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Una exposición con varias obras
originales del pintor posimpresionista francés del siglo XIX Paul
Gauguin, fue abierta al público el viernes en el Museo del Canal
Interoceánico de Panamá, constató un periodista de la AFP.
Una exposición con varias obras originales del pintor
posimpresionista francés del siglo XIX Paul Gauguin, fue abierta al
público el viernes en el Museo del Canal Interoceánico de Panamá,
constató un periodista de la AFP.
La exposición 'Paul Gauguin, el sueño de Panamá', está compuesta por
36 obras originales del artísta francés, quien hace 125 años vivió una
temporada en Panamá.'Naturaleza muerta con naranjas' (antes de 1882), 'Lavanderas de Pont Aven' (1886) o 'La hija del patrón' (1886) forman parte de la muestra que incluye óleos, grabados, cerámicas y dibujos. También se exhiben cinco cartas de Gauguin enviadas a su esposa Mette (1886/1887) y 13 fotografías (1882-1886) tomadas durante su permanencia en Panamá. "Este es un proyecto original que se presentará al público panameño e internacional, obras de arte de uno de los pintores más representativos del posimpresionismo y padre del sintetismo?, dijo la directora del Museo del Canal de Panamá, Ángeles Ramos. ?Es la primera exposición de pintura de esta magnitud en América Central. Esta hecha sólo para Panamá", dijo el embajador de Francia en Panamá, Hugues Goisbault. Las obras han sido facilitadas por instituciones como el Musée d'Orsay de París, el Metropolitan Museum de Nueva York, la National Gallery de Londres y coleccionistas privados. Los organizadores esperan batir el récord de visitas a un museo en Panamá con esta exposición. En 1887, Gauguin vivió durante cinco semanas en Panamá, adonde llegó resuelto a "vivir cual salvaje" en la isla de Taboga, en el Pacífico, cuenta Marc de Banville, periodista y documentalista francés. Sin dinero, el artista terminó trabajando en las obras de construcción del canal interoceánico, que emprendió el conde francés Ferdinand de Lesseps, aunque no se quedó por mucho tiempo. "Su tendencia a las borracheras y peleas hizo que lo despidieran al cabo de pocas semanas" y partiera rumbo a Martinica, llevándose "como recuerdo una disentería, la malaria y los cálidos colores de Taboga", dice Banville en su libro 'Canal Francés. La aventura de los franceses en Panamá'. Fuente: AFP |
INAUGURAN EN PANAMÁ
LA PRIMERA EXPOSICIÓN DE GAUGIN EN CENTROAMÉRICA
EL CENTENARIO DE UN EDIFICIO
QUE ES PARTE DE LA IDENTIDAD DE TIGRE
Fue inaugurado en 1912.
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Lo construyeron para el deporte y luego recibió grandes fiestas de la alta sociedad. Tras su restauración, fue reinaugurado en 2006 como sede del Museo de Arte local (MAT). |
Señorial, casi vanidoso, el bello edificio de estilo
francés que contiene al Museo de Arte Tigre (MAT), se yergue triunfal de
cara al río. Nadie le da ese siglo de vida que acaba de cumplir, pero
por su superficie, entre sus sombras, late la historia de una sociedad,
la de Tigre y la de la misma Buenos Aires, que reflejó en este edificio
mítico sus vaivenes y contradicciones durante 100 años.
En 1909,
los empresarios Ernesto Tornquist, Luis García y Emilio Mitre decidieron
que hacía falta un club de regatas y fundaron el Tigre Club donde hoy
está el Museo, para que la gente bien de Buenos Aires pudiera
distenderse los fines de semana arriba de un bote, o jugando al tenis o
al golf. En noviembre de 1912 quedó inaugurada la primera construcción,
pero la actividad deportiva fue cediendo lugar al juego y la diversión
nocturna cuando se asomaba la década del ’30. Una sociedad anónima
compró parte de las instalaciones para levantar un casino y anexarlo al
viejo hotel y entonces el actual Museo encontró su espíritu francés.
Fueron convocados los arquitectos galos Luis Dubois y Pablo Pater,
quienes habían diseñado la embajada de Francia, el actual Palacio Ortiz
Basualdo. La diversión fue una constante con grandes bailes en las
terrazas. “Me di el lujo de bailar en el Tigre Hotel al compás de las
orquestas de Di Sarli y Pugliese”, recuerda don Chiche Soula a sus 83
años, uno de los personajes que perduran en Tigre, orgulloso con su
flota de autos antiguos.
Pero la decandencia, ocurre. De ser un
refugio de poetas como Rubén Darío, o de presidentes como Julio Roca, y
de ser destino del turismo internacional, el palacio fue quedando en
silencio, y fue herrumbre, cierre y olvido.
