CALIDAD Y PRECIO:EL ARTE DE AMÉRICA LATINA BUSCA ENAMORAR A NUEVA YORK

Empezó Pinta, la feria de arte moderno y contemporáneo de la región. Se presentan propuestas audaces, en plena época de subastas millonarias en la ciudad

Un símbolo de nuestro tiempo. La “disección” del dólar en el espacio, una obra del argentino Emiliano Miliyo, a pasitos de Wall Street. /PINTA

Ana María Battistozzi
Nueva York - Especial
 

La semana despuntó con la noticia de los 142,4 millones que se pagaron la noche del martes en Christie’s por los tres estudios de Lucien Freud que pintó Francis Bacon en 1969. La suma empinó en 30 millones el récord que marcó el año pasado El grito de Munch. Le siguió el Balloon Dog, escultura de acero de Jeff Koons que alcanzó 58,4 millones y esta semana marcó la suma más alta pagada hasta ahora por un artista vivo.

No se equivocó Diego Costa Peuser, el director de Pinta, la feria de arte moderno y contemporáneo latinoamericano de New York, en hacerla coincidir con los remates neoyorquinos de otoño.

La semana próxima será el turno del arte latinoamericano y muchos de los pesos pesado del coleccionismo de la región ya están aquí. Habrá que ver si comparten el espíritu comprador, aunque todo el mundo es consciente de la diferencia en cifras. Justamente, quizás resida allí el atractivo de Pinta; arte de calidad a precios todavía accesibles.

La agenda comenzó con visitas a estudios como el del argentino Fabián Marcaccio, que exhibirá el próximo año en la colección Daros de Brasil, o al Balcony del Metropolitan, espacio de acceso restringido donde se exhibe una instalación de Nicola López, una de las artistas que está en Pinta. La estrategia busca pone, en contexto a los artistas que participan.

Al promediar la tarde de ayer, los dos pisos del espléndido loft de 15 mil metros cuadrados de la calle Mercer, en pleno Soho neoyorquino se fue colmando de figuras del mundo del arte: artistas coleccionistas y gente de negocios. En los pasillo de la feria se vio entre otros a Solita Mishaan, coleccionista de Kuitca, al matrimonio Adler –importantes coleccionistas de Houston– y a Lili Scarpetta, de Colombia. También a Marta Minujin, a Facundo Gómez Minujin –hasta hace poco presidente de ArteBA– y a Alan Faena.

Más de 60 galerías de Estados Unidos, Europa y América latina se reunen en esta séptima edición para presentar 300 artistas. Ya consolidada, la feria se aventura con novedades. Básicamente, un diseño a cargo de profesionales como José Roca, asesor de arte Latinoamericano para el museo inglés Tate, Cecilia Fajardo Hill, ex colección CIFO de Miami y Museo de Arte Latinoamericano de Los Angeles, y Octavio Zaya, curador español con amplia trayectoria en Latinoamérica. Todos fueron convocados por su trabajo en el p osicionamiento del arte latinoamericano en Europa y los Estados Unidos.

Esto se completa con un programa de conferencias que tiene el apoyo del Ministerio de Cultura de la Ciudad de Buenos Aires, que además presenta aquí un espacio con una instalación del artista Emiliano Miliyo (1970) y obras de Karina El Azem (1970). Las obras de ambos tienen como referencia el ADN. Lo de Miliyo es una “disección” del dólar en el espacio, según el autor ”uno de los símbolos más pregnantes de nuestro tiempo”. Lo de El Azem es una serie de retratos llamada Inocence Project: refiere a pruebas de ADN que permitieron liberar a condenados por crímenes que no cometieron.

La sección curada por Cecilia Fajardo Hill bajo el título de Moderno articula trabajos de maestros consagrados por la modernidad latinoamericana con artistas conceptuales como las argentinas Margarita Paksa y, Marie Orensanz. En su selección, que incluye entre otras a Ana Mercedes Hoyos y Delia Cancela, hay una fuerte presencia de mujeres aunque su conjunto está lejos de ser una aproximación “de género”.

