EL MUSEO NACIONAL DE BELLAS ARTESYA SE PUEDE RECORRER VIRTUALMENTE

Es posible ver 235 de las obras del museo, desde la PC y en altísima definición.

PARÍS. Más de 30.000 obras de arte de 151 museos de 40 países, serán accesibles a partir de ahora por internet dentro del programa Art Project. EFE

Por Horacio Bilbao y Andrés Hax

Cuando hoy se lance la segunda etapa del Art Project de Google, el Museo Nacional de Bellas Artes MNBA tendrá una nueva herramienta para exhibir su patrimonio. Sumado a un faraónico emprendimiento de la tecnológica, pasará a integrar una selecta lista de 151 espacios de arte de más de 40 países que se pueden visitar de manera virtual.

“Es una gran oportunidad para difundir la cultura argentina a nivel mundial”, dice María Inés Stefanolo, directora artística del MNBA. Por ahora serán 235 las obras de la colección permanente que llegarán a la vidriera de Google. El mundo tendrá más cerca algunos de los clásicos argentinos, como Sin pan y sin trabajo de Ernesto de La Cárcova, o Pesadilla de los injustos de Antonio Berni. Stefanolo cuenta que la selección debía reunir obras locales, pero el museo luce su patrimonio prehispánico y clásicos europeos.

Según Alessandro Germano, responsable del Art Project para América latina, el feedback de los museos fue fantástico: “Hablan de un renacimiento del interés por sus obras”. En un año recibieron 200 millones de visitas y los usuarios crearon 200 mil galerías. Pero esta nueva etapa significa el debut de América latina con 10 museos, de los cuales el MNBA será el único argentino.

Para el lanzamiento, en febrero de 2011, se incluyó a 17 grandes museos del mundo, entre ellos el MOMA de Nueva York, The National Gallery de Londres. Hoy, el proyecto dará un salto global, involucrando a 151 espacios, con más de 30 mil imágenes disponibles. “Tenemos lista de espera de museos argentinos”, avisa Florencia Bianco, responsable de comunicación de Google en Buenos Aires.

Germano dice que el objetivo es ofrecer una experiencia complementaria a la visita al museo. Pero en Internet, la experiencia la hace el usuario. Más con estas herramientas, que permiten comparar obras, hacer recorridos en el tiempo, ver detalles imperceptibles y armar colecciones personales.

Desde la firma californiana se niegan a hablar de cifras y desde Bellas Artes revelan que no tuvieron costos significativos. Lo que sí blanquea Google es la pronta llegada a la Argentina de su tecnología Street View, que permite recorrer de manera virtual barrios, ciudades y museos. “Será este año, y quizá sea ese el momento de incorporar la tecnología al Art Project del MNBA”, dicen.

No es poca cosa teniendo en cuenta que los museos son un invento de la modernidad. Aquí están los artistas del mundo, multiplicados, superpuestos, empujando hasta el paroxismo la accesibilidad al arte. Una herramienta maravillosa para los millones de vagabundos virtuales. Se busca un nuevo Walter Benjamin, que en lugar de pensar en París capital del siglo XIX, piense en Google, la gran metrópoli del siglo XXI. 

Para gozar del MNBA en línea, sólo debe ingresar a 

http://www.googleartproject.com/ 

y seleccionar el museo argentino.

Fuente: clarin.com

GOOGLE SUBIRÁ A LA RED 250 OBRAS DE ARTISTAS DESTACADOS ARGENTINOS

El buscador digitalizará a partir de hoy colecciones que pertenecen al Museo Nacional de Bellas Artes. Formarán parte del proyecto que tiene como objetivo principal "acercar el arte universal a las personas".

