ARQUITECTURA DEL HORROR




Un recorrido por las construcciones emblemáticas de estética monumental que condensaron los ejes de la mística y el sueño militarista del Tercer Reich.


Por Alberto Giudici

Disimulado en una espesa arboleda, en una tarde solitaria y lluviosa de octubre, con sus arcadas y columnatas estilo neogótico, la Ehrenhalle, o Hall de Honor, tiene la pátina decimonónica de tantos memoriales que rinden tributo a gestas, batallas, guerras. Y a los caídos, claro. Austeridad, sobriedad, cierta elegancia lejana, distante. Definitivamente otro tiempo. A ambos lados, una doble hilera de pesados pedestales de granito desciende cerrando el espacio adoquinado en una suerte de cubo virtual para dar sacralidad a este sitio que Adolf Hitler eligió para honrar a sus “mártires”, 16 en total, muertos en el frustrado putsch de 1923, en Munich.
Hay que hacer un click en la imaginación, traer a la memoria las imágenes heladas pero potentes de El triunfo de la voluntad, el documental de Leni Riefenstahl filmado en gran parte aquí, repensar todo lo que vino después para sentir, como un escalofrío, que precisamente en este lugar, en este parque, el Luitpold Arena, en las afueras de Nüremberg, tan apacible ahora, y al pie de este templete, tuvo lugar la milimétrica puesta en escena de las gigantescas concentraciones del Tercer Reich preanunciando lo que sería la mayor maquinaria de matar de la Historia.
En efecto, en 1933 Nüremberg fue oficialmente designada como “Ciudad del Día del Partido”. Con ello, Hitler buscó enhebrar el movimiento nacional socialista al gran pasado de la ciudad imperial, al esplendor de sus emperadores y ámbito de las Dietas imperiales medievales. Hasta 1938, allí tuvieron lugar los eventos centrales del nazismo con la presencia de Adolf Hitler y también la macabra tribuna donde se sancionaron las leyes raciales de 1935 para la “protección de la sangre alemana”. Eufemismo que con los años tuvo un nombre aterrador: Holocausto.
Una zona de parques de once kilómetros cuadrados al sureste de Nüremberg fue elegida por Hitler en 1934 para levantar una serie de edificios destinados a las distintas actividades y congresos del Partido y dar forma simbólica al sueño de una nueva Roma pensada para mil años, con sus coliseos, sus vías, su Campo de Marte. Estos ejes de la mística nazi se sustentaban en la arquitectura, la elegida entre todas las artes para dar materialidad al sueño milenarista del Reich. Una estética monumental sólidamente anclada sobre dos pilares que, ya en 1937, el académico Hans S. Schmid había resumido con mucha precisión: “Las columnas vuelven a ser un elemento fundamental; ya no son, como en los siglos XVII y XVIII, simples elementos decorativos, sino parte integral de la arquitectura. El ‘espíritu del gótico’ que vive en el carácter alemán, con su hincapié en lo vertical, se ha unido en matrimonio con la armonía horizontal griega. Verticalidad y horizontalidad se sientan en el mismo trono”.
El encargado de tallar ese trono fue Albert Speer, el elegido por Hitler: el único capaz de dar forma al sueño de una estética monumental jamás realizada. El primer paso fue crear un lazo visual con la silueta medieval del centro histórico y el Castillo imperial a través de la llamada Gran Vía de dos kilómetros de largo y 60 metros de ancho. En tanto, el conjunto proyectado, edificios y parques, debía glorificar los dos mitos centrales del Tercer Reich: el mito del Führer, enviado por la providencia como el salvador de Alemania, y el de la Comunidad Nacional (Volksgemeinschaft), para aglutinar las experiencias y sentimientos colectivos en un todo alrededor de la figura del Führer.
Así lo presentó Leni en su película cuando el avión que lo trae al Congreso del partido en 1935 se abre paso entre las nubes, como si fuera el descenso de un dios en el renacer de los antiguos mitos germánicos. Y el centro emblemático, el eje ritual para la glorificación y consagración de la sangre sería el Luitpold Arena, inmensa plaza seca de 84.000 metros cuadrados, donde la Ehrenhalle, el panteón de los héroes, era el punto de partida de un rito en donde la piedra, los hombres y la sangre se fundían en una única argamasa.
De allí arrancaba la Calle del Führer, camino de 240 metros de largo pavimentado con placas de granito que conducía al Ehrentribüne” (tribuna de honor) o tribuna principal, en forma de media luna, de 150 metros de largo, dos águilas de oro en sus extremos, realizadas por el escultor Kurt Schmid-Ehmen, una plataforma para un solo orador al centro, y al fondo, quebrando la horizontalidad, tres banderas de altura con la esvástica. El diseño de Speer era milimétrico. La Calle del Führer cortaba en dos el espacio y a ambos lados, como en un damero, podían ubicarse hasta 150.000 miembros del partido, las SS, la SA, las juventudes hitlerianas. La arquitectura de piedra y la arquitectura de las personas se fusionan así en un todo pétreo, helado, aterrador, que la cámara de Leni Riefenstahl capturó paneando sobre rostros sin identidad, como sacados de Metrópolis o de Matrix.
Y llegaba la ceremonia… Luego de colocar una corona conmemorativa frente al Ehrenhalle, Hitler, flanqueado por los jefes de la SS y las SA, Himmler y Lutze, recorría toda la longitud de la pista para honrar a la Blutfahne, la bandera de sangre presuntamente usada en el putsch de Munich y empapada por la sangre de uno de ellos. Era un rito iniciático: a su paso las banderas de las SS y las SA recibían su bautismo: el “Blutfahnenweihe”, consagración de sangre. Se empapaban de esa sangre para a su vez recorrer el camino del martirio.
A partir de 1944, los sucesivos bombardeos aliados convirtieron en una ruina el sueño pétreo de Hitler materializado por Speer en el Luitpold Arena. Sólo quedó en pie el templete, originalmente levantado para honrar a las víctimas de la Primera Guerra Mundial. En 1946, Nüremberg fue elegida para otro rito de reparación: el proceso que condenó a muchos de los jerarcas nazis, Speer entre ellos. En prisión, tuvo tiempo de reflexionar. Leni se negó a enfrentar el horror. Ahora, bajo una fina llovizna, mirando las esbeltas columnas del Ehrenhalle parece que nada de eso sucedió. Pero pasó. Y es memoria.