El capítulo que curó Roca fue auspiciado por Arcos Dorados y la argentina Erica Roberts, miembro del board de la Tate. Su título, Emerge: artistas muy jóvenes.

Luego hay una sección de Video que curó Octavio Zaya; y el proyecto Contemporáneo, ideado por el curador Ian Cofre partir de las galerías Arte x Arte de argentina, PanAmerican Projects de los Estados Unidos, Caja Negra, Walter Otero y Alfredo Ginochio. Aquí están las galerías de Estados Unidos más conocidas por representar a artistas de Latinoamérica. Cecilia de Torres de Nueva York, Alexandra von Hartz de Miami y Sammer Gallery, entre otras.

Fuente: Revista Ñ Clarín

PROMETEO, UNA EXPERIENCIA ESTÉTICA POR LA EMANCIPACIÓN DEL SONIDO

El Teatro Colón presenta en calidad de estreno latinoamericano Prometeo, tragedia dell'ascolt, obra cumbre del compositor veneciano Luigi Nono . Un esfuerzo titánico y una puesta novedosa con el público rodeado por los músicos

EXPERIENCIA. En el Prometeo de Luigi Nono la música llega a los oídos del público desde distintos lugares del Teatro Colón. PRENSA TEATRO COLON / MAXIMO PARPAGNOLI

Por Gustavo Fernández Walker

El nombre mismo es ya una señal de algo osado y monumental. Prometeo era el nombre del titán que entregó a los hombres el fuego robado a los dioses. El Prometeo moderno bautizó Mary Shelley a su Frankenstein, dispuesto a descubrir nada menos que la llama de la vida. Y Prometeo, tragedia dell'ascolto es el nombre de la obra cumbre del compositor Luigi Nono (Venecia, 1924-1990), una ópera asombrosa y genial que este fin de semana podrá escucharse en el Teatro Colón, con el esfuerzo conjunto del Ciclo de Conciertos de Música Contemporánea del Teatro San Martín y Colón Contemporáneo y en calidad de estreno latinoamericano.

Y la palabra clave es, en efecto, "escuchar". El propósito de Nono es nada menos que "liberar" la escucha del habitual sometimiento a la visión, al movimiento. Crear un ámbito en el que los sonidos mismos constituyen el drama. La obra fue estrenada en Venecia en 1984, en una vieja iglesia "secularizada", en la que el arquitecto Renzo Piano, siguiendo las indicaciones de Nono, diseñó una imponente estructura de madera en la que público e intérpretes estaban dispuestos de una manera particular, pensada especialmente para provocar un nuevo tipo de experiencia musical. El texto de la obra fue creado junto al filósofo Massimo Cacciari, a partir de textos de Esquilo, Hesíodo, Sófocles, Rilke y Walter Benjamin, entre otras fuentes. La música llega a los oídos del público desde distintos lugares de la estructura: uno se encuentra rodeado, sumergido en los sonidos generados por los diversos grupos instrumentales, recitadores, coro, solistas y parlantes en los que el sonido se procesa en tiempo real.

La estructura diseñada por Renzo Piano parecía una enorme nave, y funcionaba a la vez como sala y como caja de resonancia. El resultado de la aplicación conjunta de técnicas de construcción naval y de luthería. El proyecto original contemplaba la posibilidad de trasladar la estructura a los lugares en los que se hicieran nuevas representaciones, pero un año después del estreno, para la presentación en La Scala de Milán, en 1985, Nono cambió de idea: además de una serie de modificaciones a la partitura, los enormes costos de producción que implicaba el traslado del espacio original lo convencieron de imaginar las sucesivas presentaciones adaptadas a los lugares en los que se llevarían a cabo. Así se estrenó la obra en Frankfurt, París, Bruselas, Londres y Berlín. Y así, también, llega ahora al Teatro Colón, este fin de semana (sábado a las 20.30 y domingo a las 17.00), a cargo de grandes artistas cuya enumeración ocuparía toda esta página: así de "titánico" es el esfuerzo que implica la producción de este Prometeo.

