QUÉ ES EL "VETTING", EL EXHAUSTIVO PROCESO PARA EVALUAR LAS OBRAS DE ARTE QUE SE VENDEN EN UNA GRAN FERIA DE ARTE

Así se conoce al procedimiento que investiga la autenticidad, la calidad y el estado de conservación de las piezas de gran valor, siempre posibles objetos de falsificación, robo o tráfico. En esta entrevista con Infobae Cultura, el presidente de TEFAF, la gran feria de arte y antigüedades que abrirá sus puertas el 16 de marzo en Holanda, explica cómo operan los diferentes comités de "vetting" y cuáles son los instrumentos con los que trabajan los expertos.

      La evaluación se hace dos días antes de la inauguración de la feriaHinde Pomeraniec

La cita será el próximo mes, en Holanda. Allí, como todos los años, los más refinados coleccionistas de arte tendrán su cita con las obras y las piezas de colección más exquisitas del mundo que se encuentran a la venta. Son 7000 años de arte en un arco que reúne máscaras antiguas, piezas mínimas de porcelana, pinturas de todos los tiempos y movimientos, mobiliario, arte en papel y joyería: los registros más antiguos y lo más cotizado de la contemporaneidad serán exhibidos en la edición anual de la feria TEFAF en el Palacio de Exposiciones y Congresos MECC de Maastricht, su ciudad de origen -en la actualidad hay dos ediciones más que se llevan a cabo en Nueva York- entre el 16 y el 24 de marzo.

Con la incorporación de 38 nuevos expositores, la feria contará este año con 227 espacios de diversos países del mundo que exhibirán sus obras luego de un intenso trabajo primero de selección de galeristas y, luego, de investigación de cada una de las piezas que se exponen para la venta. En TEFAF, el trabajo de vetting (evaluación e investigación, en inglés), como se conoce el procedimiento de exhaustiva verificación de autenticidad, calidad y estado de conservación de las obras, es una de las características más destacadas año a año, en el contexto de un mercado de objetos de gran valor y, por lo tanto, tradicionalmente ligado a delitos y crímenes como la falsificación, el robo y el tráfico de diferente calibre.

Infobae Cultura entrevistó por mail al presidente de TEFAF, Nanne Dekking, quien amablemente aceptó responder este cuestionario para dar detalles este proceso de verificación que se lleva adelante por medio de comités de expertos internacionales, cuando las obras ya están colgadas o exhibidas, dos días antes de que abran las puertas de la feria, lo que no impide que las obras sean retiradas si los resultados de la investigación no son satisfactorios.

-¿Cuándo y por qué decidieron poner en marcha un comité de vetting o fiscalización de obras?

-El vetting es uno de los principales pilares del éxito de TEFAF en Maastricht. El juicio sobre la calidad de las obras de arte ya estuvo presente desde el momento de la fundación de TEFAF, en 1988, luego de la fusión entre las dos ferias existentes entonces: Pictura y De Antiquairs International. La colaboración entre historiadores del arte y galeristas en comités independientes de vetting fue el gran éxito de TEFAF porque generó y aún genera confianza para comprar arte. Todos los objetos y obras que se presentan en la Feria son juzgados por expertos, tanto desde el punto de vista de su calidad como de su estado de conservación y autenticidad. Combinando el conocimiento de historiadores, restauradores, académicos, expertos y galeristas, se creó una plataforma independiente que verifica la calidad del arte. Con el paso de los años, el vetting de TEFAF se fue profesionalizando cada vez más, estableciendo los más altos estándares en el mercado del arte, que aún seguimos perfeccionando año a año. TEFAF tiene los más estrictos procedimientos de vetting en la feria misma, con un comité global de vetting compuesto por especialistas internacionales de arte que son seleccionados en base a su integridad, independencia, experiencia y pericia, como está especificado en nuestras normas. Luego de una revisión de nuestras prácticas, específicamente las de buena gobernanza y evaluación de costos, TEFAF recomendó que los comités de vetting deberían estar conformados por expertos con el menor interés comercial posible dentro del mercado del arte. Este año, por primera vez, marchands, galeristas y el personal de las casas de subastas no participarán del comité como miembros con voto. No reconocer la vasta experiencia en la comunidad del comercio del arte sería un error, pero para evitar cualquier conflicto de intereses, los dealers solo pueden ser miembros del comité de vetting sin voto. Con estas nuevas reglas para TEFAF Maastricht, tendremos una misma política para todo el mundo, dado que estas reglas ya se aplican en el caso de las dos TEFAF de Nueva York.

