NICK VEASEY: EL MUNDO VISTO EN RAYOS X

Aparatos, insectos, personas, nada escapa a la mirada de Nick Veasey, el artista que muestra el mundo a través de rayos X. Lo primero que atrae es la estética de la imagen: no es la imagen blanco y negro o color a la que normalmente estamos acostumbrados, son imágenes que están más en ese espectro de la radiografía.

Aparatos, insectos, personas, nada escapa a la mirada de Nick Veasey, el artista que muestra el mundo a través de rayos X. Lo primero que atrae es la estética de la imagen: no es la imagen blanco y negro o color a la que normalmente estamos acostumbrados, son imágenes que están más en ese espectro de la radiografía. (Nick Veasey )

Nick Veasey es un artista británico que ha cobrado fama mundial debido al uso de la ciencia de los Rayos X como base de su obra plástica. Mediante esta técnica devela las capas internas que componen los objetos orgánicos e inorgánicos de nuestra vida diaria como una crítica y reflexión sobre la importancia desmedida de la imagen en la sociedad actual.

Nick Veasey, el artista que muestra el mundo a través de rayos X. Lo primero que atrae es la estética de la imagen: no es la imagen blanco y negro o color a la que normalmente estamos acostumbrados, son imágenes que están más en ese espectro de la radiografía, con un dejo de azules y verdes. Cada elemento de las imágenes ha sido trabajado cuidadosamente en cuanto a la exposición de tal forma que desde un plano bidimensional, podemos apreciar la totalidad del conjunto.

Veasey: El mundo visto en rayos X. Es el responsable de la realización de la posiblemente mayor foto/radiografía realizada hasta la fecha, una de tamaño natural de un Boeing 777.

El artista y fotógrafo inglés Nick Veasey utiliza los rayos X, no está motivado por ningún fin científico, sólo observar la realidad a través de estas increíbles imágenes hechas con rayos X.

El mundo visto en rayos X “Con las radiografías consigo hacer que la gente aprecie de nuevo los objetos que ve cada día”

El mundo visto en rayos X “Con las radiografías consigo hacer que la gente aprecie de nuevo los objetos que ve cada día”. (Nick Veasey ) - See more at: http://hd.clarin.com/tagged/nick+veasey/page/2#sthash.DYoLj0Uo.dpu

Ha sido merecedor de varios premios de fotografía y diseño como el Black and White Spider Awards, International Photographer of the Year, Communication Arts, el Fashion project Alexander McQueen, entre otros muchos.

Trabajó en la industria de la publicidad y el diseño y realizó su trabajo en fotografía convencional hasta que un estudio de televisión le pidió que realizara una fotografía de una lata de cola mediante rayos X.

El mundo visto en rayos X. Veasey, trabajó en la industria de la publicidad y el diseño y realizó su trabajo en fotografía convencional hasta que un estudio de televisión le pidió que realizara una fotografía de una lata de cola mediante rayos X.

El mundo visto en rayos X. Desde 2009 ha expuesto su obra, comenzando en la Maddox Fine Arts de Mayfair, Londres, y posteriormente por Europa, Norteamérica y Asia.

El mundo visto en rayos X. Veasey ha sido merecedor de varios premios de fotografía y diseño como el Black and White Spider Awards, International Photographer of the Year, Communication Arts, el Fashion project Alexander McQueen, entre otros muchos.
El mundo visto en rayos X. Veasey ha sido merecedor de varios premios de fotografía y diseño como el Black and White Spider Awards, International Photographer of the Year, Communication Arts, el Fashion project Alexander McQueen, entre otros muchos. (Nick Veasey )

El mundo visto en rayos X. Veasey ha sido merecedor de varios premios de fotografía y diseño como el Black and White Spider Awards, International Photographer of the Year, Communication Arts, el Fashion project Alexander McQueen, entre otros muchos. - See more at: http://hd.clarin.com/tagged/nick+veasey/page/3#sthash.YCNJ3PU4.dpuf

Nick Veasey es un fotógrafo inglés (nacido en Londres en 1962, vive cerca de Maidstone) que trabaja principalmente con imágenes creadas a partir de imágenes de rayos X. Algunas de sus obras son fotomontajes de foto/radiografías realizados con Photoshop. - See more at: http://hd.clarin.com/tagged/nick+veasey/page/3#sthash.o1fExbek.dpuf Veasey es un fotógrafo inglés (nacido en Londres en 1962, vive cerca de Maidstone) que trabaja principalmente con imágenes creadas a partir de imágenes de rayos X. Algunas de sus obras son fotomontajes de foto/radiografías realizados con Photoshop.