Para dar una idea de todo el trabajo que hay detrás de la obra, baste mencionar que los preparativos comenzaron hace más de un año. Así lo cuenta André Richard, el encargado de todas las sucesivas "reencarnaciones" de la obra en diversas salas del mundo: "hicimos una especie de scanner del Colón, para tomar como punto de partida la estructura del teatro. Es un desafío, similar a lo que nos ocurrió en La Scala en 1985: un teatro consagrado a la ópera, una arquitectura centenaria en la que el público está acostumbrado a tener a los músicos de frente, sobre el escenario. Pero la idea de Nono es cambiar todo esto: el público está ahora en el centro, rodeado de los músicos, a los que hay que ubicar en diversos grupos en los palcos, a diversas alturas".

TELEDIRIGIDOS. Los músicos tocan también en los palcos, y siguen al director a través de pantallas. PRENSA TEATRO COLÓN / MÁXIMO PARPAGNOLI

-¿Cuánto cambia la obra, entonces, en cada nueva representación?

-Cuando Nono concibió esta partitura, tenía en mente una cierta concepción del espacio, plasmada en la estructura de madera de Renzo Piano. Pero para el segundo estreno, en La Scala, se hicieron muchas modificaciones. Uno puede intervenir en el espacio de una cierta manera, pero hay una relación entre la orquesta, los solistas y la electrónica que corresponde a la concepción original de la obra y que no se puede modificar. Después de mucho trabajo, encontramos la solución para el Teatro Colón, y debo decir que estoy fascinado por el sonido de la sala. No sólo por lo que llega desde el escenario, sino por cómo suenan los instrumentos fuera de la caja acústica. Me sorprendió lo bellos que son los sonidos interpretados desde los palcos. Es verdaderamente un milagro.

-Hay una suerte de paradoja: los procedimientos para lograr la "emancipación" del sonido respecto de la vista son tan novedosos que es difícil no sentir el deseo de observar cómo son generados.

-Pero eso es así porque nosotros no podemos separar la escucha de la vista. En esta tragedia dell'ascolto, precisamente, lo que se busca es reducir al mínimo el movimiento, los decorados, todo aquello que no sea el sonido mismo. Pero si uno piensa en la estructura original de Piano, eso se lograba mediante una verdadera experiencia estética, condicionada por la arquitectura. En cierto modo, esa influencia de la arquitectura en lo sonoro tiene un antecedente en Bayreuth: cuando Wagner escribe una ópera especialmente para ese teatro, como Parsifal, modifica su escritura completamente.

-Las dimensiones de Prometeo son, también, "wagnerianas"...

-En el caso de Nono, creo que tiene que ver con el hecho de que se trata de una personalidad profundamente identificada con su ciudad. Nono es veneciano, y en Venecia el tiempo es completamente diverso respecto de otras ciudades. Por lo pronto, no hay autos. Hay que caminar, atravesar puentes, ocasionalmente tomar un vaporetto... Los desplazamientos son mayores, toman más tiempo, demandan más energía. Y la música de Nono es así, especialmente en sus últimas obras. Tienen una concepción del tiempo totalmente diferente de la habitual: Prometeo tiene un ritmo que, para mí, es "veneciano". Hay gente que se desespera porque parece que transcurre un tiempo larguísimo y que no pasa nada. No puedo hablar por los otros, pero una vez que una persona acepta esta nueva situación de la escucha puede tener una experiencia completamente extraordinaria, fuera de lo normal. Se produce una suerte de epifanía, y eso lo noté en todos los lugares en los que se hizo esta obra. Todos terminan absolutamente fascinados.

AGENDA:

Teatro Colón. Cerrito 628

16.11.2013 • 08:30 pm
17.11.2013 • 05:00 pm

Fuente: Revista Ñ Clarín

DESTRUYEN MARFIL CLANDESTINO

Varios colmillos de marfil tallados se amontonan en una plataforma en el Repositorio Nacional de Vida Silvestre, en Rocky Mountain, Colorado, EE.UU., ayer, miércoles 13 de noviembre de 2013.
Son parte de más de 6 toneladas de colmillos de marfil y esculturas por valor de millones de dólares que serán aplastados en la instalación el jueves.
Los artículos fueron incautados a contrabandistas, comerciantes y turistas en los puertos de entrada de Estados Unidos después de una prohibición global sobre el comercio de marfil que entró en vigor en 1989.

