GIACOMETTI, LEÓN FERRARI, WARHOL:UN 2012 CON MUCHO ARTE PARA VER

El escultor Giacometti es la figura. Y habrá muestras importantes en todo el país. 

EVA. León Ferrari relee la Biblia, en el Malba.

EL HOMBRE QUE MARCHA. Giacometti se verá en Proa.

Por Mercedes Perez Bergliaffa

Comienza el año y una catarata de novedades inunda la cartelera del arte. La cosa viene variadita: habrá desde muestras inéditas de artistas internacionales, como la del suizo vanguardista Alberto Giacometti, hasta otras mucho más alternativas, como Ocho , el programa de videoproyecciones del MACRO – Museo de Arte Contemporáneo de Rosario –. Desde intervenciones realizadas en espacios culturales flamantes – como la de los jóvenes artistas cubanos “Los carpinteros”, en el Faena Arts Center – hasta los ya tradicionales Salones Nacionales que siempre se realizan en el Palais de Glace.
Será difícil superar 2011, que tuvo muestras de la envergadura de la de Louise Bourgeois, con esa araña Maman, de varias toneladas ubicada de cara al Riachuelo. Tampoco va a ser fácil que otro Doríforo – esa escultura romana del gran Policleto, un emblema de la historia del arte universal de 2.500 años de antigüedad, traída por el Museo Nacional de Bellas Artes desde Italia – venga para la Argentina.
Giacometti es probablemente lo más impactante del año. Y será sin duda convocante la muestra de León Ferrari: Brailles y relecturas de la Biblia, que abre a fin de marzo en en el Malba. Pero 2012 también saldará saldará viejas deudas con artistas argentinos importantes. Y las muestras se expandirán a lo largo y a lo ancho del país.
Eso pasa con la gran exposición de Alberto Heredia que prepara el Museo Nacional de Bellas Artes de Neuquén para agosto. Otra gran exposición que la institución de Neuquén se trae entre manos es la del maestro Lino Enea Spilimbergo, durante junio y julio.
Córdoba, con su bello museo Caraffa, no se queda atrás: en julio tendrá una gran exposición de Carlos Alonso, maestro mendocino y vecino de Unquillo. La exposición Sensación térmica, de Marta Minujín, viajará al Caraffa en septiembre.
Mientras tanto, Rosario seguirá apostando en su MACRO al arte joven. ¿Un dato jugoso? La retrospectiva que el ilustrador Martín Kovensky hará allí en noviembre.
En la Capital Federal, el Museo Nacional de Bellas Artes mostrará Real/ Virtual, arte cinético de los años 60, entre marzo y agosto.
El Centro Cultural Borges expondrá obras del histórico artista francés de los años 60, Jean Tinguely, y también Cartografías íntimas, una muestra del maestro cubano Wilfredo Lam. Esto será durante julio y agosto, respectivamente.
El Palais de Glace mostrará a mitad de año, en su planta alta, una exposición especial: ¡Lucha libre! Miradas al fabuloso mundo de la lucha libre mexicana, para la que varios artistas latinoamericanos crearon obras. Y el Faena Arts Center tendrá Lady Warhol, la muestra de retratos de Andy Warhol vestido de mujer.
El Centro Cultural Recoleta abre la temporada con Pablo Siquier y la cierra con Marcos López, ambos en la sala Cronopios.
En junio, el espacio de arte de la Torre de YPF exhibirá una muestra de la grabadora argentina Liliana Porter. El mismo mes, el Museo de Arte del Tigre, mosrtará obras de l escultor Jorge Gamarra.
En a Fundación OSDE se exhibirá El doble de una vida, del exquisito fotógrafo húngaro André Kertész y en la Fundación Alon, dos importantes exposiciones de Pérez Célis y Anatole Saderman.
Es decir que 2012 tendrá un foco general en el arte local y algunas luces derivadas en un par de muestras internacionales. Habrá que ir a verlas y, sí, disfrutarlas.

Fuente: Revista Ñ Clarín

NUEVO ESPACIO EN EL LOUVRE PARA EXPONER EL ARTE DEL ISLAM

El museo sumó 4.600 metros cuadrados gracias a una audaz explotación del subsuelo del Patio Visconti, del que se obtuvieron entre 12 y 15 metros de altura suplementarios, así como a su cobertura parcial mediante un velo ondulado de vidrio y metal.

LOUVRE: Inauguran nuevo espacio para exponer arte islámico.

El Louvre ultima su nuevo departamento de Artes del Islám donde se expondrán más de 18.000 obras, muchas de ellas inéditas, anunció hoy el director del Museo, Henri Loyrette.