Nick Veasey es un fotógrafo inglés (nacido en Londres en 1962, vive cerca de Maidstone) que trabaja principalmente con imágenes creadas a partir de imágenes de rayos X. Algunas de sus obras son fotomontajes de foto/radiografías realizados con Photoshop. - See more at: http://hd.clarin.com/tagged/nick+veasey/page/3#sthash.o1fExbek.dpuf
Nick Veasey es un fotógrafo inglés (nacido en Londres en 1962, vive cerca de Maidstone) que trabaja principalmente con imágenes creadas a partir de imágenes de rayos X. Algunas de sus obras son fotomontajes de foto/radiografías realizados con Photoshop.(Nick Veasey )

El artista y fotógrafo inglés Nick Veasey utiliza los rayos X, no está motivado por ningún fin científico, sólo observar la realidad a través de estas increíbles imágenes hechas con rayos X - See more at: http://hd.clarin.com/tagged/nick+veasey/page/3#sthash.o1fExbek.dpuf

Fuente: clarin.com

EL MUSEO DEL CABILDO
MUESTRA NUEVOS TESOROS DE LA ARGENTINA

Semana de Mayo

Desde hoy se pueden ver objetos que nunca antes fueron exhibidos.
El plato fuerte es la imprenta de Belgrano.

Los nuevos tesoros del Museo del Cabildo. (Andrés D'Elía)

La imprenta que usaba Manuel Belgrano. (Andrés D'Elía)

El escritorio de Mariano Moreno, la orden de fusilamiento de Santiago de Liniers, una bandera de los Rgrano publicaba sus proclamas revolucionarias, el calabozo con sus sitios de torturas a los prisioneros de la época, el balcón desde donde se anunció el Primer Gobierno Patrio. Todo eso se podrá vealistas de 1810, un bajo altar de la antigua iglesia San Nicolás, la imprenta con la que Manuel Belisitar desde hoy en el Museo Nacional del Cabildo, que renueva sus tesoros en medio de la Semana de Mayo.

El Museo del Cabildo muestra nuevos tesoros de la Argentina.El escritorio de Mariano Moreno, la orden de fusilamiento de Santiago de Liniers, una bandera de los Realistas de 1810, un bajo altar de la antigua iglesia San Nicolás, la imprenta con la que Manuel Belgrano publicaba sus proclamas revolucionarias, el calabozo con sus sitios de torturas a los prisioneros de la época, el balcón desde donde se anunció el Primer Gobierno Patrio. Todo eso se podrá visitar desde hoy en el Museo Nacional del Cabildo, que renueva sus tesoros en medio de la Semana de Mayo.(Fotos de Andrés D Elía)

“El pueblo quiere saber de qué se trata”, gritaba la multitud en la antigua Plaza de la Victoria (hoy Plaza de Mayo) y desde uno de los balcones del Cabildo, Juan José Paso y Mariano Moreno les anunciaban que había un nuevo Gobierno Patrio. Las historias y los mitos tantas veces estudiados en la escuela primaria, ahora parecen acercarse. Como si saltaran de los libros y aparecieran frente a los ojos de los visitantes.

Entre las novedades que encontrará el visitante se destaca el escritorio de Mariano Moreno, Es el mismo que usaba el prócer en su despacho, detrás de la casa de Mariquita Sanchez de Thompson, en la calle Florida. También se tendrá acceso al abre carta de Juan José Paso, prestado por Mario Paso –descendiente del mismísimo Juan José–. Otros objetos históricos son la orden de fusilamiento a Santiago de Liniers, así como la bandera de los Realistas de 1810, que fue ganada en una de las batallas.

Escritorio que perteneció a Mariano Moreno. (Andrés D'Elía)

“La muestra cambia su guión histórico, es decir la forma en que está organizada la información. Pudimos hacerlo gracias a préstamos de otros museos, particulares y el Instituto Belgraniano”, contó el director del Museo Nacional del Cabildo, Gabriel Di Meglio.

Texto inédito escrito por Mariano Moreno. (Andrés D'Elía)

El plato fuerte de la recorrida será conocer la imprenta que correspondió a Manuel Belgrano con las que el creador de la bandera publicaba los textos que luego eran entregados a los habitantes del pueblo para contar los objetivos revolucionarios. Lo acompañó, principalmente, en las campañas del Norte (se cree que fue de gran ayuda para llevar a cabo el éxodo jujeño). “Es un objeto histórico muy importante, que además tiene como particularidad ser una de los pocas prensas móviles que se conservan en tan buen estado. Es un hallazgo realmente impresionante”, agrega Di Meglio.

