EL TRANVÍA, AQUEL FENÓMENO SOCIAL



Nació en 1863, tirado por caballos. Y en 1897 se hizo eléctrico. LLegó a transportar más de 600 millones de personas al año.

 
Al sur. El servicio que iba a Lanús, operó hasta el 19 de febrero de 1963.
Por Eduardo Parise 

En los últimos meses, el tema de quién se encarga de subtes, colectivos y trenes se convirtió en algo que parece el cuento del gran bonete. Es que el transporte de pasajeros en la Gran Ciudad siempre fue clave para movilizar a millones de personas. Y dentro de esa historia hubo un elemento que, durante un siglo, resultó vital: el tranvía.
La palabra se origina en la expresión inglesa tramway, cuya traducción literal sería algo así como “camino de rieles planos”, aquello que los porteños convirtieron en “tranguai”.
En Buenos Aires todo empezó en 1863, como algo complementario del ferrocarril, aunque siete años más tarde ya integraba el paisaje urbano. Eran tirados por esos caballos grandotes y potentes conocidos como percherones. Por entonces, las redes creadas por los hermanos Méndez (Agustín, Teófilo y Nicanor), los hermanos Lacroze (Julio y Federico) y Mariano Billinghurst, resultaron de gran importancia. Pero tal vez el más famoso de esos servicios haya sido el del “tranguaicito” en la zona de Belgrano.
El crecimiento del servicio en la Ciudad iba a llegar hacia el fin del siglo XIX con algo revolucionario: la electricidad. El primer recorrido experimental se hizo en abril de 1897, por la avenida Chavango (actual Las Heras) entre Scalabrini Ortíz (entonces Canning) y la Plaza de los Portones (ahora Plaza Italia). Fue por impulso de un ingeniero estadounidense llamado Charles Bright, creador de la empresa “Tranvía Eléctrico de Buenos Ayres”, la primera que hubo aquí.
Desde ese momento, el tema sería un fenómeno social, tanto que en el primer cuarto del siglo XX la red de los tranvías porteños ya era la mayor de América latina y una de las principales del mundo: tenía casi 900 kilómetros de vías, más de 3.000 vehículos y empleaba a 13.000 personas que trabajaban en los cien recorridos y en los múltiples talleres donde hasta se fabricaban coches con diseño propio. Pero lo más impactante era la cantidad de pasajeros que transportaban cada año: según la Asociación Amigos del Tranvía (que está en Caballito y mantiene un servicio de tranvías históricos que aún recorren el barrio) superaba los 600 millones de personas. Eso era así por los múltiples viajes que hacía cada una cada día. El costo del boleto (10 centavos, o 5 en horarios “obreros”) lo había hecho tan popular que a Buenos Aires se la conocía en el mundo como “la ciudad de los tranvías”.
Por supuesto que no todo fueron rosas. También hubo espinas, como la tragedia del 12 de julio de 1930 cuando uno cayó al Riachuelo en un puente levantado para que pasara una chata. La niebla de la madrugada jugó contra la vida y de 60 personas sólo sobrevivieron cuatro.
El final de aquellos trenes de un solo coche, que andaban a 30 kilómetros por hora, llegó en los 60. El último servicio circuló el 26 de diciembre de 1962, aunque algunas líneas (en especial en Lanús) lo hicieron hasta el 19 de febrero de 1963.
Entonces esos “tranguais”, que hasta tuvieron buzones portátiles para transportar correspondencia desde barrios alejados, quedaron en el pasado. Con ellos se fueron las vías de noble acero. Algunas se fundieron para nuevas obras; otras quedaron bajo el asfalto y, cada tanto, afloran junto a algún bache. También desapareció un bar que estaba en Corrientes y Medrano, donde paraban los conductores y guardas del Lacroze. Como usaban uniforme verde (el color que identificaba a la compañía) se lo conoció como “El café de los Loros”. Pero esa es otra historia.

Fuente: clarin.com

EL TEATRO COLÓN
HIZO SU PRIMERA FUNCIÓN ON LINE


 
 
 
En la Web. Así podía verse ayer el escenario del Teatro Colón.

Por Bárbara Álvarez Plá

Nunca antes el Teatro Colón había dado cabida a tanto público como en la tarde de ayer. De hecho, todo el mundo –literalmente– tuvo la oportunidad de asistir a la función de las 17 horas que, por primera vez, y anunciada como “Ciberlírica”, se emitió online, y de forma gratuita, desde la página web del Teatro. El anuncio, no podía ser de otra manera, corrió ayer a través de Twitter.
La pieza elegida para la inusual transmisión fue la misma que la semana pasada abriera la temporada lírica 2012 del Colón. Esta fue la última de las cuatro funciones del oratorio La Pasión según San Marcos , del compositor argentino Osvaldo Golijov, bajo la dirección de la venezolana María Guinand, que durante todo el espectáculo bailó y cantó dejándose llevar por este bizarro ejemplo de mezcla de ritmos y tradiciones.
Y es que La Pasión de Golijov es diferente: sin ser una ópera, se presenta como un drama musical. Una obra escénica vestida con ricas coreografías, y un coro, (el de la Schola Cantorum de Venezuela), y unos solistas que constantemente cambian de disposición y van alternando sus roles. Su creador, (y también director escénico), la definió como una obra coral.
Una obra en la que vemos a un Jesús mulato que hace su camino, sin corona de espinas y portando una cruz invisible.
Y aún hay más novedades, y es que la de Golijov es una Pasión en clave latinoamericana, con un viacrucis que va de Cuba a Brasil, a golpe de percusión, viento, cuerda; y capoeira, y violines; y salsa, y rumba y un toque de murga, de flamenco, y de tango. Y hasta la melodía de “Todavía cantamos”, de Victor Heredia, adaptada para la ocasión.
Dos orquestas en el escenario: la Orquesta La Pasión y la Orquesta Estable del Teatro Colón.
Parece necesario, en este punto, hacer un poco de historia, y recordar que el impactante estreno de La Pasión de Golijov tuvo lugar en Stuttgart, Alemania, en el año 2000, abriendo a su creador –que desde 1986 vive en los Estados Unidos– las puertas del estrellato.
La obra tuvo su origen en un encargo que el director de la Academia Bach le hizo a cuatro compositores con motivo de la conmemoración de los 250 años de la muerte del compositor alemán.
Después de su estreno, La Pasión...
se presentó en varios países hasta que el miércoles pasado llegó a la Argentina, y ayer, online, otra vez a todo el mundo.