El intendente de
Tigre, Sergio Massa, dice que “los 100 años del edificio del MAT tienen
que ver con lo que significaba Tigre en las afueras de Buenos Aires. El
lugar era el Tigre Club y estaba acompañado por un hotel. La comunidad
profesa un orgullo especial por este museo, cuyo edificio, de principios
del siglo XX, fue declarado Monumento Histórico Nacional gracias a sus
valores patrimoniales y arquitectónicos”. Lo que dice Massa ocurrió en
1979, cuando fue preservado como Monumento Histórico, pero antes, en
1974, hubo una decisión crucial: el intendente de esa época, Néstor
Pozzi, publicaba una ordenanza decidiendo la expropiación del edificio.
En
1997 se decidió por fin restaurar el palacio, que parecía esperar el
peor final. Claro que la tarea no iba a ser sencilla. Y si bien demoró
más de la cuenta la recuperación de este vanidoso que hoy mira desde
arriba el paso del Río Luján, en nueve años, y tras diversas etapas de
restauración, el edificio quedó reinaugurado. Fue en una gloriosa tarde
tigrense de 2006. La tarea fue tan minuciosa, que por ejemplo, se
pulieron a mano las 100 mil baldosas originales de mármol de Carrara.
El
embajador de Francia en Argentina, Jean Pierre Asvazadourian, asegura
que el Museo de Arte de Tigre “es un lugar bello que cuenta con una
arquitectura impecable. Un estilo francés muy bien recuperado y
mantenido, el mejor lugar para ofrecer arte.” Parecería que es nomás
como dice ése múltiple artista que es Páez Vilaró: “Aquí en el MAT,
entre tanta belleza del edificio y de su entorno, el arte es apenas una
continuidad”.
Por el aniversario
Con un libro y una muestra
En las instalaciones del Museo Isaac Fernández Blanco
de la Ciudad de Buenos Aires, se realizó el lanzamiento del tercer
libro del MAT, “Museo de Arte Tigre, cien años y más”, bajo la dirección
editorial de Diana Saiegh. La publicación, que recopila la historia del
edificio declarado patrimonio histórico y arquitectónico, aborda un
análisis técnico y biográfico del arquitecto francés Paul Pater y su
obra. Además, se presentó “De Tigre a Libertad”, una exhibición que
homenajea a Pater, quien junto a Louis Dubois diseñó la actual sede del
MAT.
Fuente: clarin.com
ROCAS VOLCÁNICAS DE PLAYA MEXICANA CON GRABADOS ABIERTAS A VISITA DESDE 2013
Un agrupamiento de rocas volcánicas negras con cientos de grabados rupestres que datan probablemente del año 4000 AC, esparcidas en un área del estado mexicano de Sinaloa (noroeste), podrán ser visitadas el próximo año, informó el miércoles el Instituto Nacional de Antropología e Historia (INAH).
Un agrupamiento de rocas volcánicas negras con cientos
de grabados rupestres que datan probablemente del año 4000 AC,
esparcidas en un área del estado mexicano de Sinaloa (noroeste), podrán
ser visitadas el próximo año, informó el miércoles el Instituto Nacional
de Antropología e Historia (INAH).
"Hallado sobre la línea de playa destaca un agrupamiento de rocas
volcánicas distribuidas en un área de 340 metros de longitud sobre las
que fueron talladas aproximadamente 640 grabados, algunos de los cuales
incluso podrían datar del periodo Arcaico y tener al menos 4.000 años de
antigüedad", indicó el INAH.
El sitio declarado Zona de Monumentos Arqueológicos se llama "Las
Labradas" y está localizado cerca del poblado La Chicayota, en el
municipio de San Ignacio (Sinaloa, con costas en el Pacífico), de 25.300
habitantes.
Tras la declaratoria como zona protegida será habilitada para ser visitado el próximo año.
"Las Labradas se conforma de varios conjuntos de grabados rupestres;
percusiones en piedra que después de ser pulidas por antiguos
habitantes, generaron figuras en bajorrelieve de tipo zoomorfo y
antropomorfo, así como gran cantidad de diseños con características
geométricas: puntos, círculos, cruces y rectángulos", detalló el INAH.
Los grabados, según el INAH, "podrían simbolizar la cosmovisión de
antiguos pueblos que habitaron la región" y que acudían a Las Labradas
"exclusivamente para desarrollar este arte rupestre como si se tratase
de un santuario", ya que no podían asentarse en ese preciso sitio por la
falta de una fuente de agua potable y las temperaturas extremas.
Algunos de los grabados de Las Labradas, estudiados desde 2003, también pudieron funcionar como marcadores astronómicos.
"Las investigaciones futuras se enfocarán en corroborar su relación
con los solsticios de verano e invierno, dada la ubicación privilegiada
de esta zona arqueológica con respecto a la línea del Trópico de Cáncer,
que se halla a 30 kilómetros al sur", expuso el INAH.
