HERITY INTERNATIONAL FELICITA A ZARAGOZA
POR OFRECER ESPACIOS CULTURALES "DE EXCELENCIA"






El Museo Pablo Gargallo de Zaragoza.

ZARAGOZA, 4 - La Organización Internacional para la Gestión de Calidad del Patrimonio Cultural, Herity International, ha felicitado a la ciudad por ofrecer a los ciudadanos espacios culturales de "excelencia".
El secretario general de Herity International, Maurizio Quagliuolo, ha trasladado su felicitación al alcalde de Zaragoza, Juan Alberto Belloch, porque la ciudad se aprecia de tener "estructuras culturales de excelencia, en particular el Museo Pablo Gargallo y los cuatro Museos que conforman la Ruta de Cesaraugusta".
Precisamente, se ha solicitado la certificación internacional del Museo Gargallo y la renovación que los museos arqueológicos habían ya obtenido para el trienio apenas concluido.
La atención prestada por el alcalde y por el consejero municipal de Cultura, Educación y Medio Ambiente, Jerónimo Blasco, "está perfectamente en línea con el programa electoral del actual Ayuntamiento y con el discurso de la toma de posesión del alcalde", ha apreciado Quagliuolo.
"En efecto el término calidad, en el sentido preponderante de calidad de la vida, que no puede prescindir de una política cultural adecuada, es pronunciado repetidas veces y con convicción", ha observado Quaglioulo.
"La atención prestada a la Cultura", ha proseguido Quagliuolo, "alinea Zaragoza con las primeras ciudades del Mundo que, como ha subrayado recientemente también el Banco Mundial, utilizan este recurso para crear nuevos valores de referencia para salir de la crisis económica mundial".
El trabajo de la ciudad de Zaragoza "se deberá acompañar por un esfuerzo adecuado por parte del Municipio, especialmente por lo se refiere a las estructuras museísticas, que consiguen resultados muy relevantes en cuanto a calidad y cantidad de visitantes, transformando la ciudad en una meta cada vez más importante para el turismo, estimulando de este modo el desarrollo de las actividades económicas locales", ha explicado Quaglioulo.
La renovación de la certificación Herity se sigue por las oficinas municipales de innovación y calidad y por las de Cultura, que colaboran con celeridad. "Esto constituye una verdadera joya de la corona de la ciudad de Zaragoza a nivel internacional, dado que la Unión Europea y UNESCO siguen con atención los progresos alcanzados por Herity", han señalado desde esta organización en un comunicado.


Fuente: Europa Press


Museo Pablo Gargallo

El Museo Pablo Gargallo es un museo situado en el número 3 de la Plaza San Felipe de Zaragoza (Aragón, España), en la Casa de Francisco Sanz de Cortés, el Palacio de Argillo, y está dedicado de forma monográfica a la obra del escultor aragonés Pablo Gargallo (1881-1934).

Estatua ecuestre a la entrada del Museo

El museo tiene su origen en 1982 y abrió sus puertas en 1985 merced al acuerdo alcanzado entre el Ayuntamiento de Zaragoza y la hija y heredera de la obra del autor Pierrette Anguera. Está situado en el palacio de los condes de Argillo, edificio tardorrenacentista que data del siglo XVII. El palacio cuenta con un patio central abierto y una primera planta con galería interior y varias salas en donde se desarrolla la parte más importante de la exposición.
A principios de 2007 el museo alberga 177 obras del escultor, incluyendo dibujos, cartones y esculturas, además de numerosa documentación. Entre las piezas exhibidas cabe destacar El Profeta, situado en el patio interior, o los dos grupos ecuestres realizados para el Estadio Olímpico de Barcelona en 1929 conocidas como Saludo Olímpico que reciben al visitante desde la Plaza San Felipe.
En febrero de 2007 el museo cerró temporalmente para llevar a cabo unas importantes obras de remodelación, con las que se amplió el espacio útil de exposición en un 40% al añadir un nuevo edificio al museo. La obra, con un presupuesto de 3,7 millones de euros, fue encargada al arquitecto Ángel Peropadre. El 21 de octubre de 2009 se celebró la reinauguración.