  Nanne Dekking, presidente de TEFAF, quien respondió un cuestionario por escrito a Infobae

.¿La decisión de imponer estas prácticas tan exhaustivas está relacionada con las diferentes medidas de regulación que se están tomando para terminar con el lavado de activos o solo se propuso transparentar las prácticas del mundo del arte?

-El vetting fue y es para TEFAF una herramienta muy importante para poner el foco en la calidad del arte que se ofrece. La independencia de los comités de vetting crea un ambiente ideal para compradores que quieren invertir en los más altos segmentos del mercado. Es debido al vetting que TEFAF es el lugar en donde usted puede comprar arte y piezas de colección con confianza. Este foco en la calidad, la autenticidad y las buenas condiciones de las piezas ha convertido a TEFAF en lo que es hoy en día. La sociedad interconectada de hoy tiene un impacto en el vettingy la transparencia es muy importante en nuestro tiempo. Para asegurar que los más altos estándares de calidad se mantengan y en interés de la transparencia, se espera que todos los expositores que participen de alguna de las ferias organizadas por TEFAF lleven adelante sus propias investigaciones antes de poner las obras a la venta en la feria.

Nuestras normas de vetting les son comunicadas a todos los galeristas cuando solicitan participar. Estos son los requerimientos:

Todos los objetos deben venir etiquetados y las etiquetas deben contener la información correcta y completa. Todas las obras y objetos deben ser listados y las listas deben estar accesibles en el stand. El máximo posible de verificación de procedencia y reseña de la obra debe estar accesible. Todo expositor de TEFAF debe chequear cada objeto que está en exhibición en la mayor base de datos de obras perdidas y robadas que es el Art Loss Register, que incluye la base de datos de Interpol y también en las listas de ICOM Red. No están permitidas las restauraciones y/o reemplazos usando materiales del anexo de CITES (Convención sobre Comercio Internacional de Especies de Fauna y Flora en Peligro), lo que incluye marfil, caparazón de tortuga y palisandro.

-¿Cómo fue recibida esta medida por el mundo del arte? ¿Hubo galerías que decidieron retirarse por esto?

-Los más grandes estándares en el mercado son aceptados por todos los participantes: el sistema es muy estricto, pero a la vez útil para todos. Las obras de arte reconocidas por los comités de vetting de TEFAF tienen "calidad de TEFAF". Hay galeristas que sostienen que las obras de arte que han pasado por el vetting de TEFAF cuentan con su sello de calidad.

¿Cómo está compuesto el comité? ¿Quién decide el ingreso de los miembros y cuál es el sistema de selección?

-TEFAF tiene 28 comités de vetting con 182 miembros, incluídos 10 expertos del equipo de investigación y apoyo. Hay un comité directivo integrado por cuatro miembros -Peter Kerber, Christophe de Quénetain, Paul Smeets y Christophe Van de Weghe- y dos miembros independientes: el Dr. Robert van Langh, jefe de conservación e investigación científica del Rijksmuseum, de Amsterdam y Carol Eliel, curadora de arte moderno en el LACMA (Los Angeles). El jefe de todos los comités de vetting es Wim Pijbes, ex director del Rijksmuseum. Hay una estrecha colaboración entre los voceros de todos los comités y cuando se necesita un experto en determinada área, se ocupan de buscar el mejor candidato independiente. La palabra final siempre la tiene el comité directivo.

-¿Cómo es el funcionamiento de los comités? ¿En qué momento de la feria operan?