Fuente: clarin.com

SUPERAMOS LAS 280.000 VISITAS
A NUESTRO BLOG
DESDE TODAS PARTES DEL MUNDO


Nuestro homenaje al Bicentenario de la Creación del glorioso
Regimiento de Granaderos a Caballo  "General San Martín"
1812 - 16 de marzo - 2012
Único en el Mundo que dio la libertad a tres países 
 
En el día de hoy, 18 de marzo de 2012, hemos superado las 280.000 visitas a nuestro blog desde todas partes del Mundo.
Saludamos con ese motivo a todos quienes nos visitan y les agradecemos que nos lean y consulten.
Su fidelidad nos estimula, obliga y compromete a seguir cada día tratando de superarnos, consiguiendo más y mejor material - textos e imágenes - y a cuidar de manera muy especial la parte visual de nuestro blog.

Pedro L. Baliña........................
www.puesta-en-valor.com................
www.puesta-en-valor.blogspot.com.........

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BICENTENARIO DE LA CREACIÓN DEL
REGIMIENTO DE GRANADEROS A CABALLO
"GENERAL SAN MARTÍN"





                                  1812 - 16 de MARZO - 2012

Al arribar al suelo rioplatense, el entonces teniente coronel de caballería, José de San Martín tomó noticia del deplorable estado en que se encontraba la organización militar de las Provincias Unidas del Río de la Plata, recientemente alzadas en armas contra el poder imperial de la metrópolis española. Ante esta problemática, el Gobierno Superior Provisional del país otorgó el 16 de marzo de 1812 a San Martín el grado de "teniente coronel de Caballería", y lo nombró conjuntamente "Comandante del Escuadrón de Granaderos que ha de organizarse", previendo la necesidad de conformar un cuerpo de caballería idóneo y cualificado, compuesto por voluntarios rigurosamente seleccionados, cumpliendo parámetros de conducta y personalidad muy elevados.

El Gobierno Superior Provicional ...

Atendiendo á los méritos y servicios de Don José de San Martin, y á sus relevantes conocimientos militares, ha venido en conferirle el empleo efectivo de Teniente Coronel de caballería, con el sueldo de tal, desde esta fecha, y Comandante del Escuadron de Granaderos á caballo que ha de organizarse, concediéndole las gracias, exenciones y prerogativas que por este título le corresponden, etc. etc.—

                        Noticia sobre el arribo de San Martín a Buenos Aires 
Dado en Buenos Aires á 16 de marzo de 1812 —Feliciano Antonio Chiclana— Manuel De Sarratea— Bernardino RivadaVia— Nicolas De Herrera, Secretario.
El diseño original de los uniformes militares fue basado en el sistema militar sueco.
El objetivo que perseguía San Martín con la creación de este nuevo cuerpo de Caballería no era solo el de dotar a las precarias milicias revolucionarias del Río de la Plata con una mayor cantidad de efectivos para poder contener los embates del ejército realista, sino también la constitución de una unidad militar ejemplar, dotada de los mejores soldados y oficiales con los que contara la patria nueva, y que sirviera de insignia dentro de las Fuerzas Armadas.

José de San Martín, retratado por Gil de Castro.
Desde sus inicios, se estipuló que el regimiento debía estar conformado por cuatro escuadrones de tres compañías cada uno; y fue así que bajo la estricta tutela de su jefe fundador al realizar la selección de sus integrantes, en el mes de mayo de 1812, quedó conformado el primero de sus escuadrones y sus dos compañías respectivas:
El 16 de marzo de 1812 fueron expedidos los despachos para San Martín, como comandante del escuadrón, y para Zapiola, como capitán de la 1° compañía. El 17 de marzo fue expedido el despacho para Alvear como sargento mayor. El 24 de marzo fueron expedidos los despachos de Vergara, como capitán de la 2° compañía, los tenientes Bermúdez y Murillo, los alfereces Bouchard y Necochea, el porta-estandarte Manuel Hidalgo y el 6 de mayo al ayudante mayor Luzuriaga.

                                        Cambio de guardia en Casa de Gobierno

Totalizando una fuerza de 2 jefes, 8 oficiales, 9 sargentos, un trompeta, 3 cabos y 31 granaderos, los efectivos, se hallaban distribuidos de la siguiente manera:

* Comandante del Escuadrón: teniente coronel José de San Martín
* Sargento Mayor Carlos María de Alvear
* Ayudante Mayor Francisco Luzuriaga
* Portaguión Manuel Hidalgo

Primera Compañía

* Capitán José Matías Zapiola
* Teniente Justo Bermúdez
* Alférez Hipólito Bouchard

Segunda Compañía

* Capitán Pedro Vergara
* Teniente Agenor Murillo
* Alférez Mariano Necochea
Organización y reclutamiento

Homenajes al creador del Regimiento ante su monumento, en la Plaza San Martín, lugar donde el Libertador creó el Regimiento y el Cuartel del Retiro, donde entrenó a los paisanos que se alistaron en las filas del cuerpo recién creado.

El nuevo regimiento buscaba funcionar como ejemplo de profesionalismo y perfeccionamiento para el resto de las fuerzas. Tal aspiración se correspondería con la visión que San Martín tenía sobre el futuro mediato de las fuerzas militares modernas: confiaba en una rigurosa disciplina militar, evocada no sólo en las maniobras y el entrenamiento, sino también en la esfera social del militar, que debía funcionar como figura ejemplificadora no sólo para sus camaradas de armas sino también para el resto de la sociedad.[cita requerida] Así, quedarían delineados desde el nacimiento del Ejército, los valores y fundamentos primarios que San Martín esperaba se convirtieran en los basamentos del accionar del Ejército Argentino: la estricta disciplina y la conducta ejemplar. 

La carga de Granaderos en el Campo Argentino de Polo, en Palermo como parte de losfestejos por el Día del Ejército.