Fuente: clarin.com

"ÉSTA ES UNA MUESTRA
QUE SE PERCIBE CON TODO EL CUERPO"



El artista, uno de los argentinos más reconocidos a nivel mundial, habla de las instalaciones y estructuras de la exhibición que inaugura en el Centro Cultural Recoleta el miércoles que viene.
Montando. Pablo Siquier, en la sala Cronopios del Centro Cultural Recoleta.
Por Mercedes Pérez Bergliaffa

El pintor Pablo Siquier es uno de los artistas argentinos más reconocidos en el mundo. Construyendo su carrera paso a paso, Siquier tuvo su muestra consagratoria en 2005, cuando expuso en el mismísimo Museo de Arte Reina Sofía de Madrid. Para ese entonces, sus obras ya se habían mostrado en innumerables galerías y museos alrededor del mundo, y se vendían muy bien. Siquier ya era famoso.
Todo esto se lo debe, en parte, a su marca registrada: esos intrincados dibujos de laberintos abstractos, repletos de líneas que se cruzan, entremezclan, rotan y cortan. Algunas obras de este tipo son las que se podrán ver a partir del miércoles próximo en la sala Cronopios del Centro Cultural Recoleta, cuando el artista inaugure “Murales e instalaciones”, una muestra que tiene una particularidad: tendrá más instalaciones que pinturas, cosa rara en las exposiciones de Siquier. La muestra será una experiencia espacial.
En la previa de la inauguración, con cuarenta grados de térmica y todo su equipo de artistas asistentes trabajando a pleno, Siquier recibió a Clarín en su estudio, un exquisito departamento antiguo, escondido cerca de plaza Miserere. Telgopor, maderas, papeles y envoltorios volaban por todas las salas del taller, en pleno traslado de las obras a la Cronopios.
¿Qué se verá en su muestra de la sala Cronopios, Siquier? Mi trabajo siempre fue desarrollado en dos líneas, una más mental, con cuadros y dibujos, y otra más sensorial. Esta muestra abarca un recorrido por esa segunda línea, con ambientaciones, instalaciones y murales.
O sea que las obras se despliegan más en el espacio, no se “leen” como si fueran un libro.
Si, es otra escala. Es una situación visual-espacial que se percibe con todo el cuerpo.
¿Es verdad que decidió exhibir solamente cinco obras? ¿Por qué? Pensé, junto con Elio Kapszuk – el curador – que una muestra de cuadros mía no era muy interesante: ya se hicieron un montón y se vieron un montón de cuadros míos por todos lados. Una exposición que muestra diferentes momentos de mi producción extra-pictórica, es algo distinto.
Si son sólo cinco obras, deben de ser muy especiales. ¿Cómo son? Son dos murales, uno ubicado en la pared del fondo y otro en la de la entrada. Este en carbonilla, y el del fondo, en vinilo. Mientras que en las salas de la derecha e izquierda, al fondo de la Cronopios, habrá una instalación en telgopor, y otra instalación hecha de maderitas pintadas, que ya había realizado en el año 87 (sólo que entonces nadie le dio bola). En el medio de la sala va a estar lo que podríamos considerar “nuevo”: una gran estructura de hierro de 13 metros x 4 x 3 de alto y tres toneladas, que es como una construcción basada en mis dibujos en carbonilla. Para hacerla contratamos a una metalúrgica. Es la primera que hago, en metal. Y se puede pasar por dentro de la estructura.
Usted ya maneja al mundo del arte de taquito. ¿Qué podría decir de estos cuarenta, cincuenta años circulando a través de él? Le debo todo al arte. Allí conocí gente maravillosa, desde artistas y alumnos, hasta a mi propia mujer. El arte es mi hogar.
Nunca tuvo problemas … Tuve miles, aunque no tan grandes, quizás. Pero si estás hablando de dinero, siempre aparecen problemas. Aunque también, algunos problemas que ver con que los artistas creen que son todos Jorge Macchi – un artista argentino exitoso-. Todos creen que tienen que vender como él; y la verdad es que sobran, los artistas. Por ahí tendrían que tener un poco más de sentido común y no pelearse tanto con los demás, en especial con los que te tienen que comprar. 

