SUBASTA DISPERSARÁ EN SUIZALA COLECCIÓN NEUMANN DE ART NOUVEAU

Nueve años después de un robo en el cual desaparecieron 15 obras valiosísimas del vidriero Emile Gallé, el resto de la colección Art Nouveau de la familia Neumann, que vivió más de dos décadas en Venezuela, será subastado a fines de abril en su castillo medieval de Gingins, cerca del Lago Leman, en Suiza.

Nueve años después de un robo en el cual desaparecieron 15 obras valiosísimas del vidriero Emile Gallé, el resto de la colección Art Nouveau de la familia Neumann, que vivió más de dos décadas en Venezuela, será subastado a fines de abril en su castillo medieval de Gingins, cerca del Lago Leman, en Suiza. "Hemos recibido manifestaciones de interés de coleccionistas en Alemania, Gran Bretaña y Francia", declaró el miércoles a la prensa Bernard Piguet, director del Hôtel des ventes de Ginebra, que dispersará el mobiliario del castillo el 27 de abril.
Los 500 lotes (mobiliario, cuadros, cristalería) propuestos para la venta, incluyendo a las piezas de museo, fueron estimados entre 1 y 1,5 millones de francos suizos (800.000 a 1,25 millones de euros).
La venta fue organizada por los herederos de los propietarios del castillo, ambos fallecidos.
El castillo de Gingins, situado en un parque de 7 hectáreas, fue comprado en 1962 por Lotar y Vera Neumann, una pareja checa, que había emigrado a Venezuela para escapar al comunismo en 1948.
Lotar Neumann (1918-1992) era hijo de un rico industrial judío de Praga y sobrevivió a la guerra bajo una identidad falsa.
En 1948 contrajo matrimonio con una joven compatriota, Vera Neumann (1926-2013) y se instaló con ella en Venezuela.
En ese país la pareja recomenzó a partir de cero, instalando una fábrica de pinturas y colorantes, que fue el origen de su gran fortuna.
Durante el período que vivieron en Venezuela, los esposos Neumann, que extrañaban a Europa, comenzaron a coleccionar afiches Art Nouveau realizados por Alfons Mucha.
Gracias a su buena suerte pudieron comprar poco a poco obras originales.
En 1960 la pareja decidió regresar a Europa y decidió instalarse en Suiza debido a la tranquilidad de ese país.
Los Neumann compraron el castillo de Gingins, una gran construcción medieval en el campo del cantón de Vaud, entre Ginebra y Lausana, y comenzaron importantes obras de restauración, mientras continuaban adquiriendo numerosos objetos de arte.
Lotar Neumann falleció en 1992 a los 74 años. Dos años después, su esposa creó la Fundación Neumann, cuyo objetivo es exponer las piezas principales de la colección de la pareja.
La granja del castillo fue convertida en sala de exposición, abierta varias veces por año.
Fue allí que en octubre de 2004, durante una exposición consagrada a Emile Gallé, los ladrones se llevaron 15 piezas de colección.
En esa época, el valor de las obras hurtadas fue estimado en 4 millones de francos suizos, o sea el cuádruple de la estimación de la venta en subasta. Los ladrones jamás fueron atrapados.
Después del robo, la Fundación Neumann, que efectuaba su última exposición, decidió cerrar prematuramene sus puertas.
Las piezas hurtadas pertenecían en parte a la Colección Neumann, y en parte a museos franceses.

Fuente: AFP

ENCUENTRAN OTRA CABEZA DE MÁRMOL DEL SIGLO IEN LA VILLA ROMANA DE LA SAGRERA

El Ayuntamiento de Barcelona ha presentado hoy una cabeza de mármol de una persona joven que representa el dios romano Bacus, dios de la agricultura, del teatro y del vino, que ha sido encontrada en la villa romana de la Sagrera. EFE

 

Barcelona - Los técnicos que trabajan en la villa romana de la Sagrera de Barcelona han encontrado otra cabeza de mármol, probablemente de entre los siglos I y II dC, de pequeñas dimensiones y que representaría a un anciano calvo y barbudo, que formaría parte de un conjunto escultórico

Según ha informado hoy el Ayuntamiento, esta cabeza, comparándola con otras esculturas parecidas de la época, permitiría identificarla con el dios menor de la embriaguez Sileno, un sátiro que pertenecía al cortejo del dios Dionisio, el equivalente griego del dios Baco.

