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| Vista de la estancia de Heliodoro, de Rafael.
CIUDAD
DEL VATICANO - La limpieza y restauración de los frescos de la
famosa Estancia de Heliodoro, realizados por el maestro italiano Rafael y
que se encuentran en los Museos del Vaticano, acaban de concluirse, lo
que permitirá a millones de visitantes del mundo admirar el talento del
célebre artista renacentista.
"Hemos desmontado los últimos andamios, los de la pared
que representa el encuentro de León Magno con Atila. Ahora la Estancia
de Heliodoro, seguramente la obra maestra de Rafael, quien dominaba la
técnica del fresco, podrá ser admirada por toda persona que tenga ojos
para mirarlas", anunció ayer Antonio Paolucci, director de los Museos
del Vaticano, en declaraciones al diario de la Santa Sede, L'Osservatore
Romano.El conjunto majestuoso, pintado entre 1511 y 1514 por el maestro de Urbino y sus colaboradores, "puede ser contemplado ahora con todos sus detalles", comentó Paolucci. Los frescos, ubicados en la tercera planta del palacio apostólico, en los apartamentos del papa Julio II (1503-1513), narran el triunfo de la Iglesia frente al paganismo y los bárbaros, e ilustra el poder del papado como institución que impone la paz e incluye figuras legendarias como San Pedro y San Pablo en el cielo sosteniendo espadas. Fuente texto: lanacion.com |
UN GRAN FRESCO DE RAFAEL, RESTAURADO
UNA EXHIBICIÓN COMPILA EL ARTE MÁS DESCONOCIDO
DE LOS GRANDES MAESTROS
Son obras iniciales y trabajos realizados para coleccionistas entre mediados del siglo XIX y 1960, y pueden verse gratis.
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Perlas. Hay obras de maestros como Toulouse Lautrec. / GERARDO DELL’ORO |
Los nombres ya son un poderoso atractivo. Henri Toulouse
Lautrec, Federico García Lorca, Marc Chagall, Pablo Picasso, Henri
Matisse, James Ensor, Käthe Kollwitz, Paul Klee y Amedeo Modigliani
firman una parte de las 82 obras que integran la muestra Papeles modernos. De Toulouse-Lautrec a Picasso , en el Museo Nacional de Bellas Artes, cuya apertura al público tendrá lugar hoy y podrá verse gratis hasta el 3 de marzo.
En
una jornada de temperatura agobiante, el Museo se convirtió en el
refugio ideal para recorrer la muestra con el director de la
institución, Guillermo Alonso, y con el curador Angel Navarro, que habló
sobre las distintas estéticas, las reflexiones que se pueden extraer de
estos dibujos, bocetos y soportes, sobre el valor de las técnicas, las
exploraciones artísticas y los papeles que los artistas atesoran.
Algunos
de esos “papeles” son trabajos iniciales de obras consagratorias, otros
son trabajos artísticos definitivos hechos exclusivamente para
coleccionistas y otros son de dibujos que sirvieron para la difusión de
la obra.
Desde mediados del siglo XIX hasta 1960, las obras se
despliegan como joyas frente a las cuales hay que detenerse para
apreciar su intensidad.
Por ejemplo, el “Paisaje urbano”, de
Lorca, en tinta marrón sobre papel pegado a cartón de 15 x 10,6
centímetros, constituye una perlita en el conjunto. Según explicó ayer,
Navarro supone que pudo tratarse del bosquejo de una escenografía.
Para
el curador “estas obras del patrimonio del Museo ofrecen un
significativo acercamiento a sus creadores. Están, por ejemplo, las de
Käthe Kollwitz, cuya virtud no sólo fueron sus ideas sobre el arte, sino
también sobre la cuestión social. Le mataron un hijo en la Primera
Guerra Mundial y esos temas se aprecian en sus trabajos”.