Fuente: clarin.com

PALAZUELO Y ESTEBAN FRANCÉS,
ESTRELLAS DE LAS COMPRAS
DEL MUSEO REINA SOFÍA EN ARCO MADRID 2012




El Reina Sofía y Cultura invierten 800.000 euros en la feria.


Palazuelo y Esteban Francés, estrellas de las compras del Museo Reina Sofía en ARCOmadrid 2012

MADRID, 17
El Museo Reina Sofía ha adquirido 17 de obras en ARCOmadrid 2012 por un importe total de 700.000 euros, a los que se suman los 100.000 euros aportados por el Ministerio de Educación, Cultura y Deporte. La pieza estrella de la compras ha sido 'Temps Blanc' de Pablo Palazuelo y la obra "sorpresa', 'Arragez vous', del pintor catalán Esteban Francés, según ha explicado el director del Reina Sofía, Manuel Borja-Villel.
Con estas adquisiciones, pasarán a formar parte de los fondos del Museo trabajos de artistas históricos y otros representativos de los años 60-70 como Alberto Greco, Sergio Ivekovic o Luis Camnitzer y artistas de generaciones más recientes, como Adrià Julià, Pep Agut, Leonor Antunes o Irene Kopelman, entre otros.
El gran núcleo de las compras son siete obras "históricas" y el resto de las obras son de artistas jóvenes actuales para subrayar el interés del Museo Reina Sofía en el "compromiso por la arte joven español" y por fomentar el tejido cultural", según ha indicado Manuel Borja-Villel.
Para el director del Museo Reina Sofía la adquisición de la obra de Palazuelo, fechada en el 1959, supone una "incorporación importante" ya que el museo carece de piezas de este periodo, y ha reconocido que llevaban tiempo siguiendo las pistas de esta pieza, que les ha vendido la Galería Elvira González.

ESTEBAN FRANCÉS, UNA SORPRESA

La "sorpresa" de esta edición viene de la mano de la galería Oriol que albergaba la obra 'Arrangez vous' (1939) del catalán Esteban Francés. En este sentido, Borja Villel ha destacado la importancia de los años 30 en la colección del Reina y ha recordado que en este año se celebrará una gran exposición sobre los años 30 y el exilio en el Museo Reina Sofía.
En el marco de las adquisiciones de obras de artistas jóvenes, Borja-Villel ha subrayado el interés de éstos por lo popular (como el cómic o el diseño), la arquitectura, el dibujo, la danza y todo lo que tenga que ver con las perfomances, aunque ha precisado que el arte contemporáneo está siempre en continua evolución. Con estas compras el Museo Reina Sofía afianza su interés por crear una "colección local" en la que también se incluyen los artistas latinoamericanos.

POLÉMICA CON FRANCO, EN ARTE TODO ES VÁLIDO

Preguntado por la polémica obra 'Always Franco' de Eugenio Merino expuesta en la galería ADN y sobre la que interpondrá una demanda civil la Fundación Francisco Franco, el director del Reina Sofía defiende la "libertad de expresión" y asegura que mientras no se contravenga el Código Penal, "todo es válido" en el arte. Por otra parte y cuestionado por los precios de las obras en el marco de la crisis económica, Manuel Borja-Villel ha señalado que los precios se mantienen o "bajan poquito", salvo excepciones de algunas obras que no están "lo suficientemente valoradas".
Por su parte, el director de ARCOmadrid, Carlos Urroz, ha destacado la importancia de estas adquisiciones "para mantener toda una red de galerías". "Aunque parezcan superfluas, si no hay compras desaparece todo el entramado de la creación", ha señalado el responsable de la Feria, para quien si las compras desaparecen de los presupuestos estatales, nunca volverán a formar parte de ellos.
Entre las obras adquiridas figuran también 'Que grande sos' de Alberto Greco; 'Structure' de Sergio Ivekovic o 'Masacre de Puerto Montt Luis Camnitzer. En cuanto a los jóvenes artistas, ha comprado obras de Adrià Julià, Pep Agut, la portuguesa Leonor Antunes o la argentina Irene Kopelman La cifra invertida este año en ARCO es algo superior a la del año pasado. En 2011, el Reina Sofía invirtió en Arco 680.260 euros.

Fuente: Europa Press

EUGENIO MERINO ADMITE
QUE LA OBRA 'ALWAYS FRANCO'
TIENE UN PUNTO DE HUMOR NEGRO.





No le preocupa la denuncia de la Fundación Francisco Franco.


BARCELONA, 17 
El artista Eugenio Merino, autor de la escultura 'Always Franco', que muestra un hiperrealista figura del dictador encerrado en un frigorífico de Coca Cola, ha reconocido que la escultura tiene un punto de humor negro, "pero no es ofensiva".
En una entrevista con RAC1 recogida por Europa Press, Merino ha confesado que no le preocupa que le denuncien desde la Fundación Francisco Franco, porque implica que esas personas "están muy fuera del mundo del arte y no tienen conocimiento de lo que se ha hecho en el arte español los últimos 10 años".
El autor ha protagonizado la principal polémica de esta edición de ARCOmadrid, y ha avanzado que hay gente muy interesada en la pieza y que seguramente la acabará vendiendo --cuesta 30.000 euros--.
Ha explicado que no ha recibido presiones, pero ha lamentado que alguien intente imponer la censura contra la libertad de expresión, algo que hace que "mucha gente se replantee qué tipo de cuestiones se deben debatir en el mundo del arte".
"La Fundación Francisco Franco le ha dado un carácter político a la obra.[...] ya no es un debate artístico, y eso me parece bien", ha zanjado satisfecho.