En julio del año pasado el equipo dirigido por Daniel Alcubierre y Jordi Ardiaca ya encontró en el lugar una cabeza de mármol que representaba a Baco, la primera de estas características que se encontraba en la ciudad.

En este caso, se ha exhumado en la zona de las prensas de vino de la "pars rustica" de la villa, en una sala anexa.

Hasta que no haya un estudio más profundidad de esta cabeza de Sileno, no se podrán ofrecer datos más precisos, aunque la doctora Isabel Rodà considera que se podría datar entre el siglo I y II d.C, la misma cronología que la cabeza de Baco.

Los expertos entienden que este nuevo descubrimiento formaría parte del mismo conjunto escultórico, "asociado a un programa decorativo relacionado con el mundo de la viña y el vino, de tanta importancia en el mundo romano".

Además, la villa de la Sagrera basaba su actividad en el cultivo de la viña y la producción del vino.

La villa romana de la Sagrera era, por los diferentes hallazgos encontrados, un lugar importante, posiblemente de la elite de la Barcino antigua.

Hasta ahora, las pocas piezas escultóricas que se habían recuperado de las excavaciones arqueológicas provenían del rellenado de la muralla romana del siglo IV.

Fuente: EFE

UNA CARTA ESCRITA POR DREYFUS EN LA CÁRCELSALE A SUBASTA EN PARÍS

Una desgarradora carta escrita en 1895 por Alfred Dreyfus, judío francés que fue acusado falsamente de traición y separado del ejército, generando una crisis que dividió durante muchos años a la sociedad francesa, será rematada en París en mayo.

Una desgarradora carta escrita en 1895 por Alfred Dreyfus, judío francés que fue acusado falsamente de traición y separado del ejército, generando una crisis que dividió durante muchos años a la sociedad francesa, será rematada en París en mayo.

Escrita por Dreyfus (1859-1935) un año después de ser condenado por traición, la misiva está dirigida al ministerio del Interior, indicó el miércoles la casa Sotheby's, que rematará la carta el 29 de mayo.

La carta escrita por el capitán de artillería del ejército francés está estimada en entre 100.000 y 150.000 euros (entre 130.000 y 196.000 dólares), indicó un comunicado de la casa de remates, que subraya el gran interés histórico del documento.

"He sido condenado por el crimen más infame que un soldado pueda cometer, y soy inocente", escribió Dreyfus en su celda en la isla de Re (frente a la costa atlántica francesa).

El militar, que fue víctima de un error judicial, en un contexto de antisemitismo y espionaje --que llevó al escritor Emile Zola a publicar su famosa carta "Yo Acuso"--, fue rehabilitado sólo en 1906.

Fuente: AFP

CONCLUYE CON ÉXITO DE PÚBLICO LA EXPOSICIÓN "EL LEGADO DE LA CASA DE ALBA"

Napoleon III de Francia y la Emperatriz Eugenia de Montijo, dos de los cuadros que forman parte de las cerca de 150 piezas, entre pinturas, esculturas, documentos históricos, manuscritos, joyas, mobiliario o trajes, algunas de ellas jamás expuestas, que componen la exposición "El legado de la Casa de Alba" en el Palacio de Cibeles. EFE/Archivo

Madrid - La exposición "El legado de la Casa de Alba" concluye el próximo domingo con un gran éxito de público en el Palacio de Cibeles de Madrid.

Por la exposición, organizada por la Fundación Casa de Alba y el Ayuntamiento de Madrid, han pasado más de 155.000 personas, según han confirmado hoy los organizadores.

Cayetana de Alba en una entrevista a Efe no ocultaba su satisfacción por este éxito y explicaba que "intuía que era algo que interesaba a la gente. Es parte de nuestra cultura".

"El legado de la Casa de Alba" muestra pinturas, esculturas, documentos históricos y manuscritos, piezas arqueológicas, joyas, mobiliario y trajes, que en su mayoría fueron traídos directamente del Palacio de Liria.

Obras emblemáticas como "La duquesa de Alba de blanco", de Goya, o "La Virgen de la granada", de Fra Angelico, así como obras maestras de Tiziano, Murillo, Renoir, Zurbarán o Rubens formaban parte de esta colección.

