EL CUADRO MÁS CARO DE LA HISTORIAYA CUELGA EN EL REINA SOFÍA

Aunque no se ha confirmado oficialmente, «Nafea faa ipoipo (¿Cuándo te casarás?)», de Gauguin, fue adquirido por la Autoridad de Museos de Qatar por 300 millones de dólares

        Momento en que esta mañana se instalaba el Gauguin en el Museo Reina Sofía- AFP

No se recuerda una expectación mediática igual en el Reina Sofía. La nube de fotógrafos y cámaras de televisión era similar a la que suele haber en el Festival de Cannes para inmortalizar a Angelina Jolie en carne mortal.
Pero, sorprendentemente, no se esperaba a una estrella de Hollywood, ni a una modelo de Victoria's Secret, sino a un cuadro de Gauguin que iba a colgarse en la pared de una sala del museo. ¿Tanto amor por este artista hay en España?, se preguntarán. ¿Tan especialistas en arte nos hemos vuelto los españoles? Ninguna de las dos cosas, lamentablemente.

El motivo, mucho más prosaico: según el «New York Times», su propietario -la Rudolf Staechelin Family Trusormt, fada por tres socios: Rudolf Staechelin (nieto del coleccionista del mismo nombre que compró la obra en 1917), de Basilea; Martin Paisner, de Londres, y Carlyn McCaffrey, de Nueva York- lo vendió a la Autoridad de Museos de Qatar por 300 millones de dólares, convirtiéndose así en el cuadro más caro de la Historia, superando en nada menos que 50 millones a la venta de «Los jugadores de cartas», de Cézanne, también comprado por la Familia Real qatarí. La noticia, que se hizo pública en febrero de este año, nunca ha sido confirmada oficialmente por ninguna de las partes.

Primer viaje a Tahití

«Nafea faa ipoipo (¿Cuándo te casarás?) fue pintado por Paul Gauguin en 1892, durante su primer viaje a Tahití, adonde se escapó huyendo de la civilización occidental. Es una obra maestra de la Historia del Arte, la respuesta del salvaje artista francés a la «Olimpia» de Manet. Pertenece a una serie muy cotizada de Gauguin de aquellos años en los que los títulos son preguntas. En él aparecen dos jóvenes que están conversando. Una de ellas es Tehamana, la adolescente de 13 años con la que se casó. Antes de su venta, el trust se había comprometido a que este cuadro, junto a una selección de obras de la colección, viajara al Museo Reina Sofía y, después, a la Phillips Collection de Washington, donde permanecerá hasta el 10 de enero. Y quisieron mantener este compromiso. Como así han hecho. Gracias a un acuerdo entre la Fundación Beyeler de Basilea y el Reina Sofía, ha habido un intercambio de préstamos. El cuadro de Gauguin ha formado parte, hasta el 28 de junio, de una monográfica de este artista en la Beyeler y esta fundación cedió al museo español un importante Miró.

El cuadro salió el lunes de Basilea, estuvo una noche en Barcelona y llegó el miércoles a Madrid

El cuadro salió el lunes de Basilea, en un camión de la empresa SIT, especialidada en transporte de obras de arte, rumbo a España. Iban dos conductores para turnarse y un restaurador de la fundación Staechelin, que actuaba como correo. Pasó una noche en Barcelona, en los almacenes de la empresa en la Ciudad Condal, y el miércoles llegó sobre las cinco de la tarde al Reina Sofía. Como es preceptivo, pasó un día aclimatándose en su embalaje. Ayer se subió a las salas.

Explica el director del museo, Manuel Borja-Villel, que no se han tomado medidas de seguridad distintas a las habituales, que son suficientes: cámaras y un vigilante en sala. Pero, si el número de visitantes se disparara, se tomarían las medidas oportunas, añade. Confirma que tampoco se ha aumentado el valor del seguro tras la venta del cuadro. La garantía del Estado se hizo cargo de casi la totalidad de los seguros, que asciende a más de 1.587 millones de euros, si sumamos los 10 Picassos que se exhiben en el Prado y los 166 del Reina Sofía (incluyen obras de la colección del Kunstmuseum de Basilea, y de dos colecciones privadas que están cedidas a este museo: Staechelin e Im Obersteg).