Excavaciones efectuadas en 2010 y 2012 en sitios aledaños a Las
Labradas, entre ellos el llamado "La flor del océano" -en lo que fue la
desembocadura del arroyo La Chicayota-, indican que si bien existió
ocupación de la región entre 700 y 1.250 de nuestra era (la época
prehispánica más visible en Sinaloa), también la hubo desde el periodo
Arcaico, es decir, previo al comienzo de la agricultura en Mesoamérica.
Al excavar en la zona, los arqueólogos mexicanos encontraron
"materiales líticos que corresponden al periodo Arcaico (que se remonta
al años 4.000 antes de nuestra era), hablamos de una colección
considerable de puntas de proyectil, cuchillos, navajillas, todo esto
sin cerámica asociada", indicó el INAH.
Fuente: AFP
MIAMI SE BAÑA DE VANGUARDIA
CON LA 11a. EDICIÓN DE LA ART BASEL BAJO EL SOL
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Casi 260 galerías de 31 países,
entre ellas de Brasil, México, España, Argentina y Uruguay, abrieron el
miércoles sus muestras en Art Basel Miami Beach, la primera feria de
arte contemporáneo en Estados Unidos, que inunda de vanguardia y dinero
la soleada ciudad de Florida.
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Casi 260 galerías de 31 países, entre ellas de Brasil,
México, España, Argentina y Uruguay, abrieron el miércoles sus muestras
en Art Basel Miami Beach, la primera feria de arte contemporáneo en
Estados Unidos, que inunda de vanguardia y dinero la soleada ciudad de
Florida.
"Esta feria se ha convertido en un verdadero motor económico para
Miami, tiene impacto en los principales sectores de la ciudad", dijo
Matti Herrera Bower, alcalde de Miami Beach, al inaugurar para la prensa
y los coleccionistas privados esta feria creada en Basilea, Suiza, y
que desde hace 11 años celebra una edición cada vez más poderosa en este
punto del sureste de Estados Unidos.Entre este jueves y el viernes, Art Basel recibirá a aficionados al arte contemporáneo en su sede principal en el Centro de Convenciones de Miami Beach, pero a la par se realizan al menos 22 otras ferias 'satélites', instaladas en grandes carpas en los barrios aledaños de Midtown Miami y Wynwood, que inundan la ciudad de un turismo local y extranjero de élite que asiste a subastas, presentaciones de grafitti y fiestas patrocinadas por marcas de lujo.
"Este es nuestro segundo año y quisimos repetir porque es muy grande el mercado de clientes que ha abierto esta feria", dijo a la AFP Ulisses Cohn, representante de Dan Galería, una de las 14 casas de arte que viajó este año de Brasil con unas 40 obras, entre las que destaca una extensa colección de los venezolanos Carlos Cruz Diez, en arte cinético, y Jesús Soto.
El valor de estas piezas oscila entre 300.000 y 500.000 dólares, pero como la mayoría de los expositores, Cohn prefiere no revelar a la prensa el precio por el que prevé comercializar estas obras, que llamaron la atención de decenas de compradores de arte el miércoles.
"El año pasado vendimos prácticamente el 50% de las obras que trajimos, y esperamos repetir o mejorar", comentó a la AFP Martín Castillo, representante de la única galería uruguaya en el gran galpón de Art Basel, Galería Sur.
Este espacio es quizás uno de los más atractivos para los aficionados al arte de los grandes nombres iberoamericanos y donde están expuestos un gran lienzo del colombiano Fernando Botero, varias obras del uruguayo Joaquín Torres García y esculturas del también uruguayo Pablo Atchugarry, así como dos obras del español Pablo Picasso.
"Tenemos obras de un millón y medio, un millón tresciento mil y otras que están en los cientos de miles de dólares", afirmó Castillo, convencido de que Art Basel Miami Beach "podría estar superando la convocatoria y los niveles de venta de la feria que se hace en Basilea, la cual también conoce muy bien.
Entre los compradores del primer día de Art Basel muy pocos quieren revelar sus nombres completos, como Eduardo, un comprador brasileño: la mayoría suele repetir que "es una oportunidad única en Estados Unidos para encontrar lo mejor del arte contemporáneo y se puede negociar muy bien".
Para Josep Aloy, de la galería Polígrafa -Obra Gráfica- de Barcelona, "este negocio del arte a veces no tiene nada que ver con la crisis económica, no necesariamente es algo que se refleje en las ferias", dijo en su espacio, que alberga obras de 10 artistas jóvenes, en su mayoría de América Latina, y que van desde 1.000 a 35.000 dólares.
"Lo mejor de esta feria y de todo lo que sucede a nivel artístico esta semana en Miami es que confluyen aficionados al arte de todo Estados Unidos, de toda Europa, de Asia y de América Latina, y en muchos casos se trata de coleccionistas muy abiertos, abiertos a descubrir nuevos talentos de cualquier parte del mundo", indicó Cecilia Tanure, de la galería de Río de Janeiro A Gentil Carioca.