En busca de un sutil y poético equilibrio con el arte que se expondrá y con el neoclasicismo arquitectónico del siglo XVII de la Cour Visconti, el arquitecto francés Rudy Ricciotti y el italiano Mario Bellini crearon un manto que permite el paso de la luz natural convenientemente tamizado.

La instalación de la colección Arte del Islám, está prevista para lo largo del primer semestre del año.“Es una de las mejores del mundo por la diversidad geográfica de sus obras, así como por el período histórico cubierto y por la multiplicidad de materiales y técnicas representados afrimó Loyrette. Y agregó que “el nuevo departamento aspira a recordar a los franceses y al mundo la aportación esencial de las civilizaciones del Islám a nuestra cultura y también a favorecer el diálogo entre las civilizaciones".

El nuevo departamento estará situado del lado del ala Denon, entre el Sena y la pirámide de vidrio, frente a la zona Richelieu, fronteriza en una de sus caras con la calle Rivoli.

El proyecto es el más importante desde que el arquitecto chino-estadounidense Ieoh Ming Pei construyó la pirámide del Louvre hace veinte años. Su presupuesto asciende a 98,5 millones de euros de los que todavía faltan diez millones por reunir, recordaron sus responsables.

El proyecto fue financiado en parte por el rey Mohamed VI de Marruecos; el emir de Kuwait, jeque Sabah al Ahmed al Sabah; el sultán de Omán Qabus bin Said, y la república de Azerbaiyán, que costearon 26 millones de euros.

Otros 30 millones de euros fueron aportados por donadores individuales y empresas, mientras que el Estado francés aportó 31 millones de euros y el propio museo 1,5 millones.

Fuente: Revista Ñ Clarín / EFE 

DAMIEN HIRST REGRESA A SÍ MISMO

El artista volvió a un estilo que había abandonado. Empezó a producir nuevamente pinturas con puntos, que formarán parte de más de una restrospectiva. 

INNOVADOR. El artista británico Damien Hirst junto a uno de sus cuadros de puntos. Está volviendo a su género anterior con muestras en las 11 galerías Gagosian en el mundo entero.

Por CAROL VOGEL - The New York Times

Cuando los mercados financieros se encaminaban hacia el desastre en 2008, el artista británico Damien Hirst desairó a sus marchands y convenció a la casa Sotheby’s de esta ciudad de vender 223 obras principalmente nuevas.Había animales muertos ­tiburones, cebras, lechones y hasta un ternero- flotando en enormes acuarios de vidrio en formaldehído, y armarios repletos de diamantes. Y pinturas a granel: pinturas girantes, pinturas con puntos, pinturas con mariposas pinchadas con alfileres debajo de un vidrio.     Más de 21.000 personas visitaron Sotheby’s para ver la exposición previa. La venta de dos días alcanzó los US$ 200,7 millones.Justo antes de la subasta, Hirst proclamó el fin de aquellas telas abstractas de lunares en colores de golosinas. También iba a dejar de hacer las pinturas girantes y con mariposas, además de los trabajos con animales muertos. Para algunos, fue un discurso de venta inteligente para convencer de que era ahora o nunca, pero Hirst insiste en que no fue así. "He avanzado" explicó. "En la época de la subasta ya había hecho lo suficiente". Ahora estamos, sin embargo, ante un típico cambio de humor hirstiano. Empezó a producir nuevamente pinturas con puntos y está montando otro espectáculo. Esta vez convenció al dueño de la galería, Larry Gagosian, de que lo dejara invadir sus 11 galerías ­las dos de Londres; tres en Nueva York; una en París, Roma, Hong Kong, Atenas, Ginebra y Beverly Hills, California ­de llevar a cabo una retrospectiva de sus pinturas de puntos. La exposición tendrá lugar desde el 12 de enero hasta el 18 de febrero. Y como sucedió con muchas de las cosas que ha hecho Hirst, la muestra de puntos será acompañada sin duda por una lluvia de críticas. Richard Dorment, el crítico de arte de The Daily Telegraph de Londres, calificó las pinturas de lunares de "fantásticamente aburridas", y cuando le preguntaron qué pensaba de las muestras de Gagosian, respondió: "La acumulación de montones de ellas en un lugar como la Turbine Hall de la Tate podría tener cierto impacto visual, pero no le veo sentido a llenar todas las galerías Gagosian del mundo entero. ¿Con qué objeto?" Hirst, de 46 años, empezó las pinturas de puntos en 1986. "En ese momento estaba haciendo collages que se parecían un poco a las pinturas de Nicholas de Staël o Hans Hoffman y estaba resolviendo un montón de problemas formales con el color", dijo.Es muy probable que la idea le viniera del padre, un vendedor de autos del norte de Inglaterra, que pintó la puerta de su casa a lunares azules, dijo. "Tomó un recipiente y cortó un círculo, enmascaró el resto y después roció pintura en los lunares", dijo Hirst."Yo le decía a la gente que vivía en la casa que tenía la puerta blanca a lunares azules". Las primeras pinturas con puntos fueron realizadas directamente sobre la pared, agregó, "parecía que las había pintado una máquina gigantesca. En cierto modo, yo trataba de negar que fuera un artista". Ha oído todas las quejas. "Son lo que más tardó en entenderse de mi obra", dijo refiriéndose a las pinturas de puntos. "Una vez vino alguien a verme y me dijo `¿Por qué hace esos puntos estúpidos? Son tontos, un insulto a la pintura’". "Lo que me llevó a seguir haciéndolos es que siempre quedaban muy bien", dijo. "La idea era que fuera una serie interminable. Es una idea conceptual más que una realidad. Para Hirst y para Gagosian esto es un asunto serio. "Es como una exposición en múltiples lugares", dijo Gagosian. "Estas pinturas ya están en la cultura popular. Aparecen en anuncios comerciales, en ropa, en autos." La muestra de Gagosian incluirá alrededor de 200 trabajos, repartidos a lo largo de 20 años, de colecciones en 20 países. Estará en venta menos de un tercio de la muestra. Obras comparables recaudaron en subastas cifras que varían desde US$ 10.000 hasta más de US$ 1,8 millón, según la fecha, el tamaño, el diseño y el estado. La muestra será seguida por una retrospectiva en la Tate Modern de Londres, que se inaugurará el 4 de abril. Para algunos, la idea de ver galerías llenas nada más que de telas con puntos suena mortalmente monótono. No para el artista."Son cosas muy difíciles de mirar", dijo Hirst. "Superficialmente, son pinturas alegres, pero contienen una incomodidad subyacente. Se pierden los límites porque resultan difíciles de enfocar. ¿Hay que mirar la cuadrícula o los puntos individuales o la pintura en su conjunto? Cuando se empieza a mirar de verdad, uno se pierde". 