San Martín dispuso el reclutamiento de los hombres más aptos y estipuló un estricto código de disciplina, que hasta el día de la fecha, bajo la denominación de "Código de honor sanmartiniano", rige el accionar diario de los Granaderos a Caballo:

Código de Honor

De la misma forma en la que San Martín reclamaría de los granaderos el acatamiento de una conducta ejemplar frente a la sociedad y el Ejército, haría caso irrestricto de tales disposiciones sosteniendo como forma de vida la política de "predicar con el ejemplo".
La férrea disciplina, el culto al valor y al honor, la exigencia y rigurosidad en la instrucción física y militar quedarían entonces patentes en las siguientes disposiciones, establecidas en aquel entonces como la lista de "Delitos por los cuales deben ser arrojados los oficiales", a fin de establecer una norma de conducta para los oficiales del regimiento que sentara el ejemplo para el resto de la tropa. 

Ésta dicta:

1. Por cobardía en acción de guerra, en la que aún agachar la cabeza será reputado tal.
2. Por no admitir un desafío, sea justo o injusto.
3. Por no exigir satisfacción cuando se halle insultado.
4. Por no defender a todo trance el honor del cuerpo cuando lo ultrajen a su presencia o sepa ha sido ultrajado en otra parte.
5. Por trampas infames como de artesanos.
6. Por falta de integridad en el manejo de intereses, como no pagar a la tropa el dinero que  se haya suministrado para ella.
7. Por hablar mal de otro compañero con personas u oficiales de otros cuerpos.
8. Por publicar las disposiciones internas de la oficialidad en sus juntas secretas.
9. Por familiarizarse en grado vergonzoso con los sargentos, cabos y soldados.
10. Por poner la mano a cualquier mujer aunque haya sido insultado por ella.
11. Por no socorrer en acción de guerra a un compañero suyo que se halle en peligro, pudiendo.
12. Por presentarse en público con mujeres conocidamente prostituídas.
13. Por concurrir a casas de juego que no sean pertenecientes a la clase de oficiales, es decir, jugar con personas bajas e indecentes.
14. Por hacer un uso inmoderado de la bebida en términos de hacerse notable con perjuicio del honor del cuerpo.

Una formación con uniforme de gala
Tiempo después, y en virtud de los valores que inculcara en el Regimiento de Granaderos a Caballo, diría el mismo San Martín:
"De lo que mis Granaderos son capaces, sólo lo sé yo.
Quien los iguale habrá; quien los exceda, no".


He aquí una de las más lindas marchas que habitualmente toca la
Fanfarria Alto Perú del Regimiento de Granaderos a Caballo
"Grl. San Martín".
Se llama "Teniente Donovan"

http://www.youtube.com/watch?v=lhnSpbsECLM

UN GOYA A LA VENTA
POR 3,1 MILLONES DE DÓLARES,
EN LA TEFAF DE MAASTRICHT




Fotografía cedida por la TEFAF del cuadro "Retrato de Juan Agustín Ceán Bermúdez", de Francisco de Goya, que saca a subasta por 3,1 millones de dólares el galerista español Diego López de Aragón en la famosa feria de arte y antiguedades TEFAF, que se inaugurará mañana en la ciudad holandesa de Maastricht. EFE

Maastricht (Holanda), 14 mar - El óleo "Retrato de Juan Agustín Ceán Bermúdez", de Francisco de Goya, saldrá a la venta por 2,4 millones de euros (3,1 millones de dólares) en la feria de arte y antigüedades TEFAF que se inaugura mañana en Maastricht (Holanda), informó a Efe el galerista español Diego López de Aragón.
La obra ha viajado a esa feria, que se prolonga hasta el 25 de marzo, con un "permiso de exportación temporal" concedido por el Ministerio de Educación, Cultura y Deportes de España, según confirmaron a Efe el galerista y fuentes oficiales.
El Ministerio de Cultura del Gobierno de José Luis Rodríguez Zapatero se interesó por ese retrato que Goya hizo a su íntimo amigo Juan Agustín Ceán Bermúdez pero no tenía "presupuesto para comprarlo", explicó a Efe Jesús Fumanal, secretario de la Junta de Calificación, Valoración y Exportación de Bienes del Patrimonio Histórico Español del Ministerio.
Diego López de Aragón, que participa desde hace 17 años en la TEFAF, feria número uno en su categoría a nivel mundial y que este año celebra su 25 aniversario, explicó que "el precio del cuadro está exactamente a la mitad en comparación de si tuviera el permiso de exportación" definitivo del Ministerio de Educación, Cultura y Deportes español.
"Gracias a esta situación, el retrato está a un precio muy atractivo": 2,4 millones de euros (3,1 millones de dólares), ya que "en el mercado internacional, la pintura costaría entre 4 y 4,5 millones de euros (de 5,2 a 5,8 millones de dólares)", recalcó el galerista.
"El condicionante de esta obra es que no va a poder salir de España, porque la Junta -organismo del Ministerio- la ha declarado no exportable y no es muy factible que cambie su posición", añadió el representante de la Junta.
Por su "importancia" para el Patrimonio Cultural español, la Junta de Calificación "ha denegado al galerista el permiso de exportación definitivo" de la obra, indicó Fumanal.
Sin esa concesión oficial, el galerista explicó que le han dejado exponerla fuera de España pero que "no" tiene "permiso de exportación con posibilidad de venta" a un coleccionista extranjero o un museo de fuera de España.
En consecuencia, esa obra de Goya, que está inventariada, catalogada y consta de documentación que acredita su procedencia, sólo puede ser comprada por un coleccionista privado o público, ya sea español o extranjero pero que obligatoriamente tiene que vivir en España, señaló Fumanal.
El retrato no ha sido declarado por el Ministerio como Bien de Interés Cultural (BIC) -como, por ejemplo, es "La Gioconda" española- sino que ha sido registrada en el inventariado patrimonial de la Comunidad de Madrid, corroboraron López de Aragón y Fumanal.
Esta diferencia significa que el cuadro está inventariado y es considerado de interés para el patrimonio cultural español pero, hasta la fecha, en una categoría inferior en comparación a las obras catalogadas como BIC, donde se encuentran las piezas de museos públicos, entre otras.
El "Retrato de Juan Agustín Ceán Bermúdez" es "muy interesante no sólo por la calidad de la pintura sino por la importancia del personaje retratado, al ser amigo de Goya y su presencia de otros retratos suyos en colecciones públicas españolas", precisó el representante de la Junta.
Goya realizó esta obra, de 82 x 55 centímetros, hacia 1785, en una etapa en la que creó algunas de sus obras más significativas y fue nombrado miembro de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando de Madrid, según datos facilitados por López de Aragón.
El retratado es Juan Agustín Ceán Bermúdez, amigo del pintor de Fuendetodos, miembro de la Academia de San Fernando y pintor que bajo la protección de Jovellanos, fue nombrado oficial de la Secretaría para la Estado de Gracia y Justicia de Indias.
Esta obra de Goya ha sido mostrada en exposiciones organizadas por el Museo del Prado y el Museo del Ayuntamiento de Madrid, entre otras instituciones, según la galería madrileña.
Por estas características, el "Retrato de Juan Agustín Ceán Bermúdez" es "una obra especial; por lo que no debe de salir de España", insistió Fumanal.