El Museo Nacional de Bellas Artes (MNBA) participa desde hoy con 250 obras digitalizadas, del proyecto de arte diseñado por Google, con el objetivo de llevar las piezas a las pantallas de todo aquel que le interese, sin importar en qué punto del planeta se encuentre.
"La presencia del Museo Nacional de Bellas Artes dentro de Art Project es una excelente noticia para la cultura argentina, porque vamos a formar parte de la colección de arte más grande e importante del mundo", afirmó el director ejecutivo del MNBA, Guillermo Alonso.
Remarcó que "las obras más representativas de nuestro arte, ahora estarán a sólo un click de distancia de cualquier ciudadano del mundo que tenga acceso a internet, esto no solamente multiplica en forma exponencial nuestra llegada a los ojos del mundo, sino que abre fascinantes caminos para los estudiantes, los que hacemos investigación y todos aquellos interesados por el arte, eligiendo sus propias formas de intervenir y crear".
El proyecto de Google, ArtProyect, en el que también participan 151 instituciones de 40 países, permite entre sus funcionalidades que los visitantes virtuales armen sus propias colecciones de arte digital.
Sólo en la primera etapa del proyecto, con 17 instituciones de nueve países, más de 20 millones de personas entraron al sitio web y conformaron 200.000 colecciones personales, según comentaron voceros de Google en la Argentina.
El responsable del proyecto para América Latina, Alessandro Germando, explicó a Télam que la empresa de internet tiene a su cargo el sistema de seguridad del sitio, y sostuvo que "no hay manera de descargar imágenes, o de modificarlas".
Germano aclaró que los objetivos del proyecto global son "acercar el arte universalmente a las personas, permitir que la gente pueda complementar la experiencia de las visitas a los museos y posibilitar nuevas formas de analizar las obras, al poder detectar pequeños detalles que no se pueden ver en una recorrida física".
La experiencia de la primera etapa del proyecto, según Germano, demostró que el sistema no reemplaza una visita física al museo, pero "el primer impacto que vimos fue la cantidad de personas que volvió a interesarse en los museos".
El impacto se observa tanto en los museos físicos como en los sitios virtuales de las instituciones, apuntó. Germano aseguró además que la mayoría de las instituciones que forman desde hoy parte del proyecto global ya tienen sitios digitales, algunos "muy avanzados", y que las instituciones están "muy conectadas a la vida digital", pero al estar todos juntos en un mismo sitio web se multiplican las posibilidades de recorrer en un par de clicks museos de Europa, África, Estados Unidos y Latinoamérica.
También marcó que en Brasil y en la Argentina encontraron que la inclusión de artistas locales, "genera posibilidades de educación y de mensajes" para las comunidades más alejadas de la ubicación física de las instituciones.
Además del MNBA se suman desde hoy al proyecto el Museo de Arte Moderno de San Pablo, la Pinacoteca del estado de San Pablo, el Museo de Arte de Lima (Perú), los mexicanos Museo Nacional de Antropología, Nacional de Arte, Dolores Olmedo, y casa Azul Museo Frida Kahlo, y los colombianos Miseo Botero y Museo del Oro.
Para visualizar la universalidad de la propuesta, desde Google destacan que los visitantes podrán acceder a 14 de las 34 pinturas de Vermeer existentes, con un solo click saltar al arte callejero de Brasil realizado por Osgemeos ("Los Gemelos"), de allí al Acrópolis Frieze de alrededor de 440 años antes de Cristo, que representa Grecia y sus características socioeconómicas, a un tesoro nacional japonés del siglo XVI, y volver a Latinoamérica.

Fuente: infobae / Télam

LAS DOS GIOCONDAS, JUNTAS POR PRIMERA VEZ

La llamada Mona Lisa del Prado fue trasladada junto al original de Leonardo Da Vinci, al Louvre. Según reveló el museo de París, el cuadro del italiano tendría una fecha diferente a la que se pensaba.

