AGONIZA EL PINO CUYA SOMBRA ALIVIÓ A SAN MARTÍN

En San Lorenzo, Santa Fe.

La histórica conífera, que tiene más de 220 años, fue afectada por las últimas tormentas y está a punto de secarse.

TODAVÍA DE PIE. El pino fue plantado por los franciscanos en 1790.

Preocupación oficial. Un golpe a la historia. Eso es lo que podría sufrir la provincia de Santa Fe si se apaga un símbolo de San Lorenzo: el pino de la famosa batalla. Sucede que la histórica conífera, a cuya sombra el general José de San Martín redactó el parte de guerra, corre riesgo de desaparecer, porque un temporal de viento y piedra afectó su masa verde y la circulación de la savia. El inexorable paso del tiempo y los embates de la naturaleza le han provocado también severos daños al legendario pino, que tiene más de 220 años y que en 1946 fue declarado Árbol Histórico. Bajo su frondosa sombra el general San Martín descansó y redactó el parte de guerra de la Batalla de San Lorenzo, el 3 de febrero de 1813. Si bien no hay una fecha precisa, el pino habría sido plantado por la orden religiosa de los franciscanos en 1790. A lo largo de sus más de 220 años el árbol soportó todo tipo de contingencias. Pero fueron puntualmente los temporales de viento y lluvias, con caída de granizo y piedras de los últimos años los que minaron la añosa estructura. La fuerte tormenta del 23 de octubre pasado que azotó la localidad de San Lorenzo -con caída de abundante piedra- despojó gran parte de su masa verde y además afectó la circulación de la savia. En consecuencia, salvo un milagro de la naturaleza o el resultado de alguna técnica de recuperación, las ramas y gajos del pino se irán secando y así desaparecerá el árbol que fue testigo de la épica batalla libertadora. "El pino gozaba de muy buena salud, pero la última granizada arrasó con todo el circuito histórico", comentó Aníbal Fernández, director del Complejo Museológico y cuidador del Pino Histórico, en la localidad de San Lorenzo.


¿Final inexorable?

Fernández, técnico agrónomo, era un adolescente cuando quedó al cuidado del árbol en 1978. "El pino es como mi padre y estoy preocupado por su salud", dice Fernández. Se emociona cuando explica que la conífera está en grave riesgo de vida. Es que en términos médicos, la planta se encuentra en sala de terapia intensiva. Desde el municipio de San Lorenzo se tomaron todas las previsiones para preservar al pino, pero no es mucho lo que se puede hacer. "No hay un reconstituyente para el tejido de la planta cuando la circulación de la savia se ve afectada -lamentó-. Ahora vamos a esperar, para ver si el pino mantiene lo poco que queda de su masa verde, y ahí sí, entonces actuaríamos para fortalecerla".

Fuente: lagaceta.com

EL PATRONO DE LA CIUDAD, UN GUERRERO FRANCÉS

San Martín de Tours combatió para el imperio romano. La capa y el mendigo, su paso por la Iglesia y el sorteo que lo liga Buenos Aires.
Monumento. En la plaza que lleva su nombre, en Recoleta, refleja la historia del corte de su capa y el mendigo.

Por Eduardo Parise

Muchos consideran que Buenos Aires es una ciudad tan extraña y mítica que hasta tuvo que ser fundada dos veces. Claro que algunos creen que la primera fundación no fue tal porque, dicen, sólo se trató de un asentamiento y no llegó a esa categoría. De todas maneras, la Ciudad tiene otras cosas tanto o más curiosas que esa doble fundación. Un buen ejemplo de esas curiosidades es su patrono, San Martín de Tours. Lo identifican como francés, aunque nació en Hungría; fue un verdadero cuadro militar de los ejércitos del imperio romano y un obstinado sorteo lo ungió como Santo Patrono de esta concentración urbana, bien española en su origen, pero que 432 años más tarde tiene casi tanta mezcla como si se tratara de las Naciones Unidas.