Fuente: EFE

LAS ESCULTURAS DE MIRÓ SE ALZAN
EN PLENA NATURALEZA DE YORKSHIRE





El Parque Escultórico de Yorkshire inaugura hoy, en plena naturaleza, una muestra de un centenar de esculturas de Joan Miró, con la que pretende desvelar la faceta menos conocida del artista catalán para el público británico. EFE


Yorkshire (R.Unido), 14 mar - En medio de las suaves y verdes colinas del norte de Inglaterra, el parque escultórico de Yorkshire cumplió uno de los sueños de Joan Miró: mostrar sus esculturas al aire libre, en medio de la naturaleza.
El parque, que este sábado inaugura al público la exposición "Miró escultor", reúne un centenar de esculturas del artista procedentes de todo el mundo, en la primera muestra en el Reino Unido sobre esta faceta del genio del surrealismo catalán.
La obra de Miró (1893-1983), que en alguna ocasión expresó su deseo de que sus esculturas se confundiesen con árboles, piedras, raíces, plantas y flores, se reparte en dos espacios: uno exterior, expuesto a la neblina y la humedad británicas, y otro interior, donde también se muestran algunas de sus obras pictóricas.
"Me sorprendí al descubrir un Miró poético en sus trabajos en bronce. Estos magníficos jardines al aire libre junto con las salas donde las esculturas y las pinturas dialogan, le dan una nueva dimensión a su obra y transmiten una sensación de libertad y utopía", dijo hoy Joan Punyet, nieto del artista.
La presencia de las toscas figuras de bronce creadas por Miró, de color plomizo con la neblina de la mañana pero radiantes con el sol de mediodía, impregnan de surrealismo el verde paisaje de Yorkshire, caracterizado por sus colinas y riachuelos.
En la galería interior, donde unos enormes ventanales llenan las salas de luz, se exponían otras esculturas más coloristas junto a algunas pinturas y bocetos destinados a que el surrealismo de Miró sea entendido por el público inglés.
"Es uno de los grandes artistas de su generación. Pero creo que muchos británicos no lo acaban de entender. En esta exposición queremos explicar el arte de Miró y descubrir su faceta como escultor, que era fantástica. Mucha gente se va a sorprender", dijo a Efe Peter Murray, el director del parque.
Admirado por sus pinturas surrealistas, la faceta como escultor de Miró ha pasado más desapercibida.
Ello a pesar de que realizó más de 400 esculturas y de que, a partir de los años 60, se dedicó sobre todo a esculpir.
Esta muestra quiere "hacer justicia" a esa vertiente de Miró y contiene algunas de sus obras más destacadas, como "Monumento a la mujer" (1970), "Mujer y pájaro" (1982), "Pájaro lunar" (1966), "Chica escapándose" (1967) o "La caricia de un pájaro" (1967), transportadas desde Barcelona, Mallorca o París para la ocasión.
También sobresale la enigmática escultura "Personaje gótico" (1967), ubicada en la cima de una colina, desde donde la obra de Miró domina un característico paisaje inglés que ha inspirado, entre otros, a artistas como David Hockney o Henry Moore.
"Estamos en Inglaterra, en el país de Henry Moore, de los colores plomizos y las luces tamizadas. Pero la obra de Miró ha tomado las raíces de este paisaje y le ha dado una luz mediterránea", aseguró el nieto del artista.
La exposición supone para el parque escultórico de Yorkshire "un sueño hecho realidad. Todo el conjunto unido se convierte en algo muy bonito. El equilibrio entre naturaleza, arte y los espacios interiores es perfecto", aseguró Murray.
"Difícilmente se verá otra recopilación así. Por las obras y por los rasgos del museo", vaticinó Emilio Fernández, otro de los nietos de Miró que asistió hoy a la presentación a la prensa de esta muestra.
Con unas 400 hectáreas de terreno, el parque escultórico de Yorkshire se convirtió en 1977 en el primero permanente del Reino Unido y es visitado cada año por unas 350.000 personas.
Antes de Miró, este parque había acogido con anterioridad retrospectivas de Moore, Hepworth, Antony Gormleym, Jonathan Borofsky, Alec Finlay, Andy Goldsworthy o el español Jaume Plensa, cuya exposición fue la más destacada del año pasado.
Dani Bosque
Fuente: EFE

EL METROPOLITAN REPASA EN NUEVA YORK
DOS SIGLOS DE ARTE BIZANTINO E ISLÁMICO







Fotografía cedida que muestra una alfombrita redonda con la imagen de un emperador bizantino, probablemente Heraclio, que forma parte de tres centenares de piezas que conforman la exposición titulada "Bizancio y el Islam, una era en transición", inaugurada por el Museo de Arte Metropolitano de Nueva York (NY, EE.UU.). EFE

Fotografía cedida que muestra a un Santo en pose de oración tallado en marfil, procedente de Egipto o del algún país del este del Mediterráneo, del séptimo u octavo siglo, y que forma parte de tres centenares de piezas que conforman la exposición titulada "Bizancio y el Islam, una era en transición" inaugurada por el Museo de Arte Metropolitano de Nueva York (NY, EE.UU.). EFE