HOCKNEY VS. HIRST

El pintor inglés David Hockney arremetió contra su colega y compatriota por no hacer él mismo sus obras sino contratar colaboradores.

Una intensa polémica se desató en el panorana artístico británico cuando el pintor inglés David Hockney lanzó un duro ataque contra Damien Hirst, artista al que le critica por utilizar asistentes y no realizar él mismo sus obras. Y fue muy directo: "Todos estos trabajos están hechos por el artista, personalmente", se puede leer en el anuncio de la próxima exposición del pintor de 74 años, que se inaugura el 17 de enero en la Royal Academy of Arts de Londres. Así lo reconoció él mismo en una entrevista pública: "Es un pequeño insulto a los artesanos, habilidosos artesanos".

Hirst, polémico y multimillonario, reconocido mundialmente por sus esculturas de animales diseccionados y por su calavera de diamantes vendida por 78 millones de dólares, será centro de una retrospectiva a partir de abril en el museo Tate Modern de Londres, no respondió los ataques de Hockney. Aunque siempre se manifestó a favor de la opción de utilizar asistentes para que pinten, por ejemplo, sus famosos cuadros de círculos de colores, de los que ha firmado unos 1.400. En 2007, en referencia a esas obras, dijo: "cuando vendo uno, uso el dinero para pagar a gente que haga más. Ellos lo hacen mejor que yo. Yo me aburro, me vuelvo impaciente".

Con 46 años, Damien Hirst es uno de los artistas vivos más cotizados y forma parte del movimiento artístico conocido como Young British Artists, que se formó en los años noventa en la escuela Goldsmisth de Londres, donde prima lo conceptual y la capacidad de promoción de los artistas. "Yo solía insistir en la escuela de arte que puedes enseñar las técnicas, pero no puedes enseñar la poesía. Pero ahora intentan enseñar la poseía y no la técnica", agregó en la misma entrevista Hockney, que ahora vive en el norte de Inglaterra tras décadas en California (Estados Unidos) donde participó de manera activa en el movimiento Pop Art.

El comentario de David Hockney --galardonado el 1 de enero con la Orden del Mérito por parte de la reina Isabel II--, abrió el eterno debate entre el arte conceptual y la técnica y enfrentó dos de los artistas más importantes del panorama artístico mundial. En The Independent, el artista multimedia Michael Petry criticó el ataque de Hockney y explicó que se pude decir que esa no es la manera en la que uno quiere trabajar, pero "no es necesario tirarnos piedras los unos contra los otros". Petry, autor del libro The Art of Not Making (El arte de no hacerlo) sobre el uso de asistentes por parte de artistas, considera que los comentarios de Hockney "pretenden borrar un siglo entero de arte contemporáneo".