Lo eligieron patrono en octubre de 1580, cuatro meses después de la fundación. Se cumplía así con una vieja tradición. Según la leyenda, lo extraño fue que cuando su nombre surgió del primer sorteo, muchos se opusieron por tratarse de un “santo francés”. Cuentan que hubo un segundo sorteo y volvió a salir su nombre. Cuando al tercer intento apareció otra vez él, dicen que se resignaron y lo validaron sin más trámite. ¿Quién era ese “santo francés”, empecinado en convertirse en protector de aquella lejana colonia? Había nacido en Panonia, actual Hungría, en 316. Era hijo de un tribuno romano, veterano de los ejércitos del imperio. Por eso es que cuando sus padres se radicaron en Italia, a los 15 años fue incorporado a la fuerza militar. Para entonces ya se había educado en Pavía.

Pero su mayor fama no tiene que ver con ningún sangriento combate, sino con un hecho que lo marcaría para siempre. Fue un día en que las fuerzas de la guardia imperial que integraba llegaron a Amiens, en la zona de las Galias. Era el invierno de 337. Martín, montado en su caballo, llevaba sobre sus hombros una buena capa de piel que lo protegía del frío. En ese momento, se le acercó un mendigo con poca ropa y tiritando a pedirle ayuda. El gesto de Martín fue contundente: sacó su espada, cortó la capa a la mitad y le entregó una parte a aquel hombre. La historia dice que esa noche, en sueños, se le apareció Jesús llevando puesta esa parte del abrigo. La moraleja fue simple: siempre en la vida es más difícil compartir que regalar.

Aquel gesto está reflejado en el monumento dedicado a San Martín de Tours que se encuentra en una plazoleta en la subida de la calle Junín, entre Posadas y avenida Alvear, en Recoleta. Fue realizado en bronce por el escultor ítalo-argentino Armando Bucci y se inauguró en 1981. Y la iglesia donde se lo venera en Buenos Aires está justamente en el 2949 de la calle que lleva el nombre del santo, en Palermo. Fue habilitada en 1931.

Después de esa acción, Martín dejó el ejército, se sumó al catolicismo y llegó a ser obispo de la ciudad de Tours, predicando y fundando conventos en Francia. Murió en Candes en 397 y se lo evoca cada 11 de noviembre, fecha en la que en España se solía faenar algún cerdo en cada chacra. Eso originó la frase de que “a cada chancho le llega su San Martín”.

También cuentan que la mitad de la capa que le quedó al santo fue guardada en una urna en un pequeño santuario construido especialmente. A esa capa trunca se la llama “capilla” y al encargado de cuidarla se lo conoce como “el capellán”.

De ahí el origen de la palabra que designa a un pequeño oratorio, un tema que merece tal vez una investigación más profunda. Pero esa es otra historia.

Fuente: clarin.com

INAUGURAN EN PANAMÁLA PRIMERA EXPOSICIÓN DE GAUGIN EN CENTROAMÉRICA

Una exposición con varias obras originales del pintor posimpresionista francés del siglo XIX Paul Gauguin, fue abierta al público el viernes en el Museo del Canal Interoceánico de Panamá, constató un periodista de la AFP.

Por Antonio Scorza

Una exposición con varias obras originales del pintor posimpresionista francés del siglo XIX Paul Gauguin, fue abierta al público el viernes en el Museo del Canal Interoceánico de Panamá, constató un periodista de la AFP.