-Durante los dos días previos a la inauguración de TEFAF Maastricht, los comités de vetting compuestos por académicos, curadores, conservadores e investigadores independientes inician un examen meticuloso de cada pieza en exhibición. Ningún expositor ni tampoco sus representantes son admitidos en el pabellón de exhibición durante el vetting, o sea que los miembros del comité pueden expresar sus opiniones libremente y la completa imparcialidad está asegurada. No se acepta información adicional a las piezas a menos que haya sido aprobada por el comité correspondiente. Todos los expositores deben atenerse a las decisiones de los comités.

   Una imagen de la edición 2018 de TEFAF Maastricht

-¿Hay nuevas técnicas para detectar falsificaciones? ¿La tecnología ayuda a armar bases de datos con obras robadas? ¿Están disminuyendo el robo y la falsificación?

-El Equipo de investigación científica (SRT son sus siglas en inglés) forma parte de los comités de vetting. Ellos proveen instrumentos portátiles que pueden ser empleados rápida y directamente in situ en las ferias de TEFAF. Los métodos de análisis que proveen van desde diversas formas de microscopios hasta espectrometría a través de rayos X (estudios de la materia a través de sonidos, luz o partículas). Durante el proceso de vetting, el SRT provee su experiencia en diferentes métodos de análisis para investigar los materiales de una obra de arte. El equipo investiga objetos individuales a pedido del comité de vetting, pero es responsabilidad de los galeristas hacer una investigación en profundidad. Las técnicas y los instrumentos disponibles en la feria pueden aportar información sobre el objeto que necesita ser interpretada como resultado científico y relacionada con información sobre arte o antigüedad histórica, como métodos científicos o de producción conocidos. Adicionalmente, para ser investigados en cuanto a su autenticidad, atribución y estado, las exhibiciones de las ferias TEFAF son contrastadas con el Art Loss Register, una base de datos de 500 mil objetos que han sido sujetos a reclamo. El ALR incluye ítems reportados como perdidos o robados, que están en medio de disputas o son sujetos de gravámenes y otros asuntos de ese tenor. Cualquier objeto que se encuentre en la feria y sea sujeto de un reclamo es inmediatamente retirado.

-¿Desde que se puso en marcha, hubo resultados concretos? ¿Puede contar ejemplos aunque sea sin dar nombres?

-Las normas de vetting son publicadas antes de que comience el procedimiento de selección de los participantes. El vetting podría compararse con un tamiz, un filtro: las obras de arte son evaluadas como para estar seguros de que cumplen con el estándar de calidad de TEFAF. Aquellas que no cumplen con estos estándares son retiradas, algo que ocurre en todas las ferias. Es la única forma de mantener nuestra posición de liderazgo en todo el mundo.


Fuente; infobae.com

RÉCORD PARA UN DIBUJO DE RUBENS: SE SUBASTÓ EN 8,2 MILLONES DE DÓLARES

A más de tres siglos de la muerte de Pedro Pablo Rubens (1577-1640), y en un año consagrado a los homenajes por las efemérides de varios "antiguos maestros", un dibujo del artista germano marcó hoy un récord en subastas al venderse en Sotheby's de Nueva York por 8,2 millones de dólares. El precio escaló rápidamente como consecuencia de una intensa disputa entre dos interesados, cuya identidad no fue revelada.

El Estudio de hombre desnudo con brazos en alto (1608) , uno de los dibujos más importantes de Rubens en salir al mercado en más de cincuenta años, superó así con creces el precio estimado de venta, promediado en tres millones de dólares. El récord anterior para un dibujo de Rubens, obtenido en 2014, había sido de 5,5 millones de dólares.


Fuente: lanacion.com

¡ADIÓS, MAESTRO!

MURIÓ HERMENEGILDO Menchi SÁBAT, UN VERDADERO MAESTRO DEL ARTE

El gran dibujante tenía 85 años. Fue reconocido en todo el mundo por sus caricaturas y por su obra artística. 

