

La versión de 'El grito', cuadro del pintor noruego Edvard Munch, que se encuentra fuera de Noruega, durante la subasta del 2 de mayo pasado en la galería Sotheby's de Nueva York, donde se vendió por la cifra récord de 119,9 millones de dólares.

Por Mario Tama

La única versión de 'El grito', cuadro del pintor noruego Edvard Munch, que se encuentra fuera de Noruega y fue subastada en mayo pasado por la cifra récord de 119,9 millones de dólares comenzó a ser exhibida el miércoles en el Museo de Arte Moderno (MoMA) de Nueva York.

Esta versión de 'El grito', realizada en 1895 y que representa a un hombre vestido de azul agarrándose la cabeza sobre un trasfondo de cielo rojizo, será expuesta en el quinto piso del gran museo neoyorquino hasta el 29 de abril de 2013.

La obra está acompañada de otras dos pinturas de Munch, así como de litografías. La obra fue prestada al MoMA por el comprador, cuya identidad no fue revelada, en la subasta de mayo pasado en Nueva York. Según varias fuentes, se trata del multimillonario empresario y financiero estadounidense Leon Black.

Este es el único de los cuatro ejemplares de la obra aún en manos de un particular y asimismo la única que se encuentra actualmente afuera de Noruega, ya que de las versiones restantes una pertenece a la galería nacional de Oslo y dos al Museo Munch en Oslo.

Entre 1893 y 1910, el pintor expresionista Edvard Munch (1863-1944) realizó cuatro versiones de 'El grito', que se convirtió, con el paso del tiempo, en símbolo de la angustia universal. La seguridad del MoMA fue reforzada, aunque no de manera exagerada durante la muestra, a pesar de los antecedentes de dos espectaculares robos de versiones de la pintura en los últimos quince años en museos de Noruega.

"La instalación está situada en las galerías de la colección de pintura y escultura del quinto piso, que ya cuenta con considerable tecnología" de seguridad, dijo el miércoles a la AFP Margaret Doyle, responsable de prensa del MoMA. "El único elemento adicional para 'El grito' es el agregado de una cobertura de plexiglás", señaló.

Fuente: AFP

HALLADO EN GUATEMALA EL ENTIERRO REAL MAYA-OLMECA MÁS ANTIGUO DE MESOAMÉRICA

El sitio maya Zaculeu, en el departamento de Huehuetenango, Guatemala, en una ceremonia realizada el 20 de julio de 2012. Arqueólogos guatemaltecos anunciaron el jueves 25 de octubre de 2012 el hallazgo del entierro de un poderoso rey en el sur de Guatemala, que pudo haber propiciado la transición de la cultura olmeca a la maya entre 700 y 400 años antes de Cristo, considerado el más antiguo de Mesoamérica.

Por Edgar Calderón

Arqueólogos guatemaltecos anunciaron el hallazgo del entierro de un poderoso rey en el sur de Guatemala, que pudo haber propiciado la transición de la cultura olmeca a la maya entre 700 y 400 años antes de Cristo, considerado el más antiguo de Mesoamérica.

"Es el entierro real más antiguo de Mesoamérica que se ha encontrado debido a las características que tiene y su extraordinaria riqueza", afirmó Christa Schieber, coordinadora técnica-científica del Parque Arqueológico Tak'alik Ab'aj, el jueves en una conferencia en el Palacio de la Cultura, en la capital guatemalteca.
Fue hallado en Tak'alik Ab'aj, 220 km al sur de la capital, tres metros bajo tierra de un escultura del Parque. No había huesos conservados, pero sí vasijas y "seis maravillosas figurillas femeninas y centenares de piezas en miniatura de jade azul y verde" con el que hicieron collares y brazaletes cosidos sobre tela o cuero, dijo.
Además, había un faldellín o taparrabo, el cual "puede ser el único bordado con cuentas miniaturas de jadeita encontrado in situ de Mesoamérica, en donde es posible reconocer el diseño del bordado", aseveró Schieber.
La arqueóloga explicó que los expertos que participaron en el hallazgo denominaron al rey como K'utz Chaman, "Abuelo Buitre" en español, por las reliquias encontradas, en especial una figura humana con cabeza de pájaro en el collar, pero no corresponde al verdadero nombre de su época por carecer de registro epigráfico.
"Esta figura, muy probablemente un buitre, puede representar una temprana visión del título de 'Ajaw'", el creador de todo (rey), aseveró Schieber, quien añadió que en Costa Rica y el Golfo de México hay figuras análogas, lo cual demuestra también la ruta comercial de larga distancia que existía en esa época.
Los arqueólogos calcularon la fecha del entierro basados en datos estratigráficos y cerámicos, que fue confirmada por un laboratorio de radiocarbono. "Este entierro sitúa el inicio o el amanecer de la era maya, por lo que puede ser considerado el más antiguo entierro real con un ajuar tan sofisticado encontrado en Mesoamérica", afirmó Schieber.
La costa sur guatemalteca en principio fue habitada por Olmecas (1.500 a.C. al 100 d.C.), considerada la cultura madre, pero algunos lugares, como es el caso de Tak'alik Ab'aj, también fueron habitados por mayas durante su expansión en el período preclásico medio (800 al 300 a.C.). Los olmecas desparecieron y los mayas continuaron desarrollando su gran cultura, sobre todo en el norte de Guatemala, sur de México, en El Salvador, Honduras y Belice.
Las reliquias y las pruebas de la fecha denota que "Abuelo Buitre" ostentaba un poder económico, político y religioso por lo que puede ser "el que cruzó el puente entre el mundo olmeca y el mundo maya en Tak'alik Ab'aj", aseveró. "Para nosotros es el descubrimiento más importante de este año y lo mejor que coincide con el inicio de una nueva era en el calendario maya" el 21 de diciembre, dijo a la AFP el coordinador administrativo del Parque arqueológico, el guatemalteco Miguel Arrego.
El arqueólogo explicó que la civilización Olmeca es considerada la madre de las culturas en Mesoamérica e inventaron un sistema numérico, pero nunca llegaron a desarrollar un sistema de infraestructura piramidal como lo lograron los mayas, siglos después. "En el año 700 a.C. se comenzó a manifestar la efervescencia de una nueva cultura, que es la maya, pero el cambio de ideas es gradual no hubo imposición de nuevas ideas sino que se van adaptando. Este caso es único en Mesoamérica donde hay pruebas de una transición" de dos culturas, afirmó.
"En Tak'alik Ab'aj hay 356 monumentos y 133 de ellos tienen seis formas distintas de escritura, por eso este parque es la ciudad de la luz, la Grecia de Mesoamérica", puntualizó. La cultura maya tuvo su mayor esplendor en el llamado período clásico (250-900 d.C.) hasta que entró en una etapa de decadencia en el período postclásico (900-1200 d.C). Guatemala, México, El Salvador, Honduras y Belice prepara celebraciones para el cambio de era en el calendario maya.

Fuente: AFP