Bajo altar de la demolida iglesia de San Nicolás. (Andrés D'Elía)

También se podrá recorrer uno de los calabozos que tenía el Cabildo, con uno de los catres donde dormían los presos y algunos instrumentos de tortura.

El abrecartas de plata y marfil.de Juan José Paso y una pequeña caja de plata y carey.

El Museo del Cabildo muestra nuevos tesoros de la Argentina.
El escritorio de Mariano Moreno, la orden de fusilamiento de Santiago de Liniers, una bandera de los Realistas de 1810, un bajo altar de la antigua iglesia San Nicolás, la imprenta con la que Manuel Belgrano publicaba sus proclamas revolucionarias, el calabozo con sus sitios de torturas a los prisioneros de la época, el balcón desde donde se anunció el Primer Gobierno Patrio. Todo eso se podrá visitar desde hoy en el Museo Nacional del Cabildo, que renueva sus tesoros en medio de la Semana de Mayo.(Fotos de Andrés D Elía) - See more at: http://hd.clarin.com/tagged/museo+del+cabildo/page/2#sthash.3soDaZuJ.dpuf

Del Contrato Social, la obra de Juan Jacobo Rousseau.

Fuente: clarin.com

EUGENIO CUTTICA
HOMENAJEA A LOS VECINOS ILUSTRES DE FLORES
EN LA ESTACIÓN SAN PEDRITO

El artista realizó cuatro retratos de figuras argentinas que vivieron en el barrio: Alfonsina Storni, Baldomero Fernández Moreno, Hugo del Carril y Florencio Escardó.

Los cuatro murales recrean los rostros del poeta Baldomero Fernández Moreno, de la poetisa y escritora Alfonsina Storni, del cantante Hugo del Carril y del Dr. Florencio Escardó

Subterráneos de Buenos Aires convocó a Eugenio Cuttica, con el apoyo de los vecinos, para realizar la ornamentación de la estación con un desarrollo temático dedicado a la vida del barrio de Flores.

El artista se sumó con su propuesta estética y realizó 4 piezas, ubicadas en el tímpano de la estación San Pedrito de la Línea A que evocan a talentos, que al igual que él, marcaron la historia del barrio, la ciudad y el país.

Alfonsina Storni fue una poetisa argentina que vivió en barrio de flores en tres casas: una en la calle José Bonifacio 2011, otra en Esteban Bonorino esquina Lobos, y una tercera es la de Terrada 578, que según dicen, fue la última que habitó antes de suicidarse. Storni ejerció como maestra en diferentes establecimientos educativos, escribió poesías y obras de teatro.

Florencio Escardó fue un pediatra y sanitarista argentino que vivió en el barrio de Flores. Fue docente universitario, investigador y autor de libros sobre la prevención y promoción de la salud. También se desempeñó como escritor y guionista de la película “La cuna vacía” que narraba la vida del Dr. Ricardo Gutiérrez.

Hugo del Carril fue un célebre tanguero, actor, director, productor y guionista que nació en el barrio de Flores, en San Pedrito 256. Empezó su carrera siendo actor y fue reconocido por sus actuaciones en las películas “Los muchachos de antes no usaban gomina” y “Las aguas bajan turbias”. Trabajó en cine con Eva Perón y su versión de la Marcha Peronista se hizo muy popular, razón por la cual sufrió persecuciones con la Revolución Libertadora.

Baldomero Fernández Moreno fue un reconocido poeta argentino que terminó sus estudios de Medicina en paralelo a su vocación poética. Fue colaborador en periódicos y revistas, obtuvo el Premio Nacional y Municipal de Literatura y fue miembro de la Academia Argentina de Letras. El poeta falleció en su casa de Francisco Bilbao 2384, en el barrio de Flores.

LA NIETA DE PABLO PICASSO
PLANEA UNA VENTA MILLONARIA DEL ESTUDIO DE SU ABUELO

Marina, nieta del artista malagueño, ya habría recibido una oferta de 150 millones de euros por "La Californie", ubicada en Cannes; destinaría el dinero al sector humanitario

La nieta de Picasso recibió una oferta de 150 millones de euros por la casa-estudio de Cannes. Foto: Archivo

Marina Picasso, nieta del artista malagueño Pablo Picasso, confirmó esta mañana que planea vender "La Californie", la casa-estudio que su abuelo tenía en la localidad francesa de Cannes y donde vivió con su última pareja, Jacqueline Roque.