Una de las actividades más significativas que se han organizado ha sido un ciclo de coloquios celebrado en el Instituto Cervantes con expertos en arte, escritores y cineastas.

Fuente: EFE

CÓMO VIAJAR POR LATINOAMÉRICA SIN SALIR DEL CENTRO

De travesía por distintos países sin abandonar nunca una pequeña sala en el décimo piso de un edificio del centro porteño. Esa es la sensación que nos deja visitar "Compañeros de viaje", la muestra colectiva que se presenta en Fundación Alón.

ISLANDIA. Los faros de Matilde Marín muestran lo humano en la naturaleza.

Por Julia Villaro

De travesía por distintos países, sin abandonar nunca la ciudad de Buenos Aires. Mejor aún: de travesía por distintos países sin abandonar nunca una pequeña sala en el décimo piso de un edificio del centro porteño. Esa es la sensación que nos deja visitar Compañeros de viaje, la muestra colectiva que se presenta en Fundación Alón hasta fines de Abril.

En Chile, en el camino entre Zapallar y Papudo, la artista Teresa Gazitúa ha fotografiado las huellas del cuarzo blanco sobre el granito negro, para grabar las imágenes resultantes en planchas de aluminio compuesto. Un metal –de origen mineral- manipulado por el artificio del hombre, representando la erosión natural de otros minerales a lo largo del tiempo. Visualmente la ambigüedad de las obras puede remitirnos a cadenas montañosas, al mar o a los diversos estratos del suelo, pero su materialidad es contundente. Tanto, que a través de la vista adivinamos su textura árida sobre la piel.

Matilde Marín transita lugares remotos documentando faros. Si la función de estas torres es, a través de su luz, hacerse visibles como guía en la penumbra, la artista argentina toma sus fotografías en el momento justo en que el sol comienza a bajar, pero la oscuridad aún no arrebata el paisaje a la vista. Entonces los faros se ofrecen aquí como contrapunto de factura humana a la naturaleza agreste que los rodea -ya sea el campo, las arenas costeras o el agua misma-. Las imágenes de estas fotografías son tan límpidas que casi respiramos el aire fino de esos crepúsculos.

En el video Jiwasa, Joaquín Sánchez -artista paraguayo que vive entre su país natal y Bolivia- nos muestra dos situaciones a través de un montaje paralelo. A la derecha un grupo de mujeres desarma una bandera boliviana; tira de los hilos que componen su tela hasta desintegrarla por completo, revelando la compleja trama que se necesita para confeccionar el símbolo nacional, metáfora más que elocuente del espeso entretejido de identidades que conforman el estado boliviano –y, por qué no, Latinoamérica-. Mientras tanto, en el cuadro de la izquierda, una multitud se congrega en los campos y peregrina hasta la ciudad. Las imágenes a color de la jornada de proclamación de Evo Morales se fusionan con imágenes de archivo, en blanco y negro –probablemente de marchas anteriores- señalando que la reivindicación identitaria ha sido para esos pueblos una lucha de años.

Mientras observamos las fotografías de Marín, los grabados de Gazitúa y el video de Sánchez, advertimos un canto de pájaro que se mantiene constante, proveniente de la instalación del artista uruguayo Pablo Uribe. La obra, ubicada en la sala contigua, va componiendo en nuestra cabeza una suerte de paisaje sonoro; nos conecta de forma inmediata –qué poder el del sonido- con amaneceres y atardeceres bucólicos. Justo cuando alcanzamos a imaginar al artista echado en el pasto, húmedo por el rocío, registrando esos sonidos a medida que el sol alcanza el cénit o que la tarde cae, llegamos a la sala donde se encuentra la instalación: ahí se comprende la verdadera procedencia de los sonidos y el sentido de la obra cambia radicalmente.

Cuatro artistas latinoamericanos emprendiendo, a través de los caminos del arte, una metafórica travesía, como señala en el catálogo Victoria Verlichak, su curadora. Cuatro formas personales de pensar y representar un territorio son también cuatro formas de estar ahí.

Fuente: Revista Ñ Clarín

CERCA DE LA PESADILLA

Las agobiantes y laberínticas formas arquitectónicas que muestra Jorge Miño en Praxis tienen una doble condición que las acerca a un mal sueño: pesadez y fragilidad. Algo que es imposible no vincular con el clima social de estos tiempos.