EL OJO, LA MANO, EL CORAZÓN

David Hockney y lo que se necesita para ser pintor: una discusión que en el mundillo local de las artes plásticas tiene fama de antigua, de superada.

Por Eduardo Villar

Es una discusión que en el mundillo local de las artes plásticas tiene fama de antigua, de superada. En cambio, en el gran mundo del arte globalizado, siempre vuelve con fuerza. Esta vez resucitó en Inglaterra (ver notas relacionadas), enfrentando a dos pesos pesados, David Hockney y Damien Hirst. Aquí no tuvieron mucha repercusión, pero en el resto del mundo un par de frases de Hockney dedicadas a Hirst sin nombrarlo se reprodujeron decenas de veces en los medios que dedican algún espacio al arte: es “insultante para los artesanos” que Hirst recurra a asistentes para hacer sus obras –unos 300 trabajan para él– y “me enorgullezco” de haber hecho personalmente todas mis obras. Hockney no ignora obviamente que desde hace siglos, innumerables artistas han recurrido a asistentes para la confección de sus obras: Rubens, Rodin, Dalí, entre tantos otros. Quizá no haya que tomar muy literalmente sus palabras, o al menos, no sólo ésas. “En la escuela de arte se puede enseñar la técnica, lo que no se puede enseñar es la poesía. Pero ahora intentan enseñar la poesía, no la técnica”, dijo. También citó un proverbio chino según el cual, para ser pintor, se necesitan tres cosas: “Ojo, mano y corazón. Dos no bastan”. Me parece que el problema de Hockney con Hirst no son los asistentes, sino lo que él considera su falta no sólo de técnica sino también de poesía. Habla de Hirst no como de alguien que no se ensucia en el taller sino como alguien que no es artista. Aunque venda más y más caro, ése es otro tema. Hockney no tiene problemas con los asistentes que ayudaron a Rodin, a Rubens, a Dalí, a hacer obras maestras. Su objeción es con los empleados que Hirst tiene para que hagan filas y filas de lunares de colores. Hirst ha dicho que él se aburre pintándolos y que por eso contrata a otros para que lo hagan. La pregunta es, si se aburre y ya hizo tantos, ¿para qué sigue haciéndolos? Su respuesta sería no la de un artista sino la de un vendedor.

Fuente: Revista Ñ Clarín / EFE

FARADJE CUENTA OTRA HISTORIA

La muestra que se exhibe en Recoleta marca un giro en la producción del artista, no sólo por su temática sino también por su cercanía con el informalismo.

LA FIESTA. 160 x 200 cm

EL HUNDIMIENTO. 160 x 220 cm.

SAN MARTIN EN LUCHA CONTRA EL INFORMALISMO APATRIDO. 80 x 220 cm.

Por Laura Casanovas

En medio de una exuberante carga matérica de telas, plásticos, cera, brea, esmaltes, papeles, metales, óleo, surgen imágenes de la historia argentina: el cruce de los Andes del general San Martín, el retrato de un caudillo, el 17 de octubre de 1945 en la Plaza de Mayo, la fachada de la Casa Rosada, un barco inglés durante la Guerra de Malvinas.

 “Los temas nunca fueron determinantes, son una circunstancia. Para mí el gran tema es la pintura, siempre. Pienso en un plano, una saturación, un contraste”, dice Eduardo Faradje sobre su nueva producción pictórica. Sin embargo, esta nueva circunstancia temática, manifiesta en los 23 grandes cuadros de la exposición Historia y otras historias, en el Centro Cultural Recoleta, llama la atención a quienes están habituados a sus pinturas en las que hasta el momento prevalecía la figura humana en retratos, desnudos y también paisajes.

“No creo en el arte político, jamás ha cambiado nada a nivel social. Pero obviamente hay un recorte en estos últimos cuadros. Hay una imagen de una manifestación de 1973 que por ahí tiene que ver con la infancia, con cosas que vi. O de pronto pensaba en el general San Martín, miraba en Internet y aparecían todas estas imágenes que están dentro de uno, no sé si de Billiken o del colegio”, comentó en diálogo con Ñ.

Imágenes que conforman un imaginario visual compartido, por lo cual no resulta difícil decodificar escenas y paisajes vinculados con la Argentina y su historia.

Pero no es lo único que llama la atención de su última producción. En ella se intensifican las posibilidades del collage –al cual recurrió hace pocos años– al sumar materiales, cuya disposición y superposición en el plano confiere a cada trabajo una importante fuerza expresiva, vital y expansiva. La primera filiación que muestran estas obras, por su tratamiento matérico, es con el informalismo.

De la mano del rol protagónico de la materia se produce también una reducción cromática y la ampliación del tamaño del soporte,  respecto de los trabajos anteriores del artista. 