Foto Reuters

La hermana gemela de la Gioconda, encontrada en el Museo del Prado de España y atribuida a un discípulo sin determinar del taller de Da Vinci, está en exhibición en el Louvre desde la semana pasada.
Sin embargo, los visitantes no podrán contrastar ambas Mona Lisas porque están empotradas en distintos lugares. Mientras que la auténtica está en una sala de máxima seguridad, la otra está en el Hall Napoleón del museo francés.
Por otro lado, antes de que se mostrase al público, el cuadro fue analizado por los expertos del Louvre, quienes determinaron que no fue realizado en los años que se pensaban. Hasta ahora, se consideraba que había sido hecho entre 1503 y 1509, pero los especialistas no descartan el período sea de 1503 a 1519.
A la muestra, se le agrega la pieza estelar de La Virgen, el niño Jesús y Santa Ana, un enorme óleo sobre madera de álamo macizo. Su creación le costó 20 años al genio, hasta su muerte en 1519.
La exhibición se llama 'Santa Ana, la última obra maestra de Leonardo da Vinci' y durará hasta el 25 de junio.

Fuente: infobae.com

HALLAN EN UNA CUEVA DE SUDÁFRICALOS PRIMEROS RESTOS DE FUEGO DE LA HISTORIA

El eterno debate sobre desde cuándo el hombre ha utilizado el fuego llegó a un nuevo estudio, que concluye que la primera evidencia data de hace casi un millón de años.

Foto AP

Por Malcolm Ritter

Al paso de los años, algunos expertos han mencionado evidencias de fuego de hasta hace un millón y medio de años y algunos afirman que ese instrumento fue usado incluso antes, lo que representa un paso fundamental hacia la evolución de un cerebro más grande.

Sin embargo, la cuestión resulta espinosa. Las evidencias de fuego prehistórico podrían ser también meros indicios de incendios forestales.

La nueva investigación constituye "un caso muy firme" sobre la evidencia hallada en la Cueva Wonderwerk en Sudáfrica, aseguró Francesco Berna, quien labora en la Universidad de Boston y presentó el estudio con colegas en la revista Proceedings de la Academia Nacional de Ciencias de los Estados Unidos.

La ceniza y los restos de huesos quemados que fueron encontrados allí indican que hubo fuegos frecuentes en ese lugar, dijeron el lunes los autores del estudio.

Uno de los especialistas dijo que el hallazgo debe considerarse junto con un descubrimiento anterior en un punto cercano, de casi la misma antigüedad. También fueron hallados huesos quemados en la cueva Swartkrans, no lejos del nuevo sitio y la combinación fortalece las evidencias de cada uno por separado, explicó Anne Skinner, de la escuela Williams College en Williamstown, Massachusetts, que no participó en el trabajo más reciente.

Otro experto ajeno al estudio, Wil Roebroeks -de la Universidad de Leiden en Holanda- comentó en un correo electrónico que, aunque la nueva investigación no aporta una evidencia "monolítica", sugiere que los ancestros del hombre sí utilizaron el fuego en ese tiempo.

Los humanos prehistóricos del caso posiblemente llevaron a la cueva materia ardiente de incendios naturales para encender fuego, dijo Michael Chazan, que trabaja en la Universidad de Toronto y es uno de los autores del estudio. Las herramientas de piedra halladas en el lugar indican que los ancestros eran Homo erectus, una especie conocida desde hace casi dos millones de años.

Asimismo, los investigadores no encontraron indicios de que los fuegos en la cueva Wonderwerk hayan sido encendidos por combustión espontánea por guano de murciélagos, hecho que calificaron de raro pero documentado.

Fuente: infobae / AP

HIRST SE CONSAGRA EN LA TATE, EL OLIMPO DE LOS GRANDES ARTISTAS BRITÁNICOS

El artista británico Damien Hirst. EFE

Londres, 2 abr (EFE).- Controvertido y cada vez menos rebelde, Damien Hirst se consagró hoy a sus 46 años como uno de los artistas más influyentes del Reino Unido con su primera gran retrospectiva en la Tate Modern de Londres, templo del arte contemporáneo.

