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La pintura “Retrato de George Dyer hablando” (foto), en la que el artista irlandés Francis Bacon (1909-1992) representó a su amante, será subastada en febrero por la casa Christie’s en Londres. Se estima que la obra de Bacon podría alcanzar, al menos, los 36 millones de euros. El pintor está en la cima del mercado del arte: ayer se supo que Elaine Pascale Wynn, ex esposa de un magnate dueño de casinos, fue quien compró por 142 millones de dólares su tríptico “Tres estudios de Lucian Freud”. Fuente:carin.com |
OTRO BACON A SUBASTA:
PODRÍA SUPERAR LOS 36 MILLONES DE EUROS
LOS IMPERDIBLES QUE SE VIENEN:
BERNI, BEUYS, QUINO Y DEIRA
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| Juanito dormido. Berni será muestra en el Malba. |
Entre todas las muestras que los museos y centros culturales
preparan para este año, hay algunas imperdibles: la primera es la que
está preparando la Fundación Proa sobre el gran artista alemán Joseph
Beuys. Multisdisciplinario –hacía esculturas, performances, videos e
instalaciones, todas efímeras, Beuys no creía en el arte “para la
eternidad”- y perteneciente al histórico (y provocativo) grupo
neodadaísta Fluxus, la vida entera de Beuys cambió a partir de un
accidente que tuvo en 1944, cuando se desempeñaba como piloto durante la
Segunda Guerra Mundial. Entonces su avión se estrelló cerca del Raión
de Crimea. En estado inconsciente y a punto de morir congelado, unos
nativos tártaros lo encontraron y lo envolvieron en grasa y fieltro,
salvándolo. Estos elementos fueron, desde entonces, apariciones
constantes en sus obras.
Otra muy importante exposición que se viene
este año es “Juanito y Ramona”, organizada en torno a estos dos
personajes de Antonio Berni. Juanito, un nene hijo de campesinos que
migraron a la ciudad en búsqueda de una vida mejor pero terminaron
viviendo en una villa, y Ramona, una mujer de origen pobre, que se
prostituía con la idea de poder alcanzar así el centro de la elite del
poder y el dinero, aparecerán permanentemente en el Malba, a partir de
octubre. La exposición ya fue presentada en el Museo de Bellas Artes de
Houston. No se pierda en esta muestra la serie de “Los monstruos”
realizados por Berni: representan a los monstruos que se le aparecían a
Ramona en sus pesadillas.
Este año también se cumplen los 50 años de
Mafalda, el tan querido y popular personaje de Quino. Por eso el MNBA
expondrá, desde diciembre, una muestra en su honor en el segundo piso
del museo.
La gran retrospectiva que el Muntref está preparando
sobre el pintor Ernesto Deira y la exposición de la legendaria –y
primera mujer– fotorreportera y corresponsal de guerra Margaret Bourke
White -desde abril en el Centro Cultural Borges- también serán
exposiciones no perderse.
Fuente: REvista Ñ Clarin
Fuente: REvista Ñ Clarin
EL DESAFÍO, TANGO DE DUALBERTO MÁRQUEZ Y RENÉ RUIZ
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| FLORENCIO MOLINA CAMPOS- Escuela Argentina, 1891-1959 - "Carrera de sortija", témpera. |
EL DESAFÍO - Tango
“Le corro con mi “manchao”
al alazán de Cirilo,
al alazán de Cirilo,
como le dio al “colorao”.
Nicasio de abanderao
y como Juez (1) Don Zenón
a correr desde el portón
hasta allí, hasta el esquinero,
y me juego (2) hasta el apero
y empeño hasta mi facón.”
“No respeto, caballeros,
estado, pelo ni marca,
y al de la estancia ´e Las Arcas
le pueden bajar los cueros
No me asustan parejeros
con tapa ni con trompeta
pués no es el primer sotreta
que aquí en la esquina ´e Las Latas
le hice revolear las patas
y también largar la jeta
Aceptan y desensilla
dejando sobre el apero
botas, facón y sombrero,
y hace vincha su golilla (3)
va de la cancha a la orilla
en vez de un rebenque dos
con la Fe puesta en su Dios
cual legítima Esperanza
pa´ llegar a la balanza
a igualar sesenta y dos
Le tocó un “rosillo moro”
marca de Hilarión Contreras
que había ganao más carreras
quel colorao sangre'e toro
Lo montaba un mozo Floro
muy buen corredor campero
visteador y ventajero
pa´largar en la bandera
pues lo había quien le saliera
siempre picaba primero
El otro fue un mocetón
que se sintió desafiar
y que cargo pa'igualar
medio kilo 'e munición
lo rodeaban un montón
que hacian fuerza pa'su lado
y palmeaban al manchado
al par del andarivel
como si vieran en él
un triunfo ya descontado
Y pa'que seguir narrando
lo que fue aquella carrera
si cualquier hombre de afuera
ya lo estara calculando
anduvieron mañereando
errar y errar la partida
hasta que en una corrida
les bajó el abanderao
y el rocillo y en manchado
fueron una luz prendida.
Y se sintió: “¡Ya pegaron!”
y la cosa jue pareja
ni se sacaban la oreja
y los rebenques bajaron
y cuando al final pasaron
entre el público y rayero
entre aplausos y sombreros
que se agitaban de gozo
el juez grito sentencioso
“¡Puesta nomás, caballeros!”
Letra: Dualberto Márquez
Música: René Ruiz
(1) El Juez, la autoridad de las carreras cuadreras.
(2) “...me juego”: la apuesta que se hace al desafiar.
(3) “golilla”: el pañuelo que se lleva al cuello (cubriendo la “gola”) y
que al que transforman en vincha antes de correr.
ANDÁ A VILLA ORTÚZAR A VER SI LLUEVE
El Observatorio Central del Servicio Meteorológico es mucho más que los datos del tiempo.
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En las últimas semanas, un tema fue central para muchos
habitantes del país y, sobre todo, para la gente de Buenos Aires: el
calor. Es cierto que esto de la alta temperatura es una vieja costumbre
que tiene el verano. Pero la seguidilla de días agobiantes fue tan
fuerte que se convirtió en pesadilla. Ante esto muchos buscaron una
referencia, una especie de oráculo, que anunciara cuándo llegaría el
alivio. Entonces surgió el nombre de un lugar al que recurrir en estos
casos: el “observatorio de Villa Ortúzar”.
Instalado desde julio
de 1906 en lo que entonces eran terrenos fiscales y parte del Instituto
Superior de Agronomía y Veterinaria (que en 1909 se convirtió en la
actual Facultad que depende de la UBA), lo más curioso del Observatorio
Central de Buenos Aires (ese es su nombre real) es que no está en Villa
Ortúzar, sino en Agronomía. La denominación popular se origina en que,
en aquellos años de principio del siglo XX, la zona era parte del
primero de los barrios. Recién en 1972, los límites iban a cambiar y la
Avenida de los Constituyentes iba a quedar afuera de Ortúzar.
La
entrada al observatorio (una dependencia del Servicio Meteorológico
Nacional – SMN) está en Constituyentes 3454, a unos metros de la Avenida
Francisco Beiró. El edificio, rodeado de un amplio parque, es lugar de
trabajo para nueve observadores que están en la Estación Meteorológica,
más cuatro especialistas del Departamento de Teledetección y
Aplicaciones Ambientales, doce especialistas del Departamento de
Vigilancia de la Atmósfera y Geofísica y diez docentes del Departamento
de Capacitación, las cuatro áreas que conviven en el lugar. Trabajan en
turnos rotativos de 24 horas, los 365 adías del año. Y lo hacen de
acuerdo con los estándares internacionales de la Organización
Meteorológica Mundial (OMM).