"Forma parte de mis planes. (...) Para mí será una manera de pasar página a una historia bastante dolorosa. Y cuando se quieren hacer grandes cosas en el sector humanitario es necesario reunir muchos fondos", aseguró en una entrevista al diario Nice-Matin.

El diario estadounidense New York Post había informado en enero la salida al mercado de esa villa, por la que, según Nice-Matin, Marina habría recibido ya una oferta de 150 millones de euros, consignó la agencia EFE.

"No es una casa en la que guarde buenos recuerdos. Vi a mi abuelo muy poco. (...) Echando la vista atrás, entiendo que pudiera verse cautivado por la pintura y que ninguna otra cosa tuviera importancia, pero cuando eres pequeño no lo ves así", manifestó la nieta del artista.

Marina Picasso contempla, además, según el diario local francés, vender 126 cerámicas realizadas por su abuelo, por las que la casa de subastas Sotheby's confiaría en recaudar entre 6 y 8 millones de euros.

"Vendo, pero hacerlo es también una manera de compartir, para utilizar ese dinero de forma interesante. En Francia, exclusivamente en beneficio de personas mayores y adolescentes", indicó la nieta del pintor, madre de cinco hijos, tres de ellos adoptados.

Fuente: lanacion.com

EL CAMINO QUE VA DEL LUJO AL ARTE

Relaciones peligrosas. El vínculo entre el arte y las grandes firmas de moda, bajo la lupa tras la apertura del espacio de la Fundación Louis Vuitton en París.

Noche deluxe. Todo el brillo y el glamour del edificio de Frank Gerhy en el Bois de Boulogne.

Por Patricia Kolesnicov. Desde Paris

No importa tanto lo que se expone en el impactante edificio donde la Fundación Louis Vuitton inauguró su museo a fin de octubre pasado. No es ésa la cuestión, ni parece que importe su colección; salvo para decir que quien la armó es alguien de prestigio, Suzanne Pagé, ex directora del Museo de Arte Moderno de la Ciudad de París. Se citan, cómo no, algunos de los grandes nombres que integran la colección: Christian Boltanski, Gerhard Richter, Thomas Schütte (con una enorme figura humana, que permite apreciar qué inmenso es ese espacio). También hay en la terraza una escultura comisionada al argentino Adrián Villar Rojas: se llama “Donde viven los esclavos” y es una escultura armada con capas de materiales orgánicos e inorgánicos: pedazos de zapatillas, plantas que crecerán o morirán, trozos de manzana y zapallo, tierra, piedras. Está en una terraza semicubierta y el día en que Ñ la ve, llueve. La obra se moja un poco y uno, también.

Desde el mes pasado se exhibe en Vuitton Las claves de una pasión , una antología del arte del siglo XX con grandes obras de artistas como Picasso, Bacon, Mondrian, Léger, Kandinsky, Picabia, Brancusi y Malévitch. ‘El grito’ de Munch, ‘La danza’ de Matisse, ‘Los nenúfares’ de Monet y ‘El hombre que camina’ de Giacometti son las estrellas de la muestra. Pero hasta esos nombres tienen relativa importancia. No se va allí, no se llega hasta el Bois de Boulogne para ver otra cosa que el edificio –dijimos, impactante– que el arquitecto Frank Gehry –léase prestigio, léase Museo Guggenheim de Bilbao– diseñó por el deseo y con unos 100 millones de euros de Bernard Arnault, presidente del grupo Louis Vouitton Moett Henessy (LVMH). Hablamos de empresas que facturaron 33.450 millones de dólares en 2013 (ese año, el PBI de Bolivia fue de 28.704). Estamos hablando de lujo, de lo público y lo privado, de cuál es el lugar del arte y las finanzas en el mundo.

A partir de este museo, un grupo de intelectuales – entre quienes hay autores como los filósofos Jean-Luc Nancy y Giorgio Agamben y el historiador del arte Georges Didi-Huberman– dieron a conocer una declaración en la que critican “el papel cada vez mayor que juegan en el arte contemporáneo los grandes grupos financieros ligados a la industria del lujo”. Dicen que el empobrecimiento de los Estados –crisis mediante– ha dejado al mundo del arte en situación de “mendigarles a los ricos”. Los mecenas, afirman, no son tales: desgravan ganancias, desvían fondos públicos para eventos que promocionan a “los artistas por los que han decidido apostar”, compran salas de subastas y tienen todos los eslabones del mercado del arte.