El antiguo "enfant terrible" de la escena artística londinense, que en los años noventa escandalizó con sus animales muertos metidos en formol, ha dejado atrás su viejo escepticismo para entregarse de lleno a la jerarquía del mundo del arte, donde ahora es poco menos que el rey.
Con veinticinco años de carrera a sus espaldas, Hirst ha accedido por fin a mostrar su trabajo en la Tate, museo que en sus inicios despreció porque era "donde exponían los muertos" y que ahora acogerá su obra del 4 de abril al 9 de septiembre.
"Creo que lo había estado evitando porque de alguna manera me intimidaba", confesó hoy el artista en una breve aparición para presentar la exposición a la prensa.
"Todos crecemos y maduramos, y él es ahora un artista de mediana edad que se ríe de los comentarios que hizo en su juventud", apuntó en declaraciones a Efe Ann Gallagher, comisaria de la muestra.
"Damien Hirst" recorre la trayectoria del creador desde su época de estudiante a finales de los años ochenta hasta la actualidad, en que se ha convertido en el artista británico vivo más cotizado y favorito de coleccionistas millonarios.
Hirst amasó una fortuna cuando en 2008 subastó en la casa Sotheby's por cuenta propia, puenteando así a las galerías de arte, varias obras que recaudaron 70,5 millones de libras (127 millones de dólares o 89 millones de euros), de ellas la más cara "The Golden Calf", adjudicada por el récord de 10,3 millones de libras (18,6 millones de dólares o 13 millones de euros).

Varias personas contemplan la obra del artista británico Damien Hirst "La Muerte Explicada". EFE


Aunque en esta exposición no está ese becerro de oro, sí se cuentan algunos de sus trabajos más emblemáticos, incluido, en una sala especial, el cráneo incrustado de diamantes titulado "For the Love of God".
También se puede ver por primera vez desde su concepción en 1991 "In and Out of Love", un "invernadero" donde vuelan las mariposas y que linda con otra sala en la que se exponen cuadros hechos con estos insectos muertos.
Una de las obras más impactantes es "A Thousand Years", de 1990: una vitrina con una sanguinolenta cabeza de ternera rodeada de moscas que pretende simbolizar el ciclo de la vida.
"La fragilidad de la vida y su relación con la muerte son temas constantes en Hirst, que además es muy consistente con sus motivos, que suelen ser mariposas, cigarrillos o las medicinas", explica la comisaria.
La exposición de la Tate, muy accesible y que sin duda será un éxito de público, incluye los lienzos con lunares de colores que se han convertido en la marca de Hirst en todo el mundo, junto con los animales metidos en líquido, como vacas, tiburones, peces u ovejas.
Está su cenicero gigante lleno de colillas (Crematorium, 1996), otro recordatorio de la inevitabilidad de la muerte, y, en la misma línea, su exploración del cuerpo humano y sus dolencias a través de vitrinas con cientos de medicamentos.
Audaz y creativo, su obra, que en su día conmocionó a la crítica, refleja las preocupaciones de la llamada generación de Jóvenes artistas británicos, a la que pertenece también la ya no tan joven Tracy Emin.
"Sin duda, Hirst es uno de los artistas más prominentes de esa generación y su trabajo resume la época que les tocó vivir como estudiantes, cuando Londres era muy diferente y no podían soñar con exponer en las grandes galerías", afirma Gallagher.
Ese rechazo por lo nuevo de la jerarquía artística de entonces llevó a Damien Hirst a organizar Freeze, una exposición alternativa donde él y sus colegas del Goldsmith College mostraron sus obras, muchas de las cuales fueron posteriormente adquiridas por el coleccionista Charles Saatchi.
Pese a alcanzar la fama y el reconocimiento, aún hay bastantes críticos en el Reino Unido que cuestionan el arte de este inglés nacido en Bristol, cuyo flirteo con la pintura en 2009 recabó catastróficas críticas.
¿Es o no arte lo que hace Damien Hirst?, es la pregunta recurrente. "Esta exposición ofrece la oportunidad de ver toda su obra junta y formarse una opinión, dejando de lado prejuicios", responde Gallagher.
Por Judith Mora


Fuente: EFE

SOROLLA SE ABRE PASO EN SAN PÍO VCON SUS "JOYAS INÉDITAS"

 

Se amplía el espacio dedicado al autor

Joaquín Sorolla y Bastida, autorretrato.