De las 257 galerías que participan este año en Art Basel, cerca de la mitad son de Estados Unidos y América Latina, luego le siguen 34 alemanas, 19 británicas, 18 francesas, 11 italianas, 10 suizas y nueve españolas.
Austria, Bélgica y México llegaron con cuatro representaciones, China y Argentina tres y luego al menos 10 países, entre ellos Perú, Colombia, Israel e India lograron al menos un stand en este festín de vanguardia para el cual más de 680 casas de arte compitieron por tener un lugar.
"Estamos trabajando para ampliar esta feria con una nueva plataforma en el Convention Center de Miami y un hotel", dijo Norman Braman, expropietario del equipo de fútbol Philadelphia Eagles y hoy prominente coleccionista de arte, que preside el comité de Art Basel en Miami Beach.
Fuente: AFP
UN DIBUJO DE RAFAEL,
VENDIDO POR MÄS DE 47 MILLONES DE DÓLARES
EN LONDRES
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Un dibujo del artista renacentista italiano Rafael estableció el miércoles en Londres un nuevo récord en una subasta para una obra en papel, al venderse por 29,7 millones de libras (47,8 millones de dólares, 36,6 millones de euros), anunció la casa Sotheby's, organizadora de la velada. |
Un dibujo del artista renacentista italiano Rafael estableció el miércoles en Londres un nuevo récord en una subasta para una obra en papel, al venderse por 29,7 millones de libras (47,8 millones de dólares, 36,6 millones de euros), anunció la casa Sotheby's,organizadora de la velada.
La obra 'Cabeza de un apóstol', uno de los dibujos más importantes de Rafaello Sanzio, más conocido como Rafael (1483-1520), que permanecía en manos privadas, prácticamente duplicó su estimación inicial de entre 10 y 15 millones de libras, al término de 17 intensos minutos de puja entre cuatro postores.
Este dibujo en tiza negra, que pertenecía desde el siglo XVIII a la familia del duque de Devonshire, sirvió de preparación para 'La transfiguración', una de las últimas obras del artista italiano. 'La transfiguración', encargado por el cardenal Giulio de Medici en torno a 1516 y recientemente descrito por unos especialistas como "uno de los cuadros más importantes del Renacimiento", es un monumental óleo sobre tabla ejecutado entre 1517 y 1520 que se conserva hasta el día de hoy en los Museos Vaticanos.
Dicen que cuando Rafael murió, a los 37 años de edad, su cuerpo fue colocado en su taller frente a la 'La transfiguración'.
'Cabeza de un apóstol' era el tercer dibujo de similar importancia de Rafael que se ponía bajo el martillo en los últimos 50 años, precisaron los organizadores de esta subasta dedicada a los grandes maestros.
Cartón auxiliar para «La Transfiguración», última pintura del maestro italiano, este dibujo colgó en el Prado en la exposición que el museo ha dedicado este año a la última etapa del pintor
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| «Cabeza de joven apóstol», dibujo de Rafael (cartón auxiliar para «La Transfiguración») SOTHEBY'S |
Sotheby's ha sacado hoy a subasta tres obras maestras del Renacimiento, procedentes de la prestigiosa colección Devonshire, con sede en Chatsworth (Derbyshire, Inglaterra),
que atesora uno de los conjuntos de dibujos de maestros antiguos más
importantes del mundo. La mayor parte de ellos fueron adquiridos por William Cavendish, segundo duque de Devonshire (1672-1729), un brillante coleccionista. Sólo dos otras colecciones británicas (el Museo Ashmolean de Oxford y el Museo Británico) pueden presumir de tener más dibujos del maestro que esta colección.
En la subasta de hoy destacaba, muy especialmente, un maravilloso dibujo de Rafael (1483-1520). Ejecutado hacia 1519-20 en lápiz negro, «Cabeza de joven apóstol», de Rafael (37,5 x 27,8 centímetros), partía con una estimación previa de entre 10 y 15 millones de libras. Finalmente, se vendió por 29.721.250 libras.
El récord sigue siendo suyo
«Cabeza de musa», de Rafael - CHRISTIE'S
Superó así el récord para un dibujo antiguo que estaba en sus manos desde 2009. Su «Cabeza de musa» fue rematada en Christie's-Londres por 29,1 millones de libras (48 millones de dólares). Se trata del estudio de una figura del Parnaso, una de las series de cuatro frescos de Stanza della Signatura del Vaticano. Lejos de él se mantienen los otros dos gigantes del Renacimiento italiano: Leonardo y Miguel Ángel. Un dibujo del primero, «Caballo y jinete», fue vendido en la sala Christie's de Londres en 2001 por 8.143.750 libras, cantidad similar a la que se pagó en 2000 por un dibujo de Miguel Ángel, «La Resurrección de Cristo».