HAGA LA VISITA VIRTUAL AL MUSEO:

http://www.zaragoza.es/contenidos/museos/gargallo/virtual/index.htm



NADIE SABE QUIÉN COMPRÓ "EL GRITO" DE MUNCH




El cuadro batió el record de la obra más cara vendida en subasta. Su flamante dueño pagó ayer en Nueva York 120 millones de dólares. Los diarios más importantes del mundo especulan con la identidad del comprador.

Nadie sabe quién compró "El grito" de Munch




















Entre los datos que sí se conocen se destacan que los agentes hablaban en inglés, en chino y en noruego. También se dio a conocer que hubo un momento de fuerte tensión, cuando una de las ofertas llegó a los 99 millones de dólares.
Eso sí, nadie conoce el nombre del millonario que compró la obra de arte por 120 millones de dólares.
Los especialistas en el tema especularon antes de concretarse la subaste que entre los interesados estarían los de siempre: Ronald Lauder, Lily Safra, Roman Abramovich, Philip Niarchos y la familia real de Qatar.
De hecho, Charles Moffett, el hombre de Sotheby's para el arte impresionista, moderno y contemporáneo, anunció hace unos días que ya tenía una decena de clientes interesados: cuatro asiáticos, dos rusos, dos norteamericanos y un museo, de acuerdo al diario español El Mundo.
The New York Times habla al respecto de este misterio y brinda en su edición de hoy nuevas pistas: los candidatos podrían ser Paul Allen, cofundador de Microsoft, y el financiero ruso Leonard Blavatnik, además de la familia real de Qatar, principal sospechosa.
Por su parte, The Wall Street Journal contó que en un primer momento eran cinco los que se disputaba el cuadro de Munch, hasta que la cifra llegó a los 80 millones de dólares. A partir de ese instante, la pugna quedó en manos de sólo dos posibles compradores.
"El grito" de Edvard Munch, uno de los iconos más reconocibles de la historia del arte, se convirtió en la obra más cara vendida jamás en una subasta al alcanzar casi 120 millones de dólares durante una puja en la sede de Sotheby's en Nueva York en la que se recaudaron 330 millones de dólares.
"Es una de las pocas imágenes que trascienden la historia del arte y que tienen un alcance global, quizás sólo por detrás de La Mona Lisa", afirmó el director de la venta, Simon Shaw, quien agregó que la popular obra del pintor noruego (1863-1944) "define la modernidad y es instantáneamente reconocible".
Fue poco antes de las 20 hora local cuando la sala de Sotheby's quedó en completo silencio para dar inicio a la puja por "El grito", en la que empezaron a intervenir siete compradores en un intercambio de cifras de vértigo que terminó reducida a una batalla entre dos personas anónimas a través del teléfono.
Doce minutos más tarde la obra fue adjudicada a un precio de martillo de 117 millones de dólares, una cifra que con las correspondientes comisiones quedó finalmente en 119,9 millones de dólares, superando así el récord de 106,5 millones que ostentaba desde 2010 un Picasso, "Desnudo, hojas verdes y busto".
Se trata de la única versión de las cuatro existentes que aún estaba en manos privadas, según Shaw, quien remarcó que otras dos versiones fueron robadas en los últimos veinte años, y aunque finalmente se recuperaron y se exhiben ahora en museos noruegos, convierten a la obra en "la más robada de la historia del arte".

Fuente texto y foto grande: infobae.com

UN RETRATO DE PICASSO
VENDIDO EN MÁS DE 29,2 MILLONES DE DÓLARES
EN NUEVA YORK






Imagen del cuadro de Pablo Picasso 'Femme assise dans un fauteuil' (Mujer sentada en una butaca). EFE/Archivo 