Pobre Van Gogh

El Gauguin cuelga ya en las salas junto a las obras de estas dos colecciones, donde se exhiben, hasta el 14 de septiembre, obras maestras como «El jardín de Daubigny», de Van Gogh. Ayer nadie le hacía ni caso a esta joya. De hecho, el correo de la Fundación y personal del Reina Sofía se afanaban esta mañana en proteger el lienzo ante la avalancha de los cámaras que inmortalizaban el Gauguin para que no sufriera ningún daño. Así de cruel es el mercado del arte. Si los 300 millones se hubieran pagado por el Van Gogh (nada imposible, dada la cotización del artista y la calidad de la obra), nadie hubiera hecho ni caso al Gauguin.

Rudolf Staechelin, acompañado por su mujer, habló hoy largo y tendido de todo, pero no soltó prenda de quién ha comprado el cuadro ni por cuánto dinero, pese a la insistencia de los periodistas. «Si están aquí porque es el cuadro más caro de la Historia es una razón equivocada -dijo el coleccionista-. No son dólares colgados de una pared, es arte. No es lo principal, sino admirar la belleza de esta obra maravillosa. Estoy feliz por ver aquí junta la colección, pero también triste, porque nos despedimos de la obra de Gauguin. De todas formas, estoy seguro de que no es el cuadro más valioso de este museo. Lo es el "Guernica"».

Historia de su cotización

En 1893, cuando fue expuesta en la Galería Paul Durand-Ruel, fue valorada en 1.500 francos suizos. No se vendió. Dos años más tarde salió a subasta por 500 francos. Tampoco encontró comprador. Su abuelo lo adquirió por 18.000 francos suizos. Staechelin, que tiene un hijo y una nieta, cuenta que en 1981 la obra se tasó en 6 millones de francos suizos. Le preguntamos sobre el futuro de su colección. En febrero reconocía a ABC que hay problemas entre la Fundación y el Kunstmuseum de Basilea y que no descartaba retirar de allí su colección. «Estoy abierto a que vuelvan allí, no lo excluyo, pero no he tomado aún la decisión. Es cierto que hay problemas con el museo, no lo oculto», advierte.

Cuenta que dos accidentes aéreos marcaron a su familia. En 1967un chárter de la compañía familiar se estrelló en Nicosia. Las pérdidas económicas obligaron a su abuelo a vender parte de su colección de arte: un Van Gogh y dos Picassos. Estos últimos los compró la ciudad de Basilea tras un histórico referéndum: el Gobierno pagó 6 millones y hubo otros 2,4 millones de aportación privada. Un Picasso emocionado donó a la ciudad cuatro obras. El segundo accidente aéreo se produjo en 1977: murieron en él su padre, su hermano y la novia de éste. «A los 25 años, recuerda, me convertí en responsable de la colección». Reconoce que, debido a necesidades económicas, hay patrimonio familiar colgado en muchos museos: «Se nos acercan muchos coleccionistas para que les vendamos obras. Decidí vender el Gauguin por falta de dinero, pero no lo hice por inversión ni por especulación. No esperamos para hacerlo a que fuera el momento más propicio del mercado». Por el momento, dice, no tiene intención de deshacerse de más obras: «Por ahora no necesito más dinero. No tengo yates ni novias con gustos caros. Es cierto que estamos tres personas en el trust, pero mi opinión tiene mucho peso».


Fuente: abc.es/cultura

UN DÓLAR DE WARHOL CUESTA US$ 33 MILLONES

El cuadro del artista pop, de 1962, se remató en Sotheby's de Londres

    Esta pintura fue la primera de una serie sobre dinero. Foto: Reuters

¿Cuánto puede valer un dólar? Depende de quién lo firme. Si es el titular del Tesoro de los Estados Unidos, vale justamente un dólar. Si fue pintado completamente a mano por Andy Warhol, puede superar todas las expectativas de una subasta de arte. Y eso fue lo que sucedió anteayer en Sotheby's Londres: el cuadro pintado en 1962 y primero de su serie se vendió en US$ 33 millones.