En cuanto al dibujo de Rafael vendido hoy, es de gran
importancia dentro de la producción del maestro italiano, pues se trata
de un cartón auxiliar para la última pintura que hizo en su vida, que incluso dejó inacabada: «La Transfiguración», que se halla en los Museos Vaticanos. Este cuadro fue un encargo del cardenal Giulio de Medici en torno a 1516 y está considerada como una de las más importantes obras del Renacimiento. Cuando Rafael murió prematuramente a los 37 años, su cuerpo fue colocado en su estudio. Sobre él colgaba «La Transfiguración».
Una obra conmovedora
Esta obra tuvo un apartado especial en la gran exposición que el Prado dedicó este año al último Rafael.
En una sala del edificio de Villanueva, cuelga la monumental
«Transfiguración», de Giulio Romano y Penni, del Prado, que, debido a su
peso y tamaño, no pudo moverse de la sala para la exposición. Es una
copia que hicieron sus ayudantes más importantes de la última pintura de
Rafael. Acompañando a la obra del Prado, su estudio técnico y soberbios
dibujos preparatorios salidos de la mano de Rafael (13 de los 17
conocidos). Había préstamos del British Museum, Louvre, Biblioteca
Ambrosiana de Milán, el Ashmolean Museum de Oxford... Tres de ellos
procedían de Chatsworth: había dos sanguinas y el dibujo que se ha vendido hoy.
Los especialistas destacan la fuerza y belleza de este excepcional dibujo
Especialistas de Sotheby's subrayan que «este estudio conmovedor es un excepcional ejemplo de la producción de dibujos de Raphael y demuestra por qué es reverenciado como posiblemente el mayor maestro del dibujo que
ha habido jamás. La belleza de este trabajo es impresionante». Para
Gregory Rubinstein, director mundial del departamento de dibujos de
maestros antiguos de Sotheby's, «es uno de los mayores privilegios más
grandes de mi carrera la venta de un dibujo de tan extraordinaria importancia. Su fuerza y belleza son increíbles».
La venta de esta obra ha sido un evento de primera magnitud. En los últimos 50 años, sólo dos dibujos de Rafael de similar importancia
han aparecido en el mercado: cada uno estableció en su día un récord.
De los últimos trabajos de Rafael, es «La Transfiguración» del que mayor número de estudios sobreviven.
Sintió la necesidad de preparar de forma excepcional este lienzo. Para
sus obras más importantes, Rafael utilizaba dibujos preparatorios para
explorar los más sutiles detalles de sus figuras. Ejecutaba bocetos de
rápida ejecución y otros más detallados, después los pasaba a estudios a
gran escala, perfeccionando aún más los matices.
Fuentes: AFP y ABC.es
LA CASA ROSADA ES ASIMÉTRICA
Los cuerpos laterales eran iguales, hasta que le rebanaron el sur para prolongar Yrigoyen.
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Ahora. La sede del Gobierno en la actualidad, con un lado más largo que el otro, por una de las tantas modificaciones que se le hicieron. |
La Casa Rosada es un enclave patrimonial de gran densidad histórica. Demás está decir, por los hechos relevantes que allí se suscitaron y marcaron los destinos de nuestro país. No sólo eso, también desde la arquitectura concentra récords de historia y curiosidades por metro cuadrado. Las más recientes tienen que ver con la polémica que desató la plata que se va a gastar en hacer un puñado de refacciones. Estas parecen continuar una serie de obras ya realizadas que –luego de años de abandono– a partir de 1998 recuperaron las cuatro fachadas, cambiaron su color rosa por uno más intenso y restauraron algunos de sus imponentes salones.
Aunque pocos lo sepan, el frente de la Casa Rosada alguna vez fue simétrico, con su arcada central enfatizando el acceso principal y ceremonial sobre la Plaza de Mayo. Así lo proyectó en 1884 Francisco Tamburini, el mismo autor del Teatro Colón, el Departamento Central de Policía y del Colegio Mariano Acosta, entre otras obras destacadas. En realidad, si nos retrotraemos a los orígenes, de esta barranca bañada por el río emergían las murallas del Fuerte de Buenos Aires (1594). Con el tiempo, se fueron sucediendo una serie de edificaciones como la residencia para gobernadores y el palacio para los virreyes, hasta que en 1853 sirvió como sede del Gobierno Nacional. Fue Sarmiento quien durante su presidencia promovió una gran reforma que incluyó la arriesgada decisión de pintar todo de rosa.
La historia del edificio que hoy conocemos arranca en 1876 cuando en la esquina vacante de Balcarce e Yrigoyen, Carlos Kihlberg proyecta la nueva sede para el Palacio de Correos y Telégrafos. Y calle de por medio, en la esquina de Balcarce y Rivadavia, Enrique Aberg proyecta el edificio de Ministerios, como materializando una idea expresada por Carlos Pellegrini: “Dos cuerpos de edificios simétricos y paralelos que dejen ver el Sol de América a su levantar”.