Además de las antenas especiales que
sobresalen en el edificio central, el lugar tiene equipamientos extraños
para quien no está en el tema. Por ejemplo, hay unas casetas con
persianas que se llaman “abrigo meteorológico”. Están a un metro y medio
del piso (la altura promedio de una persona) y sirven para las
mediciones de temperatura. También hay un termohidrógrafo, un aparato
que, con un sistema de relojería y una pluma, deja sobre un rodillo
especial la tendencia de la temperatura y la humedad. Y para medir la
cantidad de lluvia y el ozono están el pluviómetro y el espectofotómetro
Dobson, un equipo que desarrolló el físico y meteorólogo británico
Gordon Miller Bourne Dobson (1889/1976) en la Universidad de Oxford.
Justamente, la unidad para medir el ozono lleva su apellido.
El
Departamento de Capacitación tiene un alto valor: la OMM lo reconoce
como Centro Regional de Instrucción para América del Sur. Es porque allí
se hacen cursos técnicos para observadores meteorológicos y para todo
el personal del SMN.
Como se ve, el “observatorio de Villa
Ortúzar” es mucho más que los datos del tiempo que, cada día y a toda
hora, se conocen a través de los medios de difusión. Y aunque esté
afuera de las 130 manzanas que tiene el pequeño y casi desconocido
barrio con el que lo identifican, es una dependencia importante para la
vida cotidiana. Y quizá su nombre sirva algún día para contar la vida de
don Santiago Francisco de Ortúzar, nacido en España en 1822. El hombre
murió soltero y le dejó a un sobrino esas tierras donde ya, en 1827, se
había radicado un grupo de agricultores alemanes que, a instancias de
Bernardino Rivadavia, dieron origen al pueblo de Chorroarín, en homenaje
a un reconocido sacerdote. Pero esa es otra historia.
Fuente: clarin.com
LA FERIA DE SAN TELMO YA LLEGA A PLAZA DE MAYO Y SE VENDE CUALQUIER COSA
La calle Defensa está tomada todo el día y ofrecen desde ropa hasta comida. Quejas de vecinos y Comerciantes. Las puestos habilitados de artesanías y antigüedades fueron desbordados por Manteros y estructuras ilegales.
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Lo que nació en 1970 como una feria temática de antigüedades se convirtió hoy en una especie de zoco árabe donde se vende cualquier cosa. La feria de San Telmo no sólo desborda de turistas cada domingo, también está repleta de puestos truchos o semilegales, al punto tal que ya llega hasta la calle Hipólito Yrigoyen, en la Plaza de Mayo.
En
realidad, en la feria conviven distintas situaciones. Por un lado están
los puestos históricamente habilitados para vender antigüedades: los de
la Plaza Dorrego, la cuadra de Defensa entre San Juan y Cochabamba, los
de Humberto Primo entre Defensa y Bolívar y los que se ubican en los
pasajes Giuffra y San Lorenzo. Pero con el correr de los años se fueron
instalando a lo largo de Defensa distintos manteros que vendían
artesanías o manualidades, un poco porque las distintas crisis dejaron a
mucha gente sin otro recurso para subsistir, y en parte también porque,
sin control estatal, muchos aprovecharon para lucrar en el espacio
público.
Esa feria ilegal se fue extendiendo por Defensa hacia
Independencia, y luego hasta Belgrano. Y ya no sólo se ubicaron los
artesanos o los artistas callejeros, sino gente que vende las mismas
mercaderías que se pueden conseguir en comercios. La situación se
desbordó tanto que a fines de 2011 la Legislatura aprobó una ley que autorizó la instalación de puestos entre Hipólito Yrigoyen y Chile, pero sólo para artesanos.
El problema es que esa ley nunca se puso en práctica en forma reglamentaria. Ayer, como cualquier otra tarde de domingo, se podía ver de todo.
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| Ilegal. Manteros sobre la calle Defensa. Trabajan sin ninguna habilitación. |
Clarín
recorrió la zona y encontró, por ejemplo, que en la esquina de Chile,
mientras muchos turistas hacían cola para sacarse una foto con la
estatua de Mafalda, un artesano había volcado en la vereda de la esquina
decenas de mates a los que les tallaba a pedido los nombres de los
clientes. Metros más adelante había puestos de libros usados, CD
truchos, camisetas de Messi, remeras de Violetta, ropa y cualquier otra cosa. En la cuadra entre México y Venezuela una persona cocinaba panqueques, otro vendía licuados, y hasta en algún puesto tenían postnet para cobrar con tarjeta de débito.
Los
puesteros que antes se tiraban en el piso ahora tienen estructuras de
metal de ambos lados de la calle, lo que deja muy poco espacio para
caminar. Las esquinas también estaban ocupadas, con lo cual se bloqueaba
bastante el tránsito para los autos. ¿Qué hubiera pasado si era
necesario que circulara una ambulancia, un patrullero o un autobomba de
los bomberos, en caso de algún accidente? Además en varios tramos de
Defensa los puesteros colgaron telas tipo media-sombra, con lo cual partes de la feria quedan “bajo techo”.
“La
feria le hizo muy bien al barrio en su momento y sigue siendo uno de
sus principales atractivos, pero ahora es un desorden. A la noche,
cuando se van todos, las calles quedan llenas de basura, y hay
gente que orina en las veredas”, se quejó Gustavo Toro, vecino de San
Telmo. La suciedad es uno de los peores problemas, porque mucho de los
contenedores y cestos para residuos que puso el Gobierno porteño fueron robados o vandalizados, y no los repusieron.
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| Legal. Puestos reglamentados en Defensa y el pasaje San Lorenzo. |
Para
los comerciantes es una preocupación. “Nuestro pedido es que el
Gobierno porteño ordene el espacio público, que se reglamente la ley y
la feria legal se haga como corresponde, en las calles aprobadas y sólo con artesanos o manualistas.
Sino se degrada el espacio público y eso nos perjudica a todos, además
de la competencia desleal”, aseguró Edio Bassi, secretario de la
Asociación de Comerciantes del Casco Histórico.
En el Gobierno
porteño aseguran que están buscando ordenar la zona. “Estamos charlando
con las cooperativas de puesteros. Es necesario que sólo haya artesanos,
y que se ubiquen en las seis cuadras habilitadas, del 0 a 600 de
Defensa. Seguimos dialogando”, afirmó Patricio Di Stéfano, subsecretario
de Espacio Público de la Ciudad.
El avance de la feria ilegal va
de la mano con el crecimiento de la venta callejera, tanto de manteros
como de Saladitas, que se dio en los últimos años en toda la Ciudad (ver
Las Saladitas...). En San Telmo también se creó otra feria, la
que queda sobre la vereda del parque Lezama que da a Martín García,
aunque los puestos de este lugar sí tienen permiso para revender
cualquier tipo de mercaderías.
Fuente: clarin.com
Fuente: clarin.com
EL SHOW DEL ARTE POP EN EL MAR
Apertura.Una muestra de espíritu festivo y masivo, como Mar del Plata, fue la elección para inaugurar el Museo de Arte Contemporáneo (MAR)
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| LOS NEURÓTICOS. Edgardo Giménez, Delia Cancela y Marta Minujín posan sobre la obra de 1968 de Giménez. |
Por Ana María Battistozzi
¿Por dónde empezar a explicar el fenómeno de un nuevo museo instalado en el balneario más popular del país que, desde que abrió sus puertas, el 27 de diciembre, hasta el cierre de esta edición, el 8 de enero, ha convocado a 75.000 personas? ¿Por su impactante edificio emplazado frente al mar en un postergado sector de la ciudad? ¿Por la oportuna intervención de Marta Minujín en la explanada de acceso, mezcla de alfajores y estatua de lobo de mar que conjuga todas las representaciones asociadas al recuerdo de unas vacaciones en la ciudad? ¿O por el contenido mismo de la exhibición inaugural que se impuso sintonizar con el espíritu festivo que caracterizó desde siempre al verano marplatense? Junto a cualquier variante que se elija como aproximación, emergerá la noción de espectáculo, que tan bien define todo lo que acontece en La feliz .