"El dólar es más que simplemente la divisa norteamericana, es el símbolo de muchas cosas, las aspiraciones, la riqueza, el glamour, y creo que (Warhol) fue brillante señalando un gatillo del que todo el mundo podría tirar", argumentó a Reuters el especialista en arte contemporáneo de Sotheby's, James Sevier.

Si bien la obra tenía una expectativa de venta de entre 20 y 28 millones de dólares, en la subasta por la obra del gran artista pop que marca la historia de los últimos 50 años se obtuvieron varios millones más.

Durante la jornada de remate, hubo otras 21 pinturas inspiradas en la moneda norteamericana de otros autores, como Keith Haring, Joseph Beuys, Tim Noble y Sue Webster.

Fue una noche de buenas ventas para Sotheby's, que también remató dos obras de Francis Bacon recientemente descubiertas. Por Autorretrato y Tres estudios para un autorretrato, de 1975 y 1980, respectivamente, hallaron nuevos dueños por un total de US$ 46,8 millones.

La pintura de Lucian Freud Cuatro huevos en un plato, que perteneció a la duquesa de Devonshire, se vendió a US$ 1.543.000. La obra salió a la venta apenas un año después de la muerte de la noble británica, y superó 10 veces el valor estimado.

No trascendieron las identidades de los compradores, pero trascendió que hubo interés de coleccionistas chinos.


Fuente: lanacion.com

DE MÉXICO AL DELTA: PINTAR EN COLORES, CON CONCIENCIA SOCIAL

Mientras Miguel D'Arienzo expone su serie más alegre en una galería de Retiro, las puertas de su casa-taller del Delta están abiertas con fines solidarios

La reina de la noche o la cantante de boleros tiene ese azul lapizlázuli tan característico.


Por María Paula Zacharías / La Nación

Artistas e insurgentes, Cristos y peregrinos, ídolos y gringos, bodas y entierros, el circo y la muerte, volcanes y aguas. El pintor Miguel D'Arienzo reúne en sus Cuadernos Mexicanos los boleros más famosos con la icónica Frida Kahlo; los ejércitos zapatistas con la cantante Lila Downs; repasa temas centrales de la tierra azteca, y suma fotos, postales y recortes de diarios. Hay algo más: se preocupa tanto por el matiz de sus colores como por la suerte de quienes lo rodean. Así como muele pigmentos para lograr el mismo tono de la Casa Azul de Frida, invita a su taller, a su casa y a sus cuadros a quienes lo necesitan: pinta obras a cuatro manos con aborígenes, retrata la labor de los cartoneros y las desgracias de los inundados, y realiza tareas educativas y solidarias en su casa museo que algún día será de la comunidad. El reflejo de problemas sociales es una constante en su obra. Pero siempre está más cerca de la ternura que de la denuncia.

Su romance con México lleva años. "Es como un continente de culturas. Siempre admiré la potencia creativa de México. Esta muestra es una mezcla de las películas de Luis Buñuel y las que veía mi madre de María Félix. Y un gran pintor, Orozco. Yo viví en Italia y participé del muralismo italiano, que tenía una comunicación muy fuerte con el mexicano. En 1995 me seleccionaron para una muestra en el Hospicio Cabañas, bajo el mural de Orozco El hombre en llamas. Me trataron como mi mejor país, y desde entonces hay un amor mutuo. Empezaron una serie de viajes, registrados en unos diarios de apuntes. Los primeros cuadernos se perdieron en un taxi ecológico", dice D'Arienzo, que ha recorrido el país entero. Sus grandes telas y sus collages de pequeño formato que ya se vieron en la galería Miguel Hidalgo de Polanco, en la Ciudad de México, se exhiben ahora en la galería Isabel Anchorena (hasta el 3 de agosto, en Libertad 1389). Para lograr ese azul tan característico, compra lapizlázuli puro, piedra azul molida que importa de Colombia o Francia, donde aún hay minas. Hace mezclas en un mortero, y las esparce sobre tela cruda como si fuera un mural al temple. Después suma líneas y palabras en grafito. "Lo mío es una pintura más tradicional, artesanal. Como dice David Hockney, según un principio chino, se pinta con la mente, el corazón y la mano. Tiene que sentirse la humanidad", dice.