Nueva York, 14 mar (EFE).- El Museo de Arte Metropolitano de Nueva York (Met) inauguró hoy una gran exposición dedicada al arte bizantino e islámico que repasa dos siglos de historia en el Mediterráneo oriental, donde una vez convivieron ortodoxos, cristianos, judíos y musulmanes como "vecinos" y "socios".
Bajo el título "Bizancio y el Islam, una era en transición", el Met reúne a partir de hoy y hasta el próximo 8 de julio más de tres centenares de piezas que revelan las innovaciones y adaptaciones artísticas y culturales obtenidas como resultado de los primeros siglos de contacto entre ambos mundos.
"Centrada en un periodo histórico complejo poco conocido o mal entendido, la exposición nos permite adentrarnos en dos siglos de desarrollo de la cristiandad, el judaísmo, el mundo ortodoxo y el Islam, que tuvieron un profundo impacto en tradiciones que hoy siguen existiendo", afirmó el director del museo, Thomas Campbell.
Campbell destacó que la nueva exposición, para la que se han reunido objetos procedentes de museos de más de una decena de países, pone en evidencia que en ese periodo de la historia hubo una "gran interacción" entre las comunidades cristianas, judías y musulmanas "ya sea como vecinos o como socios comerciales".
La muestra gira en torno a tres ejes temáticos, el carácter secular y religioso de las provincias del sur del imperio bizantino en la primera mitad del siglo VII, la continuidad del comercio en la región en medio de los cambios políticos que transformaron la zona, y el posterior arte islámico emergente.
Así, una de las organizadoras, Helen Evans, destacó que el tema central es el diálogo establecido en los siglos VII y IX entre estilos y culturas del imperio bizantino más consolidado y el emergente mundo islámico, que queda patente en piezas conectadas por asuntos tan diversos como autoridad, religión o comercio.
La muestra abre el recorrido con piezas creadas en la región bajo el imperio bizantino en el siglo VII, que con el paso de las décadas fue evolucionando bajo la nueva dominación política y religiosa del mundo islámico en el Mediterráneo oriental, que dieron como resultado nuevas tradiciones.
Procedentes de diferentes museos de Dinamarca, Francia, Alemania, Grecia, Israel, Italia, Jordania, Georgia, Reino Unido y el Vaticano, las más de trescientas piezas abarcan desde tapices y marfiles de inspiración bizantina hasta manuscritos del Corán y mosaicos típicos del mundo islámico.

UN HENRY MOORE
DE 35 MILLONES DE DÓLARES,
PIEZA ESTRELLA DE LA TEFAF








Un Henry Moore de 35 millones de dólares, pieza estrella de la TEFAF


Madrid, 14 mar - La escultura de Henry Moore "Reclining figure: Curved" es la pieza más cara, según TEFAF, de las cerca de 30.000 que esta feria de arte y antigüedades mostrará desde mañana hasta el próximo 25 de marzo en el centro MECC de Maastricht, en Holanda.
Será la galería Landau Fine Art, de Montreal, la que exhiba esta escultura en mármol negro del reputado artista británico, que se presenta por primera vez en el mercado abierto, según ha informado la organización.
"Reclining Figure: Curved", que mide 144 centímetros de longitud y pesa unos 600 kilos, data de 1977 y fue vendida por Moore a un coleccionista privado americano que, a su vez, se la ha vendido al galerista Robert Landau.
El otro artista que es noticia en la TEFAF 2012 es Andy Warhol, el considerado oficialmente padre del pop art. Con motivo del 25 aniversario de TEFAF Maastricht, el galerista Daniel Blau, de Múnich, presenta una muestra de 200 dibujos de Andy Warhol, que datan de 1950-1959.
Se trata de material inédito, procedente de la herencia de Warhol y que aparece por primera vez en el mercado, según la nota de prensa de la feria.
Por su parte Dickinson, galería con sedes en Londres y Nueva York, pone a la venta "The Potato Diggers", de Vincent van Gogh, con un precio de "alrededor de 4 millones de dólares", según la TEFAF.
La particularidad de esta obra radica en que marcó un periodo crucial en el desarrollo del artista cuando este regresó a la pintura tras haber estado concentrado en el dibujo.
En la sección de antigüedades de la feria, Rupert Wace Ancient Art, de Londres, exhibe un poco usual relieve egipcio en piedra caliza que representa a la reina Hatshepshut, una de las primeras mujeres en gobernar como faraona por derecho propio.
Su reinado, de 1479 a 1457 a. C. fue enormemente popular, pero apenas han sobrevivido imágenes suyas. Este magnífico relieve, que probablemente procede de su templo funerario, tiene un precio de 680.000 euros.
Un hermoso busto en mármol negro de la emperatriz romana Livia, esposa de Augusto y, como Hatshepshut, una de las mujeres más importantes de su era, se expondrá en el stand de Kunsthandel Mieke Zilverberg, de Ámsterdam. Esta pieza única, fechada alrededor del 50 a. C., sale a la venta por 2 millones de euros, según la nota de prensa.
Por su parte la prestigiosa galería Gisèle Croës, de Bruselas, pide 3 millones de dólares por un recipiente chino Shengding de bronce, realizado entre el 771 a. C. y el 475 a. C., durante la dinastía Zhou occidental.
Entwistle, de Londres, expone una máscara olmeca de jade azul verdoso, realizada en Guatemala, entre el 900 a. C. y el 300 a. C. Esta máscara de tamaño real representa a un "hombre búho", una criatura sobrenatural con características humanas y de búho, y valorada en 2,2 millones de dólares.
Para los coleccionistas apasionados por los manuscritos, Sam Fogg, de Londres, trae a la TEFAF 2012 el "Libro (de rezos) Imhof", uno de los manuscritos más conocidos de la época y el trabajo fechado de más antigüedad del pintor de miniaturas de Brujas, Simon Bening, valorado en 3,5 millones de euros.
Fechado en 1511, perteneció a la familia Imhof, de Núremberg, que consiguió una fortuna con el comercio de las especias, y estaba diseñado para que el propietario lo llevara consigo como un libro de rezos privado.
Entre las curiosidades que exhibe la feria se encuentra un colgante que perteneció a Doña María, la esposa del emperador Maximiliano II del Sacro Imperio Romano en el siglo XVI, que saca a la venta Michele Beiny, de Nueva York.