“Hay una modificación en mi obra pero es muy difícil relatarla porque a uno le va pasando todo por dentro”, dijo. Y contó que le ocurrieron hechos importantes en los últimos años, como el nacimiento de su hijo un año atrás. “Uno tiene sensaciones y las va organizando”, comentó.

En “La masacre de los inocentes”, con reminiscencias a los bombardeos de 1955 en Plaza de Mayo, un torbellino de materiales define amplios y rítmicos planos de negros y marrones –como sucede en la mayoría de las obras–. Al acercarnos y mirar en detalle encontramos unos pequeños soldaditos de plástico que combaten en medio de esa inmensidad. Las distancias desde las que uno elige observar estas obras multiplican los hallazgos, las imágenes y los materiales que ofrecen.

Faradje define su proceso creativo como “un poco caótico” al ir sintiendo en el momento la necesidad de colocar determinados materiales. Incluso, hay obras a las cuales prendió fuego para luego seguir trabajando a partir del resultado de dicha combustión sobre los materiales, como sucede en “Sin tregua”, cuya imagen remite a la Guerra de Malvinas.

Por debajo del barroquismo de estos trabajos en relación con la falta de espacios vacíos, se advierte cierto orden compositivo geométrico presente en toda su producción, aunque en esta serie de una forma menos evidente. Al respecto, el artista remarca su interés por la geometría de Joaquín Torres García y también su admiración por Piet Mondrian.

Siempre dedicado a la pintura, Faradje tuvo entre sus maestros a Osvaldo Attila, Aurelio Macchi y Guillermo Roux. Sostiene que “el arte se construye sobre arte” y, en este sentido, entre los artistas argentinos considera como sus “parientes o abuelos” a Fortunato Lacámera, Eugenio Daneri, Antonio Berni.

Los títulos de las obras de esta muestra devienen claves de lectura no exentas, en algunos casos, de irónico humor. Es el caso de “San Martín en lucha contra el informalismo apátrido”. También, de “Grandes discursos”, con sus   chorreaduras que trazan líneas verticales, formando un torrente de agua que cae con gran intensidad. 

Frente a la obra “El federal”, el artista comentó que podría ser el caudillo Facundo Quiroga. “Tomé esa imagen, pero después empecé a volar y ya me olvidé qué era”. Casi con certeza, sentimos que la invitación que subyace entonces en todos estos nuevos cuadros es a volar en significaciones y sensaciones.

FICHA

Eduardo Faradje. Historia y otras historias.

Lugar: Centro Cultural Recoleta, Junín 1930.
Fecha: hasta el 26 de febrero.
Horario: Lunes a viernes, 14 a 21  Sábados y domingos, 10 a 21.
Entrada: gratis.


Fuente: Revista Ñ Clarín

UNA MUESTRA EN PARISACERCA ADOS GENERACIONES DE ARTISTAS ARGENTINOS

Unidos por sus apuestas conceptuales y sus aspiraciones estéticas, un grupo de 18 artistas argentinos llegó por primera vez al público parisino. Vicente Grondona y Mariana Bersten, entre los artistas, elegidos por padrinos consagrados como Alfredo Prior y Antonio Seguí, entre muchos otros.

 

MARUJA. De la Serie Fantasmas de Mariana Bersten, una "crónica fantasmática de algún pueblo perdido", describe Alfredo Prior, su "padrino".

SERGIO AVELLO. Un retrato de Luna Paiva / Artist’s portraits (Machete)

     INSTALACION. Azul Andrea, la elegida de Antonio Seguí, con Les feuilles mortes – les lignes de la main. 2011. Plâtre.

TAURUS. Grafito y lápiz color sobre papel. 50 x 70 cm. 2011(de Mateo Andrea, apadrinado por Rubén Alterio)

 Por Carlos Maslatón

A la manera de “El otro cielo”, aquel célebre cuento en el que Julio Cortázar imaginó que el espacio del porteño Pasaje Güemes podía desembocar en la parisina Galerie Vivienne, la Casa Argentina de la Ciudad Universitaria de París acaba de recrear ese tránsito de un país a otro, no ya de manera fantástica, pero sin renunciar al encantamiento propio de los recursos del arte: ha reunido en una muestra a dieciocho artistas argentinos consagrados que apadrinaron las obras de otros tantos jóvenes cuyos trabajos se han destacado en los últimos años en disciplinas como el dibujo, la fotografía y la pintura. Arte argentino: de una generación a otra ha sido el título de esta exhibición que tuvo lugar en París semanas atrás, y que implicó una suerte de “pase del testigo” entre artistas separados por la cronología pero unidos por sus apuestas conceptuales y aspiraciones estéticas.