El cuento Vuitton cuenta que la idea de llamar a Gehry la tuvo Jean Paul Claverie, un antiguo asesor de Arnault. No podía ser en otro lugar que París, dice Claverie que decía su patrón. No estaba mal el Bois de Boulogne, un parque hermoso que dobla en tamaño al Central Park. Y qué tal el borde del Jardín D’Acclimatation, ese jardín que hizo construir Napoleón III para que las plantas tropicales se adaptaran al clima local. Después de las plantas vinieron los animales: ahí vivió la primera jirafa de Francia. Y también los humanos: en ese lugar se exhibió a indígenas americanos de distintos pueblos: la última exposición de humanos fue ayer nomás, en 1931. Desde los años 50, la concesión pertenece al grupo LVMH.

Gehry era perfecto, cuenta el cuento. Un innovador, ya se había visto en Bilbao. Y, además, llegó y mentó a Marcel Proust: les habló de “recapturar el pasado”. Entre Gerhy y Arnault, dice Claverie, hubo un flechazo (él dice: “profunda afinidad”). Los primeros bocetos, cuentan, el arquitecto los hizo a mano, en un vuelo entre París y Los Angeles. Once horas que llenaron un cuaderno. La idea les gustó menos a algunas asociaciones que defendían el Bois de Boulogne. Lo que pasó suena a historia conocida para oídos argentinos: interpusieron un recurso, un juez ordenó detener las obras, la Ciudad apeló y el Congreso Nacional lo solucionó por arriba: dictaron una ley que declaraba el futuro edificio “de interés nacional” y “una obra de arte mayor para el mundo entero”. Volvieron los andamios. Pero con una condición: en 50 años el edificio será propiedad de París.

¿Qué creó, entonces, Gehry? Difícil definirlo. Un cubo –un núcleo al que llaman “iceberg”– rodeado con capas de vidrio (un homenaje al siglo XIX) , algo que podría ser una carabela o quién sabe, un edificio con una enorme caída de agua que suena cuando se va llegando, columnas como de antiguas cisternas, mucho homenaje, muy siglo XXI. Nadie deja de apuntar que se trata de mostrar ligereza y, en fin, transparencia. Ni que se usaron para la construcción herramientas tecnológicas de la industria aeroespacial. Que hubo que crear un horno especial para que cada panel de vidrio tuviera su curvatura. Que el iceberg también está cubierto con 19.000 hojas de una fibra de hormigón de alto rendimiento. Algo casi de otro mundo para volver la cabeza al mundo que fue. Una máquina del tiempo que guiña al pasado y al futuro pero ¿no está estacionadísima en el presente de los negocios?

Hasta mediados de marzo, lo más importante que se exhibió en ese edificio fue una muestra… sobre el diseño y la construcción del edificio. Afuera, en una pared, con letra manuscrita, Gehry declara: “Sueño con diseñar para París una magnífica nave que simbolice la profunda vocación cultural de Francia”.

Más allá de declaraciones, los intelectuales señalan que hoy los artistas decoran boutiques y “la tienda de bolsos de mano está separada de la galería por un delgado muro, las obras se mezclan con los accesorios que a su vez son presentados en pedestales y acompañados de una cédula”. Las boutiques de lujo, dicen, “se pretenden como prototipo de un mundo en el que la mercancía sería arte porque el arte es mercancía. Todo sería arte porque todo es mercancía”. El arte al servicio de las finanzas ojo con levantar el dedo, porque se puede quedar afuera: “Los que se presentan ante nosotros como nobles mecenas son en realidad especuladores. ¿Quién no lo sabe? Pero ¿quién lo dice?” El capital puede ser todo lo inmoral que siempre fue pero ¿eso afecta al arte? Estos artistas e intelectuales dice que sí, que una nueva cultura empresarial se mueve en “el evento” y que el arte lo favorece. “Para una sociedad que se sueña rápida, adaptada a los flujos, el arte se ajusta al perfil de objeto del deseo y ofrece así a los nuevos consorcios financieros una vitrina ideal”. Louis Vuitton abre un museo en París, el argentino Jorge Pérez contrata artistas para valorizar simbólica y económicamente sus edificios de Miami y termina teniendo a su nombre el Museo de Arte de la ciudad, lo que vuelve a valorizar sus edificios.

