LONDRES SE AFIANZA COMO CAPITAL DE LOS MUSEOS

En 2014, el Louvre fue otra vez el más visitado, pero cuatro salas inglesas copan el top ten

Tate Modern, Londres.

PARÍS.- La Gioconda está feliz, aunque la alegría no desborda su sonrisa enigmática. Es que su hogar, el Louvre, sigue siendo el museo más visitado del mundo. En 2014, recibió a 9 millones de personas. Pero Londres apura a París y se afianza como la ciudad cultural del planeta, ingresando con cuatro salas al ranking de los museos preferidos.

Cada año, Giornalle dell'Arte y Art Newspaper realizan un ranking de concurrencia de público en los museos del mundo. El trabajo de 2014 ha arrojado algunas novedades interesantes. Con la excepción del Louvre, los otros grandes museos parisinos no ocupan lugares en el top ten del listado de los más visitados.

El Museo Metropolitano de Arte (Met) de Nueva York fue desplazado en su puesto por la National Gallery de Londres. Esa sala británica fue recorrida por 6,6 millones de turistas.

Según este podio, luego de la pirámide parisina, Londres ocupa los siguientes cuatro lugares de preferencia de concurrencia en el mundo: al Museo Británico fueron 6,6 millones de personas; a la National Gallery, 6,4; a la Tate Modern, 5,7, y al Museo de Historia Natural, 5,4 millones.

En suma, durante el año pasado, 182 millones de personas visitaron los primeros 100 museos de la estadística, que se concentran básicamente entre Europa y Asia. La cifra general supera la registrada en 2013, por ocho millones de personas.

Así como llama la atención la irrupción de Londres, no debe soslayarse el crecimiento de recepción de público que han tenido los museos de Asia. Entre esos centros, las estrellas asiáticas son el National Palace de Taipei, con 5,4 millones de visitantes, y el Museo Nacional de Corea, en Seúl. También crece la cantidad de público en el Museo Nacional de Tokio, Japón, con 1,914 millones.

Sin grandes variaciones de afluencia de público en Italia, los Museos Vaticanos, la Galleria degli Uffizi, la Academia, el Palazzo Pitti y el Museo del Palazzo Vecchio. En España, el Reina Sofía apenas aventaja al Prado (2,6 millones de personas y 2,5, respectivamente).

A la hora de elegir destinos arqueológicos, el circuito del Coliseo, el Foro Romano y el Palatino se lleva las de ganar, con 6,176 millones de personas. Les siguen las ruinas de Pompeya y la Arena de Verona.

Agencia ANSA.

 
Fuente: lanacion.com

LOS MUSEOS DE RUSIA REESCRIBEN LA HISTORIA

Cerca del Kremlin. Las doctrinas nacionalistas, siguiendo al presidente Putin, marcan las curadurías actuales. Varias muestras masivas suavizan al ejército soviético y a los zares. Algunos museos críticos perdieron apoyo estatal.

   Relato. La muestra sobre la Segunda Guerra evita los aspectos desagradables del ejército soviético.

Por Neil Macfarquhar y Sophia Kishkovsky. The New York Times

 

Iván el Terrible, el zar ruso, debería ser considerado en realidad Iván el No Tan Tremendo, a juzgar por una exposición histórica de enorme convocatoria realizada hace poco cerca del Kremlin. La muestra acusaba a los medios occidentales de caracterizar equivocadamente al zar Iván IV como "el Terrible". Una exhibición de grabados alemanes contemporáneos que muestra a las tropas del zar del siglo XVI cometiendo atrocidades se presentó como prueba de que etiquetarlo como asesino no era más que una difamación extranjera. Iván fue también el primer gobernante ruso afectado por sanciones de Occidente, según la exposición.