SIN TITULO. 2013, impresión digital sobre papel de algodón.

Por Ana Maria Battistozzi

Como primer dato, los trabajos que Jorge Miño expone en la galería Praxis darían la impresión que la arquitectura se mantiene como el sujeto fundamental de sus series fotográficas. Más aún cuando el conjunto propuesto por la curadora Ana Martínez Quijano talla visualmente con el espacio quebrado de la galería, sus diferentes niveles y escaleras. El ámbito parecería activar así un diálogo dirigido a exceder los límites de cada obra en particular o continuar por otros medios el renovado interés del artista por las formas arquitectónicas.

Con todo, tan pronto como el espectador se interna en el limitado universo de ese sistema de relaciones, empieza a advertir algo levemente distinto. Que no se revela en las inéditas relaciones con el espacio real que impone la presencia a escala mural de la perspectiva forzada de un techo; ni tampoco se detiene en las delicadas superficies de las imágenes, sino que habita más bien el interior de ellas. Son planteos que sacan a la luz una reflexión del artista sobre los modos de construcción de la imagen misma. Que vinculan su experiencia como fotógrafo, con la pintura y la escultura y remite a códigos que fueron definidos en largos procesos históricos. Todo a medida que el arte fue incorporando nuevas tecnologías de producción, entreveradas en esta oportunidad.

Estos procesos surgieron con los cambios de la fotografía analógica a los procesos digitales e implican tanto a la toma directa como la manipulación de imágenes de archivo. Pero a su vez incluye la recuperación de procedimientos pictóricos que incorporan tratamientos especiales para las superficies, forzado de imagen a su máxima posibilidad para obtener una textura o una cualidad escultórica particular. Todo eso enfrenta al autor con la ortodoxia de la fotografía tradicional moderna. Pero ¿qué otra cosa ha hecho este artista desde que se inició en la práctica de la fotografía.

Todas estas reflexiones –que despliega la última serie de Miño, En silencio– muestran en él una formación general en el campo de prácticas artísticas que permaneció oculta detrás del protagonismo de la fotografía. 

SIN TÍTULO. 2013, impresión digital sobre papel de algodón.

Hoy reconocemos al fotógrafo que, tan pronto como su carrera empezó a hacerse conocida a comienzos de 2000, se ubicó dentro de un linaje de fotógrafos que adhirieron a esa lingua franca que acuñó la escuela de Düsseldorf y se expresó en una estética asociada a rasgos y síntomas distintivos de la tardomodernidad. Miño, como tantos otros fotógrafos de su generación, suscribió esa mirada desapasionada y distante. Una visión que participó de un interés por el registro taxonómico de una realidad cuya presencia se impuso desde el vacío, la insignificancia infinita de los seres que la habitan o la melancolía que produce el vestigio moderno inerte. 

En Miño ese estado melancólico afloró más de una vez en distintas series, que es el modo en que él hizo conocer su producción. En una de las más tempranas y recordadas, Mecanismos, retrataba maquinarias de impronta industrial y tono menor: máquinas de cortar fiambre, de coser, moler café, hacer pastas, planchas de tintorería. También sierras y cepillos de carpintero. Todos artefactos al límite de lo doméstico, en expectante pulcritud. Vinculados aún a la acción del hombre pero detenidos en un tiempo difícil de definir.

En otra instancia sus fotografías hicieron lugar a la arquitectura a través de grandes espacios desolados, otro tópico de su estética que lo emparentó desde distintas perspectivas con los discípulos de Düsseldorf, Cándida Hoffer, Axel Hütte y Thomas Ruff. En esos trabajos remarcó puntillosamente la desolación en cada puesto de despacho de aeropuerto o en cada silla vacía de un salón. Pero en un cierto momento la morfología enfatizada y distante de sus objetos y arquitecturas perdió solidez. Se volvió espectral en medio de un juego de solarizaciones y efectos de exposiciones prolongadas. Un juego de color llegó a transformar un laboratorio en un parque de diversiones y viceversa. En ese punto el proceso de disolución de las formas derivó en un formalismo que parecía negar los propios recorridos experimentales del artista al reconducirlos por itinerarios vastamente transitados en la modernidad.