Para
Navarro, muchas de estas obras son exquisitas. Como el retrato de
“Hermine Lauteburg, condesa de York”, de Oskar Kokoschka o el único
dibujo de Modigliani. “Hay en esta muestra una historia del papel y de
cómo lo usan los artistas. O los dos retratos de mujeres de Picasso, uno
de 1948 y otro de 1955. Es de destacar que estas obras conforman una
importante colección procedente de donaciones privadas”, señaló.
Los núcleos de la exposición son: estudios, el desnudo, la figura individual y los grupos, y los retratos.
El
director del Museo recordó que la muestra se montó en marzo de 2011 en
el Malba, con motivo de su primera década de vida. “Fue una colaboración
muy positiva porque mejora la dinámica de las instituciones culturales
cuyos patrimonios se enriquecen con esos intercambios”, dijo.
Alonso
destacó también la incorporación de tres nuevas obras de Antonio Berni a
la colección permanente del Museo de Bellas Artes que se unen a “La
pesadilla de los injustos”, comprada recientemente.
De Toulouse-Lautrec a Picasso:
Fuente: clarín.com
De Toulouse-Lautrec a Picasso:
cuatro obras elegidas
Ángel Navarro, curador de la muestra que abre este martes 8 en el Museo Nacional de Bellas Artes, presenta elige y explica cuatro de las obras de un itinerario que indaga sobre el rol del papel como soporte de la expresión artística europea entre fines del siglo XIX y la primera mitad del siglo XX.
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| Honoré Daumier. "Les Amateurs d’estampes". Tinta y aguada sobre papel 30 x 34,8 cm. |
Papeles modernos. De Toulouse-Lautrec a Picasso
es una muestra que vale la pena ver dos o más veces. Y esa sentencia se
refuerza en la apuesta del Museo Nacional de Bellas Artes, que muestra
estas más de 80 obras de su patrimonio, luego de habérselas prestado al
Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires (Malba) en 2011, para la
celebración de su décimo aniversario.
Eso fue lo primero que dijo Guillermo Alonso, el director del MNBA, celebrando esta dinámica de prestamos entre las instituciones locales. Y luego presentó al profesor Angel Navarro, curador de esta muestra y de la que se vio en el Malba, que está integrada por 86 dibujos y grabados de artistas franceses, italianos, españoles, alemanes y belgas realizados desde la segunda mitad del siglo XIX entre los que aparecen Honoré Daumier y los famosos afiches de Toulouse-Lautrec.
Y otros más recientes, que llegan hasta
mediados del siglo pasado y ofrecen curiosidades como los dibujos de
Federico García Lorca, unos grabados de Picasso al mejor estilo
Rembrandt, desnudos de Auguste Rodin, y obras de Henri Matisse, Marc
Chagall, Honoré Daumier, Amedeo Modigliani, Käthe Kollwitz y Paul Klee y
James Ensor, con sus impactantes “pecados capitales”
"Si exceptuamos el inmenso campo que hoy presenta el arte virtual, el papel sigue desempeñando una tarea muy importante", aseguró Navarro, que a pedido de Ñ digital eligió, aclarando antes el gran valor de toda la muestra, cuatro obras de este heterogéneo conjunto, de las cuales habla en el video que acompaña esta nota.
La muestra, que se podrá ver en
el MNBA entre el 8 de enero y el 3 de marzo, está segmentada en ejes
temáticos. Se pueden ver estudios, desnudos, retratos, los paisajes
urbanos y afiches, entre otros.
Eso fue lo primero que dijo Guillermo Alonso, el director del MNBA, celebrando esta dinámica de prestamos entre las instituciones locales. Y luego presentó al profesor Angel Navarro, curador de esta muestra y de la que se vio en el Malba, que está integrada por 86 dibujos y grabados de artistas franceses, italianos, españoles, alemanes y belgas realizados desde la segunda mitad del siglo XIX entre los que aparecen Honoré Daumier y los famosos afiches de Toulouse-Lautrec.