La exposición 'Paul Gauguin, el sueño de Panamá', está compuesta por 36 obras originales del artísta francés, quien hace 125 años vivió una temporada en Panamá.
'Naturaleza muerta con naranjas' (antes de 1882), 'Lavanderas de Pont Aven' (1886) o 'La hija del patrón' (1886) forman parte de la muestra que incluye óleos, grabados, cerámicas y dibujos.
También se exhiben cinco cartas de Gauguin enviadas a su esposa Mette (1886/1887) y 13 fotografías (1882-1886) tomadas durante su permanencia en Panamá.
"Este es un proyecto original que se presentará al público panameño e internacional, obras de arte de uno de los pintores más representativos del posimpresionismo y padre del sintetismo?, dijo la directora del Museo del Canal de Panamá, Ángeles Ramos.
?Es la primera exposición de pintura de esta magnitud en América Central. Esta hecha sólo para Panamá", dijo el embajador de Francia en Panamá, Hugues Goisbault.
Las obras han sido facilitadas por instituciones como el Musée d'Orsay de París, el Metropolitan Museum de Nueva York, la National Gallery de Londres y coleccionistas privados.
Los organizadores esperan batir el récord de visitas a un museo en Panamá con esta exposición.
En 1887, Gauguin vivió durante cinco semanas en Panamá, adonde llegó resuelto a "vivir cual salvaje" en la isla de Taboga, en el Pacífico, cuenta Marc de Banville, periodista y documentalista francés.
Sin dinero, el artista terminó trabajando en las obras de construcción del canal interoceánico, que emprendió el conde francés Ferdinand de Lesseps, aunque no se quedó por mucho tiempo. "Su tendencia a las borracheras y peleas hizo que lo despidieran al cabo de pocas semanas" y partiera rumbo a Martinica, llevándose "como recuerdo una disentería, la malaria y los cálidos colores de Taboga", dice Banville en su libro 'Canal Francés. La aventura de los franceses en Panamá'.


Fuente: AFP

EL CENTENARIO DE UN EDIFICIO QUE ES PARTE DE LA IDENTIDAD DE TIGRE

Fue inaugurado en 1912.

Lo construyeron para el deporte y luego recibió grandes fiestas de la alta sociedad. Tras su restauración, fue reinaugurado en 2006 como sede del Museo de Arte local (MAT).

Por Martín Sánchez

Señorial, casi vanidoso, el bello edificio de estilo francés que contiene al Museo de Arte Tigre (MAT), se yergue triunfal de cara al río. Nadie le da ese siglo de vida que acaba de cumplir, pero por su superficie, entre sus sombras, late la historia de una sociedad, la de Tigre y la de la misma Buenos Aires, que reflejó en este edificio mítico sus vaivenes y contradicciones durante 100 años.

En 1909, los empresarios Ernesto Tornquist, Luis García y Emilio Mitre decidieron que hacía falta un club de regatas y fundaron el Tigre Club donde hoy está el Museo, para que la gente bien de Buenos Aires pudiera distenderse los fines de semana arriba de un bote, o jugando al tenis o al golf. En noviembre de 1912 quedó inaugurada la primera construcción, pero la actividad deportiva fue cediendo lugar al juego y la diversión nocturna cuando se asomaba la década del ’30. Una sociedad anónima compró parte de las instalaciones para levantar un casino y anexarlo al viejo hotel y entonces el actual Museo encontró su espíritu francés. Fueron convocados los arquitectos galos Luis Dubois y Pablo Pater, quienes habían diseñado la embajada de Francia, el actual Palacio Ortiz Basualdo. La diversión fue una constante con grandes bailes en las terrazas. “Me di el lujo de bailar en el Tigre Hotel al compás de las orquestas de Di Sarli y Pugliese”, recuerda don Chiche Soula a sus 83 años, uno de los personajes que perduran en Tigre, orgulloso con su flota de autos antiguos.

Pero la decandencia, ocurre. De ser un refugio de poetas como Rubén Darío, o de presidentes como Julio Roca, y de ser destino del turismo internacional, el palacio fue quedando en silencio, y fue herrumbre, cierre y olvido.

El intendente de Tigre, Sergio Massa, dice que “los 100 años del edificio del MAT tienen que ver con lo que significaba Tigre en las afueras de Buenos Aires. El lugar era el Tigre Club y estaba acompañado por un hotel. La comunidad profesa un orgullo especial por este museo, cuyo edificio, de principios del siglo XX, fue declarado Monumento Histórico Nacional gracias a sus valores patrimoniales y arquitectónicos”. Lo que dice Massa ocurrió en 1979, cuando fue preservado como Monumento Histórico, pero antes, en 1974, hubo una decisión crucial: el intendente de esa época, Néstor Pozzi, publicaba una ordenanza decidiendo la expropiación del edificio.