Murió a los 85 años el talentoso caricaturista y artista plástico Hermenegildo Sábat. Conocido como "Menchi" desde 1973 trabajaba en el diario Clarín, labor por la que había sido reconocido, por sus dibujos políticos.Había nacido en 1933 en Montevideo, Uruguay, y llegó a Buenos Aires en 1965, después de abandonar su cargo de secretario de redacción del diario El País. Colaboró con las prestigiosas revistas Primera Plana y Crisis, y también en el diario La Opinión. Desde 1973 era el caricaturista estrella de Clarín.En 1982 creó la Fundación Artes Visuales y desde entonces se dedicó a la docencia. Editó la revista trimestral Aurea. Sus trabajos fueron publicados en medios internacionales como The New York Times, L´Express y American Heritage, entre otros.Estaba casado con Blanca Rodríguez y tenía dos hijos, Alfredo y Rafael.
Fue reconocido con premios internacionales, como el Moors Cabot de la Universidad de Columbia, por sus dibujos durante la dictadura militar, y el de la Fundación Nuevo Periodismo Iberoamericano (FNPI), que le entregó el Nobel de Literatura Gabriel García Márquez. El año pasado fue premiado con el Konex de Brillante por su vasta trayectoria. "Espero que estas cosas ayuden a otros a trabajar con ilusión", afirmó.Publicó colecciones de caricaturas y numerosos libros sobre pintura, música y actualidad; entre otros, "Al troesma con cariño", "Seré breve", "Siempre dije que este tipo no me gusta", "La casa sigue en orden".Expuso sus obras en el país y en el exterior. Las exhibiciones más recordadas fueron sus retrospectivas en el Museo Nacional de Bellas Artes, el Museo del Humor, el Museo Nacional de Artes Visuales de Montevideo, el Museo de Arte de San Pablo y el Museo de Arte Moderno de Rio de Janeiro. Además fue Presidente de la Academia Nacional de Periodismo.Dio fuertes mensajes solo con dibujos, sin decir una sola palabra.

Cristina Fernández de Kirchner por Sábat

Cuando la última dictadura militar le prohibió hacer caricaturas de Jorge Rafael Videla lo dibujó igual.Fue quien graficó además al entonces presidente Carlos Menem aferrado al sillón de Rivadavia, para exponer la obsesión del riojano por el poder. Además ilustró las llamadas "relaciones carnales" del menemismo con los Estados Unidos, con la figura del canciller de ese momento, Guido Di Tella, en calzoncillos y con los pantalones caídos. "Di Tella nunca se quejó, entendió que era mi forma de ver esa situación y se comportó conmigo como un caballero inglés", afirmó.En 2008, en plena arremetida del Gobierno de Cristina Kirchner contra los medios de comunicación, Sábat dibujó a la entonces presidenta con una cinta cruzada en la boca. Ella lo entendió como un "mensaje cuasi mafioso". El año pasado el diario Clarín publicó una ilustración similar de Cristina, que ella consideró como un ataque por su condición de mujer y acusó al reconocido dibujante de violencia de género.La caricatura acompañaba la nota del escándalo de la escucha entre ella y el extituar de la AFI, Oscar Parrilli. En la conversación hablaban del exespía Jaime Stiuso, de causas armadas y de "carpetazos" y ella lo trata de "pelotudo". Por este episodio Cristina sumó otra denuncia en su contra. Lejos de referirse a las investigaciones judiciales, la expresidenta solo habló de violencia contra las mujeres."Yo no creo todo lo que me pasa, pero me sorprende que la exitosa abogada, que asume potestades de crítica de arte y de esposa de Catón el Censor, se dedique a juzgar los trabajos de un humilde periodista", fue parte de la respuesta del dibujante, que llegó a decir que evaluaba "no dibujarla más" a la exmandataria.

Autodidacta, talentoso, inteligente, sensible, rico, profundo, libre, sutil, único, apasionado, curioso, polifacético, especial, singular, realmente irrepetible: imposible de reemplazar.
Otro grande del Arte por el que le debemos enorme gratitud a la República Oriental del Uruguay, cuna también de Blanes, Figari, Sáez, Barradas, Torres García y Zorrilla de San Martín, entre tantos otros.