Inundados, una obra que da cuenta de la mirada cercana del artista a su entorno. 

 

D'Arienzo tiene dos talleres: uno en la Plaza del Congreso, con su circuito de cuatro cafés imprescindibles. De un salto se mete en el tren, sube unos minutos a la lancha colectiva para llegar al otro, en su suburbio acuático, una casa-museo y taller en una isla del Tigre, frente al MAT. Es una construcción a la que le puso nombre de museo, MADA, y que piensa donar a la comunidad a través de la Universidad del Salvador, con todo lo que hay adentro (obras de todas sus etapas) cuando ya no la necesite. Originalmente era una antigua casita simétrica, hecha sobre pilotes en 1940 por un inmigrante italiano, que D'Arienzo, de formación arquitecto, amplió con un trencito de tres galpones encadenados. Ahí Antonio Rottari, además de casas, hacía barcos como los que están anclados en la otra orilla del río Luján y que ahora a D'Arienzo le encanta mirar. Lo acompañan en su soledad isleña, lo mismo que sus dos perros negros, que lo siguen como su sombra.

MADA puede ser Museo de Arte del Delta Argentino o Miguel Alfredo D'Arienzo, porque las tres salas de exposición están dedicadas a su obra. "No nació por ego, sino para albergar obra que ocupa mucho espacio y es difícil vender, como las instalaciones", aclara. La obra más antigua es de 1978: "Es el año en que renací, porque volví a pintar. Fui a la Escuela de Bellas Artes cuando era maravillosa, con maestros como Aída Carballo y Antonio Pujía... Hoy sufro por el nivel educativo de la Argentina. Por eso trabajo con escuelas rurales del Delta con el dibujo, porque con la digitalización los chicos pierden la capacidad de observación de la realidad. No educan el ojo. Trabajamos con la botánica, relacionada con el dibujo, porque es una forma de observación". En la caja vidriada que es su comedor se juntan chicos de los colegios Michael Ham, de Nordelta, que hacen tours para salir de su burbuja, y de la escuela que apadrinan del Barrio Las Tunas. "Se encuentran acá e intercambian opiniones. Es muy lindo cómo trabajan juntos. En julio haremos una muestra con las máscaras que estuvimos haciendo", cuenta.

En su gira con muestras por museos del interior (Chaco, Río Negro, Mendoza y Corrientes) instauró una especie de residencia: presta los cuartos que le sobran a artistas de provincias que quieran venir a inspirarse y trabajar. "Me alimento de todo esto. No todo es plata para un pintor." También tiene obras hechas con pobladores wichis, que se venden a su total beneficio. Hay en el MADA una copia de una Menina rodeada de dibujos infantiles que compró el gobierno holandés.

De lo urbano a lo rural

Mientras prepara una muestra para el Museo Provincial Rosa Galisteo de Santa Fe, en uno de sus galpones, D'Arienzo echa leña a la salamandra y deja pasar a Negro y a Groncho (bautizado así por la amiga que se lo regaló, la escritora Luisa Valenzuela). Ahí lo espera un lienzo a medio camino de una pareja de recién casados que es sorprendida por un tsunami en su hotel. Transcurre en Veracruz y ya tiene título, Ex-voto imaginario. "Me encantan las pinturas populares que hay en las iglesias, que también le gustaban mucho a Frida Kahlo. Es expresión del arte popular, imaginaciones sobre situaciones de la vida con una mezcla de humor y tragedia, típico del espíritu mexicano."