En 1997 se decidió por fin restaurar el palacio, que parecía esperar el peor final. Claro que la tarea no iba a ser sencilla. Y si bien demoró más de la cuenta la recuperación de este vanidoso que hoy mira desde arriba el paso del Río Luján, en nueve años, y tras diversas etapas de restauración, el edificio quedó reinaugurado. Fue en una gloriosa tarde tigrense de 2006. La tarea fue tan minuciosa, que por ejemplo, se pulieron a mano las 100 mil baldosas originales de mármol de Carrara.

El embajador de Francia en Argentina, Jean Pierre Asvazadourian, asegura que el Museo de Arte de Tigre “es un lugar bello que cuenta con una arquitectura impecable. Un estilo francés muy bien recuperado y mantenido, el mejor lugar para ofrecer arte.” Parecería que es nomás como dice ése múltiple artista que es Páez Vilaró: “Aquí en el MAT, entre tanta belleza del edificio y de su entorno, el arte es apenas una continuidad”.

Por el aniversario

Con un libro y una muestra

En las instalaciones del Museo Isaac Fernández Blanco de la Ciudad de Buenos Aires, se realizó el lanzamiento del tercer libro del MAT, “Museo de Arte Tigre, cien años y más”, bajo la dirección editorial de Diana Saiegh. La publicación, que recopila la historia del edificio declarado patrimonio histórico y arquitectónico, aborda un análisis técnico y biográfico del arquitecto francés Paul Pater y su obra. Además, se presentó “De Tigre a Libertad”, una exhibición que homenajea a Pater, quien junto a Louis Dubois diseñó la actual sede del MAT.

Fuente: clarin.com

ROCAS VOLCÁNICAS DE PLAYA MEXICANA CON GRABADOS ABIERTAS A VISITA DESDE 2013

Un agrupamiento de rocas volcánicas negras con cientos de grabados rupestres que datan probablemente del año 4000 AC, esparcidas en un área del estado mexicano de Sinaloa (noroeste), podrán ser visitadas el próximo año, informó el miércoles el Instituto Nacional de Antropología e Historia (INAH).

Un agrupamiento de rocas volcánicas negras con cientos de grabados rupestres que datan probablemente del año 4000 AC, esparcidas en un área del estado mexicano de Sinaloa (noroeste), podrán ser visitadas el próximo año, informó el miércoles el Instituto Nacional de Antropología e Historia (INAH).

"Hallado sobre la línea de playa destaca un agrupamiento de rocas volcánicas distribuidas en un área de 340 metros de longitud sobre las que fueron talladas aproximadamente 640 grabados, algunos de los cuales incluso podrían datar del periodo Arcaico y tener al menos 4.000 años de antigüedad", indicó el INAH.

El sitio declarado Zona de Monumentos Arqueológicos se llama "Las Labradas" y está localizado cerca del poblado La Chicayota, en el municipio de San Ignacio (Sinaloa, con costas en el Pacífico), de 25.300 habitantes.

Tras la declaratoria como zona protegida será habilitada para ser visitado el próximo año.

"Las Labradas se conforma de varios conjuntos de grabados rupestres; percusiones en piedra que después de ser pulidas por antiguos habitantes, generaron figuras en bajorrelieve de tipo zoomorfo y antropomorfo, así como gran cantidad de diseños con características geométricas: puntos, círculos, cruces y rectángulos", detalló el INAH.

Los grabados, según el INAH, "podrían simbolizar la cosmovisión de antiguos pueblos que habitaron la región" y que acudían a Las Labradas "exclusivamente para desarrollar este arte rupestre como si se tratase de un santuario", ya que no podían asentarse en ese preciso sitio por la falta de una fuente de agua potable y las temperaturas extremas.

Algunos de los grabados de Las Labradas, estudiados desde 2003, también pudieron funcionar como marcadores astronómicos.

"Las investigaciones futuras se enfocarán en corroborar su relación con los solsticios de verano e invierno, dada la ubicación privilegiada de esta zona arqueológica con respecto a la línea del Trópico de Cáncer, que se halla a 30 kilómetros al sur", expuso el INAH.