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| Federico García Lorca. "Paisaje urbano". Tinta marrón sobre papel pegado a cartón 15 x 10,6 cm. |
"Si exceptuamos el inmenso campo que hoy presenta el arte virtual, el papel sigue desempeñando una tarea muy importante", aseguró Navarro, que a pedido de Ñ digital eligió, aclarando antes el gran valor de toda la muestra, cuatro obras de este heterogéneo conjunto, de las cuales habla en el video que acompaña esta nota.
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| Henri de Toulouse-Lautrec. "Divan Japonais". Litografía coloreada sobre papel pegado 80 x 61,5 cm. |
EN FRANCIA,
LOS MUSEOS RECURREN A LAS DÁDIVAS DEL PÚBLICO
¿Prefiere ayudar al Louvre a comprar un par de
estatuillas de marfil del siglo 13, o al Museo de Bellas Artes de Lyon a
adquirir aquel óleo de Ingres que tanto desea? Los museos ahora
recurren al "financiamiento colectivo".
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| REFORMAS. El Panthéon de París necesita reparar sus instalaciones. |
Por
DOREEN CARVAJAL
- The New York Times
Se le llama vulgarmente "pedir limosna", pero los franceses
prefieren una descripción más elegante: "financiamiento participativo".
Por tan poco como un solo euro, aun el conocedor de arte más ordinario puede unirse a la hermandad recaudatoria que busca restaurar la cúpula del Panthéon parisino. Si contribuye unos cuantos cientos de euros más, será invitado por el Centro para Monumentos Nacionales, dependencia encargada del patrimonio francés, a una fiesta organizada en ese templo emblemático de la república.
¿Prefiere tal vez ayudarle al Louvre a comprar un par de estatuillas de marfil del siglo 13, o al Museo de Bellas Artes de Lyon a adquirir aquel óleo de Ingres que tanto desea? Las medidas de austeridad que han afectado a las artes en todo el continente europeo han resultado particularmente perturbadoras en Francia, donde el gasto cultural es tan sacrosanto que es desde hace mucho una de las inversiones en las que pudieron concordar Gobiernos tanto de izquierda como de derecha. Pero los directores de importantes instituciones culturales galas ahora recurren a llamados al público y a la técnica conocida como financiamiento colectivo para costear las cosas que quieren.
Ha salido a relucir una serie de incentivos, como boletos gratis e invitaciones a fiestas. Por ejemplo, aquellos que donan para el Panthéon tendrán su foto colocada en un kiosco temporal afuera del lugar.
Hasta la fecha, los llamados surten efectos. Con la ayuda de 2.500 donantes, el Louvre ha recaudado 654 mil dólares, de los 3,4 millones necesarios para adquirir las estatuillas.
En cuanto al museo de Lyon, ha obtenido 91 mil dólares para ese lienzo de Ingres, valorado en cerca de 1 millón.
Durante la primera campaña para el Panthéon, los funcionarios deliberadamente fijaron una modesta meta recaudatoria inicial de 6 mil 500 dólares para no intimidar a los donadores. Fue rápidamente rebasada y, en cuatro semanas, la campaña ha colectado casi 34 mil dólares. Más de 450 contribuyentes participaron.
"La historia es mi pasión, así que doné 300 euros", explicó Cyril Guérineau, un policía de 36 años de las afueras de París respecto a su donativo de cerca de 400 dólares.
"Este monumento es el símbolo más importante de nuestra nación, y muchas de las personalidades enterradas allí representan la historia de Francia". Agregó que también le interesaba la invitación a la fiesta.
Aun hoy, el gobierno francés gasta más del doble en cultura que Alemania, un vecino más poblado y próspero. Pero el recorte de más de un 4 por ciento en el presupuesto cultural, a 3.100 millones de dólares, es el primero en más de 30 años.