Duró poco. Las ambiciones del presidente Julio Argentino Roca eran otras. Impuso a su arquitecto personal, el italiano Francisco Tamburini, quien unifica en 1898 los dos cuerpos existentes con un arco central que le da a la sede de gobierno la pretendida configuración monumental a la altura de las declamadas transformaciones de la Nación.
La historia no queda ahí, ni tampoco el edificio. Entre los años 30 le rebanan 17 metros del ala sur para continuar Hipólito Yrigoyen hacia el río. La idea estaba dentro de un plan general que consistía en mudar la Casa de Gobierno y darle un nuevo marco a la emblemática Plaza de Mayo. De esta iniciativa queda como cicatriz la pérdida de la simetría de la Casa Rosada y la imponente presencia del Ministro de Hacienda, esa mole sobre Yrigoyen y el Bajo que aún conserva los agujeros de las balas del bombardeo militar de 1955.
En 1942, durante unas excavaciones, se redescubre la vieja Aduana en la parte posterior a la Casa de Gobierno. Había sido proyectada en 1855 por el ingeniero Edward Taylor con forma de hemiciclo y fue demolida en 1894 cuando el puerto pasó a ser Puerto Madero. Este hallazgo fue el puntapié para la creación del Museo de la Casa de Gobierno en 1957 y luego la construcción del flamante Museo del Bicentenario, inaugurado en 2011. La Presidenta, haciendo uso de su declamada vocación arquitectónica, puso mano en el proyecto del estudio B4FS y mandó a trasladar a este sitio el famoso Mural de Siqueiros que había estado arrumbado por años en unos contenedores.
Los arquitectos en general quedaron chochos con esta obra singular. Los que no quedaron muy conformes fueron los arqueólogos: protestan porque al hacer el nuevo edificio cementaron la oportunidad de develar las capas de historia que quedaron enterradas en sus entrañas. Aseguran que, exigidos por los tiempos de la obra, las exploraciones arqueológicas se hicieron contrarreloj, dejando de hacer trabajos más detallados. Y, lo más lamentable, se taparon sectores que presentaban un potencial arqueológico único.
*Editor general ARQ.
Fuente: clarín.com
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| ¿El Mundo de la Fantasía de Disneylandia? ¿La Mansión de Barbie? Lo berreta sale caro. Foto Oliver Kornblihtt - AFV |
COMENTARIOS A ESTA NOTA:Pedro Baliña · Comentarista destacado · Trabaja en Decoración, Iluminación y Puesta en Valor de Obras de Arte
Un capítulo especial merece la nueva iluminación, con la que se ha conseguido que la que siempre había sido la Casa Rosada, haya pasado ahora a ser la nacarada, iridiscente e irremediablemente cursi Casa Fucsia.
El cuento, en un principio, fue que esa iluminación tonalizada era para hermanar a Buenos Aires con otras grandes ciudades del Mundo por el
tema de la concientización de las mujeres en pro de la conveniencia de
un diagnóstico precoz del cáncer de mama. La citada iluminación iba a
ser temporaria y uno, sólo desde ese punto de vista, podía llegar a
aceptar esos espantosos y gigantes tachos plateados, como los que se
alquilan para 'eventos' y desfiles de modelos, y esos cables negros
gordísimos, como ristras de oscuras morcillas, con los que está hecha.
Ésa fue la excusa para encajarnos de prepo esa espantosa iluminación con la que se ha tratado a la sede del Poder Ejecutivo Nacional.
Se ha tirado una millonada enorme de pesos para conseguir ese horrible
resultado: uno no sabe ahora si está ante nuestra Casa de Gobierno,
frente a uno de los tantos moteles por horas de la Panamericana o ante
una disco de las tantas que hay cuando va partiendo de viaje de Buenos
Aires hacia Mar del Plata. Tal el grado de la vulgaridad lograda.
Síntoma y reflejo de la época.
Y como si lo recién descripto fuera poco, a la sede central del Banco Nación, una de las obras emblemáticas de ese gran artista -escultor-pintor-arquitect
¿Puede ser que la compulsión argentina en dirección al mamarracho sea tan fuerte, tan irrefrenable? ¿Puede ser que el respeto por nuestros edificios históricos y patrimoniales brille tanto por su ausencia? Es comprensible, hasta esperable, que las empresas proveedoras traten de hacer su propio negocio... ¿Pero los expertos y asesores de la Comisión Nacional de Museos, Monumentos y Lugares Históricos no deberían expedirse en estos casos y poner las cosas en su justo punto haciendo comprender que esa "chabacanización" del Casco Histórico es absolutamente inadmisible cualquiera sea el punto desde el que se la mire?
¡Cómo se nota que en el Antiguo Egipto, a sus arquitectos, no les enseñaban Iluminación!