Excavaciones efectuadas en 2010 y 2012 en sitios aledaños a Las Labradas, entre ellos el llamado "La flor del océano" -en lo que fue la desembocadura del arroyo La Chicayota-, indican que si bien existió ocupación de la región entre 700 y 1.250 de nuestra era (la época prehispánica más visible en Sinaloa), también la hubo desde el periodo Arcaico, es decir, previo al comienzo de la agricultura en Mesoamérica.

Al excavar en la zona, los arqueólogos mexicanos encontraron "materiales líticos que corresponden al periodo Arcaico (que se remonta al años 4.000 antes de nuestra era), hablamos de una colección considerable de puntas de proyectil, cuchillos, navajillas, todo esto sin cerámica asociada", indicó el INAH.

Fuente: AFP

MIAMI SE BAÑA DE VANGUARDIA CON LA 11a. EDICIÓN DE LA ART BASEL BAJO EL SOL

Casi 260 galerías de 31 países, entre ellas de Brasil, México, España, Argentina y Uruguay, abrieron el miércoles sus muestras en Art Basel Miami Beach, la primera feria de arte contemporáneo en Estados Unidos, que inunda de vanguardia y dinero la soleada ciudad de Florida.

Por Paula Bustamante

Casi 260 galerías de 31 países, entre ellas de Brasil, México, España, Argentina y Uruguay, abrieron el miércoles sus muestras en Art Basel Miami Beach, la primera feria de arte contemporáneo en Estados Unidos, que inunda de vanguardia y dinero la soleada ciudad de Florida.

"Esta feria se ha convertido en un verdadero motor económico para Miami, tiene impacto en los principales sectores de la ciudad", dijo Matti Herrera Bower, alcalde de Miami Beach, al inaugurar para la prensa y los coleccionistas privados esta feria creada en Basilea, Suiza, y que desde hace 11 años celebra una edición cada vez más poderosa en este punto del sureste de Estados Unidos.
Entre este jueves y el viernes, Art Basel recibirá a aficionados al arte contemporáneo en su sede principal en el Centro de Convenciones de Miami Beach, pero a la par se realizan al menos 22 otras ferias 'satélites', instaladas en grandes carpas en los barrios aledaños de Midtown Miami y Wynwood, que inundan la ciudad de un turismo local y extranjero de élite que asiste a subastas, presentaciones de grafitti y fiestas patrocinadas por marcas de lujo.
"Este es nuestro segundo año y quisimos repetir porque es muy grande el mercado de clientes que ha abierto esta feria", dijo a la AFP Ulisses Cohn, representante de Dan Galería, una de las 14 casas de arte que viajó este año de Brasil con unas 40 obras, entre las que destaca una extensa colección de los venezolanos Carlos Cruz Diez, en arte cinético, y Jesús Soto.
El valor de estas piezas oscila entre 300.000 y 500.000 dólares, pero como la mayoría de los expositores, Cohn prefiere no revelar a la prensa el precio por el que prevé comercializar estas obras, que llamaron la atención de decenas de compradores de arte el miércoles.
"El año pasado vendimos prácticamente el 50% de las obras que trajimos, y esperamos repetir o mejorar", comentó a la AFP Martín Castillo, representante de la única galería uruguaya en el gran galpón de Art Basel, Galería Sur.
Este espacio es quizás uno de los más atractivos para los aficionados al arte de los grandes nombres iberoamericanos y donde están expuestos un gran lienzo del colombiano Fernando Botero, varias obras del uruguayo Joaquín Torres García y esculturas del también uruguayo Pablo Atchugarry, así como dos obras del español Pablo Picasso.
"Tenemos obras de un millón y medio, un millón tresciento mil y otras que están en los cientos de miles de dólares", afirmó Castillo, convencido de que Art Basel Miami Beach "podría estar superando la convocatoria y los niveles de venta de la feria que se hace en Basilea, la cual también conoce muy bien.
Entre los compradores del primer día de Art Basel muy pocos quieren revelar sus nombres completos, como Eduardo, un comprador brasileño: la mayoría suele repetir que "es una oportunidad única en Estados Unidos para encontrar lo mejor del arte contemporáneo y se puede negociar muy bien".
Para Josep Aloy, de la galería Polígrafa -Obra Gráfica- de Barcelona, "este negocio del arte a veces no tiene nada que ver con la crisis económica, no necesariamente es algo que se refleje en las ferias", dijo en su espacio, que alberga obras de 10 artistas jóvenes, en su mayoría de América Latina, y que van desde 1.000 a 35.000 dólares.
"Lo mejor de esta feria y de todo lo que sucede a nivel artístico esta semana en Miami es que confluyen aficionados al arte de todo Estados Unidos, de toda Europa, de Asia y de América Latina, y en muchos casos se trata de coleccionistas muy abiertos, abiertos a descubrir nuevos talentos de cualquier parte del mundo", indicó Cecilia Tanure, de la galería de Río de Janeiro A Gentil Carioca.
De las 257 galerías que participan este año en Art Basel, cerca de la mitad son de Estados Unidos y América Latina, luego le siguen 34 alemanas, 19 británicas, 18 francesas, 11 italianas, 10 suizas y nueve españolas.
Austria, Bélgica y México llegaron con cuatro representaciones, China y Argentina tres y luego al menos 10 países, entre ellos Perú, Colombia, Israel e India lograron al menos un stand en este festín de vanguardia para el cual más de 680 casas de arte compitieron por tener un lugar.
"Estamos trabajando para ampliar esta feria con una nueva plataforma en el Convention Center de Miami y un hotel", dijo Norman Braman, expropietario del equipo de fútbol Philadelphia Eagles y hoy prominente coleccionista de arte, que preside el comité de Art Basel en Miami Beach.