¿Por dónde empezar a explicar el fenómeno de un nuevo museo instalado en el balneario más popular del país que, desde que abrió sus puertas, el 27 de diciembre, hasta el cierre de esta edición, el 8 de enero, ha convocado a 75.000 personas? ¿Por su impactante edificio emplazado frente al mar en un postergado sector de la ciudad? ¿Por la oportuna intervención de Marta Minujín en la explanada de acceso, mezcla de alfajores y estatua de lobo de mar que conjuga todas las representaciones asociadas al recuerdo de unas vacaciones en la ciudad? ¿O por el contenido mismo de la exhibición inaugural que se impuso sintonizar con el espíritu festivo que caracterizó desde siempre al verano marplatense? Junto a cualquier variante que se elija como aproximación, emergerá la noción de espectáculo, que tan bien define todo lo que acontece en La feliz .
Sólo que en este caso coincide con el rasgo dominante y distintivo de los museos en la era actual. Es en la lógica institucional globalizada de los espacios de arte contemporáneo que habría que considerar la irrupción del MAR. Tanto por el rotundo protagonismo que asume su edificio como por la ausencia de una colección que en esta primera ocasión ha sido sustituida por una atractiva exhibición temporaria cuyo tono festivo eligió evocar y espejarse en la cultura que produjo uno de los momentos más auspiciosos y expansivos de la economía argentina del s. XX.
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| EL MAR (DÍPTICO). De Nicolás García Uriburu. Óleo sobre tela. Dos módulos 70 x 60 cm cada uno. |
Un momento que despunta hacia fines de los 50 cuando Mar del Plata dejó de ser el balneario exclusivo de los Peralta Ramos y los Martínez de Hoz y empezó a ser el de la clase media argentina que encumbró el desarrollismo de los 60, imprimiéndole su sello y su estética. Cuando las colas empezaron a ser el signo de una recién estrenada bonanza, ya fueran a la entrada del restorán Montecatini, de las marisquerías del puerto o para ver a Jorge Shussheim, a Vinicius y Toquinho en La Fusa o a Susana Giménez, Porcel y Olmedo.
Se diría que con la aparición del MAR se abre una nueva perspectiva para la “Feliz” hoy recobrada de la crisis que le infligieron el éxodo hacia los balnearios vecinos y del Uruguay en los 90 y la crisis de 2001. Recuperada de ese trance puede postularse como la única en condiciones de erigirse en un centro cultural de importancia en las adyacencias del mar. “Queremos que el MAR se convierta en un faro de actividad cultural de excelencia, se entusiasmó el presidente del Instituto Cultural Jorge Telerman la noche de la apertura.
En los últimos veinte años los museos se han revelado poderosos motores de desarrollo urbano asociados al turismo. La nave insignia de ese proceso a escala mundial fue el Guggenheim. Desde que Frank Gehry instaló en una de las rías de Bilbao su descalabrado edificio de paredes de titanio, la fortuna de la alicaída ciudad vasca cambió radicalmente. Hay similitud con el proyecto del marplatense: el punto de partida aquí, como allá, fue un edificio de museo sin colección para exhibir.
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| SIN TÍTULO. 1968, de Josefina Robirosa. Óleo sobre tela, 84 x 95 cm. |
Con todo, al parecer no fue éste el modelo que dio origen al proyecto. Según relató Pacho O’Donnell, invitado a la tribuna el día de la inauguración, fue una sugerencia suya al gobernador Scioli que lo instó a dejar alguna “obra que lo trascendiera”. Sólo que su fuente inspiración fue la tradición monárquica francesa, actualizada en el siglo XX por Georges Pompidou y Valéry Giscard D’Estaing con el Centro Pompidou y el arco de La Defénse en París.
La sagaz elección del curador Rodrigo Alonso le permitió entre otras cosas reinstalar en la cresta de la “ola del MAR” a los personajes más populares de ese universo, para muchos caprichoso e indescifrable, que es el arte contemporáneo. Así en la inefable noche de apertura se codearon –no sin recelo– los ex Di Tella, Marta Minujin, Delia Cancela y Nacha Guevara con Moria Casán en vivo como el último aporte de Edgardo Giménez a la estética protagónica de la ocasión.
La selección de Alonso no se limitó a reconstruir la cronología canónica del pop que en el relato tradicional despunta entre 1964 y 1966 y se presenta mayormente asociada al acontecer bullicioso, irreverente y hedonista que monopolizó el Di Tella y propagó Primera Plana. En los tres núcleos que articulan la exhibición se advierten desplazamientos temporales que van más allá de aquellos años y exceden el staff y el espíritu oficial del movimiento en Argentina.
Por caso, en el primer apartado se ha incluido la serie de collages sobre papel que Alberto Greco realizó en 1964 a raíz de la muerte de Kennedy y presentó en Madrid un año antes de su propia muerte junto a Antonio Saura. También, la torta que Alfredo Rodríguez Arias realizó en 2011 como homenaje al clásico recetario de doña Petrona C. de Gandulfo. Y el “Rompecabezas” que Jorge de la Vega montó a su regreso de Estados Unidos en 1968 cuando presentó su “muestra concert” en la galería Carmen Waugh. El “espiritu pop” alcanzó también a los no encuadrados formalmente pero que de un modo u otro participaron de él. Tal el caso de Josefina Robirosa, con su serie de figuras de 1968 inspiradas en las vibraciones solares de un día de playa o Elsa Soibelman, representada aquí por la serie De ayer para hoy con afecto de 1968 que hizo retratos pop del panteón de héroes argentinos. También Luis Wells y ese pariente afín y poco recordado que es Anteo Salvi, Antonio Seguí, Juan Carlos Distéfano y Marie Orensanz.
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| ROMPECABEZAS. 1968-70, de Jorge de la Vega, acrílico sobre tela, 17 paneles de 100 x 100 cm cada uno. |
Por caso, en el primer apartado se ha incluido la serie de collages sobre papel que Alberto Greco realizó en 1964 a raíz de la muerte de Kennedy y presentó en Madrid un año antes de su propia muerte junto a Antonio Saura. También, la torta que Alfredo Rodríguez Arias realizó en 2011 como homenaje al clásico recetario de doña Petrona C. de Gandulfo. Y el “Rompecabezas” que Jorge de la Vega montó a su regreso de Estados Unidos en 1968 cuando presentó su “muestra concert” en la galería Carmen Waugh. El “espiritu pop” alcanzó también a los no encuadrados formalmente pero que de un modo u otro participaron de él. Tal el caso de Josefina Robirosa, con su serie de figuras de 1968 inspiradas en las vibraciones solares de un día de playa o Elsa Soibelman, representada aquí por la serie De ayer para hoy con afecto de 1968 que hizo retratos pop del panteón de héroes argentinos. También Luis Wells y ese pariente afín y poco recordado que es Anteo Salvi, Antonio Seguí, Juan Carlos Distéfano y Marie Orensanz.
Pero también y en íntima sintonía con el clima y simpatías del público marplatense el curador rescató los retratos que Martha Peluffo hizo de Nicolino Locche y el “Negro” Guerrero Marthineitz. Su trabajo ha sido especialmente minucioso y creativo en ese sentido.
Desde ya que la constelación de estrellas del pop local que integran Marta Minujin, Juan Stoppani, Pablo Menicucci, Delia Cancela, Pablo Mesejean, Nicolás García Uriburu y Eduardo Costa ocupan un lugar central en el espacio que ordenó de modo espectacular el diseño de Dani Fischer.