También tiene en marcha otra de sus grandes ambientaciones, esta vez de una tapera, que nace de una observación en el río Salí, de Santiago del Estero. "Me interesa ahora la polaridad entre lo urbano y lo rural", adelanta. En las muestras de D'Arienzo siempre hay una pintura que toma cuerpo, gana el espacio y más que escultura, es una instalación habitable, como el carro de cartoneros que se vio en el Museo Sívori, La Cartomaquia del Palais de Glace o la barcaza de Sudestada que ahora se ve en el MADA. En Cuadernos Mexicanos hay una mesita con silla, que bien podría estar en un patio del DF, pero que en la galería de Recoleta invita a sentarse entre flores y pinceles y hacerse un retrato con su pintura Santa Frida.

Esta pulsión escenográfica quizá tenga que ver con el cine, que es su gran pasión. "Soy un pintor narrativo. Trato de no caer en la ilustración, pero sí me dejo llevar por lo cinematográfico. Me interesa mucho el cine, y busco su temática para la pintura. En un cuadro cuento una historia en distintos planos secuencia", dice. "Alguna vez me han acusado de folklorista. Para mí la pintura es una forma de reflexión. Si no, me aburriría. Soy un cineasta frustrado. Para mí una pintura es un storyboard donde imagino una película. Me interesa el diálogo entre arte y cine: Tarkovsky con Brueghel, Pasolini y el Quattrocento; Fellini era caricaturista y se nota en sus personajes. Y en este trabajo sobre México me inspiró un maravilloso estudio de Serguei Eisenstein de 1930, ¡Que viva México! Generó una iconografía de uso plástico que después retomaron muchos mexicanos, como el fotógrafo Gabriel Figueroa. Me gusta mucho también la pintura de Julio Galán, que es como un Almodóvar que pinta..." Claro que lo suyo es y será la pintura: "Me dedico a la pintura. Soy figurativo. Y como no puedo escribir ni puedo filmar, pienso sobre lo que me rodea, que es la sociedad argentina".

Perfil de artista

Miguel D'arienzo

 

ARTISTA

Nació en Buenos Aires en 1950. Expuso en México, España, Madrid, Bruselas y Perú. Durante 10 años integró los remates de arte latinoamericano de Christie's, en Estados Unidos

Cuadernos Mexicanos

La muestrá está colgada en la galería Isabel Anchorena, Libertad 1389, hasta el 3 de agosto|

Visitas al MADA

Para conocer su taller hay que comunicarse por el correo mada@mada-darienzo.com.ar o al teléfono 4383-2739.

Arte y México

A propósito, el Cine Amigos del Bellas Artes tiene en cartel el ciclo Luis Buñuel en México, www.cine.aamnba.org.ar.
Fuente: lanacion.com

POLESELLO:RETRATO DEL ARTISTA QUE SE ADELANTÓ A TODAS LAS ÉPOCAS

Universos visuales / Homenaje a un maestro

A un año de su muerte, Malba presentará el jueves 120 obras fundacionales de su larga carrera

   El efecto multiplicador de las placas de acrílico talladas, marca registrada de Polesello  Foto: LA NACIÓN / Fernando Massobrio

Por Celina Chatruc / La Nación

Parecía una estrella de Hollywood. Como un Al Pacino criollo, a los 30 años Rogelio Polesello posaba para las revistas con mirada seductora, recostado sobre un sillón inflable en el living de su casa, o junto a dos modelos que asomaban entre coloridos objetos de acrílico. Apenas una parte de la extensa producción de arte óptico que lo hizo famoso a nivel internacional, y que ya integraba colecciones de importantes museos como el MoMA y el Guggenheim de Nueva York.

Con esas imágenes se encontraron Verónica Rossi y Josefina Barcia cuando abrieron decenas de cajas en la casa de Belgrano donde el artista trabajó hasta su muerte, el año pasado. El equipo enviado por el Malba preparaba entonces la muestra antológica que el museo porteño inaugurará pasado mañana, con las obras fundacionales de una carrera que abarcó más de cinco décadas.

"A los 20 años ya era considerado un niño prodigio por los principales críticos de la época", dice a LA NACION la curadora Mercedes Casanegra en la primera sala del recorrido, que sorprende con los trabajos menos conocidos de Polesello. Aquellas témperas, tintas, óleos y monocopias con formas geométricas que realizó a fines de la década de 1950, recién egresado de la Escuela Nacional de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón. Es evidente su admiración de entonces por Victor Vasarely, padre del Op Art, a quien Jorge Romero Brest dedicó una muestra en el Museo Nacional de Bellas Artes en 1958.