Nueva York, 2 may - La "Mujer sentada en una butaca", retrato de Pablo Picasso en el que el pintor representó a su musa y amante Dora Maar, se ha vendido hoy en Nueva York por 29,2 millones de dólares (22,2 millones de euros), durante una subasta de arte impresionista y moderno organizada por la casa Sotheby's.
El director de la venta, Simon Shaw, dijo a Efe que en esta obra "vibrante y enérgica", realizada en el contexto de la Segunda Guerra Mundial, Dora Maar supone para Picasso "la personificación del conflicto bélico, y transmite la ansiedad extrema y el dolor que sentía el pintor en aquella época en la que ambos vivían juntos en París".
Durante el arranque de la subasta, en el que se han recaudado hasta el momento unos 68,4 millones de dólares (52 millones de euros) tras colocarse apenas diez de los 72 lotes previstos, también se han vendido otras obras de Picasso, como "Bañista en taburete rojo", que ha alcanzado 2,7 millones de dólares (2,7 millones de euros), o "Dos mujeres", con otros 2 millones (1,52 millones de euros).
El surrealismo también ha tenido su representación en la venta, a través del cuadro de Joan Miró (1893-1983) "Cabeza humana", de 1931, por el que un comprador anónimo ha pagado 14,8 millones de dólares (11,25 millones de euros), y en el que el artista español crea, según Shaw, "un lenguaje visual único".
Otra de las pinturas más destacadas de la subasta ha sido el retrato de Chaïme Soutine (1893-1943) "El botones del Maxim", que se ha vendido por 9,3 millones de dólares (7 millones de euros), y "Naturaleza muerta, helechos y granadas", de Henri Matisse, vendido en 2,5 millones de dólares (1,9 millones de euros).
"El retrato de este modelo anónimo irradia una fuerza emocional única en la historia del arte del siglo XX, y el dinámico uso del pincel y los fuertes colores inscriben a esta obra en el culmen del trabajo de Soutine", señaló Shaw.

Fuente: EFE

HELSINKI
RECHAZA LA PROPUESTA DE UN MUSEO GUGGENHEIM






Helsinki rechazó la propuesta de construir un museo Guggenheim por 140 millones de euros en el área costera de la capital finlandesa, según una noticia aparecida en la web de la ciudad. En esta imagen de archivos, el Museo Guggenheim de Nueva York, el 17 de febrero de 2010. REUTERS/Shannon Stapleton

HELSINKI - Helsinki rechazó la propuesta de construir un museo Guggenheim por 140 millones de euros en el área costera de la capital finlandesa, según una noticia aparecida en la web de la ciudad.
El Comité de la Ciudad de Helsinki, formado por 15 políticos municipales seleccionados para considerar las propuestas que llegan al ayuntamiento, votó por ocho votos a siete en contra de tomar el proyecto en consideración.
"El comité de la ciudad rechazó el proyecto", dijo en la web de la ciudad.
Los medios finlandeses dijeron que el proyecto fue rechazado por las preocupaciones sobre la gestión y que sería demasiado costoso. La decisión llega durante una época en la que los recortes presupuestarios del Gobierno para contener la crisis de Europa y una economía débil recorren Europa.
No fue posible contactar de inmediato con un portavoz del museo Guggenheim de Nueva York para que comentara la decisión.
La Fundación Solomon R. Guggenheim, que supervisa el museo original diseñado por Frank Lloyd Wright en Nueva York, así como otros cuatro en el extranjero, propuso en enero un proyecto conjunto con la capital finlandesa para desarrollar un nuevo museo de arte contemporáneo.
El Guggenheim dijo que había elegido Helsinki por el gran interés local y la tradición local por arte y diseño, además de por los planes de la ciudad de desarrollar sus terrenos en el puerto.
El Guggenheim - que cuenta con museos en Bilbao, Venecia, Berlín y Abu Dabi - señaló que Helsinki carecía de una colección significativa de arte moderno que podría ayudar a llenar el museo, que atraería además a turistas.

Fuente: Reuters

EL MUSEO BRITÁNICO EXPONE POR PRIMERA VEZ
LA "SUITE VOLLARD" DE PICASSO






El Museo Británico de Londres exhibe, por primera vez en el Reino Unido, una colección de cien grabados de la "Suite Vollard" de Pablo Picasso, que reflejan la pasión del pintor malagueño por la joven Marie-Thérèse Walter. EFE/Archivo