Sólo faltan Dalila Puzzovio y Charlie Squirru, al parecer ausentes con aviso. Es de destacar también el gran protagonismo de Edgardo Giménez que junto a varias piezas históricas como “El mono albino”, de 1966, la escenografía de Los neuróticos, de 1968, y el retrato de Federico Klemm de 1971 suma otras recientes.Entre ellas, la gran intervención de la entrada con la figura de Moria Casán. Otros favorecidos por el diseño o la producción que permitió reconstruir adecuadamente obras de época fueron el marplatense Pablo Menicucci y el binomio Cancela-Mesejean, cuyas obras lucen mejor que nunca en el espacio asignado. Hasta aquí la fiesta del MAR. Por delante queda el arduo camino de su organización administrativa, su definición presupuestaria e institucional. Los tiempos que vienen tal vez no permitan internarse en el largo plazo, pero es fundamental que una iniciativa de semejante importancia se inscriba en él.
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| NICOLINO LOCCHE. 1969, de Martha Peluffo. Acrílico sobre tela, 116 x 89 cm. |
Sólo faltan Dalila Puzzovio y Charlie Squirru, al parecer ausentes con aviso. Es de destacar también el gran protagonismo de Edgardo Giménez que junto a varias piezas históricas como “El mono albino”, de 1966, la escenografía de Los neuróticos, de 1968, y el retrato de Federico Klemm de 1971 suma otras recientes.Entre ellas, la gran intervención de la entrada con la figura de Moria Casán. Otros favorecidos por el diseño o la producción que permitió reconstruir adecuadamente obras de época fueron el marplatense Pablo Menicucci y el binomio Cancela-Mesejean, cuyas obras lucen mejor que nunca en el espacio asignado. Hasta aquí la fiesta del MAR. Por delante queda el arduo camino de su organización administrativa, su definición presupuestaria e institucional. Los tiempos que vienen tal vez no permitan internarse en el largo plazo, pero es fundamental que una iniciativa de semejante importancia se inscriba en él.
FICHA
El espíritu pop
Lugar: Museo de Arte Contemporáneo de Bs. As (MAR), Av. Camet y López de Gomara.
Fecha: hasta abril.
Horario: jue a mar, 17 a 23.
Entrada: gratis.
¿Museo o centro cultural?
El debate detrás del nuevo polo de las artes plásticas en la Costa Atlántica: ¿qué objetivos persigue en relación con el turismo y la comunidad local de Mar del Plata? Aquí, las preguntas todavía abiertas.
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| MONUMENTAL. La figura de Moria Casán, de Edgardo Giménez, entre aviones del mismo autor. |
Por Mercedes Pérez Bergliaffa
Sofisticadas e imponentes, las amplias salas del MAR –el nuevo Museo de Arte de Mar del Plata se ubican sobre la costa de la ciudad argentina, de cara a la popular playa La Perla y tan sólo a unos cien metros del agua. Aquí, para pasar de una ola a una obra, sólo hay que cruzar la calle: la avenida costera Camet. El museo está pensado de esta manera para que el gran público del verano también pueda –en ojotas y traje de baño, con heladerita y sombrilla–, tener su dosis de arte dándose una vuelta por el MAR al caer el sol o durante los días lluviosos. Es decir, es un museo ubicado en un gran punto turístico nacional, un punto de encuentro de públicos muy distintos provenientes de todo el país, que es parte de nuestro imaginario e identidad nacionales (¿o acaso a alguien le falta la foto en La Rambla o con el Monumento al lobo marino realizado por José Fioravanti en los años 40?). Por otro lado, el MAR tiene la clara intención de querer acercar el arte a un público masivo: es gratuito. Podríamos decir que constituye un cruce de proyecto turístico-cultural en vínculo con las industrias culturales y con el mundo de las artes plásticas, audiovisuales, musicales y performáticas. Hasta ahora, esta era una falta en la ciudad. Aunque como veremos más adelante, el MAR está pensado para tener público constante durante todo el año, no sólo durante el verano: es una entidad cultural con un fuerte interés en trabajar con la comunidad local, con su identidad. ¿Es éste un objetivo exclusivo de un museo? Parecería que la cuestión se flexibiliza y los límites se vuelven laxos cuando se trata de arte contemporáneo. Tal vez por eso, durante un recorrido por el lugar acompañando a Ñ, Jorge Telerman –director del Instituto Cultural Provincial y responsable del museo– se referirá al MAR con un “centro cultural”, una denominación que pasó inadvertida en la inauguración de la primera exposición del museo.
Con una superficie de 7 mil metros cuadrados –el Museo Nacional de Bellas Artes tiene 8.800; el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires llegó a 6.950 con su reciente ampliación; el museo Franklin Rawson de San Juan tiene 4.800, el Caraffa de Córdoba, 4.400–, y grandes salas pensadas para exhibir obras de gran escala, diseñadas por el estudio Monoblock, el MAR está pensado de manera celular, es decir, como un sistema de módulos semi-independientes que pueden ir aumentando a medida que se vayan construyendo más para sumarse a los anteriores. Funcionaría de manera similar a un organismo en desarrollo, siempre contemplando la posibilidad de ampliación. Esto se nota a simple vista desde el exterior y también desde dentro mismo del espacio del MAR: ni bien el visitante traspasa la puerta, observa un gran módulo cúbico central que funciona como espacio distributivo. A él dan todas las salas, que –por el momento– son tres y están destinadas a exhibir muestras de arte. Las dimensiones son inusuales: dos salas tienen 20 por 30 metros de base, por 9 metros de altura y la tercera 30 por 30, con la misma altura. Construidos en hormigón, sin embargo gran parte de la superficie de los cubos es de vidrio, con lo que se logró continuidad entre el espacio interior del museo y el paisaje urbano. Enormes ventanales permiten amplias vistas hacia las puestas de sol sobre el mar, hacia La Perla, las calles laterales del museo o hacia al predio que recientemente se anexó como parte del museo gracias al convenio que firmó con el municipio marplatense. Es en este predio donde se proyecta construir en el futuro un anfiteatro para presentaciones musicales, teatrales y performáticas. A su vez, a los costados del terreno se ubican actualmente dos “domos” que asilarán pronto muestras temporarias complementarias a la exposición central (montada dentro del cuerpo nuclear del museo). Las dos primeras muestras son Yo, Sandro y Homenaje a Alberto Olmedo .
Curada por Rodrigo Alonso y dedicada al arte pop argentino –sobre todo aquel que sigue la línea del Instituto Di Tella– Ola pop en el mar , la muestra con la que se inauguró el museo marplatense, fue precedida en años recientes por otras dos exposiciones. Para ¡Pop! La consagración de la primavera, realizada en el espacio de la Fundación OSDE durante 2010, su curadora, la historiadora del arte María José Herrera, seleccionó buena parte de los artistas cuyos trabajos se exhiben hoy en Mar del Plata, coincidiendo con el mismo abordaje sobre el pop nacional: haciendo un recorte de un tipo de obras que muestran un optimismo vitalista, mucho hedonismo juvenil, y que ven a la tecnología (de los 60) y al mundo “del futuro” de entonces como “promesas”. Bien diferente fue “Arte de contradicciones. Pop, realismos y política. Brasil- Argentina 1960”, que Rodrigo Alonso y Paulo Herkenhoff curaron en la Fundación Proa durante 2012. En ella los curadores hicieron foco en las obras pop regionales que mostraban cierta resistencia política, proponiendo una resonancia diferente para “lo popular” en el sur del mundo, en contrapunto con lo mismo pero en el hemisferio norte.
Estas comparaciones parecen señalar que la exposición fundacional del museo se inclina por un fuerte acento en el pop “alegre” y nacional (se muestran sólo obras de artistas argentinos).