"Esa época estuvo marcada por el furor del informalismo, el pasaje entre la modernidad y la contemporaneidad. Pero estas obras ya son contemporáneas", opina Casanegra mientras avanza hacia un imponente mural nunca antes exhibido. Realizado entre 1960 y 61, Signos de arena permaneció hasta ahora en la casa de San Telmo del arquitecto Antonio Morello, radicado en Nueva York.

     La audacia en el uso del color, otro de sus sellos  Foto: LA NACIÓN / Fernando Massobrio

 

"Mientras colegas como Kenneth Kemble y Luis Wells integraban trapos o elementos de metal en las obras, Polesello usó chapas como matrices para crear tramas con la pintura", señala Victoria Giraudo, coordinadora ejecutiva de curaduría del Malba, en el segundo sector de esta muestra destinada a jerarquizar a uno de los principales artistas argentinos. En esa misma línea, el museo fundado por Eduardo Costantini dedicó sus principales salas a Víctor Grippo, Oscar Bony, Marta Minujín y Antonio Berni, entre otras figuras clave.

Vestido de negro y con zapatillas deportivas flúo, Agustín Pérez Rubio entra ahora como un torbellino y se disculpa con acento español por su paso fugaz mientras supervisa los últimos detalles de una producción que demandó casi tres años y que incluirá un libro/catálogo de 400 páginas. El director artístico del Malba parece entusiasmado con el legado que heredó de la gestión anterior, a cargo de Marcelo Pacheco.

Los nervios irán in crescendo hasta horas antes de la inauguración, cuando lleguen desde Bogotá las piezas que completarán las 120 provenientes de colecciones privadas y de otros museos como el Nacional de Bellas Artes (MNBA) y los de Arte Moderno (Mamba) y Contemporáneo (Macba) de Buenos Aires. Y no cederán hasta el cierre de la muestra, el 12 de octubre, ya que está prevista una convocatoria similar a la lograda con las de Andy Warhol, Julio Le Parc y Yayoi Kusama.

Una vez más, las redes sociales jugarán un papel clave. Acompañadas por el hashtag #polesellojoven, seguramente se viralizarán en segundos las imágenes de rostros deformados por los acrílicos transparentes, creados por un hombre que consideró fundamental la participación del espectador en su obra. Y que apeló a los efectos ópticos para multiplicar los puntos de vista, sin discriminar técnicas ni materiales. Desde tapices hasta anillos, tapas de revistas de tejido o murales de gran escala en lugares públicos, Polesello exploró todos los caminos que pudo guiado por su talento y una curiosidad insaciable, sin abandonar jamás su primer amor: la pintura.

   Detrás, la pintura: un amor que el artista nunca abandonó  Foto: LA NACIÓN / Fernando Massobrio

"A diferencia de Noé, no le interesaba teorizar. Era un intuitivo absoluto", recuerda Casanegra. Presente en casi todas las inauguraciones de sus colegas, hasta sus últimos días mantuvo el interés por adaptarse a los nuevos tiempos. A los 30 años ya parecía haber encontrado la fórmula del éxito, luego de que el premio Esso y su participación en la Bienal de San Pablo le abrieran las puertas de una carrera internacional. Entonces llegó el acrílico, y "Pole" saltó al vacío.

El efecto "ojo de pez" que encontró en el material importado lo llevó a realizar objetos que dialogaran a su vez con otras obras. Una de sus lupas, colocadas sobre El matrimonio Arnolfini de Jan Van Eyck, suma una profundidad infinita al espejo pintado en el siglo XV por el pintor flamenco.

En esos detalles se detuvo Casanegra al preparar esta exposición, que tuvo en cuenta los deseos del propio artista. Por ejemplo al abrir un hueco en la pared de la última sala, para que una de sus obras funcionara como una ventana al exterior.