Cae la tarde en el Bois de Boulogne, la lluvia persiste. Ahí en la puerta para un minibus especial que te lleva de la Fundación Vuitton al Arco de Triunfo.

Prada mejora su imagen en Milán

El grupo de lujo italiano Prada inauguró el sábado en Milán un nuevo espacio para su Fundación, concebido por el arquitecto holandés Rem Koolhaas y que busca convertirse en un “polo de análisis de la cultura contemporánea”.

Situado en el edificio centenario de una antigua destilería de 19.000 metros cuadrados –de los cuales 11.000 se destinarán a las futuras exposiciones–, el espacio, dedicado a proyectos de arte contemporáneo, arquitectura, cine y filosofía, abrirá sus puertas al público hoy, 9 de mayo.

Nadie duda de que en este gran proyecto hay un fuerte interés comercial, además de pasión por el arte. Las grandes firmas de moda, diseño y lujo saben que la asociación con el mundo del arte les ayuda mucho a mejorar su imagen y a aumentar el prestigio de su marca. El polémico museo de la fundación Vuitton tuvo un costo de unos 130 millones de euros y, si bien el presupuesto de Prada es secreto, se calcula que sólo construir la parte nueva del edificio costó unos 50 millones de euro y que la cifra invertida en años es mucho más alta. En 2011, la Fundación abrió otro espacio de exposiciones situado en un palacio del siglo XVIII en Venecia, que seguirá activo. Los visitantes podrán ver durante el verano las exposiciones dedicadas al arte clásico Serial Classic en Milán y Portable Classic en Venecia.

La Fondazione Prada fue creada en 1993 en Milán por la presidenta del grupo Prada, Miuccia Prada y su marido, el administrador delegado, Patrizio Bertelli. “El arte es una herramienta eficaz de conocimiento que nos sirve para expresar nuestras ideas –sostiene Miuccia Prada–, pero usaremos también otras. La fundación ha extendido las posibilidades al cine, a los debates y a cualquier otro campo. La cultura es necesaria para el crecimiento. Te ayuda a vivir, a comprender el mundo”.

“Ni inocencia ni altruismo”

Las siguientes son algunas líneas de la extensa declaración que elaboró un grupo de conocidos artistas e intelectuales a raíz de la apertura del museo de la Fundación Vuitton: “El papel cada vez mayor que juegan en el arte contemporáneo los grandes grupos financieros ligados a la industria del lujo suscita menos debate que el jugado por las tiranías petroleras. En contraste con la inclinación tradicional del mundo del arte hacia las posturas ‘radicales’ y los discursos contestatarios, artistas, intelectuales y críticos de arte parecieran hoy paralizados por el miedo a una fuga de capitales; como si expresar el mínimo disentimiento los pudiera exponer a represalias que afectarían sus bolsillos. En este medio, en general vocinglero –y que ha sabido a veces ser contestatario– reina la omertà en cuanto de financiación se trata. Al manifestar sospechas sobre el altruismo de tal o cual patrón (en el sentido de ‘mecenas’), la respuesta general suele ser que no hay auto-engaño, pero tampoco alternativa (...) De este modo, el desentendimiento del Estado, empobrecido por una crisis en la que los mismos grandes grupos financieros han jugado un rol importante, habría condenado al mundo del arte y la cultura a mendigarle a los ricos. (...) Durante las manifestaciones artísticas ‘patrocinadas’ de esta forma, se insiste siempre en la separación impermeable entre la actividad comercial del sponsor y la actividad cultural de la fundación que lleva su nombre. De hecho, hubo un tiempo en el que los grandes mecenas apoyaban a las artes sin tener protagonismo. Se contentaban con una mención en tipografía de cuerpo 8 al calce de una segunda de forros, con una placa dorada en la esquina de un edificio, con unas palabras de agradecimiento como preámbulo. Pero nuestra época es una de anuncios estrepitosos, de fiestas faraónicas y publicidad gigante. Ya no se le da carta blanca a un artista para quedar en la sombra: se le comisiona la decoración de una boutique en los Champs-Élysées o la puesta en escena de la inauguración de una sucursal en Tokio. (...) A partir de ahora, las boutiques de lujo, se pretenden como prototipo de un mundo en el que la mercancía sería arte porque el arte es mercancía. En este mundo todo sería arte porque todo es mercancía. Montándoles pasarelas de oro, los nuevos dueños del mercado del arte han sabido corromper a los expertos y curadores más reputados, contribuyendo así al empobrecimiento intelectual de nuestras instituciones públicas. Esto no les proporciona de ninguna manera los medios para favorecer una idea del arte como tal, puesto que el patrón interviene sin cesar en las transacciones en las que tienen gran interés. Tampoco hay impermeabilidad entre los negocios y las cosas del arte, no hay, de hecho, inocencia ni altruismo en las ayudas que dichas personas dispensan”.