Fuente: AP/Ed Andrieski

FUE PREMIADA POR UN DIBUJO Y VIAJÓ A MÉXICO

La cordobesa Milagros Chuquimago, de 10 años, ganó un concurso de pintura infantil sobre el cuidado del agua.

En el cole. Milagros muestra la medalla y el diploma que trajo del Norte.

Córdoba. Corresponsalía Lucas Cruzado

Aunque ya pasaron varias semanas, el primer viaje en avión y la distinción que recibió en México aún perduran en la sonrisa de Milagros. “Fue hermoso. Me encantaron los parques y la calidez de la gente”, le dice a Clarín Educación, tímida, vestida con un impecable guardapolvo blanco.

Esta cordobesa de apenas 10 añitos fue premiada en México gracias a un dibujo que envió para participar del concurso “ Pintura Infantil ” en el marco del programa "Escuelas México", una iniciativa cuyo objetivo principal es apoyar la infraestructura y equipamientos de colegios que llevan el nombre de ese país, sus héroes o ciudades.

“Yo dibujé un hombre sacando basura del agua y escribí algo referido a eso. Se ve que les gustó”, cuenta Milagros Flores Chuquimago, que actualmente cursa quinto grado en el colegio República de México en Córdoba capital. La niña, que representó al país, fue galardonada con una medalla y un diploma junto a 31 jóvenes más de distintos países de América Latina. “Fueron cuatro días increíbles en los que aprendimos muchísimo. Conocimos lugares con historia y mantuvimos un intercambio cultural impresionante”, explica Bibiana Flores, la directora de este modesto colegio público, que acompañó a la pequeña debido a que sus papás no podían hacerlo.

El certamen tuvo como temática el cuidado del agua, en coincidencia con la designación de la UNESCO del año de la cooperación internacional en esa esfera, decidida por la Asamblea General de Naciones Unidas en 2010. “Nosotros mandamos unos 100 dibujitos”, aclaró la directora del colegio que tuvo sus inicios dentro de un vagón de tren y que el pasado 16 de septiembre –en coincidencia con la fecha de la independencia mexicana– festejó sus 53 años de vida.

Durante la estadía en el país del norte, que se inició el 8 de julio y cuyos gastos fueron costeados por la embajada de México, Milagros y Bibiana pudieron conocer museos y universidades, entre otros lugares. “Quedamos sorprendidas por el compromiso que nos demostraron”, dice la directora de 44 años.

Además de los concursos “Pintura Infantil” y “Mejor Alumno de Sexto Grado”, este año la Embajada de México en Argentina distribuyó más de 10 mil dólares a las distintas Escuelas México del país.

Fuente: clarin.com

SUBASTARON UN DIAMANTE ROSA A UN PRECIO RÉCORD DE US$ 83 MILLONES

Se trata de el Pink Star de 59,60 quilates. Se convirtió en el diamante más caro de la historia.

El diamante Pink Star batió el récord al ser subastado en Ginebra, Suiza. (REUTERS)

El diamante rosa de 59,60 quilates llamado “Pink Star” se convirtió en el más caro del mundo jamás vendido, luego de que lo subastaron en Suiza por 83 millones de dólares.

Fue vendido por 73,9 millones de dólares (55,1 millones de euros), importe que se eleva a 83,2 millones (62,3 millones de euros) al agregarse los impuestos y comisiones que el comprador tendrá que pagar, según informó la casa de subastas Sotheby's.

David Bennett, presidente de la división joyería para Europa y Medio Oriente de la casa bajó el martillo tras cinco minutos de dura puja en un hotel de Ginebra.

Esta piedra preciosa se convirtió así en el diamante más caro jamás vendido en una subasta. Hubo unos 250 personas presentes en la sala.