P. B.

EL MUSEO DEL PRADO CUMPLE DOS SIGLOS

Recibe a casi tres millones de personas por año y preserva obras de grandes maestros europeos de los siglos XVI al XIX.

                    La denominada "fachada de Velázquez" en el Museo Nacional del Prado. (Foto: DPA)

Fue el 19 de noviembre de 1819 cuando, con un catálogo de 311 piezas de artistas españoles, abrió el Real Museo de Pintura y Escultura de Madrid, en un edificio que había sido diseñado por el arquitecto Juan de Villanueva. Aunque antes había funcionado allí un gabinete de Ciencias Naturales y hasta un cuartel militar, el rey Fernando VII dio el impulso definitivo para que se transformara en un espacio dedicado a la difusión del arte.  

Ahora, el Museo Nacional del Prado es uno de los más importantes de Europa y por año recibe a casi tres millones de personas. En noviembre próximo empiezan las celebraciones por los dos siglos de puertas abiertas, que se cumplen en 2019. 

A diferencia de otros grandes salones europeos como el Louvre (París) o la National Gallery (Londres), donde se exhiben obras -prácticamente- de todas las escuelas y épocas, su colección ha sido formada, inicialmente, por unos pocos reyes aficionados al arte y, posteriormente, se ha completado con otros aportes. Así, en El Prado se encuentran, singularmente, obras de maestros europeos, muchos de ellos españoles, de los siglos XVI al XIX. Preserva, especialmente, trabajos de Velázquez, el Greco, Goya (artista con fuerte presencia en su patrimonio), Tiziano, Rubens y el Bosco. En algunos casos, más de un centenar de piezas por autor. A ellos se agregan pinceles tan importantes como los de Murillo, Ribera, Zurbarán y Rafael, entre otros.

                              Las meninas. Óleo sobre lienzo pintado en 1656 por Diego Velázquez.

Las peculiaridades con las cuáles se formó su colección ha llevado a que muchos lo definan como un "museo de pintores, no de pinturas", sin que por eso mermara su prestigio.  

De cara a los festejos, el Prado se propone instruir a los visitantes acerca del recorrido de la pinacoteca desde aquellos comienzos hasta nuestros días, a través de exposiciones y reuniones de expertos nacionales e internacionales; un programa que lleva a pasear algunas de las más importantes piezas de su colección por el interior de España e, incluso, por las ciudades norteafricanas de Ceuta y Melilla y una muestra fotográfica del archivo de la agencia de noticias EFE que ilustra los momentos más relevantes de los últimos 80 años de la Institución situada en Madrid.

                  Interior del Museo del Prado

Asimismo, el programa de exposiciones temporales para 2019 incluye un recorrido por el Siglo de Oro Español, a través de los dibujos de Goya y Velázquez; obras de Rembrandt, el más importante referente del barroco neerlandés, y del renacentista florentino Fra Angelico.

El Prado también homenajeará a las mujeres artistas, a través de los trabajos de las italianas Sofonisba Anguissola, considerada la primera mujer pintora exitosa del Renacimiento, y Lavinia Fontana, una de las más relevantes del Barroco. Además, se editarán 27 publicaciones, entre ellas un comic.

Las celebraciones comenzarán este 19 de noviembre, con la inauguración de una exposición sobre la historia del Prado a la que se espera que asistan los reyes de España, Felipe VI y Letizia. 

   El 3 de mayo en Madrid o ''Los fusilamientos'' (1814). Oleo sobre lienzo de Francisco de Goya

En este festejo, en el que "se han convocado a todas las musas", también habrá cine, teatro, ópera, zarzuela, danza y literatura, con un presupuesto de más de 12 millones de euros, de los cuales el 20% procede de las aportaciones de los patrocinadores y el 80% del presupuesto anual ordinario del museo.