 La muestra fue una de varias exhibiciones recientes muy concurridas que los historiadores, entre otros, afirman que distorsionan el pasado de Rusia para crear falsos paralelismos que justifiquen la política actual del Kremlin.
“Se está usanado la historia como herramienta ideológica”, dijo el historiador Nikita P. Sokolov. El mensaje, dijo, es que “Rusia es una fortaleza sitiada que necesita un comandante fuerte, y cualquiera que intente democratizar el país y quitarle poder al comandante está desestabilizando”.
Los funcionarios de distintos museos que crearon algunas de las muestras negaron estar siguiendo órdenes del Kremlin. Dijeron que, en todo caso, el derrumbe de la Unión Soviética en 1991 desató un torrente de investigaciones históricas excesivamente negativas que debe equilibrarse.
“Nunca me ha indicado ningún representante del gobierno cómo debe escribirse la historia”, dijo Yuri A. Nikiforov, curador voluntario para la Sociedad Histórico-Militar Rusa, a la cual los críticos del gobierno acusan de dirigir la avanzada de exhibiciones ideológicas.
Enfatizar la gloria de Rusia se convirtió en un objetivo del presidente Vladimir V. Putin al empezar su tercer mandato en 2012. Exhortó a la Sociedad Histórico-Militar Rusa a preservar “el patriotismo y el deber sagrado de defender nuestra patria y la dignidad nacional”.
En contraposición a Nikiforov, el ministro de Cultura Vladimir Medinsky agradeció el consejo del Kremlin. “Necesitamos mucho esa clase de órdenes del Kremlin”, dijo. “Son muy adecuadas.”
En 2014 una exhibición de pinturas organizada por la Sociedad Histórico-Militar celebró la reciente anexión de Crimea. “Donde no hay motivación ideológica, se forma un vacío y el fascismo se yergue”, dijo Rostislav Medinsky, de la institución.
El show de la Sociedad con Iván el Terrible atrajo a 250.000 personas. La exposición homenajeaba a la dinastía que gobernó unos setecientos años los territorios de la actual Rusia. Según los opositores, Medinsky usó la muestra para promocionar su interpretación de un período difícil de documentar.

Las temáticas centrales fueron que Rusia ha sufrido agresiones durante largo tiempo y que sólo por medio de la unidad ha rechazado a los invasores. El tratamiento de diferentes asuntos ha despertado una crítica generalizada.
Iván fundó la versión original de la policía secreta en 1564, según Sokolov, y sus ejecuciones eran crueles, nada de ficción occidental. “Fue una exhibición política, no histórica”, afirmó.
El ministro de Cultura dijo, en cuanto al récord de ejecuciones del zar, que el de la reina Isabel I de Inglaterra era mucho peor.
Los historiadores han expresado preocupación de que Rusia esté girando hacia una versión esterilizada de la historia, discontinuando las investigaciones relativamente abiertas de los años ‘90 para volver a interpretaciones de estilo soviético, que enfatizan la ideología. Putin rechazó esas críticas.
Algunos museos que han destacado aspectos más oscuros de la historia rusa terminaron sometidos a presiones o incluso fueron cerrados. Por ejemplo, el Perm-36, dedicado a la represión política, anunció su cierre después de que le suspendieran el apoyo estatal.
En muchas muestras, los paralelismos trazados entre pasado y presente no son nada sutiles. Se espera que esto aumente con las exposiciones por el 70° aniversario de la derrota del nazismo de 1945.
Nikiforov, de la Sociedad Histórico-Militar, curó una exhibición que a través de fotografías, se concentraba en el surgimiento del nazismo, especialmente en lugares como Ucrania y el Báltico, las atrocidades de Hitler y los más de un millón de soldados soviéticos que murieron antes de capturar Berlín. Hubo un gesto hacia la política actual: una pared ilustraba grupos de derecha actuales en Ucrania.
Rusia sostiene que la razón por la cual anexó Crimea hace un año y después aprobó la contienda de los separatistas en Ucrania oriental fue que la destitución del gobierno de Kiev en febrero de 2014 implicaba un resurgimiento nazi.
La muestra de fotos otorga un tratamiento sumario a los aspectos desagradables de la Unión Soviética en la Segunda Guerra Mundial, como el pacto que unió a Moscú con la Alemania nazi hasta la invasión de Hitler en 1941. “Es inevitable simplificar cuando no hay mucho espacio”, dijo el curador.
El Museo de Historia Contemporánea exhibe actualmente una muestra sobre la batalla de 1943 para recuperar Ucrania. Irina Y. Velikanova, directora de esa institución, dijo que la misión de cualquier museo histórico debía tener sus raíces en el patriotismo. “No escondemos el hecho de que nos interesa formar la actitud cívica y patriota de la juventud rusa”, aseguró.