La última muestra que Miño realizó en Foster Catena, centrada de manera casi obsesiva en el objeto escalera, caía en ese desvío.

SIN TITULO. 2013, impresión digital sobre papel de algodón. 100 x 150 cm.

Afortunadamente, en el mundo de las imágenes, como se ha señalado hasta el cansancio, no son los discursos laterales lo que cuenta sino lo que ellas mismas pueden sugerir. Y lo que sugiere esta serie de Praxis es que Miño pudo salir del laberinto de los juegos formales y recuperar para sus imágenes la capacidad de revelar los síntomas de estos tiempos. Expresar indistintamente la falta de certezas y los excesos de poder. ¿A qué otra cosa si no a esto último podría aludir el agobiante peso que se abate sobre el espectador desde la imagen mural de tres metros por cinco que ocupa un lugar central en la muestra de Praxis? Casi una pesadilla en la perspectiva acelerada de un techo oscuro. Miño se vale de los recursos estéticos propios de la tradición que iniciaron los Becher en Düsseldorf. De la pesadez y el clima de parálisis que trasmitieron sus formas arquitectónicas pero cambia su sentido. Como Frank Gehry, que descalabra visualmente sus edificios y los organiza alrededor de la noción de inestabilidad, Miño hace que sus escaleras luzcan como velos a merced de un soplo de viento. La estrategia desdramatiza la inquietud que eso produce al introducir una dimensión poética que no contenían las variaciones formales precedentes.

Pero no es todo: interesan también las novedades que aportan los procedimientos. Es curioso cómo las posibilidades de lo digital vienen acercando a los fotógrafos cada vez más a la pintura o la escultura. Miño no sólo compone y trabaja digitalmente sus imágenes –a veces propias y a veces ajenas que toma de distintos archivos– sino que al manipularlas persigue efectos pictóricos o escultóricos, como puede apreciarse en esta serie. Y no sólo a través de las veladuras que obtiene en laboratorio, en el marco de procedimientos que podrían considerarse todavía fotográficos, sino que aplica capas de pintura metalizada sobre las superficies para conseguir ese efecto evanescente que exhiben algunas de estas imágenes. En otros casos es la superficie del papel de algodón lo que aporta esos efectos mórbidos. Y aunque en la base aún permanece el referente fotográfico, las sucesivas capas de intervención que operan sobre él modifican radicalmente su cualidad original.

FICHA
Jorge Miño
Los sueños de la materia

Lugar: Praxis, Arenales 1311.
Fecha: hasta el 20 de abril.
Horario: lunes a viernes, 10.30 a 20; sábados, 10.30 a 14.
Entrada: gratis.

Fuente: Revista Ñ Clarín

 

ARTE Y TECNOLOGÍA TARDAN EN MEZCLARSE

Muchos en el mundo del arte señalan que no hay razón para que los magnates de los nuevos medios no reciban ahora una formación artística reparadora porque serán la próxima elite rica y coleccionista.

The Armory Show, una feria de arte de Nueva York, dejó perplejas a varias personalidades de la alta tecnología con las esculturas diminutas de Tomoaki Suzuki.

Por ALICE GREGORY - The New York Times

The Armory Show, una feria de arte de Nueva York, dejó perplejas a varias personalidades de la alta tecnología con las esculturas diminutas de Tomoaki Suzuki.
Los innovadores en el área de la tecnología y los capitalistas de riesgo que los respaldan generalmente no coleccionan arte, según gente que está en uno y otro mundo. Y, en el caso de estos últimos, es un gran problema. "Cuesta atraer la atención de esos tipos", dijo Thea Westreich, de 70 años, una neoyorquina, consultora veterana en materia de arte. "Creo que a la larga van a coleccionar, y coleccionar mucho y ser parte de la comunidad. Pero será un muro muy difícil de atravesar".