“Sin el Museo del Prado, la historia del arte hubiera sido diferente”, expresó días atrás su director Miguel Falomir, en conferencia de prensa. Se refirió también a la colocación de andamios en su fachada para la reconstrucción de ciertas decoraciones de granito, tal vez una mancha en las celebraciones: “El museo es un cuerpo de 200 años, no de 18 -enfatizó- nos habría gustado tenerlo sin andamios durante el Bicentenario pero, si lo hacemos ahora, estará en mejores condiciones luego”.

  

Fuente: agencia EFE

PUBLICAN EL MANUSCRITO ORIGINAL DE "EL RETRATO DE DORIAN GRAY" LOS PASAJES PROHIBIDOS QUE WILDE BORRÓ DE SU NOVELA MÁS FAMOSA-

Incluía descripciones del amor entre dos hombres que, bajo presión, quitó.
Ahora, se publica el original.

                  La primera versión de la novela fue tachada de “inmoral”. / Retrato tomado por Napoleon Sarony.

Donna Ferguson - The Guardian 

Una nueva edición de El retrato de Dorian Gray, con notas manuscritas de Oscar Wilde, revela hasta qué punto el escritor se debatía acerca de cuánto contenido homoerótico debía poner en su novela.

Es la primera vez que se publica -por ahora sólo en el mundo anglosajón- el manuscrito original de Wilde, que muestra cómo el autor censuró algunos de los párrafos románticos. Atenuó las referencias más abiertas a la naturaleza homosexual de la relación de Basil Hallward con Dorian y tachó la confesión de que “el mundo se vuelve joven para mí cuando sostengo su mano”.

El manuscrito también tiene pasajes -después quitados de la novela que conocemos hoy- que dejan en evidencia que Wilde quería conmocionar a sus lectores victorianos escribiendo sobre sentimientos homosexuales. Por ejemplo, esta declaración de amor de Basil a Dorian en la página 147: “Es totalmente cierto que te he idolatrado con mucho más romance del que un hombre debiera jamás consagrar a un amigo. De una manera en que nunca he amado a una mujer… Admito por completo que te he adorado locamente, extravagantemente, absurdamente”.

“El manuscrito muestra cómo trabajaba la mente de Wilde”, dijo Merlin Holland, nieto de 72 años del autor, que escribió un prefacio a la nueva edición. “Wilde había llegado a un punto en el que corría riesgo de hacerse respetable y convencional: en 1889 estaba casado, tenía dos hijos y vivía en el ligeramente bohemio barrio de Chelsea.

En su ensayo La decadencia de la mentira - publicado apenas unos meses antes de que empezara a escribir Dorian Gray -, Wilde se pronuncia en favor de una mayor imaginación en la literatura. “Creo que todo su propósito era escapar a lo que en La importancia de llamarse Ernesto su personaje Lady Bracknell llamaba la ‘novela en tres tomos de sensiblería repugnante por encima de lo común’”, dijo Holland. “No quiere, en esta circunstancia de su vida, acatar las normas y respetar las convenciones sociales. Su propósito es conmocionar y retorcerle la nariz al establishment, pero es lo suficientemente inteligente para saber que si va demasiado lejos, habrá problemas.”

El manuscrito fue publicado originalmente en 1890 por una revista mensual, Lippincott’s, y los críticos de la época lo describieron como “un libro ponzoñoso, cuya atmósfera está cargada de los olores fétidos de la putrefacción moral y espiritual” y escrito “para proscriptos de la nobleza y pervertidos del telégrafo”, en alusión a un burdel masculino donde empleados jóvenes de la Oficina General del Correo prestaban “servicios” fuera de hora a integrantes de la aristocracia.

Basándose en esas críticas, el librero WH Smith (“eternamente autodenominado guardián de la moral británica”, según escribe Holland en su prólogo) se negó a tener en sus estantes el número de Lippincott’s de ese mes. Bajo presión para lograr que la novela se publicara en formato de libro, Wilde atenuó entonces los pasajes que habían objetado los críticos ysacó del todo la declaración de amor de Basil a Dorian. La novela se publicó en 1891 y es la versión autocensurada de Wilde en la cual se basan todas las ediciones populares de Dorian Gray hoy.