Fuente: Revista Ñ Clarín

DOS GRANDES DE LA FOTOGRAFÍA ARGENTINA
EXPONEN EN NUEVA YORK:
HORACIO COPPOLA Y GRETE STERN EN EL MOMA

El Museo de Arte Moderno de esa ciudad recorre la obra de dos vanguardistas que, además, fueron pareja.

http://www.clarin.com/cultura/Buenos-Aires-Coppola-muestra-fotografo_CLAIMA20150515_0210_28.jpg

Ana Baron

Es difícil hablar de Horacio Coppola uno de los mas grandes fotógrafos argentinos, sin hablar de su esposa Grete Stern, una destacada fotógrafa alemana con quien se caso en 1935 en Londres. No sólo los unió el amor sino que también la búsqueda de un lenguaje fotográfico modernista y el haber trabajado juntos en el Bauhaus, en Berlín. Pese a la intensidad de las experiencias que compartieron en el corazón de la vanguardia artística de esa época, sus respectivas carreras se mantuvieron totalmente independientes, cada uno mantuvo su estilo y sus temas.

La excelente exposición que inaugura el MoMA (Museo de Arte Moderno) de Nueva York el 17 de mayo, titulada De la Bauhaus a Buenos Aires, Grete Stern y Horacio Coppola, muestra cómo la independencia artística se mantuvo hasta que se divorciaron en 1944.

De hecho, en la exposición las fotos de Coppola y Grete –que en la Argentina son representados por la galería Jorge Mara– fueron colocadas en salas diferentes. Los marcos de las fotos de Coppola son negros, los de las de Stern, blancos. Así es mucho más fácil ver la diferencia que había entre ellos.

“Los dos tenían carreras muy destacadas antes de conocerse en Berlín en 1932. No se puede ver una influencia clara del uno sobre el otro”, dijo a Clarín Sarah Meister, la encargada de seleccionar las fotos para la exposición, un trabajo que llevó dos años e incluyó numerosos viajes a Argentina, y a Europa. En diálogo con un grupo de periodistas, Meister dijo que “es increíble pero debido a que eligieron vivir en Buenos Aires, el trabajo de Coppola no es conocido en el exterior. En Estados Unidos no hay ningún otro museo que tenga fotos suyas. Esta es la primera retrospectiva de Coppola y Grete en el mundo”.

Cuando Coppola conoció a Grete en Berlín, él ya había publicado sus fotos en la prestigiosa revista Sur de Victoria Ocampo. También había ilustrado un libro de Jorge Luis Borges, Evaristo Carriego. Es decir que ya había sido aceptado en los círculos más intelectuales de Buenos Aires. Coppola también había fundado un club de cine donde, muy influido por los filmes de Sergei Eisenstein, Man Ray o Dziga Vertov, pasaba películas extranjeras.

La exposición muestra cuatro films de Coppola. Lo que predomina en su obra son, sin embargo, sus fotos sobre Buenos Aires, sus calles, la gente, las casas, los balcones …con una luz y perspectivas muy especiales. Al principio intenta conciliar lo viejo y lo nuevo, pero luego lo más importante comienza a ser lo nuevo.

Por su parte, antes de conocer a Coppola, Grete tenía también una carrera reconocida en Berlín, no solo era fotógrafa, sino que trabajaba en una empresa de publicidad muy vanguardista. Por ejemplo, hay una foto de la cabeza de una mujer cubierta por un sombrero y abajo un par de guantes cruzados que esconde el resto de su cuerpo.

Gretel era feminista, le interesaba mucho el psicoanálisis. La exposición contiene fotos de su colección Sueños, que hizo cuando ya estaba en Buenos Aires. La muestra incluye varias fotos dee sa colección. La más destacada es la que muestra a un hombre con una cabeza de tortuga llevando del brazo a una mujer que lo mira asustada. En Buenos Aires hizo llamativos retratos, entre otros de Jorge Luis Borges, Lino Enea Spilimbergo y María Elena Walsh. Todo esto y más reúne la exposición del MoMA.

