Por Vivian Lofiego - Paris Especial
En la Halle Saint Pierre, en París –museo bastante atípico de
arte moderno, arte naíf y arte popular dirigido por Martine Lusardy–,
puede verse estos, una muestra sin precedentes: Banditi del’Arte .
Curada por Gustavo Giacosa, la exposición, que permanecerá abierta hasta
el 6 de enero de 2013, despliega obras de todo tipo realizadas –al
margen de todo sistema artístico oficial o de corrientes culturales
reconocidas– por hombres y mujeres con un común denominador: son nacidos
en Italia en los siglos XIX y XX, en condiciones de pobreza, con un
destino familiar dramático y marcados por una ruptura afectiva
determinante. Estos banditi (bandidos), en su mayoría,
conocieron el asilo psiquiátrico o la cárcel al menos una vez en sus
vidas. Durante esa experiencia extrema –confinados, segregados,
aislados– encontraron una vía de expresión: la creación de objetos,
colages, pinturas, esculturas, desmintiendo de este modo al
establishment del arte (que los ignoraba), y a las teorías creadas por
el médico y criminólogo Cesare Lombroso –en la muestra se expone su
colección privada– quien reducía el genio creador de estas personas a
una forma de degeneración mental propia de los psicóticos.
Las producciones expuestas en la muestra tienen la intención, para Gustavo
Giacosa, de mostrar la importancia de la supervivencia más que la
denominada intención artística. Giacosa es el comisario de la muestra no
por casualidad. Nacido en Santa Fe, Argentina, también actor de la
compañía del mítico Pippo Delbono, este joven talentoso y humanista
fundó en Génova en 2005 la asociación cultural ContemporArt,
desarrollando una amplia investigación entre arte y locura. Es el
director artístico del espacio cultural ContemporArt Ospitale d’Arte
(Villa Piaggio). Su intención es la exploración de diversos universos
poéticos. A través de los Banditi dell’Arte , Giacosa nos sumerge en la
aguas oscuras de la locura y del dolor humano que, lejos de resignarse
al olvido, logra escalar muros, huir de teorías falsas y denigrantes,
abrir las puertas e instalarse hoy para nuestra emoción, admiración y
sorpresa en los museos del mundo.
En la primera de las dos partes
en que está dividida la muestra, se presentan las colecciones
carcelarias y psiquiátricas del Hospital San Lázaro de Regio Emilia, el
Museo Lombroso y el Museo de Antropología de Turín. Cesare Lombroso
(1835-1909) –se recordará– crea una teoría sobre el prototipo del
criminal. Se interesa, a partir de 1866, en las obras de los prisioneros
y de los enfermos mentales. En su obra Genio y locura , reconvertida en
El hombre de genio en una edición de 1882, Lombroso ejerce una
profunda influencia en la crítica reaccionaria y hostil a las
vanguardias. La obra creada por estos individuos, sostenía, viene a
reforzar la certeza del origen criminal que los mueve. Los objetos
gestados en prisiones y asilos, no son para él más que “objetos
hablantes” que permiten a Lombroso exponer sus teorías en los primeros
congresos de antropología criminal y en las primeras exposiciones
universales. Las fotografías que se exponen en estos lugares al gran
público permiten ilustrar “el tipo criminal”, el resultado de su trabajo
como prueba irrefutable de la “degeneración” de estos sujetos. De este
modo, los dibujos, las cerámicas, los escritos, tatuajes, esculturas
conllevan en sí la marca del crimen y se etiquetan todas ellas: “obras
de criminales”. Con poco más de un siglo de distancia, estos “pobres
trofeos”, así llamados por Lombroso, conservan una fuerza subversiva,
interrogando, con una cierta ironía, la mirada sobre el arte
contemporáneo. La potencia innata de estos objetos que hoy no dudamos en
llamar “obras de arte”, logran trascender las barreras convencionales
determinadas por la enfermedad y las interpretaciones denigrantes de
Lombroso y sus secuaces. Los bandidos devienen héroes rebeldes al margen
de una sociedad que quiere librarse de ellos confinándolos,
encarcelándolos. Hoy salen a la luz, gracias a esta extraordinaria
muestra transformados en actores principales, y junto a su obra que ha
trascendido los altos muros de prisiones, desafiando lo inimaginable,
logrando existir más allá de desgarros, denigraciones, ocultamientos y
oprobios.
Soñar otro mundo
Francesco
Toris (1863-1918), joven carabinero nacido en Colloretto Castelnuovo,
fue internado en un asilo psiquiátrico de Turín. Con 33 años recibió una
emoción violenta que afectó su salud mental: su novia esperaba un hijo
de él. Entre 1839 y 1905, Toris crea “El Nuevo Mundo”, una obra
cosmogónica realizada con huesos animales, rescatados de su miserable
ración alimenticia del hospicio. De estos huesos surgirá un edificio
fantástico –obra central de la exposición– apoyado sobre tres ruedas y
constituido por una multitud de elementos minuciosamente esculpidos:
figuras humanas, ídolos, animales imaginarios, escaleras, puertas,
motivos ornados de flores, cartas, letras, cifras. Las piezas fueron
ensambladas sin ningún lazo, clavo o pegamento. Piezas complicadas,
donde se expone el Caos, y en cuyo montaje parecería estar representando
una suerte de infinito constituido de formas oblicuas y curvas
atravesadas de puntas y de huesos de diferente espesor. Puentes,
escaleras, puertas y ruedas, elementos que el hombre ha creado para
sobrepasar los obstáculos tomando así posesión del espacio. Tori no
disponía más que de los restos de su comida para poder decirle al mundo:
he aquí mi creación, mi criatura. Su “Nuevo Mundo” mide casi un metro,
los útiles con los cuales lo realizó los construyó él mismo, están
expuestos junto a la maleta también realizada en hueso animal.