“Comenzamos por buscar artistas argentinos con una trayectoria en la escena artística nacional o internacional, para que nos señalaran creadores jóvenes a los que ellos quisieran presentar para esta exposición –detalla Alejandra Birgin, directora de la Casa Argentina. En algunos casos, el camino fue el inverso: fueron propuestos por alguno de sus colegas y buscamos artistas consagrados para que respaldaran su obra. Comenzó un recorrido en el que hubo encuentros con y entre ellos, con sus obras, sus itinerarios y relaciones”, explica.

La idea surgió de una conversación entre Birgin y Martín Reyna, curador de la muestra, quienes se interesaron por facilitar que artistas argentinos jóvenes mostraran su obra en París. A partir de ese planteo, convocaron a artistas ya reconocidos, como Alfredo Prior, Antonio Seguí, Marcela Gómez, Pablo Flaiszman y Philippe Bonan, entre otros. Cada uno apadrinaría a un artista menor de 35 años, con obras que todavía no han alcanzado difusión a nivel internacional.

 “La posibilidad de presentar sus trabajos en un contexto en el que la mayoría de los artistas y sus obras no han sido expuestos anteriormente, puede abrir caminos de difusión nuevos. Los ‘padrinos’ representan un empuje para alcanzar ese objetivo”, sostiene Reyna.

El catálogo de la muestra permite ver un abanico de propuestas heterogéneas, diversidad de técnicas, medios y discursos. Muchos de los convocados practican simultáneamente varias disciplinas, pero tuvieron que concentrarse en una para mostrar su obra: Vicente Grondona, Mauro Koliva, Emma Herbin, Lucio Mosner, Mateo Andrea y Rafael Alterio expusieron sus dibujos; la fotografía estuvo representada en las obras de Mariana Bersten, Andrés Goldberg, Jorge Pomar y Luna Paiva; María Saravia, Agustina Valli, Lorenzo Bueno y Terencio González exhibieron sus pinturas; Juan Sebastián Carnero y Natalia Mark, grabados; mientras que Azul Andrea participó con una instalación y Benjamin Naishtat exhibió un cortometraje.

Los fantasmas de Maruja

Una mujer de resonancias fellinescas vestida de negro y con guantes blancos mira a la cámara y, a sus espaldas, dos hombres (o quizás el mismo, en ejercicio del don de ubicuidad) de traje y con paraguas –que remiten al universo pictórico de René Magritte–  componen la obra “Maruja”, que forma parte de la serie Fantasmas. Esta es la toma que la fotógrafa Mariana Bersten seleccionó para participar en la muestra parisina.

Nacida en Buenos Aires en 1975, Bersten se formó en los Estados Unidos, fue asistente del famoso David Lachapelle, fotógrafa de modas para las agencias Ford y Elite y obtuvo la beca del Fondo Nacional de las Artes en 2010. Acaba de concluir, con ese financiamiento, el proyecto Fantasmas, que recrea historias de aparecidos que recorren distintos pueblos del interior del país.

“Participar de esta muestra fue una experiencia única, por la posibilidad de entrar en contacto con artistas que he admirado desde siempre y a los que pude conocer en París”, relata. La obra presentada por Bersten materializa el fantasma de una mujer de principios del siglo XX asociada a una maldición lanzada contra un hotel de Melincué, provincia de Santa Fe, actualmente abandonado. “Intenté condensar, a través de la recreación de un ambiente de la década del 20, las distintas versiones sobre este hecho que me refirieron los habitantes del lugar”, detalla la fotógrafa. “Dardo certero en el lugar incierto: crónica fantasmática de algún pueblo perdido. He ahí la imagen de Mariana detenida, entre un flash y su recuerdo”, se lee en un fragmento del texto que Alfredo Prior preparó para su ahijada artística.

Los organizadores de la muestra son contundentes al evaluar el impacto que este tipo de iniciativa puede tener en la difusión internacional de los creadores argentinos. “La exposición fue muy exitosa, ya que convocó a un público amplio de artistas, coleccionistas y amantes del arte que tomaron contacto con estas obras y sus autores por primera vez”, afirma Birgin, y promete reincidir en este tipo de propuestas que, como en el relato cortazariano, acortan las distancias entre dos generaciones, dos países, dos mundos.


Fuente: Revista Ñ Clarín

UNA NUEVA CARA PARA ELMUSEO DE ARTE MODERNO DE SAN FRANCISCO

El prestigioso museo de la costa oeste norteamericana comenzará su ampliación en el verano boreal de 2013. El presupuesto total estimado para el proyecto, a cargo del estudio noruego Snøhetta, es de US$555 millones y tendrá como fin duplicar el área de galerías.