Las reducciones han obligado a las instituciones a buscar rápidamente fuentes de ingreso. "Todos enfrentamos la misma realidad y seguimos la misma pista", confirmó Philippe Bélaval, presidente del Centro para Monumentos Nacionales, que colabora con My Major Company, una compañía de arranque gala de financiamiento colectivo, en un proyecto piloto de recaudación de fondos para cuatro emblemáticos sitios públicos, incluyendo planes de restauración del Panthéon y el Mont St. Michel.
"Con el financiamiento colectivo", indicó, "tenemos una ventaja en la competencia. Nuestros monumentos son una parte íntima de nuestro país y de la conciencia colectiva de la gente".
En los últimos tres años, el Louvre es el que mejor ha aprovechado el apoyo de miles de donantes en línea. Su primera campaña, en 2010, recaudó más de 1,6 millones de dólares de más de 7 mil donadores para adquirir un óleo de tres mujeres desnudas pintado en el siglo XVI por Lucas Cranach.
Bélaval no se mostró particularmente preocupado por el ritmo de los donativos. "Para escalar una montaña, tienes que empezar con una colina", expresó.
Por tan poco como un solo euro, aun el conocedor de arte más ordinario puede unirse a la hermandad recaudatoria que busca restaurar la cúpula del Panthéon parisino. Si contribuye unos cuantos cientos de euros más, será invitado por el Centro para Monumentos Nacionales, dependencia encargada del patrimonio francés, a una fiesta organizada en ese templo emblemático de la república.
¿Prefiere tal vez ayudarle al Louvre a comprar un par de estatuillas de marfil del siglo 13, o al Museo de Bellas Artes de Lyon a adquirir aquel óleo de Ingres que tanto desea? Las medidas de austeridad que han afectado a las artes en todo el continente europeo han resultado particularmente perturbadoras en Francia, donde el gasto cultural es tan sacrosanto que es desde hace mucho una de las inversiones en las que pudieron concordar Gobiernos tanto de izquierda como de derecha. Pero los directores de importantes instituciones culturales galas ahora recurren a llamados al público y a la técnica conocida como financiamiento colectivo para costear las cosas que quieren.
Ha salido a relucir una serie de incentivos, como boletos gratis e invitaciones a fiestas. Por ejemplo, aquellos que donan para el Panthéon tendrán su foto colocada en un kiosco temporal afuera del lugar.
Hasta la fecha, los llamados surten efectos. Con la ayuda de 2.500 donantes, el Louvre ha recaudado 654 mil dólares, de los 3,4 millones necesarios para adquirir las estatuillas.
En cuanto al museo de Lyon, ha obtenido 91 mil dólares para ese lienzo de Ingres, valorado en cerca de 1 millón.
Durante la primera campaña para el Panthéon, los funcionarios deliberadamente fijaron una modesta meta recaudatoria inicial de 6 mil 500 dólares para no intimidar a los donadores. Fue rápidamente rebasada y, en cuatro semanas, la campaña ha colectado casi 34 mil dólares. Más de 450 contribuyentes participaron.
"La historia es mi pasión, así que doné 300 euros", explicó Cyril Guérineau, un policía de 36 años de las afueras de París respecto a su donativo de cerca de 400 dólares.
"Este monumento es el símbolo más importante de nuestra nación, y muchas de las personalidades enterradas allí representan la historia de Francia". Agregó que también le interesaba la invitación a la fiesta.
Aun hoy, el gobierno francés gasta más del doble en cultura que Alemania, un vecino más poblado y próspero. Pero el recorte de más de un 4 por ciento en el presupuesto cultural, a 3.100 millones de dólares, es el primero en más de 30 años.