Londres, 1 may - El Museo Británico de Londres exhibe, por primera vez en el Reino Unido, una colección de cien grabados de la "Suite Vollard" de Pablo Picasso, que reflejan la pasión del pintor malagueño por la joven Marie-Thérèse Walter.
"Picasso pinta: La Suite Vollard" reúne un centenar de láminas que el artista elaboró entre 1930 y 1937 a iniciativa del marchante de arte parisino Ambroise Vollard, que aparece retratado en las tres últimas obras de la colección.
El Museo Británico adquirió estas obras en septiembre de 2010 gracias a la donación de un millón de libras (1,22 millón de euros, 1,62 millones de dólares) por parte de un financiero de la City londinense y las exhibe al público a partir de mañana.
Las cien láminas constituyen la primera serie completa de la "Suite Vollard" que se muestra al público en Reino Unido y la primera en ser propiedad de una institución pública británica.
"Picasso pintó la 'Suite Vollard' en la cumbre de su etapa creativa, en la década de 1930, cuando había comenzado a interesarse por la escultura y había iniciado una relación con Marie-Thérèse Walter, que se convirtió en su musa y amor de esos años", explicó a Efe Stephen Coppel, comisario de la exposición.
Los temas de los grabados son variados, con influencia de las historias mitológicas de la Grecia clásica, por lo que el reputado museo acompaña la muestra con varias esculturas griegas que inspiraron al artista en esos años.
Marie-Thérèse, menor de edad cuando conoció a Picasso, protagoniza un gran número de láminas.
Ambos "se conocieron en las afueras de una tienda en 1927 y él quedó impactado por su belleza, en particular por su perfil griego, así que le propuso retratarla. Ella no tenía ni idea de quién era él", relató el comisario.
Entre los personajes que aparecen en los dibujos destaca el minotauro, que figura en quince piezas pintadas entre 1933 y 1934, en la última etapa de la "Suite Vollard".
Según Coppel, este ser de la mitología griega es para Picasso su álter ego, y simboliza la pasión y la ferocidad del toro español, aunque con el paso de los años su significado se torna más político y supone ya un antecedente del "Guernica".
"En los últimos dibujos de la serie, Picasso pinta al minotauro ciego, lo que representa el empeoramiento de la situación política en Europa y, en particular, el ascenso del fascismo en España", apuntó Coppel.
Tras la muerte de Vollard en un accidente de coche, las láminas pasaron a manos del también marchante francés Henri Petiet, cuyos herederos vendieron la colección que ahora exhibe el Museo Británico.


Fuente: EFE

CANTABRIA
OPTA A SER CENTRO DE ESTUDIOS DE LA UNESCO
EN PREHISTORIA, CON EL AVAL DEL MINISTRO WERT







SANTANDER, 3 - Cantabria opta a ser Centro de Estudios de la Unesco en Prehistoria, para lo que ha presentado a este organismo de Naciones Unidas un proyecto "sólido y fundado", que cuenta con el "aval" del ministro de Educación, Cultura y Deporte, José Ignacio Wert, así como del secretario del Estado de Cultura, el cántabro José María Lassalle.
Esta concesión podría convertirse en "elemento tractor" de la oferta turística regional "más allá de nuestras fronteras", y reforzaría la marca Altamira.
Así lo ha anunciado este jueves el presidente de Cantabria, Ignacio Diego, en la presentación que ha realizado del Eje Estratégico 'Turismo e Industria Cultural', incluido en la I Conferencia de Inversión Estratégica InverCantabria, que ha tenido lugar en la casa Club Golf Abra del Pas, a la que han asistido representantes políticos y económicos de la sociedad regional.
Diego ha asegurado que en Cantabria "lo tenemos todo" para optar a ser Centro de Estudios de Prehistoria de la Unesco, como las diez cuevas de arte rupestre Paleolítico Patrimonio de la Humanidad, Altamira entre ellas, además de un "enorme patrimonio" fruto de las investigaciones del último siglo.
Sin embargo, ha lamentado que estos trabajos están "guardados en cajas" porque no disponen "del lugar que merecen", un problema que se solventaría si Cantabria consiguiera esta representación de la Unesco.
En declaraciones posteriores a los medios, Diego ha explicado que el Gobierno ha estado trabajando en la propuesta y si la candidatura se concediera a Cantabria el Ejecutivo se compromete a que la región vuelva a tener un centro expositivo, el Museo de Prehistoria, que sería "potente turísticamente" e incluiría un centro de investigación y estudio de la Prehistoria.
El presidente ha reconocido que no conoce los plazos para la concesión pero ha señalado que se está dando a conocer la candidatura, que cuenta con el aval del ministro Wert y de Lassalle.
En este sentido, ha atribuido el "mérito" de esta iniciativa al exdiputado cántabro 'popular', que puso en conocimiento del Gobierno regional esta posibilidad al encajar en su nueva planificación turística, apoyada en el patrimonio y los valores culturales.
Tampoco ha respondido a si Cantabria compite con otras regiones. "De momento vamos a lo nuestro, a apostar por esta propuesta", ha subrayado Diego.