Fuente: Revista Ñ Clarín    

VENDIERON UN HUEVO SUBFOSILIZADO DE PÁJARO ELEFANTE

Objetos comunes o de colección que valen una fortuna.  Un especialista de Christie's sostiene un huevo subfosilizado de un pájaro elefante, que se extinguió hace más de un siglo y que fue vendido por 202.555 dólares (188.732 euros).


Foto: Reuters

Fuente: clarin.com

EL DESCUBRIMIENTO DE UN GEÓLOGO ISRAELÍ REAVIVA EL DEBATE POR LOS HUESOS DE JESÚS

Después de siete años de investigación, Aryeh Shimron dice que confirmó la relación entre los osarios que presuntamente pertenecen a la familia de Jesús de Nazaret

Los osarios fueron examinados por el geólogo Aryeh Shimron. Foto: Rina Castelnuovo / The New York Times

El debate que se instaló en la última década sobre la autenticidad de huesos que presuntamente eran de él y su familia resurgió por estos días a partir del supuesto vínculo entre dos hallazgos en Jerusalén que pusieron en duda la resurrección de Jesús, según señala The New York Times. Los escépticos no tardaron en echar esas pruebas por tierra al considerarlas falsas.

Un geólogo israelí volvió a hablar de los dos objetos que alzaron la disputa. Uno de ellos es un osario (caja de sepultura para los huesos) con la inscripción en arameo "James, hijo de José, hermano de Jesús", que un coleccionista israelí dice haber comprado a un comerciante de antigüedades en Jerusalén Este en la década de 1970. Hace más de diez años, la Autoridad de Antigüedades de Israel declaró la parte de "hermano de Jesús" como falsa y presentó cargos contra el coleccionista. Un tribunal de Jerusalén dictaminó en 2012 que el Estado no había podido probar su caso.

El segundo objeto es una tumba descubierta en una obra de construcción en el barrio de Talpiot Este de Jerusalén Este en 1980, que fue centro del documental La tumba perdida de Jesús, de 2007. El film fue producido por James Cameron (Titanic) y escrito por Simcha Jacobovici, un cineasta israelí que vive en Toronto.

La tumba -conocida como "tumba de Talpiot"- contenía 10 osarios, algunos con inscripciones que se han interpretado como "Jesús hijo de José", "María" y otros nombres asociados a figuras del Nuevo Testamento. Eso llevó a Jacobovici a argumentar que esto significaba probablemente que se trataba de la tumba de la familia de Jesús de Nazaret. La idea fue inmediatamente rechazada por especialistas, que dijeron que estos nombres eran muy comunes en aquella época, y acusaron al cineasta de querer promover su película.

Años después, el geólogo israelí Aryeh Shimron dice haber confirmado esa hipótesis a través de la identificación de una coincidencia geoquímica bien definida entre las muestras obtenidas en los osarios de la tumba de Talpiot y en el osario de James.

Cuando se descubrieron los osarios de Talpiot, estaban cubiertos por una gruesa capa de un tipo de suelo, Rendzina, que es característico de las colinas de Jerusalén Este y era apto para imponer una firma geoquímica única en los osarios enterrados debajo de ella.

"Creo que tengo una evidencia muy poderosa, casi inequívoca, de que el osario de James pasó la mayor parte de su vida, o la hora de la muerte, en la tumba de Talpiot," dijo Shimron antes de presentar las conclusiones de su informe.

El geólogo basa su investigación en la teoría de que un terremoto que convulsionó Jerusalén en el año 363 inundó la tumba de Talpiot con tierra y lodo, desalojando su piedra de acceso y, excepcionalmente, cubriendo los osarios de tiza por completo.

"Ese suelo crea una especie de vacío. La composición de la tumba fue simplemente congelado en el tiempo", dijo.