Y como si lo recién descripto fuera poco, a la sede central del Banco Nación, una de las obras emblemáticas de ese gran artista -escultor-pintor-arquitect
¿Puede ser que la compulsión argentina en dirección al mamarracho sea tan fuerte, tan irrefrenable? ¿Puede ser que el respeto por nuestros edificios históricos y patrimoniales brille tanto por su ausencia? Es comprensible, hasta esperable, que las empresas proveedoras traten de hacer su propio negocio... ¿Pero los expertos y asesores de la Comisión Nacional de Museos, Monumentos y Lugares Históricos no deberían expedirse en estos casos y poner las cosas en su justo punto haciendo comprender que esa "chabacanización" del Casco Histórico es absolutamente inadmisible cualquiera sea el punto desde el que se la mire?
¡Cómo se nota que en el Antiguo Egipto, a sus arquitectos, no les enseñaban Iluminación!
Pedro Baliña · Comentarista destacado · Trabaja en Decoración, Iluminación y Puesta en Valor de Obras de Arte
Desconozco la normativa francesa para la Torre Eiffel y para sus monumentos históricos nacionales, edificios patrimoniales, etc. pero sí puedo asegurar que en Francia, como por lo general ocurre con los otros países del Primer Mundo en serio, las leyes y normativa respecto de los monumentos históricos y edificios patrimoniales, se hacen para ser cumplidas y respetadas. Aquí, desgraciadamente, sabemos de memoria, que las leyes y normas se hacen sólo para fregarse en ellas. Y que los gobiernos de todo signo y color, en vez de dar el ejemplo, son los primeros en transgredir y avasallar esas leyes y normativa específicas.
Por otro lado, no creo que sea comparable el caso de la Torre Eiffel con el de nuestra Casa de Gobierno. A mi entender, podría sólo podría ser equiparable con nuestro Obelisco, puesto que los dos son ya símbolos icónicos, respectivamente de la capital francesa y de la Ciudad de Buenos Aires. Pero la Torre Eiffel no es la sede física dentro de la cual ejercen sus cargos los presidentes de la República Francesa, como sí lo es nuestra Casa de Gobierno. Aparte, la Torre Eiffel, me parece que ha sido tratada lumínicamente con criterio visual y buen gusto. Pero lo hecho en nuestra Casa de Gobierno, me parece un verdadero desastre, un monumento al mal gusto y al cocoliche. Creo que es un gran error sumar iluminación tonalizada a la arquitectura y a la escultura. En el caso particular de nuestra Casa de Gobierno, en la época de De La Rúa, ya se le había cambiado el color, oscureciéndoselo y llevándolo a un muy riesgo color frambuesa demasiado pigmentario. Ese nuevo color, sumado a que la sede de nuestro de gobierno ya es visualmente bastante pesada, le daban ese aspecto como de gran torta muy teñida de colorante artificial. Si a éso, encima se le suma iluminación tonalizada color fucsia, se consigue el bodrio actual. Sólo faltaría ahora instalar unos parlantes y tocar cumbia las 24 horas del día.
Y ya la cosa estaría completa.
La explicación del color rosado con el que, históricamente, desde la época de la colonia, se pintaban muchas de las casas viejas urbanas y rurales nuestras, está en que ese color se fabricaba con cal teñida con sangre de vacunos. Pero sus calidades quedaban medio desparejas, "como de acuarela", no con la uniformidad y "perfección" con la que quedan las pinturas tecnológicas actuales.
Creo que sumarles iluminación tonalizada a la arquitectura y a la escultura, no sólo es modificarlas, desvirtuando los verdaderos colores propios de los materiales que las constituyen, sino que es agregarles una anécdota innecesaria, distractiva del propósito o fin para el cual han sido creados.
Esa iluminación tonalizada, creo que sin duda resta en vez de sumar.
Una iluminación de arquitectura interior o exterior o de escultura está bien hecha cuando pone en valor y de relieve las características propias de la obra iluminada, no cuando los efectos lumínicos se destacan en sí y se "leen" en forma separada de la obra que deben destacar.
La iluminación bien hecha, en definitiva debe servir y estar subordinada a la obra iluminada y de ninguna manera competir con ella. Lo que en el teatro, se llama "problemas de cartel": cuando dos figuras se pelean por encabezar una cartelera. Si la iluminación "triunfa", aplastando o comiéndose a la obra, en vez de ponerla de relieve, será porque no está bien resuelta. Ésto es lo que creo que ha ocurrido con la nueva iluminación tanto de nuestra Casa de Gobierno como del Banco Nación central. Para mí, no han sido encaradas con verdadero criterio visual, ni buen gusto y mucho menos con refinamiento, de ahí los deplorables resultados obtenidos. La gracia de una buena iluminación de arquitectura o de escultura, es en definitiva, prolongar los efectos benéficos del día solar, incluso aumentándolos, puesto que al Sol, por los movimientos de rotación y traslación de la Tierra, uno no puede manejarlo a su antojo y, en cambio, a la iluminación sí. Uno, con la iluminación puede acentuar la dramaticidad y espectacularidad de ciertas obras o conseguir determinados efectos que no podría obtener con la luz solar.