Fuente: Europa Press

LONDRES
RECREA EL ESPÍRITU VISIONARIO DE LA BAUHAUS






Una joven observa la obra " Círculos dentro de un círculo", del artista Wassily Kandinsky, durante la rueda de prensa de la exposición "Bauhaus: Art As Life" (Bauhaus: Arte como vida) que acogerá a partir de mañana y hasta el 12 de agosto el Barbican Centre de Londres, Reino Unido. EFE

Londres, 2 may - Una exposición presentada hoy en Londres recrea el espíritu visionario de la Bauhaus, la escuela alemana de arte, diseño y arquitectura más influyente del siglo XX, a través de 400 obras y un acercamiento a lo que era la vida del mítico campus.
La extensa producción de una escuela que funcionó desde 1919 a 1933, cuando fue clausurada por los nazis, abarca pinturas, esculturas, fotografías, muebles, tapices, vestidos, cerámicas y objetos icónicos como la silla Marcel Breuer y las pinturas de Kandinsky.
Pero la muestra "Bauhaus: Art as a Life (El arte como la vida)", que se podrá ver en el centro Barbican de la capital británica desde mañana hasta el 12 de agosto, va más allá y explora el idealismo y la visión de futuro de una comunidad de artistas y diseñadores cuya dedicación y optimismo tenía como objetivo cambiar el mundo.
La escuela fundada por el arquitecto Walter Gropius en Weimar (Alemania) sentó las bases de lo que hoy se conoce como diseño industrial y gráfico y en ella enseñaron artistas como Mies van der Rohe, Paul Klee, Herbert Bayer y Oskar Schlemmer.
"La Bauhaus fue una fuerza ineludible en la cultural visual moderna y su impacto se puede percibir en todo el mundo, desde Tel Aviv hasta Tokio", explicó Kate Bush, responsable de la galería de Arte del Barbican.
La muestra recorre los trece años de vida de la influyente escuela por sus tres campus en Alemania, desde los orígenes en Weimar y sus influencias expresionistas hasta su paso por Dessau en 1925, cuando adquirió su componente más industrial, y su breve periodo en Berlín, liderado por el arquitecto Mies van der Rohe.
Además, la exposición también se detiene en la dramática clausura por los nazis, que consideraban los postulados de este movimiento como socialistas, lo que hizo que la mayoría de sus integrantes emigraran a Estados Unidos.
Entre los trabajos más significativos que se pueden ver en Londres se encuentra la pintura de Wassily Kandinsky "Circles in a Circle" (1923) y la acuarela Doppelturm de ese mismo año de Paul Klee, cuya influencia en el movimiento se pone de manifiesto en un impresionante tapiz de dos metros de Gunta Stölzl, que se exhibe por primera vez en el Reino Unido.
El recorrido por la extensa producción de la visionaria escuela en el Barbican incluye además fotografías, cerámicas, maquetas de edificios, muebles y lámparas.
Uno de los aspectos más interesantes de la exposición es el esfuerzo que hace por humanizar a sus integrantes y acercar al visitante a un campus lleno de energía y vitalidad.
Se hace a través de retratos, artefactos personales e invitaciones a unas fiestas muy habituales y ya legendarias, que eran animadas por la banda de jazz de la propia escuela.
El Barbican muestra una invitación a una fiesta diseñada por Herbert Bayer que contiene una caricatura de los músicos victorianos Gilbert y Sullivan, además de disfraces que vestían los estudiantes creados con diseños geométricos y funcionales típicamente bauhausianos.
En este sentido, la comisaria de la exposición, Catherine Ince, explicó que el objetivo era centrarse más en la Bauhaus como escuela de arte que hacer un análisis de un movimiento artístico.
La muestra reflexiona además en el hecho de que los miembros de este movimiento eran una elite de artistas y diseñadores que crearon un nuevo lenguaje para una clase trabajadora, pero que finalmente acabaron realizando objetos artísticos para una burguesía rica y educada.

Ramón Abarca


Fuente: EFE