Fuente: Europa Press

COLECCIÓN DE CALIENTAPIÉS DE CERÁMICA
Anexo Calientamitones y Calientabolsillos, también de cerámica




EXPOSICIÓN COLECCIONABLES Y COLECCIONISTAS I
MUSEO NACIONAL DE ARTE DECORATIVO,

Buenos Aires, Argentina, julio - septiembre 2006












LA TAPA DEL CATÁLOGO DE LA EXPOSICIÓN.  

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CONCURSO PREMIO MUSEO NACIONAL DE ARTE DECORATIVO AL COLECCIONISMO 2008

 
RESULTADOS DEL CONCURSO PREMIO MNAD AL COLECCIONISMO - Edición 2008:
Categoría A (hasta 39 años al 15 de agosto de 2008): Primer premio: Pablo Eduardo Massolo, 32 años, Colección de Cascos de guerra. Categoría B (a partir de los 40 años): Primer premio: Raúl Horacio Álvarez: Colección de tapas de discos LP de vinilo, de 33 rpm. En esta categoría, y en atención a la calidad de las colecciones presentadas, el Jurado decide otorgar Menciones Honoríficas a: Pedro L. Baliña, Colección de calientapiés de cerámica. Darío Isaac Roitman, Colección de sellos para lacre. Agradecemos la participación de los coleccionistas que con gran entusiasmo acompañaron esta propuesta y compartieron su historia y sus tesoros con nosotros. 
¡Hasta la próxima edición! 



Fuente: Sitio Oficial del MNAD  


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EXPOSICIÓN COLECCIONABLES Y COLECCIONISTAS II
MUSEO NACIONAL DE ARTE DECORATIVO,


Buenos Aires, Argentina
septiembre - noviembre 2008




Por segunda vez, el Museo Nacional de Arte Decorativo se abre a las colecciones y coleccionistas. La primera Coleccionables y Coleccionistas, en 2006, fue un asomo a esa rara pasión acumulante, ordenante, que incita a cacerías y paciencia. Se vio todo tipo de objetos, algunos de gran valor intrínseco, otros perfectamente cotidianos, valorizados y energizados por ser parte de un conjunto llamado colección. La misma sensación y la misma idea pueblan esta edición 2008, que permite espiar tesoros privados.La idea de valorizar a los coleccionistas nació para alternar con ese otro hallazgo del MNAD, la Feria de Anticuarios. Ferias, se sabe, hay muchas, pero la que creó el museo tiene una sinergia especial, una curaduría discreta y elegante, y un ángel propio: es un catálogo de soluciones de diseño, de objetos de belleza singular. La misma línea que sigue el encuentro de coleccionistas, astutamente dividida en dos niveles físicos y conceptuales.En la planta baja del museo, los grandes salones alojan las colecciones de alto valor intrínseco: vidrios Art Déco checos de la década del veinte, encuadernaciones firmadas, francesas y también Déco, tallas en piedras duras y jade de China, celadón y blanc de Chine de hace dos siglos, porcelanas de la Compañía de Indias –incluyendo un notable niño Jesús con rasgos orientales–, dos conjuntos de bronces, pequeñas obras de Carlos de la Torre, loros y una orquesta de monitos músicos de porcelana europea, Cristos y tallas del Buen Pastor de la colonia portuguesa de Goa, imaginería y pinturas de retablos latinoamericanos, abanicos, perfumeros de refinadas siluetas, fosforeras ornamentales, relojes de bolsillo, cernidores, platerías, vajillas de café.Entre estas bellezas llaman la atención algunas francamente inesperadas. Una es la serie de tea caddies chinos en porcelana azul y blanca, completamente diferentes al habitual objeto de maderas o metales y muy fáciles de confundir con frascos. Otra es la colección de remates de péndulos relojeros de Juan Carlos Ahumada Seré, un conjunto de piezas refinadísimas de ormolú y broncería francesas, de entre los siglos 17 y 20, que son fascinantes esculturas en miniatura. Y, algo rarísimo en estas latitudes, el conjunto de scrimshaws de Beatriz y Erwin Swoboda, ingleses y norteamericanos. Un scrimshaw es un souvenir de ballenero, el tipo de cosas con que decoraba su cabina el capitán Ahab. Son dientes de ballenas y orcas montados en virolas de plata, para que se queden parados, y tallados o grabados con figuras de barcos o animales.Las salas del subsuelo, blancas y más neutrales, recibieron las colecciones más pop: caballitos de calesita, muñecas, máquinas de coser de juguete, carameleras, soldaditos de plomo, barcos de juguete, termómetros publicitarios, maquetitas y herramientas de ebanistas, baitones santiagueños, aperos de plata, un conjunto de flippers coloridos y sonoros, y una flotilla de veleros de madera, modelos a escala que colecciona Gabriel del Campo.Por cuerda separada, están los premios al coleccionismo que da el museo para alentar el vicio. En la categoría de menores de cuarenta años ganó esta vez Pablo Massolo, con una insólita colección de cascos de guerra. La categoría de mayores de cuarenta fue para Raúl Alvarez por su conjunto de tapas de longplays realizadas por artistas argentinos, colección nacida cuando Alvarez notó que un disco de Palito Ortega exhibía un retrato realizado por Carlos Alonso, nada menos. Las menciones fueron para Pedro Baliña, coleccionista de calientapiés de cerámica, y para Darío Roitman, apasionado por los sellos de lacre.La muestra abrió ayer en la sede del MNAD, el palacio Errázuriz de Libertador y Pereyra Lucena, y se puede visitar de martes a sábado a partir de las 14. Dura casi exactamente dos meses, así que no hay excusa para perdérsela y también para visitar uno de los edificios más notables de Buenos Aires, que es además de los mejor usados. 