Fuente:Revista Ñ Clarín

EL ARTE COMO INVERSIÓN:
SE PAGARON US$ 1.400 MILLONES EN TRES NOCHES

Además del récord de Picasso, con 179 millones, otros cuados costaron fortunas.
No es sólo amor al arte en las subastas de Christie's en Nueva York.

El día del récord. “Las mujeres de Argel”, de Pablo Picasso, se vendió en 179 millones de dólares. /AP

Esta semana el mundo del arte estuvo agitado. Muy agitado. El lunes, en la sede que Christie’s tiene en Nueva York, se pagó el precio más alto por una pieza de arte en la historia de las subastas: fue Las mujeres de Argel, una pintura que Pablo Picasso creó en 1955 y por la que un comprador todavía anónimo pagó –atención– 179 millones de dólares. Esa misma noche, en esa misma convocatoria que reunía obras del siglo XX, se vendió la escultura más cara de la historia de las subastas: El hombre que apunta, del artista suizo Alberto Giacometti, sedujo a un comprador por 141 millones de dólares. Esos precios desorbitantes, que fueron a las tapas de los diarios de todo el mundo, se sumaron a las ventas de otros cientos de obras de arte y entonces hubo un último récord: por primera vez, una casa de remates –Christie’s en este caso– vendió obras por más de mil millones de dólares en una semana.

Es que además de la pintura de Picasso, inspirada en una obra del mismo título que Eugène Delacroix pintó en el siglo XIX y en la que el artista malagueño creía ver a su última esposa, y de la escultura de bronce creada por Giacometti, se pagaron varios millones por obras de otros artistas: Mona Lisa coloreada, de Andy Warhol, se vendió en 56 millones de dólares, y lo mismo se pagó por una obra de Lucien Freud; Número 10, de Mark Rothko, se vendió en casi 82 millones de dólares, y un Van Gogh alcanzó los 66 millones de dólares.

Esta semana, Christie’s exhibió unas 1.100 obras y ofreció subastas el lunes, el martes y el miércoles. Pasaron por allí alrededor de 15.000 personas: muchos curiosos, algún magnate dedicado al negocio de los casinos, un joyero exclusivo de Londres, una miembro del clan Trump, el ex presidente de Walt Disney Company, y cientos de oferentes que pujaron por teléfono desde todo el mundo para que la venta alcanzara entonces los 1400 millones de dólares y otra vez el (mercado del) arte saliera en los diarios.

Para dimensionar la cifra: el salario promedio en Estados Unidos es de 50.000 dólares anuales, entonces 28 mil personas deberían destinar el ingreso total de un año de trabajo para comprar obras de arte por mil millones de dólares.

Resulta fácil imaginar que este consumo lujoso está reservado a patrimonios abultados. Según publicó el New York Times, en promedio, ningún inversor destina más del 1 por ciento de su riqueza a comprar una obra de arte: quien haya comprado Las mujeres de Argel, siguiendo este razonamiento, tiene acumulados por lo menos 17.900 millones de dólares. Según la lista de millonarios que publica la revista Forbes, sólo 50 personas en el mundo –sólo 50 de 7.000 millones de habitantes– cuentan con esa fortuna.

En los últimos años, las piezas de arte asociadas a las grandes firmas –especialmente del siglo XIX y aún más del XX– multiplicaron su precio: el Picasso que rompió todos los récords el lunes se había vendido en 32 millones de dólares en 1997. En casi veinte años sextuplicó su valor. Otro dato: en aquel momento, también siguiendo la lista de millonarios de Forbes, una docena de personas tenían el 1 por ciento de su fortuna disponible para invertir en una obra de arte. Hoy, el precio se sextuplicó y la cantidad de ricos que pueden pagar se multiplicó por cuatro. No sólo el arte gana: hay más ricos y pueden pagar más, es decir, son más ricos aún.

Esos ricos cada vez más ricos se disputan piezas irreproducibles: es fijo el número de obras de Picasso, de Van Gogh y de Warhol. Ya no habrá más. La disputa empuja el precio para arriba y vienen los récords. Porque además, pagar muchos millones por una obra de arte cotiza como nunca en términos de status y, sobre todo, se convierte en una reserva de valor.

En abril de este año, el presidente de BlackRock, el gestor de activos más grande del mundo, aseguró que los inmuebles en Londres y Nueva York y las obras de arte superaron al oro entre las preferencias de los inversores.

Claro que –lo saben todos los jugadores– toda inversión tiene su riesgo: habrá que ver si los precios del arte siguen subiendo o si revienta la burbuja.

Fuente: Revista Ñ Clarín