Fuente: AFP

UN DIBUJO DE RAFAEL,VENDIDO POR MÄS DE 47 MILLONES DE DÓLARES EN LONDRES

Un dibujo del artista renacentista italiano Rafael estableció el miércoles en Londres un nuevo récord en una subasta para una obra en papel, al venderse por 29,7 millones de libras (47,8 millones de dólares, 36,6 millones de euros), anunció la casa Sotheby's, organizadora de la velada.

Por Carl Court

Un dibujo del artista renacentista italiano Rafael estableció el miércoles en Londres un nuevo récord en una subasta para una obra en papel, al venderse por 29,7 millones de libras (47,8 millones de dólares, 36,6 millones de euros), anunció la casa Sotheby's,organizadora de la velada. La obra 'Cabeza de un apóstol', uno de los dibujos más importantes de Rafaello Sanzio, más conocido como Rafael (1483-1520), que permanecía en manos privadas, prácticamente duplicó su estimación inicial de entre 10 y 15 millones de libras, al término de 17 intensos minutos de puja entre cuatro postores. Este dibujo en tiza negra, que pertenecía desde el siglo XVIII a la familia del duque de Devonshire, sirvió de preparación para 'La transfiguración', una de las últimas obras del artista italiano. 'La transfiguración', encargado por el cardenal Giulio de Medici en torno a 1516 y recientemente descrito por unos especialistas como "uno de los cuadros más importantes del Renacimiento", es un monumental óleo sobre tabla ejecutado entre 1517 y 1520 que se conserva hasta el día de hoy en los Museos Vaticanos. Dicen que cuando Rafael murió, a los 37 años de edad, su cuerpo fue colocado en su taller frente a la 'La transfiguración'. 'Cabeza de un apóstol' era el tercer dibujo de similar importancia de Rafael que se ponía bajo el martillo en los últimos 50 años, precisaron los organizadores de esta subasta dedicada a los grandes maestros.

Cartón auxiliar para «La Transfiguración», última pintura del maestro italiano, este dibujo colgó en el Prado en la exposición que el museo ha dedicado este año a la última etapa del pintor

«Cabeza de joven apóstol», dibujo de Rafael (cartón auxiliar para «La Transfiguración») SOTHEBY'S

Sotheby's ha sacado hoy a subasta tres obras maestras del Renacimiento, procedentes de la prestigiosa colección Devonshire, con sede en Chatsworth (Derbyshire, Inglaterra), que atesora uno de los conjuntos de dibujos de maestros antiguos más importantes del mundo. La mayor parte de ellos fueron adquiridos por William Cavendish, segundo duque de Devonshire (1672-1729), un brillante coleccionista. Sólo dos otras colecciones británicas (el Museo Ashmolean de Oxford y el Museo Británico) pueden presumir de tener más dibujos del maestro que esta colección.