Vista actual del museo

Por Celeste Rivas

La mayoría de los grandes museos de arte moderno en el mundo buscan extender el concepto de modernidad también a su estructura externa, que se convierte en un símbolo de las piezas que residen en su interior y conforma una suerte de extensión de las obras que alberga. Los edificios, en suma, narran una historia en sí mismos, como lo demuestran el Pompidou en París, el Tate Modern en Londres o el neoyorquino MoMA. El Museo de Arte Moderno de San Francisco no es una excepción, como lo atestigua su historia arquitectónica.

Fundado el 18 de febrero de 1935 por Grace McCann Morley, una destacada museóloga norteamericana, gracias a la donación de una colección privada, el Museo de Arte Moderno de San Francisco o SFMOMA fue el primer museo de arte de la costa oeste. Su nombre original fue Museo de Arte de San Francisco, pero agrega el término “moderno” en 1975 debido a su constante búsqueda de mantenerse a la vanguardia del arte.

Desde sus inicios puso el foco sobre la relación entre las nuevas tecnologías y el arte, de forma tal de privilegiar no sólo pinturas de artistas modernos, sino también medios artísticos alternativos, como el diseño y la arquitectura, la fotografía, cine, televisión y, más recientemente, arte digital de la era de internet.

Hoy en día cuenta con una colección permanente de alrededor de 27.000 obras de artistas que van desde Matisse y Picasso hasta Richard Serra, pasando por Jackson Pollock, Clyford Still y Mark Rothko. Su muestra permanente dedica un sector especial a los muralistas latinoamericanos, en donde expone obras de José Clemente Orozco, Rufino Tamayo, Diego Rivera, Frida Kahlo, como Frida y Diego Rivera (1931) y El porteador de flores (1935), entre otras.

Su ubicación original fue el cuarto piso del War Memorial Veterans Building sobre la avenida Van Ness, una arteria central en la ciudad de San Francisco. Si bien esta locación no fue particularmente llamativa en lo que a su arquitectura respecta, sí lo fue en el contexto de la historia mundial, dado que fue la sede de la redacción y firma de la Carta de las Naciones Unidas al término de la Segunda Guerra Mundial, en 1945. Como consecuencia, el museo se mudó temporalmente para ceder sus galerías al proyecto.
Debido a su creciente colección estable, fue necesario proyectar un cambio de locación, y en 1988 se presentó el proyecto para el nuevo edificio, a cargo del prestigioso arquitecto suizo Mario Botta, cuyos trabajos incluyen el museo de arte Samsung en Seúl y la torre Kyobo, también en la capital surcoreana.

En 1995, tras 7 años de trabajo y para su 60° aniversario, el museo abre sus puertas en su nueva locación, al sur de la calle Market, en el distrito de SoMA (South of Market), una zona a tan sólo pasos del distrito financiero cuya fertilidad cultural es notoria, ya que alberga varios museos, incluyendo el Yerba Buena Center for the Arts y el Jewish Contemporary Museum, entre muchos otros.
El edificio actual es una construcción ecléctica que combina distintos materiales (ladrillo, piedra, acero), formas (en medio de las líneas predominantemente rectas surge una torre cilíndrica) y colores (blanco, negro, gris y ladrillo).

En el interior, se privilegiaron los espacios amplios y luminosos. Una masiva escalera principal de granito, iluminada por la luz natural que se cuela a través de la claraboya en la cima de la torre central, comunica las galerías de los 5 pisos del museo.

En 2009, el SFMOMA transformó su azotea en un jardín en altura. Si bien este pequeño espacio en el quinto piso es también dominio del arte, ya que en él se exponen esculturas de la muestra permanente del museo, la verdadera estrella de esta adición es el espacio en sí mismo: enmarcado por los altísimos edificios del distrito financiero de San Francisco, el jardín permite echar una mirada intimista sobre el bullicioso centro de negocios desde la distancia de una silenciosa terraza habitada por obras de arte. El pasillo vidriado que conecta el jardín con las galerías del último piso mantiene el mismo espíritu, ya que, del mismo modo, regala al observador la vista de algunos de los edificios más famosos que recortan el horizonte de la ciudad de San Francisco.

La remodelación: 2011 y un nuevo proyecto

Del mismo modo en que hace más de 2 décadas la creciente colección del museo hizo necesaria una mudanza, a mediados de 2011 se presentó un proyecto para la remodelación y ampliación del museo con el fin de hacer frente tanto a la duplicación de su colección permanente como a la triplicación de la cantidad de visitantes por año.

Además, la remodelación responde a la necesidad de crear un nuevo espacio para la colección Doris y Donald Fisher, cofundadores de la conocida marca de ropa Gap, que comprende piezas de corrientes como minimalismo, conceptualismo, pop art y arte figurativo, con artistas de la talla de Roy Lichtenstein y Andy Warhol.