VALENCIA, 2 - La Sala Sorolla del Museo de Bellas Artes San Pío V de Valencia se amplía con un nuevo espacio que acogerá las piezas del autor que se cedan o guarden en depósito en la pinacoteca. Para inaugurar este ámbito, que pretende convertirse en "anfitrión" de "pequeñas joyas" del artista en manos de coleccionistas particulares e instituciones, se exhibe desde este lunes el 'Retrato de Don Carlos Urcola con su hija Eulalia', que solo se había mostrado en el ámbito familiar, junto a otras piezas también inéditas.
Al acto de presentación de la obra --que la familia de Carlos Urcula ha dejado en depósito en el San Pío V por un plazo de dos años prorrogables-- han asistido la consellera de Turismo, Cultura y Deporte, Lola Johnson; el secretario autonómico de Cultura, Rafael Ripoll; la directora del Museo de Bellas Artes, Paz Olmos, e Isabel Álvarez de Sotomayor Urcula, hija de la niña, Eulalia, que aparece retratada en el cuadro.
La pieza, que llegó el pasado mes de febrero a Valencia procedente de Nueva York, está datada en 1914. Fue en el mes de octubre, a través de la mediación de Blanca Pons Sorolla, bisnieta de Joaquín Sorolla y la mayor especialista en la obra del pintor en la actualidad, cuando la Conselleria de Turismo, Cultura y Deporte entró en negociación con los herederos de la familia Urcola para el depósito de esta pieza.
El cuadro había salido previamente a subasta en la galería Christie's de Nueva York, pero no se llegó a consumar la venta al no alcanzarse el precio estipulado de salida.
De este modo fue como los herederos de la fallecida propietaria de la obra --la niña que aparece en el mismo-- se plantearon la posibilidad de negociar un depósito con el San Pío V, dado que la apertura de la Sala Sorolla por las mismas fechas del inicio de las negociaciones les daba garantía de que, además de las condiciones necesarias de conversación, la obra iba a ser expuesta, algo que no podía asegurar el Museo Sorolla de Madrid debido a la cantidad de fondos que posee, ha explicado Paz Olmos.
En este sentido, Isabel Álvarez de Sotomayor ha subrayado la voluntad de la familia de no desprenderse, si es posible, de esta pieza, puesto que se trata de un retrato "muy especial".
Se trata de un óleo sobre lienzo cuyas dimensiones son 166x92 cm, y en el borde superior izquierdo se encuentra firmado con una dedicatoria en la que se lee: 'A mi amigo Carlos Urcola, J. Sorolla'.
Junto a este cuadro de mayor formato, la familia ha cedido otras dos piezas inéditas, 'Retrato de la niña Eulalia Urcola', y 'Cosiendo las redes', que permanecerán en el museo valenciano durante cinco meses (del 1 de abril al 1 de septiembre).
El primero de ellos vuelve a mostrar una imagen infantil de Eulalia Urcola, esta ve en un lienzo más pequeño, de 54,5 por 73 cm. Pintado en 1920, capta una imagen de la niña montada en bicicleta, aunque solo se ve la parte superior del cuerpo, "como si fuera una fotografía", ha apostillado la directora del San Pío V.

MENÚ AUTÓGRAFO

'Cosiendo las redes' es una obra de reducido tamaño que Sorolla regaló a Carlos y Eulalia de Urcola, en recuerdo de una de las numerosas comidas familiares. Curiosamente, en el reverso se conserva un menú autógrafo de Sorolla en el que se puede leer: "3 Junio 1907/ Arroz / Pollo / Pescado / Vendimia / Helado / Quesos / Frutas/ Café Licores / Vinos / Jerez / Champan / ....".
Por la fecha, probablemente fuera la comida de despedida de la casa de La Angorilla en la que vivieron mientras María se recuperaba de la tuberculosis y que tan generosamente cedieron los Urcola a Sorolla.
Lola Johnson ha sido preguntada por si, ante la actual crisis económica, al Generalitat va a potenciar la política de cesiones frente a la de adquisiciones. Al respecto, la consellera ha señalado que lo que está haciendo su departamento es "poner en valor los fondos que posee la Generalitat, independientemente de la situación económica".