“Hoy queremos que el MAR exceda el criterio de museo”, comenta Telerman, “que convulsione, que polemice. Que sea apropiado por la escena artística marplatense.”
–¿Entonces el MAR pasaría a tomar otra forma, antes que la de “museo”?–Sí. Nuestra idea es que funcione más bien como un centro cultural, siguiendo una de las tendencias que existen a escala planetaria de la función museística, mucho más en relación a un museo de arte contemporáneo, contestó Telerman.
–¿Entonces el MAR pasaría a tomar otra forma, antes que la de “museo”?–Sí. Nuestra idea es que funcione más bien como un centro cultural, siguiendo una de las tendencias que existen a escala planetaria de la función museística, mucho más en relación a un museo de arte contemporáneo, contestó Telerman.
El Comité Internacional de Museos (ICOM) define museo como “una institución permanente, sin fines de lucro, al servicio de la sociedad y abierta al público, que adquiere, conserva, estudia, expone y difunde el patrimonio material e inmaterial de la humanidad con fines de estudio, educación y recreo”. El MAR todavía se encuentra en pleno proceso de formación y también transformación: se inauguró el edificio estando el resto de la estructura museística en plena creación y se está modificando ahora cierta parte de su naturaleza: constituiría, según el director del Instituto Cultural, un museo con ciertas funciones de centro cultural.
El espacio tiene un enorme potencial para trabajar con el patrimonio cultural tangible pero también intangible, de Mar del Plata : es capaz, por ejemplo, de provocar cruces inauditos, como el de reunir, en un mismo lugar y con el mismo motivo, a Divina Gloria semi-vestida de monja, Delia Cancela, el gobernador Daniel Scioli, Moria Casán, Edgardo Giménez, Fabián Burgos, Adriana Rosenberg, las hermanas Xipolitakis y una gran cantidad de público en pareo y con el termo bajo el brazo. Todos ellos, brindando alrededor del lobo marino de diez metros de altura recubierto por 80 mil falsos alfajores Havanna (la obra de Marta Minujín) dan una idea de lo que la existencia del MAR podría crear, a partir de la exposición de obras de arte: el nacimiento de nuevos tipos de movimientos, conocimiento y comunidades.
Experiencia colectiva
Por Ataulfo Pérez Aznar
Tengo recuerdos de Mar del Plata desde 1958, cuando visitaba la obra del departamento que aún tenemos sobre la peatonal, que en ese entonces compraron mis padres. Así comenzó mi profundo vínculo con esa ciudad, yendo los tres meses de verano y los 15 días de vacaciones de invierno.
Cuando terminé el secundario en 1973, la ciudad era producto de cambios vertiginosos, se había modificado su fisonomía. Los grandes chalets de la avenida Colón y la costa fueron arrasados por la piqueta, dando paso a altos edificios de departamentos y a hoteles sindicales; aumentó la cantidad de plazas disponibles y se masificaron los usos y costumbres. La Mar de Plata aristocrática de principios del siglo XX se transformó en los 70 en una ciudad masiva y popular que sintetiza nuestra idiosincrasia y diversidad cultural.
En 1981, cuando volví a Mar del Plata después del período de la represión, a medida que fotografiaba me fui encontrando con imágenes que estaban latentes en mis recuerdos. Una de mis fotos más conocidas es la de la señora gorda en Mardel, de espaldas, que usa un corpiño bajo la malla, algo común en mi niñez. Las señoras también se agarraban de la soga para que no las tiraran las olas. Hace décadas que tampoco eso existe.
Mientras que en Pinamar o Punta del Este las personas siempre llevan la última moda uniformada, en Mar del Plata conviven el desenfado y la espontaneidad. Se visten de una manera tal que pareciera que el tiempo se ha detenido en diferentes décadas. El batón, por ejemplo, nunca perdió vigencia.
Lo único que añoro –que hasta ahora no he podido fotografiar–, son las famosas mallas “con pollerita”, tan recatadas; y las gorras de baño con flores, tan comunes y llamativas en mi infancia.
Mar del Plata hace varios años cruzó el nivel de ciudad turística para ser ciudad a secas, de más de medio millón de habitantes y con la complejidad que eso significa.
En lo personal, creo que en la actualidad hay cierto menosprecio por los turistas de esta ciudad, creyendo que sólo asisten al teatro de revistas y al cine, o a los espectáculos gasoleros de la rambla.
Con respecto al proyecto de abrir un museo de arte contemporáneo, pienso que quizás el mal de este tipo de museos en general sea que se volvieron elitistas y aislados de la comunidad que les da sentido y los nutre como experiencia colectiva de intercambio. Por eso creo que lo más positivo del MAR es que ha ido a la gente, al lugar que durante el verano reúne a más de un millón de argentinos con tiempo libre para nuevas experiencias.
Cuando terminé el secundario en 1973, la ciudad era producto de cambios vertiginosos, se había modificado su fisonomía. Los grandes chalets de la avenida Colón y la costa fueron arrasados por la piqueta, dando paso a altos edificios de departamentos y a hoteles sindicales; aumentó la cantidad de plazas disponibles y se masificaron los usos y costumbres. La Mar de Plata aristocrática de principios del siglo XX se transformó en los 70 en una ciudad masiva y popular que sintetiza nuestra idiosincrasia y diversidad cultural.
En 1981, cuando volví a Mar del Plata después del período de la represión, a medida que fotografiaba me fui encontrando con imágenes que estaban latentes en mis recuerdos. Una de mis fotos más conocidas es la de la señora gorda en Mardel, de espaldas, que usa un corpiño bajo la malla, algo común en mi niñez. Las señoras también se agarraban de la soga para que no las tiraran las olas. Hace décadas que tampoco eso existe.
Mientras que en Pinamar o Punta del Este las personas siempre llevan la última moda uniformada, en Mar del Plata conviven el desenfado y la espontaneidad. Se visten de una manera tal que pareciera que el tiempo se ha detenido en diferentes décadas. El batón, por ejemplo, nunca perdió vigencia.
Lo único que añoro –que hasta ahora no he podido fotografiar–, son las famosas mallas “con pollerita”, tan recatadas; y las gorras de baño con flores, tan comunes y llamativas en mi infancia.
Mar del Plata hace varios años cruzó el nivel de ciudad turística para ser ciudad a secas, de más de medio millón de habitantes y con la complejidad que eso significa.
En lo personal, creo que en la actualidad hay cierto menosprecio por los turistas de esta ciudad, creyendo que sólo asisten al teatro de revistas y al cine, o a los espectáculos gasoleros de la rambla.
Con respecto al proyecto de abrir un museo de arte contemporáneo, pienso que quizás el mal de este tipo de museos en general sea que se volvieron elitistas y aislados de la comunidad que les da sentido y los nutre como experiencia colectiva de intercambio. Por eso creo que lo más positivo del MAR es que ha ido a la gente, al lugar que durante el verano reúne a más de un millón de argentinos con tiempo libre para nuevas experiencias.
Fuente: Revista Ñ Clarín
CERVEZA PARA UNA DIOSA
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DESTACAN A BUENOS AIRES COMO LA CAPITAL ART NOUVEAU SUDAMERICANA
Acaban de lanzar un mapa que valoriza 50 maravillas arquitectónicas de esa corriente que brilló en el fin de siglo, hace más de 100 años. Los secretos de obras como el edificio Otto Wulff y la Casa de los Lirios.
