EL MOMA DE NUEVA YORK
DEDICA UNA RETROSPECTIVA
A LA IRREVERENTE CINDY SHERMAN





Reproducción de una fotografía de Cindy Sherman cedida este 24 de febrero, que forma parte de un grupo de irreverentes fotografías que la artista ha ido tomando en las últimas tres décadas, en las que con la ayuda de pelucas, disfraces, maquillaje o incluso prótesis se transforma a sí misma en inquietantes personajes. EFE
Reproducción de una fotografía de Cindy Sherman cedida este 24 de febrero, que forma parte de un grupo de irreverentes fotografías que la artista ha ido tomando en las últimas tres décadas, en las que con la ayuda de pelucas, disfraces, maquillaje o incluso prótesis se transforma a sí misma en inquietantes personajes. EFE
 


Nueva York, 24 - Las irreverentes fotografías que Cindy Sherman ha ido tomando en las últimas tres décadas, en las que con la ayuda de pelucas, disfraces, maquillaje o incluso prótesis se transforma a sí misma en inquietantes personajes, centran desde el domingo una retrospectiva en el Museo de Arte Moderno de Nueva York.
"Retratándose como una mujer de carrera o una rubia platino, una víctima de la moda o un payaso, una aristócrata francesa o una señora mayor de la alta sociedad, durante 35 años esta incansablemente aventurera ha creado un elocuente cuerpo de trabajo que resuena profundamente en nuestra cultura visual", dijo la comisaria de la exposición, Eva Respini, en un comunicado.
La muestra explora a través de 170 imágenes la carrera de Sherman (Nueva Jersey, 1954) desde sus inicios a mediados de los años 70 hasta la actualidad, durante la cual siempre ha tratado explorar la construcción de la identidad, la naturaleza de la representación y el arte de la fotografía, según el museo.
Para ello, la artista se transforma para sus instantáneas en un sinfín de provocativos personajes para cuya composición asume ella sola los papeles de fotógrafa, modelo, directora de arte, maquilladora, peluquera y estilista.
La exposición explora por ejemplo el trabajo de Sherman centrado en la industria de la moda y en su interés por "la construcción de la feminidad", imágenes que ilustran "no sólo su fascinación con las fotografías de la moda sino también una postura crítica sobre lo que representan", según el museo.
Otra de las galerías de la retrospectiva contiene todas las fotografías que componen la emblemática serie "Untitled Film Stills" que tomó hacia finales de los 70, casi un centenar de imágenes en blanco y negro en las que aparece retratada como una "pinup" de Hollywood en sets de películas que nunca existieron.
La muestra también reúne las fotografías que realizó la artista para la revista Artforum a principios de los 80, en las que asume a la vez los papeles de fotógrafo y musa, todas ellas envueltas en ambientes que pide prestados del barroco, el renacimiento, el rococó o el neoclasicismo.
En sus imágenes, Sherman se convierte en hombres, en Madonna, en prostitutas o en payasos, lo que consigue gracias a múltiples accesorios que pasan por elaborados disfraces, grandes cantidades de maquillaje o hasta prótesis para hacer más voluminosas diferentes partes de su cuerpo.
La retrospectiva, que se podrá ver hasta el próximo 11 de junio, también contiene las instantáneas más recientes de la artista, como la serie de retratos de mujeres mayores de la alta sociedad, de 2008, que estudia la lucha de esas mujeres por mantener los "imposibles estándares de belleza de nuestros tiempos".

Fuente: EFE


LA 'SUITES 156' DE PICASSO,
"DIARIO INTIMO" DE SU VEJEZ,
ACERCA A SEGOVIA UNA RETROSPECTIVA
DE LA VIDA Y OBRA DEL AUTOR




El comisario de la muestra invita a visitar la colección varias veces para "leer" lo que subyace en cada estampa


La 'Suites 156' de Picasso, "diario íntimo" de su vejez, acerca a Segovia una retrospectiva de la vida y obra del autor.