Shimron estudia desde hace siete años la química de las muestras de la tiza obtenida de la parte inferior de los osarios de Talpiot y, más recientemente, del osario de James. También ha estudiado muestras de tierra y escombros. Además, para comparar, examinó muestras de osarios de alrededor de 15 otras tumbas.

Según él, las muestras dejaron en claro que el osario de James y los que estaban en la tumba de Talpiot pertenecen al mismo grupo geoquímico. "La evidencia va más allá de lo que pensaba", dijo.

Su trabajo es financiado por la "producción" de un nuevo film de Jacobovici, según dijo el cineasta.

Mientras tanto, la tumba de Talpiot está sellada y guardada debajo de una losa de hormigón en un patio entre edificios Talpiot Este, y sus osarios están bajo la custodia de la Autoridad de Antigüedades de Israel. El osario de James, en tanto, están en manos de su dueño, el coleccionista Oded Golan, que vive en Tel Aviv y mantiene la caja en un lugar secreto. Allí seguirán esas reliquias mientras en todo el mundo debate cuál es su verdadero origen..

 


Fuente: lanacion.com

SE VENDIÓ LA MÁSCARA MORTUORIA DE NAPOLEÓN

La máscara mortuoria de Napoleón Bonaparte. Fue hecha poco después de su fallecimiento en la isla de Santa Elena en 1821 y ha sido vendida por 264.000 dólares (198.000 euros).  Foto Reuters


Fuente: clarin.com

VEINTICINCO AÑOS DE TEORÍAS SOBRE EL GRAN ROBO DE OBRAS DE ARTE

Un especialista cuenta en primera persona su faceta de investigador de Rembrandt

   Cristo en la tormenta del Mar de Galilea, de Rembrandt.

Por Tom Mashberg / The New York Times

  

BOSTON.- El vestíbulo del depósito de Brooklyn estaba a oscuras, y el espacio, abarrotado. Pero de pronto se encendió el rayo de una linterna y me encontré frente a una de las obras maestras robadas más buscadas del mundo: La tormenta del mar de Galilea, de Rembrandt van Rijn. ¿O no era?

Durante esa visita nocturna de agosto de 1997, mi guía era un marchand de dudosa estofa que había estado bajo la mira del FBI por haber asegurado que podía garantizar la devolución de la obra a cambio de US$ 5 millones de recompensa. Yo era reportero del Boston Herald, obsesionado como tantos por hallar la Tormenta, un paisaje marino con Jesús y los apóstoles, y 12 obras más, incluidos un Vermeer y un Manet, robados una madrugada de marzo de 1990 del Museo Isabella Stewart Gardner, de Boston.

El robo había sido un notición y lo sigue siendo, 25 años después. Las obras estaban valuadas en US$ 500 millones: el robo de arte más grande en la historia de Estados Unidos.

Por teléfono, mi guía había dejado entrever que sabía algo del robo, y contaba con cierta credibilidad en las calles, ya que estaba vinculado con un ladrón de arte que ya se había robado dos Rembrandt. Me llevó hasta una baulera y apuntó su linterna hacia la pintura, hacia la firma del maestro, a la derecha inferior de la obra, donde debía estar, y luego me sacó abruptamente del lugar. La visita no duró más de dos minutos.

Pueden llamarme si quieren "inspector Clouseau", me han dicho cosas peores, pero tuve la certeza de estar frente al Rembrandt auténtico, y de que ésa y tal vez el resto de las obras volverían a casa. Escribí una nota de tapa para el Boston Herald sobre esa visita furtiva, con el título de "¡Lo vi!", y me senté a esperar el final feliz de la historia. Nunca llegó.

Dieciocho años después, me pregunto si lo que vi era una obra maestra o un esfuerzo maestro para engañar. Los actuales agentes del FBI siguen desestimando mi visita de aquella noche. Las autoridades siguen intrigadas por unos fragmentos de pintura que recibí en 1997. En aquel entonces escribí que era posible que proviniesen del Rembrandt, pero el FBI anunció que las pruebas demostraban que no tenían relación con la Tormenta.