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Algunos ostentan su belleza desde la fachada: el Casal de
Cataluña, por ejemplo, ornamentado y llamativo, atrae como un tesoro en
el corazón de San Telmo. El Palacio de los Pavos Reales, de Virginio
Colombo, en Balvanera, también: es fastuoso por fuera pero también lo es
por dentro, con sus bellísimos diseños de coloridos pájaros. Y la Casa
de Los Lirios, célebre por su frente ondulado que sobresale en la
avenida Rivadavia al 2000, donde vivieron el fotógrafo Alejandro
Kuropatwa y también Fito Páez, es otro símbolo que aún hoy exhibe esa
época dorada de la arquitectura porteña. Otros están en estado de
abandono, son los que necesitan un rescate urgente. Como la Confitería
del Molino, frente al Congreso. Pero todos, por fuera, o por dentro,
tienen piezas exquisitas del Art Nouveau porteño. Para descubrirlas y
resguardarlas, una asociación sin fines de lucro acaba de lanzar un mapa
que identifica a 50 edificios representativos de este lenguaje y hasta
ubica a Buenos Aires, nada menos, como la ciudad sudamericana con mayor
riqueza en esta corriente de arquitectura.
El mapa, que fue
lanzado por la Asociación Art Nouveau de Buenos Aires (AANBA), tiene
cinco recorridos que pasan por distintos barrios (San Telmo, Recoleta,
Congreso, Balvanera y Centro) y con él apuntan tanto a vecinos de la
Ciudad como a turistas que buscan experiencias no convencionales: recorrer las calles con otros ojos,
con cuidado y memoria y también con fascinación. El mapa se consigue
gratis en hoteles, comercios, oficinas de turismo y de tours, edificios
Art Nouveau, librerías, kioscos de revistas, museos, lugares turísticos y
hasta en Internet. Y se completa con una serie de tours personalizados
que los mismos especialistas armaron para descubrir, en un paseo a pie,
los grandes secretos detrás de estas construcciones.
El
emblemático edificio y pasaje Barolo, del italiano Mario Palanti, faro
de Buenos Aires, está teñido de Art Nouveau en sus molduras pero además
es un verdadero rompecabezas sincrético, incluso arquitectónico, con
influencias Art Decó e hindúes: hecho en homenaje e inspiración de la Divina Comedia
del Dante, tiene un sinnúmero de referencias ocultistas, tales como la
repetición de múltiplos del número 3, un símbolo de la masonería.
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Fachada ondulada. La de la Casa de los Lirios (1905), avenida Rivadavia al 2000, de Eduardo Rodríguez Ortega, inspirada en el modernismo catalán de Gaudí. |
El caso del Palacio de los Pavos Reales es un ejemplo del modernismo catalán encabezado por el inigualable Antoni Gaudí: alejado de circuitos turísticos convencionales, está lleno de tesoros para conocer. Y también de historias: firmado por el maestro italiano Virginio Colombo, se muestra en Rivadavia al 3200 con más de cien años (es de 1912): fue el más alto de su entorno y su frente es único: con cuatro pares de pavos reales enmarcando los balcones y otros tantos leones, es una pieza que revela el rescate de la naturaleza tan propio del espíritu Art Nouveau.
Ese es
un edificio con misterios por conocer. Pero no es el único: en lo alto
de la fachada de la Casa de Los Lirios, otra obra extraordinaria del
argentino Rodríguez Ortega (1905), que recuerda al catalán Gaudí, hay
una figura que unos identifican como Poiseidón y otros como Eolo;
cualquiera sea el dios, aparece con largos cabellos que simulan el
movimiento del viento. Sobre la misma fachada, además, caen las flores que le dan el nombre y que están inspiradas en el Art Nouveau francés.
En
San Telmo, en cambio, hay otra línea. El Edificio Otto Wulff, de
Belgrano y Perú, es obra del danés Morten F. Rönnow y es de estilo
Jugendstil, como se denomina al Art Nouveau en Autria y Alemania (ver Varios nombres...).
En pie desde 1914, fue creado como sede diplomática del imperio
austrohúngaro y tiene tantos detalles como mitos. Tanto el mapa como los
tours buscan eso: revelar el uso cotidiano de estos palacios
magistrales, pero también contar sus orígenes, para qué fueron hechos y
por qué son hijos que la inmigración trajo de las corrientes artísticas
europeas; qué huellas dejaron y por qué tienen que ser resguardados.
“Por eso el objetivos del proyecto es difundir estas construcciones para
que de esa manera sean revalorizadas y preservadas, posicionándolas
como un bien cultural que pertenece a todos”, sintetizó Willy Pastrana,
presidente de la AANBA, la asociación que integran profesionales de
distintas áreas (www.near-art.com). Y otra misión: impulsar un proyecto
para que la Ciudad sea declarada Capital Latinoamericana del Art
Nouveau. Para Luis Grossman, arquitecto y director General de Casco
Histórico, es una misión justa. “El Molino o la Güemes fueron primicias
para toda Latinoamérica. Buenos Aires fue vanguardia en el tema
arquitectónico. Y por eso es un planteo válido”, destacó.
Muchos nombres y una sola revolución
Art Nouveau en Francia y Bélgica, Modernismo en España,
Jugendstil en Alemania, Floreale o Liberty en Italia. La corriente de
arte orgánica y libertaria carcterística de la Belle Époque es una
reacción al corset del academicismo ante la entrada en un nuevo siglo,
el XX. El arquitecto Luis Grossman explica: “Buenos Aires empezó a tener
construcciones de ese lenguaje creado en Europa. Allá fue a fines del
siglo XIX y acá a principios del XX. El Salvo de Montevideo fue un eco
del Barolo, también de Palanti, y el centro de Río de Janeiro tiene
buenos exponentes, aunque un poco posteriores”. Grossman plantea que “el
Art Nouveau es la oposición a la geometría convencional, los ángulos
rectos: va a una configuración más arbórea, ramificada, y así surgen
esas creaciones. Hay mucha figura escultórica que los italianos usaron
con libertad y fascinación, y esa libertad le da a la arquitectura un
tono transgresor con respecto a lo que se venía viendo. El Art Nouveau
trajo volúmenes, curvas, balcones con un lenguaje muy singular. Hasta el
30 los arquitectos trabajaron con esa creatividad muy frondosa”. La
Ciudad es el gran ejemplo vivo de la corriente.
Cuando los arquitectos hicieron un gran lío
Por Berto González Montaner
Hagan lío, dijo el papa Francisco. Como si lo hubieran oído, fue
lo que hicieron los arquitectos Art Nouveau que llegaron a Buenos Aires
entre fines del siglo XIX y principios del XX para construir los
edificios de las colectividades extranjeras que no dejaban de bajar de
los barcos. Fueron rechazados por la burguesía local que todavía
adscribía al cada vez más agotado estilo academicista. El Art Nouveau
venía con su festival de formas, sus curvas látigo, sus bajorrelieves
con floras y faunas exóticas, con cuerpos semidesnudos, y con
transparencias, texturas y colores para alegrar con esperanza nuestras
adormecidas fachadas. Los clientes eran una segunda ola de inmigrantes,
en su mayoría italianos y españoles, pero también franceses o árabes que
ya consolidados económicamente buscaban en las propiedades un modo de
renta. Y con la elección del estilo de sus edificios, una forma de
marcar su procedencia y afirmar su identidad. Así, nuestra ciudad está
llena de diversas cepas Art Nouveau. Y es posible encontrar versiones
Liberty, Floreale, Jugendstil, Modernista o sincretismos como el del
Palacio Barolo. Esto es lo original de Buenos Aires: reunió en la misma
ciudad a todas estas versiones de diverso origen. Será por eso que era
considerada por los viajeros como la capital de Europa.
Fuente: clarin.com
COLOR QUE VIBRA
Pintura. Una muestra antológica en el Museo de Bellas Artes de Salta rescata la figura de María Martorell. La exposición, que recorre sus trabajos entre 1954 y 1993, se verá en mayo en Buenos Aires.