Ahora, la editorial SP Books ha impreso sólo 1.000 ejemplares del manuscrito, numerados a mano, a un precio de 200 libras esterlinas cada uno (unos 250 dólares). “Es un objeto hermoso: lo segundo mejor que tener en las manos después del manuscrito original”, dijo Holland, cuyo padre Vyvyan era hijo de Wilde.

La familia perdió todas las obras publicadas de Wilde cuando sus originales fueron secuestrados por agentes judiciales en 1895, año en que Wilde fue encarcelado por ultraje a la moral pública. En los tribunales, los abogados del marqués de Queensberry interrogaron severamente a Wilde acerca de los pasajes que el escritor había eliminado de la novela en Lippincott’s, calificando a su historia de “obra obscena e inmoral”.

“Puede decirse que el párrafo de la página 147 le hizo un daño terrible a su familia, que él lamentó enormemente”, dijo Holland. “Arruinó la niñez de mi padre.” Vyvyan tenía ocho años cuando Wilde fue enviado a prisión. Al autor no se le permitió volver a ver a ninguno de sus dos hijos y la madre les cambió el apellido. “Pero la gente sabía”, agregó Holland.

Ahora, el original manuscrito es propiedad de The Morgan Library and Museum de Nueva York. Leer un ejemplar facsimilar, dice Holland, es casi como mirar por sobre el hombro de Wilde mientras escribe. “Ver cómo construye su prosa es algo maravilloso. Te da una conexión directa con Wilde como escritor.”

Traducción: Román García Azcárate


Fuente: clarin.com

EN PARÍS, EL BEAUX-ARTS RESISTE EL PASO DEL TIEMPO

      El museo de Orsay, antigua estación de trenes, es uno de los mejores ejemplos de la arquitectura de Bellas Artes
      de París. (Francois Guillot/Agence France-Presse — Getty Images.

Sam Lubell

PARÍS — La sede de la Bienal durante mucho tiempo, el Grand Palais, con su base de piedra enorme y repleta de columnas, un atrio brillante y extraordinario y un techo monumental redondo hecho de vidrio y metal, es un ejemplo perfecto de la arquitectura del academicismo francés.

Nacida en la venerada escuela de arte y arquitectura de París, la École des Beaux-Arts (Escuela de Bellas Artes), los emblemas del movimiento desde el siglo XIX y comienzos del siglo XX son su peso, grandeza y tradición clásicos combinados con un foco asistido tecnológicamente, puesto en la luminosidad, enaltecimiento y ornamentación intrincada. No sorprende descubrir que los edificios de estilo académico francés se pueden descubrir en toda la ciudad de París, y ofrecen una visión de una época optimista y dorada en la cual los diseñadores se inspiraban en simultáneo del pasado y el futuro.

¿Qué mejor lugar para comenzar que donde nació la arquitectura de Beaux-Arts, la École des Beaux-Arts? La escuela está en el VI distrito, entre el encantador Boulevard Saint-Germain y el aún más encantador río Sena. Su punto central, en el extremo más alejado de un patio de entrada, es el Palais des Beaux-Arts, diseñado en 1840 por Félix Duban, egresado de la escuela. La fachada del Palais, regimentada, de piedra, parecida a un templo, está repleta de arcos y columnas de estilo románico y con blasones con los nombres de los grandes artistas y arquitectos del Renacimiento.

Al caminar por su interior, uno se siente envuelto por el resplandor etéreo de su Cour Vitrée, que recuerda una galería romana, llena de motivos clásicos y estatuas. Está coronada por un techo elevado de hierro y vidrio (agregado en 1863) que deja ver el cielo. Mientras se encuentre en su interior, explore los otros edificios de la academia, que van desde el siglo XVII al XX. No muy lejos de allí, puede encontrarse con otro encanto del academicismo francés: la cavernosa Grande Galerie de l’Évolution de Jules André, que presenta miles de especies animales, y afianza el extremo sur del majestuoso Jardin des Plantes.