El estudio de arquitectos noruego Snøhetta es el encargado de llevar a cabo la obra y fue elegido entre varias decenas de estudios de distintas partes del mundo. Su proyecto comprende la ampliación del edificio mediante la construcción de una nueva ala junto al edificio original, hacia las calles laterales de donde hoy se encuentra el museo (Howard, Natoma y Minna), que incluirá espacio para nuevas galerías, áreas educativas y de reunión. El proyecto apunta a favorecer la accesibilidad: una de las ideas fundamentales de Snøhetta es articular el espacio del SFMOMA de forma tal de mejorar la circulación de peatones hacia dentro y hacia fuera del museo y crear así nuevas vasos comunicantes respecto del entorno del museo, es decir, en cierta forma mejorar los lazos y la conexión entre el museo y el resto de la ciudad y sus habitantes.

El extenso uso de vidrio en el nuevo diseño se apoya, precisamente, en esa idea. Además, se crearán nuevas entradas sobre las calles adyacentes Minna y Howard. La nueva ala del museo, de unos 60 metros de altura, se elevará por encima del edificio de Botta en unos 10 metros y tendrá también un nuevo jardín terraza para acompañar al ya existente.

El diseño interior, cuyos detalles fueron revelados a fines de noviembre, se propone continuar con el actual y, a pesar de las nuevas galerías y adiciones, complementará el original diseñado por Botta en 1988. Sin embargo, la escalera principal será removida del espacio central de entrada al museo con el fin de crear un espacio más abierto y fluido entre las distintas entradas y galerías.

El resultado de la remodelación duplicará el espacio del SFMOMA, que alcanzará alrededor de 12.100 m2 en espacios destinados a galerías. El costo total estimado es de US$555 millones, de los cuales ya se recaudaron US$ 437 millones. Su fecha de inicio está prevista para el verano boreal de 2013 y su fecha de fin se estima para inicios de 2016.

La ampliación también prevé la mudanza de la estación de bomberos n°1, ubicada sobre la calle Howard, una de las vías sobre las cuales se extenderá la nueva ala. Sin embargo, el museo se hará cargo de los gastos, unos US$10 millones, y dará una nueva estación a la ciudad, más moderna y actualizada, sobre la vecina calle Folsom. Aunque el traslado de la central suscitó dudas iniciales de los vecinos, estas fueron apañadas luego de que el departamento de bomberos afirmara que la nueva locación mejoraría sus tiempos de respuesta.

No obstante, surgieron algunas voces en contra de los planes del SFMOMA. El hotel W, ubicado en la misma cuadra del museo sobre 3rd Street, presentó una apelación al proyecto, debido a que, sostiene, la nueva obra complicará el tránsito en una zona ya congestionada, ya que se encuentra a unas 3 cuadras del agitado distrito financiero de San Francisco, al bloquear las entradas de carga y descarga que actualmente utiliza, lo que lo forzaría a usar las ya cargadas vías adyacentes.

Además, el hotel añadió que la ampliación del museo bloqueará la vista de los huéspedes del hotel. La apelación será tratada el próximo 10 de enero, aunque, según reporta el San Francisco Chronicle, Snøhetta se apuró a responder a las quejas del W en una conferencia sobre el proyecto: “Mirarán (los huéspedes) hacia afuera y verán un museo increíble. Cuando vives en una ciudad, estas cosas pasan. Y eso es lo que hace que una ciudad sea grandiosa”.

Fuente: infobae.com

ROBARON UNA OBRA DE ARTEY LA DEVOLVIERON PORQUE NO LA PUDIERON VENDER

    

Dos ladrones asaltaron en diciembre de 2009 el museo del pintor belga René Magritte. Luego de varios intentos fallidos por colocar L'Olympia en el mercado negro, contactaron a un experto para entregárselo.

L'Olympia de René Magritte

Un cuadro del pintor surrealista belga René Magritte robado hace dos años de un museo de Bruselas fue devuelto, aparentemente porque los ladrones no podían venderlo, según informa hoy la prensa belga.

La obra, titulada L'Olympia, había sido robada de un museo de Jette (un distrito del noroeste de Bruselas) consagrado al artista.

El experto en arte Janpiet Callens, contactado hace dos semanas de forma anónima por los supuestos autores para devolver la obra, entregó la pintura a las autoridades y explicó que los ladrones no habían conseguido colocarla en el mercado negro, según los medios belgas.

La pintura es un desnudo de Georgette Magritte, esposa del artista, sobre un fondo de un paisaje junto al mar.

Fue robada el 24 de septiembre de 2009 por dos hombres que actuaron a cara descubierta en el pequeño museo que acoge la antigua casa del matrimonio Magritte en Jette.

Fuente: infobae.com