El mismo tiene un color rosa intenso ("fancy vivid pink"), su forma es ovalada y es completamente puro y destronó así al “Graff Pink”, de 24,78 quilates que alcanzó los 46,2 millones de dólares en 2010.

La casa vendedora había valorado este diamante en 60 millones de dólares y el precio con el que empezó la puja fue de 52 millones.

El mes pasado, un diamante blanco de 118,28 quilates fue subastado por más de 30 millones de dólares, en lo que fue el récord mundial para esta variedad de piedra preciosa. Sin embargo, aún no pueden competir con los valores que alcanzan los diamantes rosas.

El diamante Pink Star batió el récord al ser subastado en Ginebra, Suiza. (AFP)

 Fuente: clarin.com

SUBASTARON EN NUEVA YORK EL WARHOL MÁS CARO DE LA HISTORIA

Pagaron US$ 105,4 millones por el cuadro “Silver car crash”.

De remate. La obra del estadounidense Warhol, expuesta en Sotheby’s./AFP

Otro récord en el mundo de las artes: anoche, durante la subasta de arte contemporáneo en la galería Sotheby’s de Nueva York, se vendió un cuadro de Andy Warhol en 105,4 millones de dólares. La obra titulada “Silver Car Crash (Double Disaster)” es la más cara de todas las que realizó el artista estadounidense, fallecido en 1987.

“Este es mi favorito”, dijo el moderador de la subasta de Sotheby’s cuando anunció el inicio de la puja. Aunque los organizadores de la subasta tenían la sensación de que esa iba a ser una jornada con precios récord, sus estimaciones quedaron cortas debido a que creían que el cuadro se iba vender por unos 80 millones de dólares, 25 millones menos.

La obra récord es una serigrafía con espray sobre un lienzo de 2,67 metros de alto por 4,17 metros de ancho. Es el más grande y oscuro que el artista realizó en toda su carrera. En el cuadro, que fue realizado en 1963 y que forma parte de la serie denominada “Death and disasters” (Muerte y desastres), se aprecian en el lado izquierdo múltiples imágenes de un auto plateado chocado, mientras que a la derecha solo se ve un fondo gris.

“Silver Car Crash (Double Disaster)” ha pasado por varias manos antes de este remate: primero perteneció a la galería Gagosian, luego fue adquirido por los italianos Beatrice Reineri y Gian Enzo Sperone y después fue propiedad del famoso galerista suizo Brono Bischofberger.

Ayer, también se subastaron otras obras del gurú del Pop Art, como el colorido retrato a Liz Taylor, que se vendió por “solo” 20,3 millones de dólares, quedando por debajo de las estimaciones de la casa de subastas.

Otras obras del creador de la frase “Todo el mundo merece sus 15 minutos de fama” que salieron a la venta anoche fueron “Flores” (11,4 millones de dólares), “Cinco muertes en turquesa” (7,3 millones), “La estatua de la libertad” (3,2 millones), “Camuflaje” (2,8 millones) y “Round Jackie” (1,05 millones).

De esta manera, Warhol se sumó a la fiebre de los precios desorbitados en subastas, que el martes convertía al tríptico “Three Studies of Lucien Freud” (Tres estudios de Lucien Freud), del pintor irlandés Francis Bacon, en el cuadro más caro jamás subastado al alcanzar los 142,4 millones de dólares.

En la subasta de anteayer, que fue realizada por la casa Christie’s en Nueva York, también salieron a la venta otras obras de Warhol que alcanzaron precios desorbitantes, como su cuadro dedicado a Coca Cola que fue comprado por 57,3 millones de dólares y “Mercedes-Benz W 196 R Grand Prix Car”, que alcanzó el precio de 11,5 millones de dólares.

Fuente: clarin.com

LOS DETALLES EXTREMOS DE RON MUECK

Viene de una familia de fabricantes de muñecas y con sus gigantes cultiva un extraño realismo a gran escala. El sábado abre la primera muestra en Sudamérica del artista australiano.