En una entrevista reciente, los agentes del FBI me dijeron que en 2003 esas muestras habían sido vueltas a analizar por Hubert von Sonnenburg, experto en Vermeer y ex jefe de conservación de pintura del Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, que murió un año después. Determinó que los fragmentos se correspondían con el pigmento conocido como "rojo del lago", muy usado por Vermeer, también en su obra robada El concierto. Von Sonnenburg había concluido que el patrón del craquelado de los fragmentos de pintura era similar al encontrado en otras obras del maestro holandés del siglo XVII. ¿Están perplejos? Yo también.

Ésos han sido los avatares de mi cobertura del caso durante casi dos décadas, durante las cuales reuní cientos de documentos de investigación y fotografías, entrevisté a delincuentes y pirados, y tuve reuniones con decenas de agentes de la ley, nacionales y municipales, y altas autoridades de diferentes museos.

En 2011, escribí un libro sobre el robo de arte con el jefe de seguridad del museo Gardner, Anthony M. Amore. Omitimos referirnos al caso Gardner porque Amore decía que la búsqueda había llegado a una etapa decisiva. Pero los presupuestos que manejaban Amore y el agente especial del FBI Geoff Kelly se convirtieron en la teoría más fuerte sobre el caso: el golpe fue obra de una asociación chapucera de gánsteres locales con mafiosos de segunda línea de otros estados, muchos de ellos ya muertos hace tiempo.

Esa teoría es menos descabellada que muchas de las que han sobrevolado, que atribuían el robo a agentes del Vaticano, a militantes del Ejército de la República Irlandesa, a emires de Medio Oriente y a avariciosos multimillonarios. Y no paran de surgir deducciones, como las contenidas en un libro de inminente aparición que combina elementos de la teoría del FBI con giros novedosos.

El museo Gardner fue creado por Isabella Stewart Gardner, una acaudalada mecenas de las artes de Boston. En 1903, instaló sus tesoros en un palacio de estilo veneciano que convirtió en su hogar y en museo abierto al público. Su designio se conoció después de su muerte, en 1924: ningún objetos podía ser movido del lugar que ella había elegido para ser mostrado.

Anticipándose a la ola de interés, y de posibles críticas, que quizá se despierte en vísperas del 25° aniversario del golpe, los investigadores Amore y Kelly me mostraron recientemente una presentación en PowerPoint donde detallan lo que, a su parecer, mejor da sentido a lo ocurrido. La teoría se remonta a 1997, cuando informantes del FBI dijeron que un gánster de poca monta de Quincy, Massachusetts, llamado Carmello Merlino, estaba dispuesto a entregar las obras robadas a cambio de US$ 5 millones de dólares.

Los investigadores dicen tener esperanzas de localizar el botín, por más que muchos de los sospechosos ya estén en la tumba. Kelly y Amore dicen estar convencidos de que las obras terminaron en Filadelfia, donde fueron vendidas.

Kelly rechaza la idea de que los ladrones hayan destruido las obras tras darse cuenta de que habían "cometido el robo del siglo sin saberlo". "Es muy raro que eso ocurra con los ladrones de arte", señala Kelly. "La mayoría de esos delincuentes son lo suficientemente vivos como para saber que un cuadro valioso es siempre un as en la manga."

El autor es coautor de Stealing Rembrandts, periodista especializado en investigación de arte.

Traducción Jaime Arrambide.

Fuente texto: lanacion.com

EL LARGO (Y DIFÍCIL) CAMINO PARA RESTITUIR OBRAS DE ARTE ROBADAS POR LOS NAZIS

Se estrena una película que reconstruye la recuperación del cuadro "Adele Bloch-Bauer I", de Klimt. Termina bien.

Épica. Helen Mirren como la heredera que recupera el cuadro de Klimt

 
Por Patricia Cohen, The New York Times

Hay muchas razones por las cuales, entre los centenares de miles de casos de obras de arte que robaron los nazis, a los cineastas podría interesarles la historia de Adele Bloch-Bauer I, de Gustav Klimt. En primer lugar, por el carácter hipnótico de la pintura, que alcanzó en subasta un precio de 135 millones de dólares en 2006. Luego están las reminiscencias de David y Goliat que tiene el caso de una heroína octogenaria –María Altmann, la sobrina de Bloch-Bauer– enfrentada al gobierno austríaco. Por último está la conclusión satisfactoria. Altmann consigue que se le devuelva el retrato. Se hace justicia.