"HABRÁ SORPRESAS"

La Conselleria está en negociaciones con coleccionistas e instituciones para lograr más préstamos. "Habrá sorpresas, esperamos que sean muchas", ha comentado la titular de Cultura.
Tampoco ha descartado la posibilidad de celebrar una gran exposición dedicada a Joaquín Sorolla, aunque ha recalcado que la sala que lleva su nombre en el San Pío V constituye ya por sí misma una amplia muestra. En este sentido, ha resaltado "la respuesta del público a este espacio, que desde su apertura en octubre ha recibido unos 60.000 visitantes. 


Fuente: Europa Press

UNA PINTURA INÉDITA DE SOROLLAMUESTRA LA CANDOROSA GRACIA DE LA NIÑEZ

El "Retrato de don Carlos Urcola con su hija Eulalia", de Joaquín Sorolla, depositado por la familia Urcola en el Museo San Pío V de Valencia, durante su presentación hoy a la prensa por la consellera de Turismo, Cultura y Deporte, Dolores Johnson, en la sala de esta pinacoteca, dedicada al pintor valenciano, donde ha sido instalado. EFE

Valencia, 2 - La fluida pincelada, la técnica y la vivacidad de las fisonomías desvelando la candorosa gracia de la niñez se advierten en el cuadro inédito de Joaquín Sorolla "Retrato de Carlos Urcola con su hija", que desde hoy se expone en la Sala Sorolla del Museo de Bellas Artes de Valencia.

La familia Urcola ha hecho un depósito por dos años prorrogable de esta obra y además ha cedido otros dos cuadros inéditos, el "Retrato de la niña Eulalia Urcola" y "Cosiendo las redes", que permanecerán en el museo desde hoy hasta el 1 de septiembre.
Así lo ha informado hoy en rueda de prensa la consejera de Cultura, Dolores Johnson, quien ha presentado esta composición que ha permanecido en la biblioteca de la familia Urcola durante muchos años y que no se ha exhibido nunca hasta ahora.
A la rueda de prensa también han asistido los representantes de la familia Urcola Isabel Álvarez de Sotomayor, hija de Eulalia, retratada en el cuadro, y María Brunet Alvarez de Sotomayor, la nieta.
Dolores Johnson ha explicado que el cuadro "perteneció a Carlos Urcola, después a su hija y a su fallecimiento no ha salido de la familia".
La directora del museo, Paz Olmos, ha manifestado que por mediación de Blanca Pons Sorolla, bisnieta de Joaquín Sorolla y la mayor especialista en la obra del pintor en la actualidad, en octubre se entró en negociación con los herederos de la familia Urcola para el depósito de la citada obra.
El lienzo había salido a subasta en la sala Christie's de Nueva York, pero no llegó a consumarse la venta al no alcanzarse el precio estipulado de salida.
"De este los herederos de la fallecida propietaria del cuadro, la niña que aparece en el mismo, se plantearon la posibilidad de negociar un depósito con nuestro museo, dado que la apertura de la Sala Sorolla les daba garantía de que la obra iba a ser expuesta en un marco idóneo y con las adecuadas condiciones de exhibición y conservación", ha añadido la responsable del centro.
En relación a los aspectos técnicos, Olmos ha explicado que esta pintura de cuerpo entero pertenece a la época madura de Joaquín Sorolla, en la que alternaba sus trabajos en la Hispanic Society con la ejecución de numerosos retratos de personajes famosos.
"Uno de los aspectos más difíciles de este tipo de pintura es el retrato infantil, pues es imposible realizarlos con soltura, sin tener un pincel muy ágil y manejar con gran destreza una paleta de finísimos colores", ha destacado la directora del museo.


Fuente: EFE