"Él concebía las placas de acrílicos como arte, aunque después la gente las usara como puertas. En la continuidad de su búsqueda artística abrió el concepto de obra", explica la curadora, parada en el núcleo final de la muestra. Allí donde se reúnen las piezas escultóricas de colores más vivos, y donde el reflejo de su imagen parece reproducirse hasta el infinito.

Los lisérgicos años 70 dejaron su huella en estas obras que Polesello realizó con su hermano Osvaldo. Había pasado poco más de una década desde aquellas témperas sobre papel inspiradas en Vasarely. El artista había madurado y, sin embargo, parecía cada vez más joven.

Polesello joven

1958-1974

Inaugura: jueves 25 de junio a las 19, con entrada gratis

Cierra: 12 de octubre

Dónde: Malba (Av. Figueroa Alcorta 3415)

Redes sociales

Imágenes de la muestra se compartirán con el hashtag #polesellojoven. En Instagram y Facebook ya se puede seguir el montaje día a día.

Fuente: lanacion.com

SUSANA BOMBAL SEGÚN JORGE LUIS BORGES

                                                   La escritora Susana Bombal, 1902-1990

                                                        SUSANA BOMBAL

                                                        Alta en la tarde, altiva y alabada,
                                                        cruza el casto jardín y está en la exacta
                                                        luz del instante irreversible y puro
                                                        que nos da este jardín y la alta imagen
                                                        silenciosa. La veo aquí y ahora,
                                                        pero también la veo en un antiguo
                                                        crepúsculo de Ur de los Caldeos
                                                        o descendiendo por las lentas gradas
                                                        de un templo, que es innumerable polvo
                                                        del planeta y que fue piedra y soberbia,
                                                        o descifrando el mágico alfabeto
                                                        de las estrellas de otras latitudes
                                                        o aspirando una rosa en Inglaterra.
                                                        Está donde haya música, en el leve
                                                        azul, en el hexámetro del griego,
                                                        en nuestras soledades que la buscan,
                                                        en el espejo de agua de la fuente,
                                                        en el mármol de tiempo, en una espada,
                                                        en la serenidad de una terraza
                                                        que divisa ponientes y jardines.

                                                        Y detrás de los mitos y las máscaras,
                                                        el alma, que está sola.

                                                                                          Jorge Luis Borges

ALEMANIA:SUBASTAN UNA POSTAL CON UN DIBUJO DE PICASSO POR U$S 188.000

Se trata de un récord de precio para un objeto de este tipo. El pintor la envió en septiembre de 1918 a su amigo, el poeta Guillaume Apollinaire, aunque la tarjeta nunca llegó a destino

      Pablo Picasso

Una tarjeta postal con un dibujo de Pablo Picasso se vendió este sábado por 166.000 euros -unos 188.400 dólares-, en una subasta en Alemania, anunciaron los organizadores de la venta.

El importe es un "récord mundial para una tarjeta postal", asegura en un comunicado la casa de subastas Gärtner, con sede en Bietigheim-Bissingen, cerca de Stuttgart, en el sur de Alemania.

El comprador, un "coleccionista del otro lado del Atlántico", según el comunicado, consiguió la postal por teléfono. La subasta, muy reñida, había comenzado con un precio de 100.000 euros.

El ganador prometió 166.000 euros y pagará más de 200.000 euros si se incluyen las comisiones.

La postal, que muestra una vista aérea de Pau, en el suroeste de Francia, fue enviada por Picasso el 5 de septiembre de 1918 a su amigo, testigo de boda y célebre poeta Guillaume Apollinaire. Pero en lugar de escribir unas líneas en el dorso, el pintor español hizo un dibujo "que se puede incluir en su serie cubista 'La naturaleza muerta'", explica Gärtner, que hizo autentificar la obra.


Fuente: infobae.com

PALACIO LELOIR, LA PERLA DE RETIRO

Secreta Buenos Aires. 

Lo diseñó el arquitecto Alejandro Christophersen en 1905 y en 1944 fue comprado por el Circolo Italiano: tiene un restaurante.