SEGOVIA, 24
La Obra Social y Cultural de Caja Segovia y la Fundación Bancaja han inaugurado este viernes en el Torreón de Lozoya de Segovia la exposición 'Picasso. Suite 156', una colección de grabados que refleja, a modo de "diario íntimo", los últimos días de la vida del pintor, fallecido el 8 de abril de 1973.
Las salas donde se exhibe ya han albergado obras del autor malagueño en otras ocasiones, si bien ésta es la primera vez que quedan ocupadas íntegramente por una muestra monográfica, según ha destacado el presidente de Caja Segovia, Atilano Soto, durante la presentación de la misma.
'Picasso. Suite 156' llega a Segovia fruto de la cooperación entre la entidad segoviana y Bancaja, a cuyos fondos pertenece. Para ambas entidades, creadoras de Bankia, esta primera colaboración abre a partir de ahora, como ha señalado Soto, "un camino ilusionante".
La colección está formada por un conjunto de 156 planchas de cobre que el autor grabó entre enero de 1970 y marzo de 1972, cuando tenía más de 90 años. El comisario de la muestra, Juan Carrete, ha apuntado que en las obras se aprecia esa vejez a través de una iconografía que no deja de mostrar a Picassos ancianos.
Carrete ha explicado que las piezas no guardan una visión de conjunto, pero que todas tienen en común una mirada retrospectiva a la vida y obra y un guiño a la memoria visual del artista. Por eso, se vislumbra el tema del circo, al que Picasso era asiduo en su juventud; el desnudo femenino, con imágenes de burdeles, o su "deuda" con otros pintores por los que sentía admiración, como Rembrandt, Ingres, Degàs, Delacroix, Goya o Velázquez.
La colección forma parte de los más de 2.000 grabados del autor, para quien "grabar era igual que escribir", según ha asegurado el comisario. Para éste, la Suite debe considerarse como un libro con 156 capítulos y verse con cautela, ya que "cada obra contiene una enorme cantidad de temas". "Hay que leerlo poco a poco y no darse el atracón. Hay que venir varias veces e intentar conocer lo que hay detrás de cada estampa", ha invitado.
Esta serie póstuma fue impresa por los hermanos Piero y Aldo Crommelynck, a quienes el artista malagueño había conocido en París en los años 40. En 1963 ambos estampadores se instalaron en Mougins --en las cercanías de Cannes, uno de los lugares predilectos de Picasso--, y montaron un taller de grabado para asistir al autor, si bien las tiradas de la edición se llevarían a cabo en París.

HASTA EL 31 DE MAYO

La Fundación Bancaja posee en la actualidad una de las colecciones más completas y prestigiosas de la obra gráfica picassiana en todo el mundo. Precisamente, la 'Suite 156' que se exhibe en Segovia es una de las tres únicas que existen íntegras --las otras dos se encuentran en el Muséo Picasso de París y en manos de un coleccionista privado--.
Entre sus fondos cuenta con ejemplares completos de la 'Suite Vollard', la 'Suite 347', la 'Caja de Remordimientos', 'Fumadores', 'Retratos de Familia' o la 'Suite 60', además de 25 linograbados y más de un centenar de libros ilustrados por el malagueño.
En el Torreón, la 'Suite 156' permanecerá hasta el 31de mayo y contará con servicio de visitas guiadas los jueves, viernes y sábados a las 20.00 horas. Para grupos concertados se llevarán a cabo los días laborables, excepto lunes, en horario de mañana previa cita en el teléfono 921 41 28 65.


Fuente: Europa Press


EL DOROTHEUM DE VIENA RESCATA EL DISEÑO
DE MUEBLES HISTÓRICOS DEL SIGLO XX





Imagen cedida por la casa Dorotheum de una mesita de servicios de Oswald Haerdtl, que forma parte de una exposición previa de la subasta de 170 objetos de la historia del diseño de Austria a partir de 1920. EFE