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| Color que vibra |
Por Ana Maria Battistozzi
Entre los múltiples balances que suscitó la evocación de los treinta años de democracia, no fueron muchos los que se detuvieron en la modernización de gestiones culturales que acompañó la proliferación y renovación de museos en el interior del país. Y sobre todo, en la expansión de exhibiciones que prosperó en estos últimos años y fue acompañada de una sofisticada producción de catálogos y textos teóricos que contribuyeron a revalorizar la obra de artistas que, por una razón u otra, ya empezaban a extraviarse en el horizonte de las nuevas generaciones.
En esta conjunción habría que inscribir la muestra María Martorell, la energía del color que se presenta ahora en el Museo de Bellas Artes de Salta y llegará en mayo próximo a la sala Cronopios del Centro Cultural Recoleta acompañada de un importante catálogo. Se trata de un proyecto de larga data impulsado por la directora del MBA de Salta Andrea Elías, quien convocó a participar de la curaduría e investigación a María José Herrera. Infrecuente proyecto porque invierte el recorrido habitual de este tipo de exhibiciones y, desde sus comienzos tuvo como objetivo actualizar la visibilidad de una artista nacida en Salta que cimentó su singularidad en una especial sensibilidad del color y un sofisticado diálogo con la tradición andina desde la pintura moderna.
Su relación con la pintura comenzó de forma tardía. Tenía más de treinta años cuando empezó a estudiar con Ernesto Scotti que había instalado su taller frente a la casa de su familia en Salta. Sus primeros trabajos, que ya entonces denunciaban una especial percepción del color, fueron paisajes, naturalezas muertas y retratos. De ese momento es el óleo “Tres árboles” con el que obtuvo el Primer Premio en el Primer Salón de Pintura de Salta en 1949 y hoy es una de las piezas de la artista que forman parte de la colección del Museo de Bellas Artes de Salta. Pero esta mujer inquieta no tardó en ponerse en contacto con los artistas de los grupos Arte Concreto-Invención y Madí, cuya irrupción alteraba la escena del arte argentino desde 1945. Así también, en sus frecuentes viajes a Buenos Aires asistió a las charlas de los sábados que dictaba Romero Brest. Y, casi al mismo tiempo comenzó a recibir en Salta la revista Ver y Estimar que fue fundada por el crítico en 1948. Es decir: su curiosidad la puso al tanto de los debates de la vanguardia local e internacional. Y así se interesó por los problemas puntuales que plantean la superficie y la organización del plano en relación con la percepción. Pero sobre todo experimentó un interés perdurable por el lenguaje de la abstracción atenta a la dinámica cambiante de los tiempos que le tocó atravesar Así la década del 50 la encontró viviendo en Madrid y luego en París, lo que le permitió esporádicos viajes por las capitales europeas que le habilitaron renovados encuentros. En Amsterdam se acercó a la obra de Mondrian confesando que recién entonces lo había “comprendido”. Es probable que el enfrentarse con el conjunto de su obra en los museos holandeses se haya enfrentado también al proceso de sustracción y abstracción que consumó el autor de “Victory Boogie, Boogie” y eso le haya impactado de modo ejemplar.
En París, María Martorell no sólo tuvo oportunidad de vincularse a la comunidad de artistas argentinos residentes que aún mantenían el ritual del viaje a la Ciudad Luz. También se puso en contacto con la galería de Denise René, un espacio que ejerció un rol fundamental en la promoción del arte óptico y cinético. En ese marco fue que conoció a Georges Vantongerloo, a Jesús Soto y a Vasarely, cuya muestra en el Museo Bellas Artes de Buenos Aires en 1958, había resultado de un gran impacto para artistas como Polesello, Le Parc, Francisco Sobrino y Horacio García Rossi, algunos de los que posteriormente integraron el GRAV en París.
Lo cierto es que a pesar de un comienzo relativamente tardío María Martorell rápidamente consumó etapas que la condujeron hacia diversas instancias de abstracción en las que la dinámica del movimiento se manifestó de un modo u otro través de la forma o del color. Impulso que la artista materializó en sucesivas series. Primero, en las gouaches de 1955, inspiradas en el subte de París, de clara afinidad con la pintura de Kandinsky; luego, en los hexágonos que ordenó uno dentro de otro, generando movimiento y a la vez una vertiginosa profundidad. En esta serie que realizó a su regreso de Europa hacia fines del 50, su atención se concentró en el movimiento virtual que tanto interesaba a los artistas que frecuentaban la galería Denise René. Es al menos lo que muestra “Fuga”, una de las obras de 1958 que da inicio al recorrido que propone la muestra. Ese mismo año continúa con otra serie y en ese caso la figura dominante es el óvalo que permanecerá en sus búsquedas hasta 1962, cuando dará paso a las elipsis.
La exposición se articula en siete núcleos que ordenan la producción del artista desde 1954 hasta 1993. Ocupa la mayor parte de las salas del museo y en una de ellas con la reconstrucción de “La banda oscilante”, una impactante instalación de 1969 con la que la artista modificó el espacio de la galería El taller, de Buenos Aires. Es una banda de colores que flota en un espacio oscurecido e iluminado con luz negra. La obra da cuenta de la sintonía que mantenía la artista con los planteos de expansión y superación del cuadro que sobrevolaban el pensamiento pictórico de la época.
En otro ámbito tres tapices y dos óleos de Martorell dialogan con piezas del patrimonio precolombino del Museo. Este capítulo fundamental, que pone de manifiesto la relación de la pintura de Martorell con el tapiz, es el eje de la contribución de Andrea Elías para el catálogo. Según Elía, confluyen en ese punto su interés por la pintura moderna y su relación con la cultura ancestral de Salta. La revalorización que Martorell hace del tapiz coincide con algo que había iniciado Pajita García Bes, –autor material de uno de sus diseños– en los años 40. Pero también con algo más extendido en el arte de los años 60, que hundía raíces en la tradición moderna iniciada por la Bauhaus y fue cultivado entre otros artistas por Josefina Robirosa. Esta muestra, que en breve podrán disfrutar los porteños, ratifica plenamente el sentido de su título en la enorme energía de esta mujer que no por nada llegó a festejar 101 años.
FICHA
María Martorell, la energía del color
Lugar: Museo de Bellas Artes de Salta, Av. Belgrano 992, Salta.
Fecha: hasta el 8 de enero.
Horario: lunes a vienes, de 9 a 19; sábados, de 11 a 19; feriados, de 10 a 14.
Entrada: gratis.
Fuente: clarin.com
INSÓLITAS PROPUESTAS PARA PROTEGER DOS MONUMENTOS
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| La intevención urbana de Amalia Pica: ¿De que color es el caballo? |
Por Claudio Andrade
Especial Bariloche
Con el propósito de frenar las habituales agresiones que sufren los monumentos a José de San Martín y el general Julio Argentino Roca los gobiernos de las provincias de Neuquén y Río Negro decidieron tomar medidas poco ortodoxas pero definitivas para su protección en una época cargada de manifestaciones sociales por las subas de salarios.
Especial Bariloche
Con el propósito de frenar las habituales agresiones que sufren los monumentos a José de San Martín y el general Julio Argentino Roca los gobiernos de las provincias de Neuquén y Río Negro decidieron tomar medidas poco ortodoxas pero definitivas para su protección en una época cargada de manifestaciones sociales por las subas de salarios.
Según lo decidió el intendente Horacio “Pechi” Quiroga el monumento al Libertador ubicado en el centro de Neuquén, será custodiado por una cortina de agua que impedirá las rutinarias pintadas con consignas políticas. También en la base se plantarán arbustos de 60 centímetros que harán muy difícil rayar la parte inferior donde se precipitará el agua.
Hay otro motivo detrás: cada año el municipio local gasta alrededor de 50 mil pesos sólo en quitar los graffittis que recibe el monumento. La futura cortina de agua será una obra imponente que costará alrededor de 2 millones de pesos y estará a cargo de la empresa HG Construcciones.