Rex Sorgatz, de 40 años, consultor digital para empresas y revistas en la Web, es uno de los pocos en Silicon Alley, la zona de la alta tecnología de Nueva York, que se mueve dentro del mundillo del arte. Sorgatz dijo que si alguna vez llegaba a invitar a sus amigos de la tecnología al Museo Guggenheim de Nueva York, la mayoría le diría que no. "Me decepciona un poco la desconexión entre el mundo del arte de Nueva York y el espacio tecnológico", escribió en un correo electrónico.
Hay todo tipo de explicaciones posibles: el sector tecnológico es relativamente nuevo (especialmente en Nueva York); sus miembros son jóvenes, están ocupados y la mayoría no pasó por 4 años de estudios de humanidades. Sin embargo, como muchos del mundo del arte señalan, no hay razón para que los magnates de los nuevos medios no reciban ahora una formación artística reparadora.
Sima Familant, una neoyorquina asesora en arte, considera que el sector tecnológico tiene casi una obligación de participar más. "Si estos son nuestros próximos Rockefeller, Carnegie, Frick, o lo que sea en términos de nuestra elite estadounidense rica, ¿cómo no están apoyando a la cultura?", preguntó.
Familant, de 40 años, está preocupada, dijo, por el futuro de los establecimientos ligados al arte que se financian en forma privada.
No obstante, hay ciertos indicios de que esa vacilación está evolucionando. En el Armory Show, una feria de arte internacional que se lleva a cabo en Nueva York en marzo, pudo verse a un grupo de transplantados del mundo de la tecnología recorriendo el lugar. John Resig, programador de JavaScript; Georg Petschnigg, fundador y director general de FiftyThree; y Serkan Piantino, ingeniero de Facebook, todos hicieron sus rondas.
"Hay tanto más arte en Nueva York", dijo Petschnigg de 35 años, que vivía en Seattle y trabajaba para Microsoft. "Para entenderlo, hacen falta amigos".
Para Resig, de 28 años, el Armory Show fue "un poco duro". En la tecnología, dijo Resig, tiende a haber una "cultura de la apertura", donde las personas se enorgullecen de compartir su trabajo y permitir que otros lo usen. "Esto parecía justamente la atmósfera opuesta: exclusiva, oculta", dijo.
Jonah Peretti, de 39 años, fundador de BuzzFeed y The Huffington Post, dijo que el hecho de tener dinero, "no implica pertenecer al club".
Para quienes están acostumbrados a la cultura de las empresas emergentes, con su transparencia utópica y sus ideales centrados en el mérito, las barreras para ingresar en el mundo del arte resultan desalentadoras. Las fiestas son exclusivas. Las obras no siempre se venden a quienes tienen más dinero. Las imágenes en general no están online.
Mo Koyfman, capitalista de riesgo en Spark Capital, que ha dado financiamiento a empresas como Twitter y Foursquare, dijo que es lógico que los empresarios de la tecnología tengan dificultades con el mundo del arte. "Para los tecnólogos, la idea es emparejar el campo de juego, y el mundo del arte es un sistema muy estructurado y jerárquico", dijo. "En eso hay un conflicto".
Koyfman, de 35 años, que colecciona obras de artistas emergentes que exponen en galerías del Lower East Side de Nueva York, considera que esta tensión es menos pronunciada en la ciudad de Nueva York que en Silicon Valley, California, hecho que ilustra mencionando a un puñado de empresas emergentes locales que operan en la intersección del arte y la tecnología: Tumblr, Kickstarter, Etsy.
"A medida que en Nueva York haya cada vez más historias exi- tosas en Internet, yo supongo que esta gente tendrá más afición e interés por coleccionar arte, porque es Nueva York", dijo Koyfman.
"Por eso viven aquí. Si alguien no quiere estar tan expuesto al arte, se va a vivir al Valley".
De todos modos, la proximidad geográfica no hace mucho por mi- tigar el frío existente entre las dos esferas, suelen decir numerosas personas en cada una de ellas. "Entrar a una galería es una experiencia que intimida, aun siendo Mark Zuckerberg", dijo Mike Brown, fundador de AOL Ventures.
"Muchos tipos que en general son introvertidos, que están desarrollando tecnología durante todo el día, se sienten bloqueados una vez y se preguntan `¿Para qué me preocupo por esto?’" dijo.
La asesora de Brown en materia de arte, Sarah Jane Bruce, de 35 años, coincide con él. "Hay una barrera natural para acceder al mundo del arte", dijo Bruce. "Es insular y cerrado. Los precios no se publican, hay que acercarse a preguntar. Puede ser una experiencia que verdaderamente intimida".

Fuente: Revista Ñ Clarín