Las reducciones han obligado a las instituciones a buscar rápidamente fuentes de ingreso. "Todos enfrentamos la misma realidad y seguimos la misma pista", confirmó Philippe Bélaval, presidente del Centro para Monumentos Nacionales, que colabora con My Major Company, una compañía de arranque gala de financiamiento colectivo, en un proyecto piloto de recaudación de fondos para cuatro emblemáticos sitios públicos, incluyendo planes de restauración del Panthéon y el Mont St. Michel.
"Con el financiamiento colectivo", indicó, "tenemos una ventaja en la competencia. Nuestros monumentos son una parte íntima de nuestro país y de la conciencia colectiva de la gente".
En los últimos tres años, el Louvre es el que mejor ha aprovechado el apoyo de miles de donantes en línea. Su primera campaña, en 2010, recaudó más de 1,6 millones de dólares de más de 7 mil donadores para adquirir un óleo de tres mujeres desnudas pintado en el siglo XVI por Lucas Cranach.
Bélaval no se mostró particularmente preocupado por el ritmo de los donativos. "Para escalar una montaña, tienes que empezar con una colina", expresó.
Fuente: Revista Ñ Clarín
ANATOLE SADERMAN,
EL FOTÓGRAFO QUE SE MUESTRA EN CADA RETRATO
Fue quizá el mayor retratista de la fotografía
argentina. Por su estudio pasaron cientos de artistas pioneros de la
pintura moderna en el país. Una muestra se enfoca en ese vínculo.
 |
El fotógrafo que se muestra en cada retrato.
|
Fueron cientos de artistas plásticos los que en esos años
pasaron por el estudio de quien fue probablemente el mejor retratista
entre los fotógrafos de la Argentina, Anatole Saderman. Muchos eran
amigos del fotógrafo, que poco tiempo después de establecerse en Buenos
Aires, abrió su propio espacio de trabajo en Callao entre Charcas y
Santa Fe, en 1934. Otros tantos se hicieron amigos de él luego de ser
retratados allí. Una parte muy pequeña pero maravillosa de esos
encuentros, del paso de aquellos artistas por el estudio de este otro
artista, se vislumbra en la muestra Anatole Saderman. Retratos,
autorretratos + retratos , que puede verse en estos días en la Sala 12
del Centro Cultural Recoleta. La muestra es organizada por la Fundación
Alon, con curaduría de Alberto Giudici y Alejandro Saderman, hijo del
fotógrafo. Es él, Saderman hijo, quien cuenta la historia en uno de los
textos del bello libro en el que se reproducen las obras expuestas,
editado por la Fundación Alon para las Artes que acompaña la exhibición,
algo que ya es casi una costumbre establecida por su presidente, Jacobo
Fiterman.
Cuenta Alejandro Saderman que el primer artista que
fue retratado en el estudio por su padre fue el escultor Luis Falcini.
Luego siguieron Daneri, Spilimbergo, Urruchúa, Victorica, Castagnino,
Soldi, Berni, Quinquela Martín y muchos más. Y cita luego los apuntes de
Anatole: “Recuerdo que Daneri dijo en cierta ocasión: A este muchacho
hay que darle algo por todas estas fotos, y me regaló una hermosa
naturaleza muerta. Ese regalo fue colgado en la pared más visible del
estudio y cuando algún pintor me preguntaba de dónde tenía yo ese
cuadro, yo le contaba del magnífico gesto de Daneri”.
La voz se
corrió entre los plásticos –cuenta ahora Alejandro– y muchos comenzaron a
acercarse al estudio en busca de retratos fotográficos. Así creció una
colección personal extraordinaria de obras de artistas argentinos.
 |
| El fotógrafo que se muestra en cada retrato. |
Y en determinado momento Saderman le dio una dirección a esa pinacoteca: comenzó a pedirles a los artistas no cualquier pintura a cambio de sus retratos, sino un autorretrato. En algún momento la colección de autorretratos de artistas argentinos contemporáneos de Saderman superó el centenar, se hicieron con ella un par de exposiciones y, en 1978, se editó un libro.