Fuente: Página12, Buenos Aires.

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VISTAS DE LA WAVERLEY POTTERIES, DE A.W. BUCHAN & Co., EN PORTOBELLO, EDIMBURGO, ESCOCIA, A PRINCIPIOS DEL SIGLO XX. LA FIRMA FABRICABA VARIOS MODELOS DISTINTOS DE CALIENTAPIÉS WAVERLEY.

EN EL TALLER DE FABRICACIÓN, EN 1923.


UNO DE LOS HORNOS Y JUNTO A ÉL, SU ENCARGADO.



CALIENTAPIÉS WAVERLEY EN EL DEPÓSITO.

ALGUNOS DE LOS PRODUCTOS DE LA WAVERLEY. EN LA PARTE SUPERIOR SE VEN CALIENTAPIÉS. FOTOS: MUSEO DE EDIMBURGO, ESCOCIA.
NOTA: EN LA FOTO Nro. 8 DE LA SIGUIENTE SERIE, SE PUEDE VER UNO DE LOS MÁS RAROS MODELOS DE CALIENTAPIÉS WAVERLEY, HECHO POR A. W. BUCHAN & Co. EN PORTOBELLO, EDIMBURGO, ESCOCIA.



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Y AHORA, VEAMOS UNA BUENA PARTE DE ESTA COLECCIÓN1.- Foto de gran parte de la colección tal como está actualmente colocada.

 
2.- Una vista de la parte superior del mismo arreglo.

 
3.- Inglaterra. Calientamitones y calientabolsillos de cerámica. Ninguno excede de los 14 cm de alto ó largo.
  4.- Inglaterra. Tres calientamitones o calientabolsillos de cerámica.
  5.- De izq. a der. : “The Duke” Foot Warmer, The Peacock, Hence Smith, Marriot’s, Easo Phild, The Scotia, The Wintawant y “Foot Warmer”.

6.- Blancos solos, blancos y azules, blancos y negros.  Al ver los dos calientamitones o calintabolsillos de la izquierda, se tiene la pauta de cuánto más chicos que los calientapiés son. 

7.- Blancos solos, blancos y azules, blancos y negros II. También aquí se pueden ver y comparar los tamaños marcadamente diferentes entre los calientapiés y los calientamitones o calientabolsillos.


8.- De izq. a der.: The Buchan's Waverley Bed Warmer, The Reliable Hot Water Bottle, The Midlothian Ideal Bed Warmer, The Joy of Home Tea, The Adaptable Hot Water Bottle and Bed Warmer. 

9.- Una gran variedad de modelos, formatos, tamaños, coloridos... The Western Pottery Co., The Duke Foot Warmer, Foot Warmer, The Reliable Hot Water Bottle and Bed Warmer.

 
10.- Gladstone’s Bag B.E.D., floreado como Liberty y varios marrones.
 
11.- Azul y blanco, azules y natural, azul y marrón con forma de cartera de mujer y violetas y natural. 
 12.- Inglaterra, Bourne Denby. Gladstone’s Bag Hot Water, Bottle B.E.D., Registered Model No. 740416 

13.- Inglaterra, Calientapiés del Príncipe de Gales, con las plumas del escudo del heredero del trono británico en relieve alrededor de la boca de llenado y de las asas. Es muy grande y sumamente pesado.

 
14.- Estados Unidos de América, Goodwill’s Bed Warmer and Water Carrier.

15.- Australia, calientapiés con forma de barril y hojas en relieve y con colores alrededor de la boca de llenado.

16.- Raro calientapiés japonés hecho por la manufactura de Yutampo

17.- Otra vista general de buena parte de la colección. Abajo, al centro, The Mecca Foot Warmer & Bed Bottle.

18.- De izq. a der.: THe Wintawant Foot Warmer, The Universal Foot warmer, The R.A.F. Foot Warmer. Atrás, una curiosidad: un calientapiés de gran tamaño, hecho en los Estados Unidos, con diseño de ornato comprado a Doulton, que no coincide con la forma de la botella ni con la ubicación de la boca de llenado de la parte superior.
 
19.- Un conjunto de azules y blancos y de negros y blancos. “Ideal”, con guarda de uvas y hojas de parra alrededor de la boca de llenado. Doulton’s, del modelo primitivo (parados) y el “Improved”, mejorado, de corte rectangular (cuarto de los parados desde la izquierda y los acostados). Nótense los hechos especialmente para la tienda Gath & Chaves de Buenos Aires y Boucher y Bonnefroi de Santiago de Chile.

20.- Doulton’s, modelos viejos y mejorado y nuevo “Ideal”.

21.- The F.H. & Co. Foot Warmer.

22.- The Bungalow Foot Warmer, Denby Stoneware. Lindo y raro. 