         La sala de lectura Labrouste de la Biblioteca Nacional, Site Richelieu, en París.      (Francois Guillot/Agence France-Presse -                 Getty Images)

La mayor parte de los visitantes conocen bien el Musée d’Orsay, ex estación del ferrocarril Gare d’Orsay convertida en 1986 en lo que se transformó en el segundo museo más popular de París después del Louvre. Aunque la mayoría desconoce que también es uno de los mejores ejemplos del academicismo francés en la ciudad. La obra maestra de Victor Laloux, terminada, al igual que el Grand Palais, para la Exposición Universal de 1900, tiene una base de mampostería clara enorme engalanada por grandes ventanas con arcos, coquetas guirnaldas de piedra y balaustradas y frontones clásicos. Su cielorraso macizo, abovedado, con arcos bordeados de flores y cuadrados de vidrio brillantes, se abre en un espacio sorprendentemente amplio cruzado por puentes y ribeteado por galerías en bloque.

La sección más famosa del museo, su colección inigualable de arte impresionista, se encuentra en el último piso, pero no deje de visitar las áreas igualmente valiosas y menos frecuentadas, como los diseños de art nouveau de toda Europa. Mientras se encuentre en París, trate de visitar más estaciones espléndidas del ferrocarril de estilo académico francés, con sus fachadas decoradas y sus interiores cavernosos de hierro y vidrio, que incluyen a la Gare du Nord, Gare de l’Est, Gare de Lyon y Gare St.-Lazare.

Desde la Rue de Richelieu, apenas podría decir que la ex Biblioteca Nacional de Francia, hoy denominada Bibliothèque Nationale, Site Richelieu, (la Biblioteca Nacional François Mitterrand de Dominique Perrault ahora es la ubicación principal de la biblioteca), es una de las maravillas más grandes construidas en la ciudad.

Diseñada por un egresado famoso de la École des Beaux-Arts, Henri Labrouste, la fachada de piedra severamente austera revela solamente frontones románicos firmes, columnas corintias y unos pocos toques clásicos más. Pero, camine por su interior y se quedará maravillado. El hall de la biblioteca de 1867, la sala de lectura de Labrouste, está inundada de espacio y luz gracias a una serie de claraboyas abovedadas decoradas de colores sobrenaturales, soportadas por columnas de hierro forjado altas y delgadas.

Sus arcos de piedra redondeados están cubiertos de libros y murales de paisajes, e incluso sus escritorios de madera oscura, con lámparas de vidrio verde protuberantes son sorprendentes. Créase o no, hay una sala de lectura aún más grande en el complejo, la Sa­lle O­vale con techo de vidrio de Jean-Louis Pascal, aunque estará cerrada hasta 2020 por reformas.

Para tener un panorama fenomenal de la capacidad de La­brouste, visite la Bibliothèque Saint-Geneviève, cubierta por dos cielorrasos largos y en forma de tubo, cerca del Panthéon. Más cerca del Site Richelieu, explore la mítica Ópera de París de Charles Garnier. Si bien combina la escala y majestuosidad del diseño del academicismo francés, generalmente está clasificada como neobarroca por su nivel de decoración.

El Grand Palais fue el centro de atención en la exposición de 1900, y todavía se encuentra en la Avenue Winston Churchill, como una cuña entre Champs-Élysées y el Pont Alexandre III del academicismo realizado por Eugène Hénard, con sus vanos arqueados, columnas importantes y estatuas cubiertas de oro. Aunque su hermano vecino, el Petit Palais de Charles Girault (originariamente denominado Palais des Beaux-Arts de la Ville de Paris), es probablemente un ejemplo más sublime del estilo de Beaux-Arts.

Envuelto alrededor de un patio semicircular exuberante y al que se accede por una puerta de piedra y vidrio estratificada, el museo, que exhibe el arte francés de los siglos XIX y XX, evoca genuinamente un palacio, con sus salas abovedadas, muy iluminadas, murales sorprendentes, frescos y pórticos, además de herrajes y adornos intrincados y curvos.

Fuente: clarin.com

SALVATOR MUNDI SIGUE DANDO QUE HABLAR

                          Salvator Mundi


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