Viena, 25 feb (EFE).- Con una colección de 170 muebles y lámparas creadas en Austria después de la Primera Guerra Mundial, la casa de subastas Dorotheum de Viena rescata una tradición de diseño casi olvidada pero aún presente en el siglo XXI, y cuyas raíces se establecen en el famoso movimiento modernista Jugendstil.
Las piezas pueden verse en las salas del Dorotheum, situado en el casco antiguo de la capital austríaca, antes de que sean subastadas el próximo 29 de febrero.
"Es la primera vez que se intenta, a nivel internacional, presentar de forma conjunta y cerrada al diseño austríaco, más allá del Jugendstil", explicó a Efe Gerti Draxli, directora del Departamento de Diseño de la tradicional casa de subastas.
Aunque la muestra abarca hasta el presente, se concentra sobre todo en el período 1920-1960, aunque deja completamente fuera los años la Segunda Guerra Mundial (1939-1945).
En esos años bajo el régimen nazi "había una demanda de estética diferente, no es lo que definimos como diseño. Al margen de la ideología, no hay nada de esa época que resulte interesante desde el punto de vista formal", señaló Draxli.
La experta destaca que esta muestra permite "redescubrir y presentar por primera vez" piezas de gran calidad, muchas de ellas creadas por arquitectos que abandonaron el país antes de la guerra y continuaron en Estados Unidos, Suramérica o Escandinavia con el trabajo iniciado en Austria.
Uno de ellos es Josef Frank, pionero del diseño funcional que emigró luego a Suecia e influyó de forma determinante en el diseño escandinavo moderno.
Entre otros, los ejemplos que destacan por la alta calidad no solo del diseño, sino también del material y los detalles, figuran el sillón funcional "Canadian" y la mesa de bar diseñados por Hugo Gorge en 1925, en madera de nogal, o un dormitorio de caballeros completo, con estanterías que cubren la pared, bar y escritorio, todo en nogal y cuero, creado por Fritz Reichl en 1935.
"No es algo corriente que una casa de subastas dé voz a un aspecto del diseño vienés de interiores que hasta ahora ha gozado de poca atención por parte del mercado del arte", pues esta vez quedaron fuera las obras de fama mundial del modernismo o "Jugendstil" en torno a 1900.
Esa corriente de gran éxito en Austria se vio interrumpida por el estallido de la Primera Guerra Mundial, y a partir de 1920 el "espectacular individualismo artístico" dejó paso a nuevas formas de diseño más tranquilas, se explica en el catálogo de la subasta.
La línea característica de 1950 está representada, entre otros, por las lámparas y el bar de Oskar Riedel.
También se redescubren objetos que hoy se encuentran en los legendarios cafés tradicionales de Viena, sus típicas mesas y sillas, al igual que el reloj Vienna Cubic Clock, diseñado por Emil Schauer, que señala la hora puntualmente en una de las plazas céntricas de Viena.
Muy especiales y variadas son las lámparas, de diversos autores y empresas.
Y entre las piezas más tardías, resalta el asiento "Vodöo!" del equipo austríaco de arquitectos Coop Himmelb(l)au, conocidos por su rechazo a los ángulos rectos.
En un pálido azul turquesa y apoyado en unos soportes de metal, "no tiene líneas rectas, es deconstructivista, típico de la década de 1980. Es un mueble con humor, una cita divertida, y creo que es un ejemplo muy logrado de la historia austríaca del diseño", comentó a Efe la portavoz del Dorotheum, Doris Krumpl.

Por Wanda Rudich.

Fuente:EFE

GRANDES OBRAS DE TINTORETTO
EN UNA EXPOSICIÓN EN ROMA




Una gran exposición consagrada exclusivamente a Tintoretto (1519-1594) se abre el sábado en Roma, con unas 40 obras del gran maestro veneciano que permitirán descubrir sus temas predilectos: la religión, la mitología y el retrato.


Junto con Tiziano, su gran rival, Tintoretto es el mejor representante de la llamada Escuela Veneciana, reconocida durante el Renacimiento, y su pintura "manierista", experimental y anticonformista generó críticas y elogios.
Organizada por el prestigioso centro de exposiciones de las "Scuderie del Quirinale", en el corazón de Roma, la exposición, abierta hasta el 10 de junio, recorre la vida artística de Jacopo Robusti, más conocido por su apodo, Tintoretto, por ser el hijo de un tintorero especializado en el oficio de teñir sedas.
La exposición se abre y se cierra con dos autorretratos del artista, uno realizado de joven y el otro de viejo y reúne dibujos profanos, retratos de poderosos y osadas telas monumentales.
Resalta el enorme lienzo El milagro del esclavo, de 4 por 5 metros, un grito de dolor contra la violencia con el débil y que ha inspirado ilustres ensayistas, entre ellos al francés Jean Paul Sartre.
Las sorprendentes soluciones pictóricas, el relámpago fulminante, la idea de un santo de cabeza en caída libre o de los instrumentos de tortura quebrados por la ira divina, convirtieron al cuadro en uno de más transgresivos de la historia de pintura.
En total cerca de 50 obras, provenientes de museos italianos e internacionales, --entre ellos el Prado y la National Gallery de Londres--, pero también de iglesias e instituciones venecianas, algunas consideradas "imprestables", completan la exposición.