23.- The Henderson Foot Warmer, atrás uno color borravino oscuro marca Red Wing y hecho en los Estados Unidos, The Doulton’s Thermette, Bazar Inglės, The Wintawant.

24.- De izq. a der.: un Doulton's Thermette, Ye Olde Fulham Pottery y The Henderson Foot Warmer, de Boston, Massachusets, E.E.U.U., que tiene la tapa a rosca, de metal.  

FOTOS DIEGO GAONA

SOMOS A VARIAS COLECCIONES DE ARTE
LO QUE LA PIRÁMIDE DE PEI AL LOUVRE





El Museo del Louvre y la discutida pirámide del arquitecto chino Pei.

Cuando tratamos una colección de arte, al principio, como ocurrió con la Pirámide de Pei en el Museo del Louvre, por lo general, revolucionamos un poco. Y de entrada, a veces se nos discute.
Como la pirámide de Pei, podremos ser puestos en duda, pero somos el nexo moderno, dinamizador, que liga los diferentes elementos preexistentes, dándoles un nuevo sentido, un nuevo interés, por lo general superador y enriquecedor de lo anterior.
Es sabido que a la gente, las más de las veces, los cambios le cuestan bastante.
Pero si los cambios que se proponen son para mejor, si le permiten a cada una de sus obras de arte lucirse mucho más, al máximo de sus posibilidades, justamente por el hecho de estar cada una debidamente PUESTA EN VALOR, el balance deberá dar positivo y no debería dudarse al momento de la toma de decisiones.
Enseguida, una vez pasado el primer momento y aquietadas ya las aguas, se hace la claridad y la totalidad de los dueños de buenos cuadros, esculturas, tapicerías, piezas arqueológicas, de obras y objetos de arte, quedan sorprendidos por el antes y el después.
Son tan grandes los cambios habidos en la iluminación a fines de la década de los 70 y principios de los 80, que en el casi 100% de las casas hace falta un aggiornamiento de las viejas instalaciones y artefactos. Cambiaron el concepto, el idioma, la forma de ver y concebir la iluminación a partir de lámparas desarrolladas partiendo de descubrimientos hechos por simples casualidades. Como ha ocurrido con tantos de los grandes descubrimientos del género humano.
Y con el tiempo, como seguramente ocurrirá con Pei, al pasar el filtro del tiempo, su obra se convertirá en un clásico.
El tema tiene mucho que ver con la mayor o menor apertura de uno para poder aceptar ciertos cambios. El tema tiene mucho que ver con la mayor o menor apertura para poder aceptar los cambios. Todo es cuestión de animarse a dar el gran paso.
Estamos aquí para acompañarlo a dar ese gran paso y en la asimilación de los cambios.
Y como decía otro gran chino, Confucio, el viaje empieza con un único paso. Íntima, totalmente convencidos, le aseguramos que todo será mejor después de ese paso inicial.
El tiempo también obrará a nuestro favor y nos dará la razón.
Como le pasó a a Pei con su pirámide.

P. L. B.


TESTIMONIOS: OPINAN CLIENTES Y AMIGOS



MONTAJE E ILUMINACIÓN DE UNA EXPOSICIÓN DE CUADROS


"Conozco poca gente culta que tenga real conciencia sobre la importancia de la luz; no exactamente la que proviene del Sol, sino la que mediante los conocimientos y la sensibilidad de un profesional como Pedro Baliña, puede serle útil a toda persona que necesite crear una atmósfera particular, gracias a su asistencia y su talento. Yo no hago ponderaciones inútiles, porque para mí la luz, en este caso artificial, es una de las cosas más importantes en mi vida, es un gozo de la mirada, es exquisita. Trabajar con Pedro es trabajar con un artista, que con su visión puede encontrar respuestas prácticas a la luz de sus sueños."

Aldo Sessa
Fotógrafo
Artista Plástico
Editor
Académico de Número de la Academia Nacional de Bellas Artes




"Han pasado ya muchos años desde que nos conocimos.
En Principium, la nueva galería que abrimos en Buenos Aires luego de Palatina, su colaboración fue amplia y precisa. Su proyecto de iluminación y la disposición demostraron que tiene el "feeling" para estas tareas, tan queridas por los que convivimos con el arte."

Dr. Ricardo Coppa Oliver
Fundador Galería Palatina.
Fundador Galería Principium.
Fundador Galería Coppa Oliver Arte.


“Durante mi carrera militar, particularmente en las unidades que comandé, tuve la oportunidad de compartir con Pedro Baliña algunos interesantes proyectos. El primero de ellos fue el diseño y dirección del las obras de refacción del Museo del Regimiento de Granaderos a Caballo“General San Martín”, Escolta Presidencial, incluyendo la puesta en valor de su patrimonio histórico e iluminación. Posteriormente, por invitación de su Presidente, Grl Div (RE) Valentín O. Venier, asesoró a la Comisión del Arma de Caballería “San Jorge” del Ejército Argentino sobre el nuevo emplazamiento, el diseño del basamento, el entorno y la iluminación del Monumento al Caballo de Guerra, en los jardines del Cuartel del Regimiento de Granaderos a Caballo “General San Martín”, en Palermo. Años más tarde, en la Escuela Superior de Guerra ” Teniente General Luis María Campos”, asesoró, proyectó y dirigió la ejecución de la “Galería del Centenario”, la remodelación e iluminación del Museo Histórico, del Salón de Actos “General San Martín” y del Salón Comedor “Luis María Campos” del instituto, obras que fueron inauguradas con motivo de celebrarse los 100 años de su creación. También emprendimos juntos diversos proyectos privados. Pedro Baliña siempre se distinguió por un meticuloso cuidado para preservar los elementos patrimoniales, históricos y de época, así como por no modificarlos al incorporarles los últimos avances de la tecnología lumínica. Y procuró que se les hiciera una seria y especializada reconstrucción cuando así lo requerían."