La muestra de hoy en el Recoleta y el libro
editado por Alon rescatan el intercambio de aquellos años entre Saderman
y sus retratados. Se exhiben pares: el retrato que el fotógrafo hizo de
cada artista y una reproducción del autorretrato que el artista canjeó
al fotógrafo por su obra. Pero tal vez el núcleo de la muestra sea algo
intangible: el vínculo que Saderman establecía con sus modelos, que de
una manera indescriptible está presente en sus retratos.
Algo
acerca de ese vínculo que él consideraba imprescindible escribió en un
famoso texto suyo que tituló Para fotógrafos. Un decálogo sin mucha
importancia (que es muy importante leer) . Dicen dos de esas diez reglas
del maestro: “Ama al prójimo a quien vas a retratar. Si no puedes
amarlo, ódialo. Si te es indiferente, fotografía mejor una botella de
alguna bebida gaseosa: puede rendirte más y aparte, no protesta ni te da
indicaciones (...) Estudia las caras de tus prójimos ‘de ojito’, sin
cámara: en el colectivo, en el bar, en la calle suceden milagros de
expresión y de iluminación”.
En las casi cuarenta fotografías de
la muestra se hace evidente que Saderman se tomaba su tiempo para llegar
al centro del modelo a retratar, para entender un rostro, una mirada,
para llegar a la esencia de la persona que tenía frente a sí. Hablamos
no de ideas, ni de historias ni de palabras, sino de otra manera de
entender, hecha de luces y sombras, de líneas y de brillos, de
silencios, de emoción. Volvemos al decálogo del maestro, a sus dos
primeras leyes: “1) Lo más difícil en el oficio del retratista es
perderle el miedo al asunto. 2) Pero a lo mejor no es miedo, sino
emoción.
 |
| El fotógrafo que se muestra en cada retrato. |
Esta, mejor, no la pierdas nunca; un retrato, sin emoción, no
es un retrato, es una foto: una en un millón.” Así fotografiaba Anatole
Saderman. Hay en todos –o casi todos–sus retratos rasgos en común: un
encuadre cerrado, ceñido sobre el rostro; iluminación lateral; una mitad
del rostro llena de luz; la otra mitad, llena de sombra, donde refulge
un brillo en el ojo; la mirada del fotógrafo centrada en la mirada del
modelo; un instante de ausencia en el gesto del retratado; un momento de
verdad, de pérdida de la máscara que todos llevamos puesta todo el
tiempo. Cuando excepcionalmente abre el plano, lo que está alrededor
pasa a ser parte esencial del retratado, como en el caso de Carlos
Alonso, que sostiene un lápiz y una hoja de dibujo contra el pecho. O el
de José Antonio Fernández-Muro, que parece integrado al grupo de
personas de uno de sus cuadros.
Pero así como están esos rasgos
comunes en los retratos de Saderman, eso que podría llamarse su estilo,
también están en cada uno de sus retratos los rasgos únicos y
distintivos del retratado. Su estilo nunca se impone, nunca desdibuja al
modelo: por el contrario, lo revela, lo vuelve visible. En el momento
de la toma, Saderman no está atento a su estilo, está atento a la
persona que tiene enfrente. “No busques un estilo ‘especial’. Si tienes
garra, ‘tu’ estilo cristalizará cuando menos lo pienses”, dice otra de
las reglas de su decálogo.
Entre los cuarenta retratos de la
muestra hay algunos en los que vale la pena detenerse. Por ejemplo, el
de Luis Falcini, el de Yuyo Noé, el de Ricardo Carpani, el de Rómulo
Macció, y el de la risa contagiosa de Antonio Pujía. En todos ellos está
retratada también la mirada de Anatole Saderman.
Saderman básico
Moscú, 1904 - Buenos Aires, 1993. Fotógrafo.