Fuente: EFE

UNA EXPOSICIÓN FOTOGRÁFICA
AVIVA LA DIMENSIÓN DEL TANGO
COMO DANZA DEL MUNDO







Parejas de bailarines en la final del Mundial de Baile, en la categoría "Tango Salón". EFE/Archivo

Granada, 14 mar - La exposición "Bandoneones y danza", que acoge desde hoy el Museo Casa de los Tiros con motivo de la vigésima cuarta edición del Festival Internacional de Tango de Granada, aviva a través de un total de veintisiete fotografías de Roberto Durán la dimensión internacional de este arte.
Según ha explicado a Efe su autor, la muestra se divide en tres partes, una de ellas dedicadas al bandoneón, instrumento que también se recoge en la exposición, otra al tango clásico y otra al mestizaje de éste con la danza contemporánea.
Todas las instantáneas, en color y blanco y negro y en diferentes tamaños, fueron tomadas por Durán durante el último festival de tango celebrado en Granada.
El director del Festival, Horacio Rébora, ha explicado por su parte que esta muestra forma parte de una programación más completa que acoge estos días el Museo Casa de los Tiros con motivo de esta cita cultural, que se celebra hasta el próximo domingo.
Adelaida Mejía, que ha bailado un tango con motivo de la presentación a los medios, ha destacado que la muestra y el festival contribuyen a seguir avivando la dimensión de esta danza en Argentina y en Europa.
La actriz y cantante argentina Soledad Villamil, que ofrecerá un concierto y una charla, es este año la protagonista de la vigésima cuarta edición del Festival, que mantiene la columna vertebral de la programación en el teatro Isabel la Católica.
A ella se une una mayor apuesta por las actividades paralelas, con la extensión del Festival en los municipios, la Universidad, los monumentos, las clases de baile, el baile popular en la calle y las fiestas de trasnoche.

Fuente: EFE

EL CÍRCULO DE BELLAS ARTES DE VALENCIA
REIVINDICA LAS JOYAS DE SU PASADO
EN UNA MUESTRA CON EL OBJETIVO
DE ASEGURAR SU FUTURO





Obras de Sorolla, Pinazo y Benlliure.


Círculo Bellas Artes de Valencia reivindica las joyas de su pasado en una muestra con el objetivo de asegurar su futuro.


La entidad cultural trabaja para atraer socios y espectadores y firmar un convenio con el Consorcio de Museos.

VALENCIA, 14
El Círculo de Bellas Artes de Valencia inaugura este miércoles la exposición '119 años de Arte Valenciano', una muestra que reúne las "joyas" guardadas en la colección de una institución que quiere dar a conocer a los valencianos y a los visitantes su pasado para asegurar su futuro.
Así lo ha explicado el presidente de la entidad cultural, Alfonso de la Ossa, que ha señalado que la muestra estará abierta al público durante las fiestas de las Fallas --hasta el próximo 19 de marzo-- con el fin de difundir "el importante patrimonio" del Círculo. Por ello, se ha elaborado una selección representativa que incluye nombres de la talla de Joaquín Sorolla, Muñoz Degrain, Ignacio Pinazo, Antoni Cortina, Josep Benlliure y Santiago Rusiñol, entre otros.
La muestra se abre esta tarde a las 19.00 horas en la sede del Círculo de Bellas Artes de Valencia --ubicada en la calle Cadirers, 5-- y permanecerá abierta hasta el día de San José. El horario de visitas será de 10.00 a 14.00 y de 17.00 a 21.00 horas.
La trayectoria del Círculo de Bellas Artes, a través de estos 119 años en la cultura valenciana, "ha sido tan importante como las donaciones que sus artistas hicieron al mismo", han subrayado sus responsables en un comunicado.
Durante este período, ha sido "dinamizador de cientos de artistas y colaborador con los estudiantes de Bellas Artes a través de su taller de dibujo de desnudo, talleres de pintura al aire libre, de escultura y modelado, coloquios, clases magistrales, exposiciones, cuenta con una orquesta y un coro, impartiendo clases magistrales de instrumentos, y un largo etcétera de actividades que muchos Valencianos desconocen, y a los que invitamos a que se conviertan en descubridores del arte valenciano", subrayan sus responsables.
Pero con el traslado a una nueva ubicación "se perdió la visión al gran público de tan importante y centenaria institución, cayendo en el olvido de muchos valencianos". Por eso, ahora la entidad lucha por "darse otra vez a conocer, sobrevivir y no perder la historia tan importante de su obra".

ACTIVIDADES FUTURAS

En este sentido, De la Ossa ha avanzado que la institución va a poner en marcha más actividades para intentar atraer a espectadores y posibles socios, como una exposición de dibujos de los Pinazo que pondrá en valor los "excelentes artistas de este género que ha dado Valencia".
Igualmente, la junta directiva está trabajando para conseguir la colaboración de diversas instituciones. En este punto, el presidente ha recordado que ya se ha suscrito un convenio con la Universitat Politècnica de València y ha agregado que en estos momentos se ha iniciado un diálogo con Felipe Garín para firmar otro acuerdo con el Consorcio de Museos de la Comunitat Valenciana.


Fuente: Europa Press

CHAVELA VARGAS
HOMENAJEARÁ A GARCÍA LORCA


Chavela Vargas homenajeará a García Lorca.

Por Ronaldo Schemidt 

La cantante mexicana de origen costarricense Chavela Vargas rendirá un homenaje al poeta español Federico García Lorca el 15 de abril en el Palacio de Bellas Artes de Ciudad de México, anunció este martes una firma discográfica.
En el homenaje, titulado 'La luna grande', estarán presentes junto a Chavela Vargas la sobrina del poeta español, Laura García Lorca, y la cantante mexicana Eugenia León, informó un comunicado de Discos Corason, una de las organizadoras del evento.
Para Vargas, conocida también como 'la dama del poncho rojo', esta será una oportunidad de rendir homenaje "al poeta que la ha acompañado durante tanto tiempo", añadió el documento.
'La luna grande' incluirá poemas de Federico García Lorca en un espectáculo musical, además de que se preparará un disco con un registro histórico de la obra del poeta.
Federico García Lorca (1898-1936) es considerado uno de los poetas de mayor influencia en lengua española en el siglo XX, formó parte de la llamada Generación del 27 y fue un declarado partidario de la República española. El poeta fue fusilado en 1936.