General de Brigada (RE) Dardo J. A. Parodi
Ex-Jefe Regimiento de Granaderos a Caballo "General José de San Martín"
Ex- Director Escuela Superior de Guerra "Tte Grl Luis María Campos".



“Es increíble la transformación de nuestra casa con los cambios que le hizo Pedro. La gente se queda asombrada por lo bien que se ven nuestros cuadros ahora. Es notable el sentido como conjunto, el equilibrio y la armonía que les dio a obras de familia llegadas desde muy distintos orígenes. Uno, a partir del paso de Pedro, empieza a ver las cosas de otra manera."

Inés Dodero de Santamarina


"La suya fue una tarea compleja y a la vez completa. Una excelente muestra de profesionalidad y buen gusto, sin dejar de mencionar el gran impacto visual logrado gracias a su inteligente planificación integral. Los resultados están a la vista, porque aún hoy, su labor sigue “iluminando” la tradicional Sala de Lectura de la Biblioteca del Jockey Club."

Roberto D. Müller
Director de la Biblioteca del Jockey Club,
Buenos Aires.


“Lo conocía a Pedro desde siempre pero no había visto ninguno de sus trabajos. Con su ojo indudablemente criterioso, les hizo a mis casas de Buenos Aires y del campo “esos” toques con los que las dotó de una armonía de conjunto, de una coherencia visual y de una calidez que me han hecho mucho más placentera mi vida diaria en ellas. Y encuentro que quizás unos de los méritos mayores de esos toques es que parecen hechos por mí misma, sin la intervención de un profesional. Personalmente me alegré de haberle encargado esos trabajos a Pedro."

Martha Facio de Staudt



"¡Pedro, te felicito! ¡No se puede creer el cambio de esos cuadros! Son increíbles los colores que han aparecido gracias a la nueva iluminación. Un beso, Fina”

Delfina Ruiz Guiñazú de Dodero


“De la mano de Pedro Baliña descubrí el increíble poder transformador de la luz y en él a un verdadero artista tratándola. A la capilla románica del Club Pingüinos, la hizo crecer hasta convertirla en una catedral grandiosa.”

Lic. Ana Braun Bidau
Socióloga
Intérprete Simultánea del Ministerio de Relaciones Exteriores y Culto y de Presidencia de la Nación



“En Pedro Baliña conviven el artista sensible, el observador atento y sagaz, con un ojo analítico, crítico y desmenuzador como he conocido muy pocos, capaz de hacer una completa vivisección de un ambiente en pocos segundos, el refinado creador de climas y el técnico experimentado y consecuente con sus principios, que conoce su oficio desde adentro, que habla sólo de lo que sabe y que disfruta con el trabajo bien hecho, realmente a conciencia. A lo de Pedro hay que verlo. Y entonces, al vivir y experimentar la luz tratada plástica y estéticamente, el asombro disipa cualquier posible temor inicial a los cambios que uno pudiera tener.”

Adriana Zaefferer
Artista Plástica



“Pedro, es férico lo que has conseguido de mi casa al tratarla con tu luz. Cuánta razón tenía Samuel Paz cuando me aconsejó llamarte porque eras la única persona en Buenos Aires que podía resolverme mi tema tan especial con real solvencia.”

Inés M. Pereda de Sánchez Elía
Decoradora


“El polifacético Pedro Baliña, un creador nato, casi compulsivo, tiene mucho de mago y de alquimista. Genera constantemente belleza en todo lo que hace, goza rodeándose de ella y al compartirla con la gente. Va ofreciendo un sinfín de variantes posibles para cada casa, ambiente o situación, como saca un mago los conejos de su galera, todas hilvanadas por su buen gusto, su agudeza visual, su gran olfato para detectar la calidad y su desarrolladísimo sentido de la proporción. Lo hace con la fluidez y naturalidad de alguien que nació en eso, con la convicción de sus principios, y la seguridad y el respaldo que le dan las horas de vuelo que tiene en lo suyo."

Virginia Balán
Profesora Nacional de Bellas Artes
Paisajista


“Pedro... ¡qué maravilla! Recuperé la visión que había perdido con estas increíbles luces que nos has puesto. Mis clases de bridge de los martes han vuelto a ser un placer. Las olas del cuadro alemán del mar, en serio parecían agitarse cuando le prendiste la nueva iluminación. Los dos cuadros holandeses quedaron como del Louvre. Y la santa portuguesa ahora levita iluminada desde el cielo. Muchos saludos de Alberto. Un beso."