Con
motivos puramente estéticos pero en el mismo escenario, hace unos días
la joven artista neuquina Amalia Pica, quien obtuvo el permiso del
intendente y el auspicio de la sede local del Museo de Bellas Artes,
pintó de blanco el caballo de San Martín provocando, en general, más
apoyo y risas entre la población que rechazo.
“La obra no tiene tanto que ver con la figura de San Martín como con el monumento a San Martín en sí.
Y con la idea que nos hacemos desde chicos debido a la educación que
recibimos. La tiza no daña al monumento pero lo resignifica. El cambio
de color funciona simbólicamente. Por un lado está el monumento, por el
otro el blanco efímero que se irá diluyendo con el clima, el viento, la lluvia y
que nos muestra que muchas cosas de la historia son espejismos,
buzones que nos vendieron porque al final nuestros héroes eran
hombres”, le comentó a Clarín la artista reconocida en Europa. Por estas horas el caballo blanco ya volvió a ser gris metálico.
En Bariloche, el monumento al general Roca es objeto recurrente de las más increíbles agresiones
de parte de grupos indigenistas que sienten como un agravio la
estatua, levantada en 1940, a quién ellos consideran un genocida.
Este
año, poco antes de las fiestas, el municipio local, dirigido por la
intendenta K María Eugenia Martini, cubrió por completo la figura del
general con un gigantesco árbol de navidad para evitarse mayores dolores de cabeza.
La intendencia está tratando de aliviar el Centro Cívico de su carga
social. Es por eso que los artesanos locales fueron mudados a una
peatonal y el monumento a Roca se encuentra tapado con un cono blanco
que lo deja a salvo de las pintadas y burlas de siempre.
En
octubre de 2012 los integrantes de la agrupación 1 de Mayo estuvieron a
punto de tirarlo utilizando cuerdas y sierras. Pero los ataques son
tan extensos como su historia.
El caballo ha sido vestido con un sombrero, pintado de rojo, y a Roca, se lo ha visto cargando banderas, máscaras y bolsas de basura.
La nueva “obra” terminó por anular uno de los temas de conflicto
cotidiano dentro de la ciudad. En plena temporada alta miles de
turistas se pasean alrededor del curioso arbolito navideño sin saber
que en su interior permanece oculto el general Roca montado en su
caballo.
Fuente: clarín.com
UN FARO PARA LA REGIÓN
Cómo será la ampliación del Museo de Arquitectura en Retiro.
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| Torre de Agua y nuevo edificio. Así quedará tras las obras la estructura que hoy está en Callao y Libertador. Por Berto González Montaner
La Sociedad Central de Arquitectos (SCA) construirá con el apoyo de
la empresa Tiernum Siderar un nuevo pabellón que se unirá a la histórica
Torre de Agua en Callao y Libertador En la calurosa noche del 17 de
diciembre un nutrido grupo de arquitectos, diseñadores, ingenieros,
empresarios y funcionarios se dieron cita en los jardines que rodean la
ex Torre de Aguas del complejo ferroviario Retiro. Allí, en el cruce de
las avenidas del Libertador y Callao, desde finales de los años 90
funciona el primer Museo de Arquitectura de la República Argentina
(Marq). El motivo de tal concurrencia fue el tradicional brindis de fin
de año, organizado en conjunto por la Sociedad Central de Arquitectos y
el Consejo Profesional, y el anuncio de los ganadores del concurso
nacional de anteproyecto para ampliar la sede del museo.
El Marq
nació como iniciativa del arquitecto Julio Keselman, un referente de la
arquitectura y el urbanismo que disfrutó la ciudad hasta su
fallecimiento en julio de 2011. Fue presidente de la centenaria Sociedad
Central de Arquitectos desde 1986 a 1998 y un activo portavoz de la
mirada de los arquitectos y urbanistas sobre los temas de la ciudad. Su
frase de cabecera, cuando requeríamos su opinión frente a los polémicos
megaproyectos urbanos de los años 90, era: “¡Es un despropósito!” Para
recién luego tomarse unos segundos y argumentar. Lo hizo en contra del
proyecto catalán “llave en mano” para Puerto Madero. Y a partir de su
gestión se produjo el concurso que generó el plan maestro del actual
Puerto Madero, el que hoy conocemos. También se opuso fuertemente en los
medios a la famosa Aeroisla de Alsogaray. Y al proyecto
ferrourbanístico canadiense para los terrenos de las playas ferroviarias
de Retiro. Abogó por la planificación de la ciudad cuando mencionar la
palabra planificar en plena euforia neoliberal era casi un pecado.
Y,
como no podía ser de otra manera, se empecinó en buscar un lugar
apropiado para erigir un museo de arquitectura, que sería pionero en
Sudamérica y un lugar en el que el público en general puede conocer lo
mejor de nuestra producción arquitectónica.
Así fue que encontró
esta vieja y abandonada torre de agua, una pieza típica de la
arquitectura ferroviaria inglesa, construida en 1915 con todos sus
materiales traídos de Inglaterra. Su función era alimentar desde su
tanque de 200.000 litros a las locomotoras de vapor del Ferrocarril
Central Argentino. En el año 1997, el incansable Keselman consigue del
entonces ENABIEF (luego ONABE, ADIF y hoy AABE) la concesión de la torre
y el predio para hacer el museo que se inauguró en diciembre de 2000.
La
idea fue respetar al máximo el edificio ladrillero original,
restaurarlo y equiparlo para su nueva función, de ahí la aparición de la
caja de escalera metálica en su cara posterior. A partir de 2008,
fueron por más: la SCA decidió incorporar la oferta de los diseños al
museo: el industrial, el gráfico, el de indumentaria y textil, el de
imagen y sonido, para lo cual avanzó perforando el muro de hormigón del
tanque de agua, convirtiendo ese descomunal recipiente en una flamante
sala.
Ahora, entonces, pasaría a llamarse Museo de Arquitectura y
Diseño y rápidamente pasaría a integrar la movida cultural porteña al
formar parte, por su estratégica ubicación, del circuito museográfico y
cultural Recoleta (también llamado la Milla de los Museos), junto al
Museo Nacional de Bellas Artes, el Palais de Glace, el Centro Cultural
Recoleta, el Museo Nacional de Arte Decorativo, el Centro Municipal de
Exposiciones y el Museo de Arte Latinoamericano. Desde su reapertura en
2008, más de 100.000 personas disfrutaron de su variada oferta
museográfica y fue otra de las escalas de la Noche de los Museos.
El
proyecto ganador del concurso para su ampliación propone un pabellón
con forma de prisma trapezoidal. Tal como lo exigían las bases del
concurso auspiciado por la empresa Tiernum Siderar, el anexo estará
construido totalmente en acero. Según su autor, el arquitecto Marcos
Polchowski (34), el lenguaje utilizado es el de una contraposición
respetuosa: “… a la profusión porosa de cornisas, pilastras y ladrillos
de rojo antiguo (de la Torre de Agua) se oponen líneas rectas, ángulos
definidos y superficies pulidas en metal gris oscuro que a veces se
transparentan para permitir el diálogo armónico entre el nuevo proyecto y
las preexistencias.” En definitiva será un nuevo espacio multifunción
con salas de exposición, cafetería y librería que se sumará al actual
Marq y que –según el arquitecto Martín Marcos, su flamante director y
quien ostenta el valioso antecedente de haber dirigido el Centro
Cultural Rojas en los 90– “será un espacio de encuentro y comunicación
para que la arquitectura y el diseño argentino se potencien y se
muestren como herramientas de transformación de la realidad y
mejoramiento social.” Y seguramente un lugar privilegiado, tal como lo
impulsaba su mentor Julio Keselman, para colocar en la agenda pública
los temas centrales del habitar contemporáneo.
Fuente: clarin.com |
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