 Todavía no se toma conciencia del carácter excepcional de esa justicia en lo que respecta a la devolución de arte robado durante el período nazi a sus propietarios o –pasadas siete décadas– a sus descendientes. Como admite la nueva película Woman in Gold, que protagoniza Helen Mirren en el papel de Maria Altmann (y que en la Argentina se estrenará en junio), aún no se conoce el paradero de más de 100.000 obras de arte robadas.
Cuando Altmann empezó a reclamar algunas de las pinturas de su familia, en 1998, había motivos para pensar que las probabilidades de restitución podrían haber mejorado. Luego de décadas de negligencia o de abierta oposición a la devolución, la opinión pública había comenzado a cambiar. En el medio se había conocido la irregularidad respecto de los robos nazis. Informes que encargaron Suiza y los Estados Unidos detallaron que los suizos no habían cumplido con pactos de restitución de oro por valor de centenares de millones de dólares robados por Alemania, si bien sus bancos habían llegado a un acuerdo por 1.250 millones de dólares con los sobrevivientes del Holocausto luego de que se les demandaran los bienes depositados en custodia durante la guerra.

Una nueva generación, menos interesada en encubrir delitos históricos, reveló las formas en que gobiernos, funcionarios de museos, marchands y compradores frustraron de manera sistemática los intentos de que se restituyeran bienes y obras de arte a sus dueños. En 1998, 44 países, entre ellos Austria, firmaron los Principios de Washington sobre Arte Confiscado por los Nazis, un acuerdo que instaba a alcanzar una “solución justa” para los judíos y otras víctimas de los nazis. El parlamento austríaco aprobó una ley que exigía a los museos la apertura de sus archivos y la devolución de propiedad robada.
Una de las cosas que impulsó la legislación fue la revelación del periodista Hubertus Czernin. El descubrió en los archivos de la Galería Austríaca pruebas de que el país no tenía motivos para proclamar la propiedad de las pinturas Bloch-Bauer de Klimt. Luego de su confiscación por parte de agentes nazis, los museos habían expuesto varias pinturas, entre ellas el retrato de 1907 de Adele. Austria había afirmado que Bloch-Bauer, que murió de meningitis en 1925, había legado el retrato al país en su testamento. Sin embargo, de la documentación de los archivos surgió que la obra pertenecía al esposo de Adele, el industrial judío Ferdinand Bloch-Bauer, que dejó el país en 1938, y que al morir, en 1945, había legado sus pertenencias a sus herederos, uno de los cuales era su sobrina Altmann.
El grupo de restitución austríaco que se creó rechazó el reclamo de Altmann. No fue sino hasta 2006, luego de que la Corte Suprema de los Estados Unidos allanara el camino para que Altmann –que vivía en California– demandara al gobierno austríaco, que pudo llegarse a un acuerdo. Hubo un arbitraje y se le otorgaron cinco de las seis pinturas que se le habían robado a su familia. La pintura ahora integra la colección de la Neue Galerie de Nueva York e integra una muestra creada a la par de la película.
Hubo una serie de reuniones de seguimiento de los Principios de Washington y un nuevo acuerdo en 2009, pero aún no existen mecanismos que garanticen su cumplimiento. La restitución tiende a ser la excepción y no la regla. Un informe de septiembre de la Conferencia sobre Reclamos Materiales de Judíos Contra Alemania y la Organización Mundial de Restitución a Judíos concluyó que la mayor parte de los países ha hecho muy poco por cumplir con los acuerdos. Italia fue objeto de especial censura, seguida de Hungría, Polonia, Argentina, España y Rusia. El diario alemán Der Spiegel denunció a sucesivos gobiernos en 2013, cuando reveló que el gobierno alemán, a veces en colaboración con museos, ignoró o frustró activamente las restituciones durante décadas. En Francia, se han devuelto menos de cien de las 2.000 obras de arte reclamadas que están expuestas en sus museos.   


Fuente: Revista Ñ Clarín