Elegancia: la residencia de Libertad 1264, hoy Circolo Italiano. (Emmanuel Fernández)

Eduardo Parise

En el país y en Buenos Aires, el apellido Leloir está asociado a Luis Federico, ese científico argentino que, en 1970, fue galardonado con el premio Nobel de Química. También con la fundación que lleva su nombre. Pero en la Ciudad hay una construcción que suele pasar desapercibida dentro de la geografía porteña: el Palacio Leloir. Construido en la primera década del siglo XX, es una perla del barrio de Retiro que, con su historia centenaria, pudo eludir el escaso criterio de quienes suelen proponer demoliciones en nombre de la modernidad.

La hermosa residencia está en Libertad 1264 y en el frente todavía luce una artística reja que separa la calle con lo que en la tradición francesa se conocía como el patio de honor. Es decir: un jardín con entrada para carruajes que era una especie de antesala para llegar al palacio propiamente dicho. Entonces allí se destaca la gran fachada de estilo academicista francés (se nota su composición simétrica) con toques del Art Noveau que se delata en las columnas y la marquesina. El diseño estuvo a cargo de Alejandro Christophersen (Cádiz, 1866/Buenos Aires, 1946) por un pedido que, en 1905, realizó Isabel E. de Ocampo. Sin embargo, en 1914, aquella obra fue comprada por el matrimonio que formaban Antonio Leloir y Adela Unzué.

Leloir y Unzué se habían casado en agosto de 1900 en una gran ceremonia realizada en la iglesia de La Merced. De ese matrimonio nacieron cuatro hijos: Adela, Clara, Mercedes y Antonio. El palacio consta de planta baja y dos pisos. En su origen, la planta alta albergaba los dormitorios y tanto los salones como esos sectores están decorados con el estilo típico de esos tiempos: cielorrasos con molduras, mármoles y pisos de roble. Todos los herrajes y ornamentos son de bronce.

En 1944, la residencia fue comprada a la viuda de Leloir por el Circolo Italiano di Buenos Aires para instalar allí su sede. El club, fundado en 1873, cuando la colonia italiana en la Argentina ya superaba los 200.000 ciudadanos, lo compró después de vender su sede anterior que estaba en Florida casi Corrientes. Fue la última mudanza después de haber recorrido otros seis lugares anteriores en edificios alquilados. Lejos de despreciar el magnífico edificio, los nuevos propietarios lo revalorizaron dándole brillo a las arañas de cristal, los mármoles y la boiserie hecha con maderas nobles. También actualmente resalta la biblioteca con vitrinas, en donde se guardan diccionarios y enciclopedias históricas vinculadas con la cultura italiana.

Un párrafo aparte merece el Circolo Massimo, un restaurante especializado en alta cocina italiana que desde hace unos años funciona en la planta baja de la misma residencia. A la magia del edificio (donde se conserva desde el estaño original de la barra del bar hasta la espectacular vista al jardín que está en la parte de atrás del palacio, con un árbol centenario), se le suma lo que los artísticos cocineros llaman “el recorrido sensorial por las tentaciones de cada región italiana”. En ese desfile de sabores es obvio que la vedette son las pastas, aunque las carnes, los embutidos típicos y los quesos no se quedan atrás. También tienen salones para reuniones empresariales y fiestas sociales.

Desde mayo de 2008 el majestuoso edificio del Circolo Italiano fue declarado Sitio de Interés Histórico y Cultural, algo que tal vez Alejandro Christophersen nunca imaginó cuando lo diseñaba.

Y es probable que tampoco lo haya pensado al planificar muchas de las magníficas obras arquitectónicas que su talento creativo dejó en Buenos Aires. La lista incluye muchas residencias (como el Palacio Anchorena, actualmente sede de la Cancillería Argentina, en Arenales 761), edificios públicos (como el de la Bolsa de Comercio, inaugurado en 1916) o la impactante Basílica de Santa Rosa de Lima, en la avenida Belgrano y Pasco. En la construcción (se inauguró en 1934) se destaca una imponente cúpula central revestida en cobre y sostenida por un círculo interior con dieciocho columnas de mármol verde.
Pero esa es otra historia.


Fuente: clarin.com