Pedro Baliña · Comentarista destacado · Trabaja en Decoración, Iluminación y Puesta en Valor de Obras de Arte
Y me permito diferir absolutamente con nmtservice, cuando dice que es una cuestión de gustos. No depende sólo de éso.
Creo haber fundamentado más que ampliamente porqué no me parece bien encarada ni criteriosa la nueva iluminación de la Casa de Gobierno.
Me parece que se podrían haber respetado la arquitectura, la rica historia y la tradición, amén de la normativa vigente para los monumentos históricos nacionales y edificios patrimoniales y significativos y no haber caído en la vulgaridad, en la baratura y el mal gusto del efecto conseguido.
Con éso también se hace docencia, se instruye y se da el ejemplo al soberano.
Dentro del mundillo de la iluminación, hay un conocido dicho que dice que "alumbrar, alumbra cualquiera, pero iluminar, sólo el que puede".
Creo que es obvio que, a quienes diseñaron e instalaron la nueva iluminación de la Casa de Gobierno, les importaba un rábano el respeto por nuestros monumentos históricos, por nuestro patrimonio edilicio y por el Casco Histórico. Y, aparte de éso, se me ocurre pensar que no tienen una formación o entrenamiento estéticos que los respalde. Lo que se llama "un ojo entrenado" y que "sabe ver".
En definitiva: no se puede pretender que el olmo nos dé peras.
Raquel Casas Arauz · Diseño Publicitario
¡¡¡Menos mal que alguien se percató de semejante espanto!!!
Te lo agradezco como argentina, Pedro Baliña, ya que has plasmado con tus palabras mi pensamiento.
Es tal cuál como decís: no han tenido el más mínimo criterio al iluminar semejantes edificios que hacen a nuestro patrimonio histórico y nacional.
Cuando vi la Casa Rosada, en ese colorinche fucsia, me revolvió el estómago, sumado, al azul del otro edificio. Resultado: un bodrio.
¡¡¡Adhiero totalmente a tu opinión!!!
Es increíble que no haya alguien que asesore correctamente a quien tuvo esta pésima idea.
A veces, menos es más...
¡¡¡Menos mal que alguien se percató de semejante espanto!!!
Te lo agradezco como argentina, Pedro Baliña, ya que has plasmado con tus palabras mi pensamiento.
Es tal cuál como decís: no han tenido el más mínimo criterio al iluminar semejantes edificios que hacen a nuestro patrimonio histórico y nacional.
Cuando vi la Casa Rosada, en ese colorinche fucsia, me revolvió el estómago, sumado, al azul del otro edificio. Resultado: un bodrio.
¡¡¡Adhiero totalmente a tu opinión!!!
Es increíble que no haya alguien que asesore correctamente a quien tuvo esta pésima idea.
A veces, menos es más...
PREMIO PARA EL MALBA
El Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires fue elegido como el
ganador del Premio Década 2002-2012, que contó con el arquitecto noruego
Andreas Gjertsen como único jurado.
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| PREMIO DÉCADA. El Malba fue la obra galardonada en la edición 2012. |
El Premio Década 2002-2012 ya tiene a su ganador. En base a la decisión del arquitecto noruego Andreas Gjertsen, del estudio Tyin (todas las ediciones del concurso han tenido un solo jurado), el Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires (Malba), del estudio AFT, fue reconocida como el edificio más importante de los últimos 10 años. El evento sirvió también como lanzamiento del de la XIV Bienal Internacional de Arquitectura de Buenos Aires, que se llevará a cabo el año que viene.
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| PREMIO DÉCADA. El hall central del Malba, el espacio principal del museo. |
Además del premio a la obra del estudio AFT (formado por los arquitectos Gastón Atelman, Martín Fourcade y Alfredo Tapia), fueron entregados cinco diplomas:
Monasterio de Santa Mónica (Mederico Faivre)
Salón de Usos Múltiples del Club de Campo La Martona (Estudio KLM, Federico Kelly-Paula Lestard-Hernán Maldonado)
Casa en Talar de Pacheco (Hampton+Rivoira+Arquitectos)
Centro Cultural de la Cooperación (Estudio Gerra-Vahedzian-Moller)
Casa en Bajo Belgrano (Estudio Rietti Smud & Asoc.)
El Premio Década, en su octava edición en el país, fue organizado por el Centro de Arte y Comunicación (CAYC) y Pichon Riviere & Diaz Bobillo Consultores (PR&DB).
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| PREMIO DÉCADA. Alfredo Tapia, del estudio AFT, autor del Malba, junto a Andreas Gjertsen. |
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| PREMIO DÉCADA. Andreas Gjertsen dio una conferencia donde repasó su obra. |
Fuente: Arq Clarín
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