El cuadro 'La última cena', datada en 1574-1575, del pintor italiano Jacopo Robusti, más conocido como Tintoretto (1519-1594), en la Scuderia del Quirinale romano, este viernes, donde sus obras estarán expuestas a lo grande desde el sábado.

"No fue fácil lograr los préstamos", contó Giovanni Morello, curador de la muestra, quien trabajó con Vittorio Sgarbi, histórico del arte, para ilustrar con pinturas de importantes artistas la envergadura del maestro veneciano, autor de violentos juegos de luces con efectos fosforescentes, que anteceden el tenebrismo del gran Caravaggio.
"Desde 1937 no se había dedicado una exposición a Tintoretto", reconoció Morello, quien incluyó también dos célebres versiones de la Ultima Cena provenientes de iglesias venecianas.
La rivalidad exaltante con Tiziano, también veneciano y que como él salió en contadas ocasiones de su ciudad, influyó en su obra y en destacados artistas, entre ellos Greco, presente con "La curación del ciego", gran heredero de su estilo personalísimo y su pathos espiritual.
Como confirman la mayoría de sus pinturas, a Tintoretto le gustaba cerrar las ventanas de su taller para pintar bajo la luz de las antorchas y experimentaba con figuras de cerámica o cera tanto formas como efectos.
Resultan también sorprendentes algunas pinturas profanas, de sexo sin amor, como sostiene Sgarbi, entre ellas el maravilloso lienzo Venus, Vulcano y Marte, de la pinacoteca de Munich (Alemania) y la sorprendente Susana y los viejos, un curioso desnudo femenino, mucho menos erótico de los de Miguel Angel y Rubens.

Fuente: Revista Ñ Clarín /  Kelly Velásquez para Agencia AFP

ARTE "POSPORNO":
MOSTRAR EL EROTISMO CON SENTIDO CRÍTICO.






Mientras la distinción entre erotismo y pornografía no acaba de zanjarse, la Argentina se prepara para presentar en sociedad una dimensión estética – que en Estados Unidos ya cumplió 20 años – bautizada “posporno”.
 

Por Mayra Leciñana

¿Posporno...? ¿arte? Mientras la distinción entre erotismo y pornografía no acaba de zanjarse, la Argentina se prepara para presentar en sociedad una dimensión estética –que en Estados Unidos ya cumplió 20 años– bautizada “posporno”. Marcelo Paez y Samira Schulz, “dúo de trabajo” del Colectivo Garpa! arte y comunicación convocan a la Primera Muestra de Arte Pospornográfico, que se hará en Artecinema del 8 al 10 de marzo.
¿Cómo empezó? En la última edición del Festival de Cine Underground –cuentan– les llegó material que salía de la estética usual: “aparecían cartas de amor, porno, videoarte ... “y nos resultaba inclasificable”. Preguntando e indagando llegamos al posporno, con muchas obras circulando en la red, pero con poca difusión.
Hay quienes ven en el arte erótico la representación del deseo y en la pornografía, la exhibición del coito. En el arte pospornográfico ¿dónde está el foco? El posporno hunde raíces en los feminismos radicales y los movimientos punk de los 70, las performances, los happenings, las vanguardias del video y el cine de los 20. Aborda sus temas, sus sexualidades, activamente, como sujeto y no ya como objeto de representación. Pone el énfasis en la autoexperimentación, y la mujer no juega el papel de objeto sexual pasivo.
¿Cómo fue la convocatoria? Llegaron, muchas fotos, videos, registros de performances o instalaciones... Pero no cerramos en lo audiovisual, la propuesta está abierta también a textos para mesas de debate y una publicación. Está llegando obra de afuera, de España, y también de Colombia, Brasil, Perú, Chile.
La teórica española Beatriz Preciado, casi “intelectual orgánica” de este movimiento, advierte: “el mejor antídoto contra la pornografía no es la censura sino las representaciones alternativas de la sexualidad”. El posporno no es porno, lo lleva adentro, como pasado.
¿Y ese “pasado” no vuelve? ¿El límite es claro? La propuesta de la muestra es que se encuadre en el género posporno. El posporno hace una representación del erotismo con intencionalidad crítica. Algunas obras podrán ser discutibles y se podrá debatir.