Pareja debajo de una sombrilla. Una de las nueve esculturas gigantes de Mueck que decoran Proa. EMILIANA MIGUELEZ

Por Mercedes Pérez Bergliaffa

Al contrario de lo que pasa con las grandes figuras del arte internacional, al australiano Ron Mueck (Melbourne, 1958) no le gusta el llamado “mundillo del arte” y tampoco hablar sobre su obra. “Lo único que quiere respecto al arte es estar en su taller trabajando”, explica amablemente Grazia Quaroni –curadora italiana de la Fondation Cartier de París y de la muestra que Mueck inaugurará el sábado en la Fundación Proa. Allí se expondrá la espléndida Ron Mueck; y será la primera vez que sus trabajos se muestren en América del Sur.

En Proa, las nueve esculturas de Mueck (lleva hechas nada más que 40) representan figuras de personas, salvo una que es la de un pollo a medio degollar y desplumado y se llama Naturaleza muerta, igual que el género típico de la historia del arte. La diferencia es que está presentado de forma insólita: a escala gigante, en formato escultura y con detalles innumerables.

Más tarde la curadora dirá que, para un artista como Mueck, que presta tanta atención a las pieles, que trabaja con un nivel de observación extremadamente incisivo, poder realizar la piel de un pollo a una escala tan grande es una celebración. Y justamente lo que intriga, impresiona e interpela en esta muestra es el nivel de detalle extremo. Las obras de personas parecen más reales que la realidad misma: tienen canas, grosores y pesos; las pieles tienen venas, arrugas y callos, y hasta cierta rosácea, ojeras, colgajos que demuestran el paso del tiempo y pliegues nada compasivos. “Claro que esto no se trata de hiperrealismo, no tiene que ver con esa corriente artística. Para eso, las esculturas deberían tener una escala 1 a 1; y éstas no la tienen”, explica Quaroni. Pero si esto no es hiperrealismo, ¿entonces qué es? “Es una forma de realismo muy rara que pocos artistas en el mundo realizan”, explica la curadora. Sus primeros trucos los aprendió con su familia, tradicionales fabricantes de muñecas.

Ahora, sus muñecos son más grandes y la escala es precisamente un aspecto fundamental de su obra. Sus hombres y mujeres son, o gigantes, o muy pequeños: uno –parado al lado- puede ser una hormiga o lo opuesto, un Goliat.

El primer trabajo de la exposición es Máscara II; y es una de las obras más antiguas del artista. Fíjese que tiene un solo costado y que además, está hecha en resina –una materia dura– mientras que para el resto de las obras Mueck usó silicona –un material mucho más flexible, semejante a una goma. “Esa primera máscara de Mueck podría ser un autorretrato, aunque el artista no lo considera así”, explica Quaroni. “En realidad, ninguno de los personajes de la exposición son una persona determinada sino alguien que el artista imaginó. Aunque a veces pueden estar basados en la realidad”.

El hombre en el bote – Deriva – pareciera ir hacia el fin de todo lo existente. La pareja anciana, gigante, ubicada en medio de la sala – Pareja debajo de una sombrilla –, no se abraza: se agarran por el brazo. Ella tiene anillo, él no. “Estas esculturas actúan como disparadores de historias: significan todo lo que cada uno de ustedes se imagine”, cuenta Quaroni. La mujer con el bebé: ella mira al frente; y el bebé la mira a ella, sin respuesta.

Muy pocas veces –o quizás, nunca más– podrá ver una exposición tan movilizante e impresionante como ésta. Vaya a Proa. Reconózcase a sí mismo en estas personas supra-reales . Y observe un detalle que no es nada menor: ninguna de ellas, nunca, a pesar de toda su realidad, lo mirará directamente a los ojos.

Agenda

Ron Mueck

Cuándo: Hasta el 23 de febrero, de martes a domingo, de 11 a 19.

Lugar: Fundación Proa (Av. Pedro de Mendoza 1929)

Entrada: Público general $15. Docentes y estudiantes $10. Jubilados $5. Martes, gratis.

Fuente: Revista Ñ Clarín