Fuente: AFP

REAPARECE
LA OBRA DEL EXCÉNTRICO RAMMELLZEE






La lucha contra la tiranía del lenguaje es constante en su obra. El artista creía que podía ordenar a las letras que se liberaran. Su obra vuelve a verse después de haber pasado un decenio en depósito.

CONCEPTUAL O DELIRANTE. Un Rammellzee disfrazado y letras de carrera, 1995.

Por Randy Kennedy - The New York Times

Durante los años 80 y 90 en algunos círculos entrelazados del mundo del arte en Nueva York, solía oírse una pregunta sotto voce: "¿Estuviste en Battle Station?" El legendario loft de TriBeCa en Manhattan donde el artista y músico Rammellzee vivió y trabajó, totalmente recluido en medio de un matorral de pinturas cósmicas, escultura plástica militarizada y trajes estilo Samurai, era como una sociedad secreta en la cual el graffiti, el hip-hop, la lingüística y la ciencia ficción se fusionaban en una extraña categoría de arte.
Rammellzee fue, sin embargo, abriendo sus puertas cada vez con menos frecuencia hasta que murió en 2010 a los 49 años de una enfermedad cardíaca.
"Llevé a George Clinton y a Bootsy Collins por primera vez a Battle Station, y salieron sintiéndose como si hubieran tenido un encuentro cercano", dijo el bajista y productor musical Bill Laswell.
Poco después de los ataques del 11 de Septiembre, el edificio que albergaba Battle Station se vendió para dar lugar a departamentos de lujo, y Rammellzee y su mujer, Carmela Zagari, se mudaron a Battery Park City. El equivalente de casi 20 años de su obra obsesiva fue a parar a un depósito.
Algunas obras están empezando a ser reflotadas. Una recreación de Battle Station estilo bunker e iluminada en negro fue una de las obras que más dieron que hablar en "Art in the Streets", una retrospectiva del graffiti que tuvo lugar el año pasado en el Museo de Arte Contemporáneo de Los Ángeles.
El 8 de marzo, Suzanne Geiss Company, una galería en el SoHo, presentó su muestra inaugural colgando dos grupos completos de obras que Rammellzee llamó "letras de carrera", esculturas parecidas a naves espaciales que representan las letras de la A a la Z, construidas con restos de artículos de consumo como anteojos de sol, autos de juguete, paraguas baratos, biromes Bic y tapas de desodorantes de ambientes.
El único juego completo de letras de carrera, hecho con madera pintada en dorado y pedazos de muñecos Kewpie y dinosaurios de plástico, se encuentra en el museo de Arte Moderno de Nueva York, en la exposición "Printin,’" hasta el 14 de mayo.
Esta aparición de las esculturas ya ha comenzado a redefinir la fama de un artista considerado por el mundo artístico más con una curiosidad perpleja que con interés serio. ¿Era un artista hip-hop con inclinaciones hacia el arte visual? (En los años 1980, fue un famoso maestro de ceremonias y su single de 1983 con K-Rob, "Beatbop", llegó a ser un hito del hip-hop, con la tapa diseñada por Jean-Michel Basquiat, amigo y rival de Rammellzee.) ¿Fue más importante como inspirador y creador de movidas? (Aparece en varias pinturas de Basquiat, siendo la más memorable "Hollywood Africans" con anteojos que parecen antiparras. Y realizó una breve aparición que se robó la escena en la película de Jim Jarmusch de 1984 "Stranger Than Paradise").
¿O fue principalmente un artista cuyo estilo visual salvajemente excéntrico ocultaba su seriedad? (Sus primeras obras se vendieron dinámicamente durante varios años a coleccionistas europeos.
No obstante, cuando se desarmó Battle Station, sus obras pudieron acabar ignominiosamente en la calle en un remolque de camión, como recordó la señora Zagari, en tanto "los niños que miraban decían, `Mamá, mirá, están tirando todos esos juguetes’".) Con Rammellzee las respuestas nunca fueron fáciles. Su nombre faraónico, que formuló cuando era adolescente, no era un nombre, insistía, sino una ecuación matemática. El verdadero objetivo de su arte era, según decía, ilustrar la filosofía dual llamada Futurismo Gótico y Panzerismo Iconoclasta, que imaginaba un mundo en el cual las letras romanas se armarían y se liberarían, bajo su mando, de las estructuras de poder del lenguaje europeo.
"Sentía que aún hoy, controlando la lengua, se controla el discurso, se controla el poder", dijo Henry Chalfant, un cineasta y estudioso del graffiti. La creencia de Rammellzee en que sus modelos podían servir de plantillas para vehículos militares era tan profunda que llegó a temer que el gobierno lo detuviera o incorporara sus talentos por la fuerza.
Rammellzee funcionaba "alejado de la realidad terrenal presente", dijo Chalfant, pero nunca perdió contacto con esa realidad.
Una revista Artforum de 1987 captó el enigma central de Rammellzee: "La perfección de su invención conceptual nos lleva a preguntarnos si el significado es descifrable, en realidad, y si acaso sólo nuestra ignorancia la hace sonar como una incoherencia".
Como parte de su filosofía profética, Rammellzee realizó elaborados trajes enterizos, cada uno hecho a medida de 22 personajes cósmicos que él soñó y que interpretó regularmente. Desde éstos se podían disparar fuegos artificiales. Uno pesaba 68 kilogramos.
"Nadie sabía de dónde sacaba esas ideas", dijo Stephen Torton, quien fue durante un tiempo asistente de Basquiat. "Hasta el día de hoy, no sé si era una persona real".

Fuente: Revista Ñ Clarín

CHINA COPA EL MERCADO





Se promocionan sus artistas y sus inversores se convirtieron en los grandes compradores mundiales de obras de arte.