Fuente: Revista Ñ Clarín


ARGENTINA DEVOLVIÓ A PERÚ
47 PIEZAS ARQUEOLÓGICAS





Argentina devolvió a Perú 47 piezas arqueológicas

El Gobierno restituyó a la nación vecina 46 cerámicas y un collar dentro del acuerdo bilateral de cooperación para la recuperación del patrimonio de los países. Se entregarán otras tres mil obras.

La restitución de las piezas que mañana partirán por barco hacia Perú se realizó este mediodía en el Palacio San Martín, durante un acto encabezado por el secretario de Cultura de la Nación, Jorge Coscia, y su par peruano, Luis Peirano Falconi.
Se trata de la tercera reintegración llevada a cabo desde la firma, en 2009, del convenio binacional que aspira a detener el tráfico ilegal de bienes culturales, se informó durante la ceremonia que contó con la presencia del secretario de Relaciones Exteriores de Perú, Eduardo Zuain, y del embajador del país trasandino, Nicolás Lynch Gamero.
Para el cierre de la ceremonia, Coscia entregó a cada uno de los diplomáticos trasandinos una réplica de estatuillas precolombinas, y remarcó que "quien quiera tener piezas del patrimonio cultural de una nación puede hacer esto y acceder a réplicas de piezas de museo".
"El saqueo está en el ADN de los imperios -remarcó por su parte el titular nacional Patrimonio y Museos, Alberto Petrina-, pero sigue hoy, ya no en manos de los Estados nacionales, sino en las de sus sucesores ideológicos culturales: comerciantes, casas rematadoras internacionales y coleccionistas privados".
Los 'huaqueros' -saqueadores de sitios arqueológicos- "trabajan para eso y esas son las piezas que en este momento el gobierno de la Nación está restituyendo", agregó Petrina, para quien esto "es solamente la punta del iceberg, porque estamos trabajando sobre un universo mucho mayor de unas tres mil piezas".
Se trata de "todas piezas colocadas por tenedores ilegales en el mercado ilícito de piezas precolombinas, un circuito ilegal que se encuentra cuarto o quinto a nivel mundial, después del tráfico de armas, de drogas y de personas", subrayó.


Fuente: infobae.com

POSTERGAN HASTA 2015
LA INSTALACIÓN DE CHRISTO
EN UN RÍO DE EEUU





El artista búlgaro Christo en una conferencia de prensa donde desveló dos 'collages' preparatorios de la obra 'Over The River', en la Galería Nacional de Arte de Washington, el 8 de noviembre de 2011

Por Riccardo Savi

El artista búlgaro Christo, famoso por 'envolver' monumentos o paisajes, anunció este martes que postergará un año, hasta verano de 2015, su proyecto de cubrir con 10 kilómetros de tela plateada parte de las aguas del río Arkansas, en el Estado de Colorado (oeste de Estados Unidos).
"El calendario previsto desde (la aprobación del proyecto) hace cada día más evidente que los meses que quedan para la instalación no dan lugar a ningún acontecimiento inesperado, como un problema meteorológico", explicaron los organizadores del proyecto en un comunicado.
"Por este motivo, Christo decidió postergar la exposición 'Over The River' para principios de agosto de 2015", agregó el texto.
El proyecto 'Over The River' ('Sobre el Río'), que tenía previsto instalarse en agosto de 2014, cubrirá ocho secciones del río, entre las localidades de Salida y Carson City en el Estado de Colorado, con un total de 10 kilómetros de paneles de aluminio ondulante que cambiarán el tono de la sombra a lo largo del día.
Será "rosado en la mañana, plateado en el día, dorado en la noche", había dicho a AFP el año pasado el artista.
Vistos desde arriba, los paneles -que se colgarán de dos a ocho metros por encima del río- "parecerán olas en el mar", agregó.
Christo, de 76 años, comenzó a idear 'Over the River' en 1992 con su esposa y colaboradora Jeanne-Claude, quien murió en 2009.
Juntos realizaron 22 obras de 'arte ambiental', como 'envolver' el Pont Neuf en París en 1985 y el Reichstag en Berlín, en 1995, y colocar 'Gates' ('Puertas') en el Central Park de Nueva York en 2005.
'Over The River' ya costó 10 millones de dólares y su costo total podría elevarse a 50 millones. Será de libre acceso, como todas las instalaciones del artista.
El próximo proyecto del artista, 'Mastaba', será un monumento funerario del estilo de las tumbas egipcias, hecho con 390.500 coloridos barriles de petróleo en Abu Dhabi.


Fuente:  AFP