El fotógrafo ruso Nicolás Yarovoff fue su maestro. Al tiempo que
se vincula con los artistas plásticos e intelectuales, comienza a
desligarse de la fotografía comercial y afirma su orientación hacia el
retrato de carácter. Expuso en la Argentina y en el exterior. Nunca dejó
de lado la actividad docente. Fue socio fundador de la Asociación de
Fotógrafos Profesionales, del Foto Club Argentino y del Foto Club Buenos
Aires. En 1960 el Fondo Nacional de las Artes incorporó a su colección
unos 300 retratos suyos de artistas plásticos argentinos.
Anatole Saderman. Retratos, autorretratos + retratos
Lugar: Centro Cultural Recoleta,
Junín 1930, sala 12
Fecha: hasta el 10 de febrero
Horario: martes a viernes, 14 a
21; sabados y domingos, 12 a 21
Entrada: gratis
Fuente: Revista Ñ Clarín
UNA MUESTRA ACENTÚA EL POTENCIAL DEL GRABADO
Se trata de los trabajos seleccionados para la
tercera edición del Premio Arte Joven de la Fundación Williams. Pueden
verse hasta el 13 de enero en el Centro Cultural Borges.
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| Variedad. Hay xilografía, aguatinta, serigrafía y electrografía./ M, BONETTO |
Por
Julia Villaro
- Especial para Clarín
Paradójico el destino del grabado, de las manifestaciones
artísticas más populares y, a la vez, desconocidas por la mayoría. En
2012, la Fundación Williams dedicó a esta técnica milenaria la III
edición de su Premio Arte Joven, y tanto la selección de obras como la
exhibición curada por Rodrigo Alonso resultan una gran ocasión para
quien quiera conocer el grabado y sus camaleónicas potencialidades.
Pero la paradoja comienza antes y se remonta a la esencia de su procedimiento: cuando visitamos una muestra como la del Premio Williams en el Centro Cultural Borges
, las obras que vemos no son el grabado en sí. En su versión más
acotada, éste consiste en una plancha de madera o metal sobre la cual se
obtiene una imagen, a partir de incisiones que el artista realiza con
herramientas filosas o cortantes como gubias y buriles. La plancha,
denominada taco o matriz, que no conocerá las luces de una exposición y
vivirá en el anonimato del taller, es el mismísimo grabado. Lo que
llegue hasta nosotros serán las estampas, obtenidas entintando la
matriz y ejerciendo presión sobre una hoja. Así, el taco es único pero
las estampas pueden ser múltiples. Esta fue la condición que dio al arte impreso un papel fundamental en la historia de la circulación de las imágenes
-en estampitas, libros, mazos de cartas, etiquetas de frascos,
diarios-, y también lo alejó del divismo de la pintura o la escultura.
El premio resulta un muestrario de la vasta cantidad de posibilidades que la técnica alberga
y de la convivencia armoniosa entre ellas. Hubo en la edición lugar
para procedimientos tradicionales como las xilografías (grabado en
madera) de Yael Bobbio y Abigail Bilsky; el aguatinta (grabado en metal)
de Francisco D’Antonio; y también para las exploraciones asociadas con
la tecnología y la manipulación digital de la imagen, como la
electrografía de Lorena Virgone y el fotograbado de Carolina Diéguez.
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| Ganadora. Sol Massera obtuvo 20 mil pesos por su grabado./ MARTÍN BONETTO |
La
serigrafía, que resulta de hacer pasar la tinta por una malla o red
tensada con un bastidor enmascarando las zonas que quieren dejarse en
blanco, gana adeptos y alcanza interesantes dimensiones de exploración
en las obras de Mariela Argarañaz y Luciana Astuto. La combinación de
distintos procedimientos demuestra que el grabado se encuentra en un terreno de exploración y expansión .