En la subasta de hoy destacaba, muy especialmente, un maravilloso dibujo de Rafael (1483-1520). Ejecutado hacia 1519-20 en lápiz negro, «Cabeza de joven apóstol», de Rafael (37,5 x 27,8 centímetros), partía con una estimación previa de entre 10 y 15 millones de libras. Finalmente, se vendió por 29.721.250 libras.

El récord sigue siendo suyo

«Cabeza de musa», de Rafael - CHRISTIE'S

Superó así el récord para un dibujo antiguo que estaba en sus manos desde 2009. Su «Cabeza de musa» fue rematada en Christie's-Londres por 29,1 millones de libras (48 millones de dólares). Se trata del estudio de una figura del Parnaso, una de las series de cuatro frescos de Stanza della Signatura del Vaticano. Lejos de él se mantienen los otros dos gigantes del Renacimiento italiano: Leonardo y Miguel Ángel. Un dibujo del primero, «Caballo y jinete», fue vendido en la sala Christie's de Londres en 2001 por 8.143.750 libras, cantidad similar a la que se pagó en 2000 por un dibujo de Miguel Ángel, «La Resurrección de Cristo».

En cuanto al dibujo de Rafael vendido hoy, es de gran importancia dentro de la producción del maestro italiano, pues se trata de un cartón auxiliar para la última pintura que hizo en su vida, que incluso dejó inacabada: «La Transfiguración», que se halla en los Museos Vaticanos. Este cuadro fue un encargo del cardenal Giulio de Medici en torno a 1516 y está considerada como una de las más importantes obras del Renacimiento. Cuando Rafael murió prematuramente a los 37 años, su cuerpo fue colocado en su estudio. Sobre él colgaba «La Transfiguración».

Una obra conmovedora

Esta obra tuvo un apartado especial en la gran exposición que el Prado dedicó este año al último Rafael. En una sala del edificio de Villanueva, cuelga la monumental «Transfiguración», de Giulio Romano y Penni, del Prado, que, debido a su peso y tamaño, no pudo moverse de la sala para la exposición. Es una copia que hicieron sus ayudantes más importantes de la última pintura de Rafael. Acompañando a la obra del Prado, su estudio técnico y soberbios dibujos preparatorios salidos de la mano de Rafael (13 de los 17 conocidos). Había préstamos del British Museum, Louvre, Biblioteca Ambrosiana de Milán, el Ashmolean Museum de Oxford... Tres de ellos procedían de Chatsworth: había dos sanguinas y el dibujo que se ha vendido hoy.

Los especialistas destacan la fuerza y belleza de este excepcional dibujo

Especialistas de Sotheby's subrayan que «este estudio conmovedor es un excepcional ejemplo de la producción de dibujos de Raphael y demuestra por qué es reverenciado como posiblemente el mayor maestro del dibujo que ha habido jamás. La belleza de este trabajo es impresionante». Para Gregory Rubinstein, director mundial del departamento de dibujos de maestros antiguos de Sotheby's, «es uno de los mayores privilegios más grandes de mi carrera la venta de un dibujo de tan extraordinaria importancia. Su fuerza y belleza son increíbles».

La venta de esta obra ha sido un evento de primera magnitud. En los últimos 50 años, sólo dos dibujos de Rafael de similar importancia han aparecido en el mercado: cada uno estableció en su día un récord. De los últimos trabajos de Rafael, es «La Transfiguración» del que mayor número de estudios sobreviven. Sintió la necesidad de preparar de forma excepcional este lienzo. Para sus obras más importantes, Rafael utilizaba dibujos preparatorios para explorar los más sutiles detalles de sus figuras. Ejecutaba bocetos de rápida ejecución y otros más detallados, después los pasaba a estudios a gran escala, perfeccionando aún más los matices.

Fuentes: AFP y ABC.es