Nelly Chopitea de Rodríguez Etcheto


“Los trabajos de Pedro Baliña, tienen el inconfundible sello del protagonismo que en ellos les otorga a las obras de arte. Son lo que les da singularidad, calidad, personalidad, atractivo. Pedro distribuye y emplaza obras y objetos de arte y trabaja los planos y volúmenes que las contienen con comodidad, oficio y versación. Es destacable el hábil manejo de las texturas y contrastes entre opuestos, figura y fondo, claros y oscuros, simples y complejos, brillos y mates, luz y semi-penumbra, que intencionadamente hace cuando busca subrayar las obras u objetos de arte de alguna de sus puestas en valor, especialidad ésta dentro de la que se mueve con la facilidad de un pez en el agua.”

Constantino Cornejo

“Pedro Baliña colgó y puso en valor los cuadros y esculturas de la subasta benéfica que anualmente organiza E.M.A., Esclerosis Múltiple Argentina, para sostener su Centro de Atención y difusión de la problemática, en la Embajada Británica y en la Fundación Mundo Nuevo, durante tres años seguidos. El tema no era nada fácil puesto que eran todas obras de diferentes autores, tamaños y formatos, medios, técnicas e imágenes. Pedro con mucho oficio las organizó y las hizo lucir para que los potenciales compradores las vieran rindiendo al máximo de sus posibilidades antes de cada subasta. Y ésto por cierto contribuyó a que se lograran excelentes resultados en las posteriores ventas en el M.A.L.B.A. Fundación Costantini. La misión había sido cumplida.”

Inés Acevedo
Ex – C.E.O. de E.M.A.


“Hace 23 años lo llamé a Pedro por primera vez, siguiendo las recomendaciones de un verdadero conocedor del arte, mi querido amigo Samuel Paz Pearson, que hizo escuela en la Argentina.Con el tiempo confirmé que es uno de los mejores iluminadores del país. Hemos seguido haciendo cosas juntos hasta hoy. Yo, a Pedro lo dejo trabajar: él sabe muy bien lo que hace y los resultados que consiguió, en todos los casos superaron ampliamente mis expectativas. Los ambientes, bien tratados lumínicamente, parecen mucho más amplios, y quedan decididamente más alegres y acogedores. Ni hablar de la increíble transformación que consigue Pedro de las obras y objetos de arte, que quedan mágicamente puestos en valor. Es increíble la diferencia entre el antes y el después. En un país donde la improvisación es moneda corriente de todos los días, estimula ver a profesionales como Pedro, que saben de lo que hablan, que hacen lo suyo con verdadera pasión y habiendo investigado cada tema a fondo.”

Joan Croucher

"Encontrarse frente a un trabajo de Pedro, es sin duda, entregarse a las manos de la belleza. Ante objetos y ámbitos preexistentes, se siente vibrar la presencia lumínica exquisita que él crea. El relieve de una moldura, una pintura solitaria, un bronce voluptuoso, pasan a tener nuevos destellos. El uso del color, atrevido o humilde, recrea nuevos espacios. Parece simple. No lo es. Se necesita de un ojo acostumbrado a todo lo que es bello para poner en valor lo que por sí solo pasa inadvertido. Su gusto por lo legítimo, por nuestras tradiciones, a veces audaz, nos invita a entrar en recintos poco comunes, porque su mirada no admite veladuras ni atajos, porque modifica la nuestra y nos hace mejores. Nos hace ver lo que antes no se veía, porque su luz y su oficio traen consigo la novedad en las cosas, el poder ver las cosas como son cuando alcanzan su punto de madurez y de confianza."

Fabián Velasco
Artista Plástico
Profesor Nacional de Bellas Artes
Premio Trabucco de la Academia Nacional de Bellas Artes


"Los trabajos de Pedro Baliña reflejan su amor por el arte, su gusto excelso y su vasta experiencia profesional. Juega mágicamente con luces y sombras.Sus puestas en valor de obras de arte y de arquitectura combinan arte y técnica con agudo profesionalismo.Sólo artistas como él, logran composiciones tan equilibradas."

Arq. Alicia López León

"De múltiples talentos, versado en muchísimos campos, es un hombre del Renacimiento encorsetado en el proviciano siglo XXl porteño. De gusto seguro, original, audaz, gran honestidad intelectual e ideas firmes. Sus decoraciones y ambientaciones son sobresalientes. Refinado iluminador, sabe cómo poner de relieve lo que quiere destacar. Como coleccionista, saborea cada adquisición, la contempla y disfruta. Nadie como él para mostrar de manera estética y original las cosas más inverosímiles, ya fueran reliquias sanmartinianas o una colección de mieleras. He visto cosas suyas magníficas y espero seguir viendo mejores aún."

Susana María Moret de Reynal


"Dimos con Pedro a través de una revista hace ya casi veinte años. Nunca más lo dejamos.Desde entonces nos acompaña con los trabajos que hace en casa de manera tan cálida y con el sentido de la estética y de la armonía que lo caracterizan."

Mario A. Guerrieri y Betty A. de Guerrieri


"Le estamos muy agradecidos por sus consejos y asesoramiento, siempre tan acertados, y también por el gran afecto que nos ha demostrado a través de ya muchos años de hacer muy lindas cosas juntos."

Laura Rivero Haedo y Eduardo A. Díaz




“Ver la influencia francesa en la arquitectura de Buenos Aires y al barrio de San Telmo a través del ojo conocedor y exquisito de Pedro fue para mí una experiencia sorprendente y enriquecedora. Como no podía ser de otro modo, terminamos muy amigos.”

Romuald de Richemont
Periodista – Escritor
Paris, Francia