El primer premio fue para Reconfiguraciones
de Sol Massera, una obra mesurada, de blanco ascético, basada en la
reiteración y en la búsqueda de la diferencia a través de las
combinaciones de papel que ofrecen las 30 cajas que la integran. El
proceso utilizado por la artista es el gofrado, que consiste en estampar
sólo el relieve en el papel sin utilizar tinta. La ausencia, en la obra
premiada, del elemento más emblemático de la estampa -la tinta- podría
ser una más de las paradojas que habitan al grabado, pero resulta
coherente desde esta perspectiva, incluso necesaria.
Las obras de esta muestra parecen indicar que le ha llegado a la técnica su hora de crecer y emanciparse , y acaso uno de los caminos posibles sea el de Massera: silenciar por una vez la tinta y hacer hablar al papel en su silencio.
Fuente: Revista Ñ Clarín
MÉXICO SUBIÓ A INTERNET MÁS DE 150 AÑOS DE FOTOGRAFÍAS
Es uno de los acervos fotográficos más importantes del mundo.
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| Retrato. Campesina mexicana./ INAH |
Desde el sábado, existe algo así como un mini-aleph mexicano:
unas 700.000 imágenes del patrimonio de ese país pueden apreciarse desde
hace dos días, gratis y en todo el planeta, con sólo meterse en
Internet, en el sitio www.fototeca.inah.gob.mx, según informó el
Instituto Nacional de Antropología e Historia (Inah-Conaculta).
La
Fototeca Nacional, perteneciente a esa institución, que resguarda el
acervo fotográfico más importante del país y uno de los más relevantes
del mundo, llevó a su sitio digital ese caudal, para ponerlo así al
alcance de investigadores y del público general, publicó Prensa Latina.
Dichas
imágenes, que van desde 1847 hasta nuestros días, representan cerca del
80 por ciento del total que preserva el INAH, que tiene unas 900.000
piezas.
La primera vista que se presenta es un daguerrotipo que
tomó la amputación de la pierna del sargento Bustos tras la batalla del
Cerro Gordo, contienda entre los ejércitos de México y de los Estados
Unidos durante la intervención de ese país en territorio mexicano.
La
amplitud de la muestra posibilita revisar los episodios históricos más
significativos del país, captados por la mirada de más de dos mil
autores. Estas fotos tienen, además, su propia ficha, la cual incluye
información sobre el hecho histórico, lugar y fecha en que fueron
tomadas, autor y otros datos.
Fuente: Revista Ñ Clarín
TRAS 25 AÑOS,
RECUPERARON UN CUADRO ROBADO DE HENRI MATISSE
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| La obra recuperada. |
Hubo que esperar nada menos que un cuarto de siglo para que El jardín, un cuadro del pintor francés Henri Matisse, fuera recuperado. Es que
el 11 de mayo de 1987 había sido robado del Museo de Arte Moderno de
Estocolmo, Suecia, y ayer se anunció su hallazgo en la ciudad de Essex,
cerca de Londres.
El galerista británico Charles Roberts estaba
por vender el óleo de 1920, valuado en aproximadamente un millón de
dólares, en nombre de un cliente polaco. Pero antes, consultó una base
de datos mundial de obras de arte robadas, algo habitual cuando se
desconoce la procedencia de la pieza.
Fue el equipo de Art Loss
Register el que determinó que se trataba de la obra de Matisse, de la
que se había perdido el rastro hace años. Según el director del museo de
Estocolmo en 1987, se trataba de una obra demasiado conocida como para
salir al mercado sin que se detectara el robo. Tal vez por eso la
institución rechazó varias veces la oferta de comprar El jardín a cambio de cuantiosas sumas de dinero, apenas había sido robado.
Ahora,
el museo sueco recuperará la pintura, que había sido comprada “de buena
fe”, según Roberts, por un hombre mayor residente en Polonia. Este
último dueño poseía la obra desde la década del ‘90 y decidió ponerla a
la venta a través del galerista “porque quería sacar un poco de dinero
para sus nietos”.
Fuente: clarín.com
Fuente: clarín.com
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