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| TRAJE. Versino G. lo hizo con hilos de sus trapos de piso. |
Otra
de las obras que retiene nuestra atención, cuya procedencia es la misma
que la de Toris (Hospital Psiquiátrico de Collegno), son los trajes
realizados por Versino G.. El hombre tejía con las hilachas de trapos
de piso trajes de gran talla cuya similitud con los tapados de los
chamanes de Siberia provoca estupor. Versino se vestía con estos trajes,
llamados por él “vestidos coraza”, mientras se ocupaba de la limpieza
del hospicio. Es muy probable que nada supiera de chamanes ni de
Siberia.
También llaman la atención las cosmogonías de Mario
Bertola, quien entre 1928 y 1935 escribe y dibuja un álbum-libro: “El
mundo en revista”. En cada página, la enciclopedia está encabezada por
la frase “Nosotros en el mundo”. Cientos de caracteres prolijos,
diminutos como hormigas se apoderan del espectador por su mensaje, que
va más allá de un código lingüístico.
Entre estos artesanos de lo
imaginario, investigadores atormentados a quienes la obsesión les
imponía una compulsión creadora y metódica aplicada a objetos y a frisos
donde se pueden leer miles de palabras en forma de muros, puede
ubicarse también el caso de Raugei (1958-2006). Otras obras increíbles
son los muebles colmados de escenas religiosas de Giovanni Podesta
(1895-1976); los bastones, esculturas de animales fantásticos,
personajes que parecen salidos de la mano de los indios Rapa Nui de la
isla de Pascua, ejecutados por Luigi Buffo, y las letrinas grabadas de
Giovanni Bosco.
Otro gran creativo de la muestra, convertido en
pintor reconocido es Pietro Ghizzardi (1906-1986). Ghizzardi nace en
Boretto y, a causa de la inundación del río Po, queda confinado en su
casa junto a su madre. Comienza a partir de entonces a pintar en hojas
de cartón, representando mujeres de enormes senos y escenas vinculadas
con la relación simbiótica que lo une a su madre. Ghizzardi, siguió
pintando hasta el fin de su vida: actrices, santas, condesas,
paisanas... todas ellas madres seductoras, meretrices y santas
reviviendo –en cierto modo– la vieja tensión del medioevo: la
convivencia entre la santidad y lo demoniaco.
Menos vigilar y castigar
Con
la llegada de los neurolépticos y el nacimiento de un movimiento
antiinstitucional, el concepto de “asilo” es cuestionado. La sociedad de
los años 60 en Italia, cambia su mirada sobre “la locura” y las puertas
de los hospicios comienzan a abrirse gracias a nuevos intercambios
propulsados por una mejor movilidad. En 1957, los artistas Pino Castagna
y Micahel Noble, realizan en el interior del hospital San Giacomo alla
Tomba de Vérone, una experiencia innovadora: un taller de creación. El
taller no fijaba ningún límite, no daba ninguna premisa ni objetivo,
pero supo estar a la escucha “del otro”, dejando emerger la
“espontaneidad” “ de las visiones de los talleristas.
Con la
llegada de la ley 180, en 1980 las antiguas estructuras de los
hospitales psiquiátricos italianos se transformaron en estructuras
abiertas en los cuales los talleres de creación comienzan a
desarrollarse. Estos laboratorios son diferentes en sus objetivos y
motivaciones, pero todos estimulan, apoyan la libertad de expresión de
los pacientes, ofreciéndoles un lugar adecuado, útil y adaptado a sus
propias necesidades individuales. Algunos de los creadores de estos
talleres encontraron un lugar dentro del denominado Arte Bruto. En el
segundo piso de la exposición, que reúne a los creadores del siglo XX,
podemos admirar la creación de los talleres de Blu Cammello, La Manica
Lunga, Asfodelo. Todos ellos inmersos en diferentes hospitales
psiquiátricos.
En este sector de la muestra puede uno imaginar por
un instante que está en un recinto consagrado al Pop Art, pero
enseguida se reconoce la mano de los Banditi.
Se destaca
entre los inmensos murales de Giovanni Galli, Carlo Zinelli, Francesco
Borello, la obra de Franco Bellucci, internado en Livoure desde los
siete años: en un extenso muro se exhiben sus muñecos de plástico, de
peluche, juguetes, flores artificiales... unidos a través de cables. Las
piezas están atadas, aprisionadas entre cordones; la sensación de
encierro y falta de libertad sugiere que la infancia de Belluci ha
transcurrido lejos del Paraíso.
El curador Giacosa relata el
episodio dramático que vivió Bellucci: a los siete años, víctima de una
meningitis, es maniatado durante su infancia a los barrotes de una cama.
Nadie imaginaría, de no ser por el relato de Giacosa, el origen del
grito del artista, y sus objetos maniatados por nudos de plástico, que
podrían pasar por obras vanguardistas como las que se exponen comúnmente
en la Tate Gallery de Londres o en el Palais de Tokyo de París. El muro
consagrado a Bellucci tiene la fuerza de Munch ( 1863-1944) y su
célebre “El grito”.
En la pared opuesta se exponen los vestidos,
ex votos y carteles de Mélina Riccio (1951), hoy una figura reconocida
gracias a los muros que pinta por toda Italia con mensajes de paz y
ecologismo. Mélina intenta a través de objetos que recupera de la calle
salvar el alma de cada cosa y construir un mundo mejor, que le dé un
lugar a su fe en Dios.
Fuente: Revista Ñ Clarín