Zhang Daquian
Por Isidre Ambros

Hace dos semanas se conoció el dato de que el pintor chino Zhang Daqian, poco conocido por el gran público occidental, se había convertido en el artista más cotizado en las salas de subastas a lo largo de 2011. Y China se confirma como el primer mercado de arte del mundo, al registrar un 40% de las ventas que se llevaron a cabo en las salas de subastas el año pasado, un porcentaje que equivale a 4.600 millones de dólares.
Estos datos, revelados por la sociedad Artprice en febrero, constituyen un retrato de la situación económica mundial. “El arte siempre ha progresado en paralelo con el desarrollo económico de los países”, dijo Thierry Ehrmann, fundador y director de Artprice, para explicar el hecho de que los chinos se hayan convertido en los grandes protagonistas de las salas de subastas, Hong Kong sea la principal plaza mundial y los artistas del país asiático estén en el candelero. Es la constatación de que China se ha convertido en la locomotora económica del mundo, mientras Europa atraviesa una crisis profunda y Estados Unidos empieza a recuperarse.
Es la realidad del momento. “China es el mayor mercado de arte y lo seguirá siendo por mucho tiempo, porque los chinos ricos seguirán comprando”, afirma Zhao Yu en su austero despacho de un edificio de oficinas de Beijing, donde nada permite distinguir que se trata del director ejecutivo de la mayor sala de subastas del gigante asiático, la Poly International. Los chinos disponen de dinero y han descubierto que el arte es una forma segura de inversión, especialmente en tiempos de crisis. “Se trata de una generación que ha crecido con las reformas y la apertura económica y ha aprendido a invertir”, opina el directivo de Poly, quien rechaza que compren obras a precios exagerados. “Los chinos pagan lo que creen que merece la pena desembolsar, ni más, ni menos”.
La irrupción de estos nuevos coleccionistas ha potenciado, en una época de crisis, las obras de arte y los artistas orientales. Pero para gente como Zhao Yu o Thierry Ehrmann esta situación no representa ninguna opción nacionalista por privilegiar el arte nacional. “El 99 por ciento de las adquisiciones las hacen porque les gusta”, subraya Zhao. Unas preferencias que son muy claras. Los coleccionistas no compran cualquier cosa, optan por las obras de tinta china y caligrafía, las antigüedades y las pinturas al óleo. “Ni conocen, ni les interesan los artistas contemporáneos extranjeros”, afirma un experto occidental, que no descarta que con el tiempo cambie la situación. Este observador comunitario está convencido, por otra parte, de que la presencia de coleccionistas e inversores chinos en el mercado del arte seguirá creciendo. Opina que será un fenómeno paralelo a la consolidación del país asiático como potencia económica.
Su ausencia empezó a corregirse a principios de este siglo, cuando los líderes chinos animaron a la gente a gestionar y aumentar su riqueza a través de inversiones y a sugerir la compra de obras de arte. No fue, sin embargo, hasta  2009 que las ventas en las salas de subastas chinas empezaron a adquirir importancia. Fue cuando se acuñó la llamada “era de los 100 millones de yuanes”, por los precios que se llegaron a pagar.
Pero los inversores individuales no son los únicos protagonistas. Cerca de treinta gestoras de fondos de arte han desembarcado últimamente en las salas de subastas. Se trata de firmas que compran anónimamente, como forma de inversión. Una operación que contribuye a que, de una forma u otra, los chinos se hayan convertido en los dueños del mercado del arte.

©La Vanguardia, 2012.


Fuente: Revista Ñ Clarín

PRÓXIMO REENCUENTRO DE LAS GIOCONDAS





La Gioconda del Prado, éxito de visitas desde que fuera colgada en la pinacoteca española el 21 de febrero pasado, y la del Louvre se encontrarán pronto para una exhibición en París. 

GIOCONDAS. De izquierda a derecha, la original que está en el Louvre, la copia del pupilo antes y después de la restauración.

Por Mila Trenas

La Gioconda del Prado abandonará hoy las salas del museo madrileño para iniciar el camino que la llevará a reencontrarse con la Mona Lisa de Leonardo Da Vinci, en el Louvre de París. Después del reposo obligado por el que pasan las obras de arte tras ser descolgadas y una vez realizados los trámites y embalajes necesarios para su traslado a la capital francesa, la "gemela" de La Gioconda pasará a formar parte de la exposición "La última obra maestra de Leonardo da Vinci. Santa Ana", según informaron fuentes de la Pinacoteca española.
Durante su estancia en la sala 49 del museo del Prado, en la que ha estado colgada temporalmente desde el pasado 21 de febrero, la copia de la Mona Lisa se ha convertido en una de las obras más contempladas y que mayor interés ha despertado entre los visitantes y en los medios de comunicación de todo el mundo.
Esta expectación ha sorprendido incluso a los responsables del Prado que no pensaban que iban a tener tanta repercusión los trabajos realizados en la pintura, de la que se eliminó el repinte negro que cubría el fondo y se recuperó el paisaje original. Esta restauración, que se inició a raíz de que el Louvre solicitara el préstamo de la obra para su participación en la mencionada exposición, han permitido descubrir que la obra fue pintada por algún discípulo de Leonardo da Vinci que trabajaba en su taller al mismo tiempo que éste creaba la original.
La importancia del descubrimiento radica en que, al tratarse de una copia coetánea y perfectamente conservada, aporta una valiosa información tanto sobre el paisaje de fondo como sobre muchos detalles que rodean a la enigmática dama; como los adornos de la tela que cubre su pecho o el velo semitransparente que envuelve sus hombros. Además, los estudios confirman que la del Prado es la copia más antigua de la emblemática pintura y permiten ampliar el mejor conocimiento de la obra del Louvre. La copia, que tras su exhibición en París regresara al Prado, forma parte del museo desde su fundación en 1819 ya que procede de las colecciones reales españolas, germen de la institución.
Aunque se desconoce con exactitud la forma y fecha de su ingreso en las colecciones reales, probablemente se trate de la obra que aparecía ya en 1666 citada en el inventario del Alcázar de Madrid como un retrato femenino relacionado con Leonardo, según información del Prado. La exposición que el Louvre dedicará del 29 de marzo al 25 de julio a "La última obra maestra de Leonardo da Vinci. Santa Ana" será una de las más destacadas del museo francés durante este año.
Organizada con motivo de la restauración de Santa Ana de Leonardo, la muestra reunirá por primera vez toda la documentación ligada a esta obra y algunas versiones del cuadro realizadas en su taller que mostrarán, además, estados intermedios de ese ambicioso proyecto de los años de madurez del artista, que trabajó en él desde 1501 hasta su muerte, en 1519. La exposición se centrará también en las influencias que ejerció esta pintura de Leonardo en el arte europeo y, en particular, en Rafael y Miguel Angel.

Fuente: Revista Ñ Clarín / EFE