ENCUENTRAN 20 POEMAS INÉDITOS DE PABLO NERUDA
QUE PUBLICARÁN A FIN DE AÑO

Cultura

Los halló la Fundación que lleva el nombre del Nobel de Literatura chileno; los cuadernos estaban en unas cajas con manuscritos del poeta; se darán a conocer en el aniversario de los 110 años de su nacimiento


  
SANTIAGO.- La Fundación Pablo Neruda dijo hoy que se encontraron 20 poemas inéditos del premio Nobel de Literatura chileno en unas cajas con manuscritos de las obras del poeta, los que serán publicados en un libro a fines de este año.
Se trata de seis poemas de temática amorosa y los 14 restantes de otros temas cuya creación data de 1956 en adelante, después de haber sido cuidadosamente recogidos y verificados en un trabajo que se extendió por más de dos años.
La fundación explicó que el hallazgo ocurrió tras un estudio riguroso de una colección de manuscritos y mecanoscritos de la obra de Neruda, papel por papel, con el propósito de hacer un catálogo más completo que el registro que existía en la biblioteca de la entidad.
Fue en este trabajo que la fundación constató que había cuadernos en los que Neruda escribió poemas que, posteriormente, destinó a distintos libros. Pero también se encontraron poemas que no aparecían en ninguno de los libros ni en las recopilaciones posteriores de la obra del poeta.
Posteriormente, se sometió estos poemas a nuevas revisiones para tener la seguridad de su condición de inéditos.
"No ha sido posible datar la totalidad de estos poemas, porque no todos llevan la indicación de la fecha en que se escribieron, que el poeta ponía solo a veces", dijo Darío Oses, director de la biblioteca de la Fundación Pablo Neruda.
"Sí es posible asociar muchos de los poemas a algunas épocas, por ejemplo, aquélla en la que Neruda se encontraba escribiendo sus odas, que finalmente publicó en cuatro libros", agregó.

Foto: Archivo / Sara Facio

La fundación dijo que entregó este material a su agente, quien contrató al grupo Planeta para su publicación.
El autor de Veinte poemas de amor y una canción desesperada falleció el 23 de septiembre de 1973, dos semanas después del golpe militar que llevó al poder a Augusto Pinochet.
La publicación de los 20 poemas inéditos será divulgada a fines de este año, coincidiendo con la celebración de los 110 años del nacimiento del poeta.

Reuters.

El hallazgo fue en la Biblioteca de la Fundación del escritor en Chile; los versos se publicarán a fin de año



Hablar de letras amorosas en el arranque del partido Chile-España de la Copa del Mundo causa gracia (y algo de apuro) en los representantes de la Fundación Pablo Neruda que responden el teléfono en Santiago. Claro que el motivo de la llamada no sorprende del todo y resulta lo suficientemente importante para ser atendido: ayer se conoció la noticia del hallazgo de 20 poemas inéditos que el premio Nobel escribió en su madurez y que se encontraron en cajas donde se atesoran los manuscritos del poeta.
"No se trata de un hallazgo intempestivo -explicó enseguida a LA NACIÓN Fernando Sáez García, director ejecutivo de la Fundación-, sino más bien del trabajo concienzudo del equipo de la Biblioteca que encabeza Darío Oses, que en los últimos tres años estuvo enfocado en ver que los papeles que tenemos atesorados estuvieran impresos. Se hizo la constatación, página por página, con los manuscritos, y fue quedando material que no aparecía publicado."
El libro que recogerá los poemas lo editará en América latina Seix Barral a fin de este año, coincidiendo con la celebración de los 110 años del nacimiento del escritor chileno y 90 desde la publicación de Veinte poemas de amor y una canción desesperada, una de sus obras más emblemáticas. "Los antecedentes y la investigación formarán también parte de ese volumen, que además contendrá referencias críticas", sigue Sáez García.
La certificación de autoría de estos textos, que pertenecen a la época de la madurez del autor, convierte el hecho en "el mayor hallazgo de las letras hispanas en los últimos años, un acontecimiento literario de importancia universal", consignó la editorial en su comunicado. Hasta aquí sólo había dos inéditos previos de Neruda, El río invisible (1980), poesía y prosa de juventud, y Cuadernos de Temuco (1996), sus poemas de adolescencia.
"El poderío imaginativo, la desbordante plenitud expresiva y el mismo don, el apasionamiento erótico o amatorio, que para la invectiva, la sátira o el mínimo detalle cotidiano convertido en poema. Es decir, por igual el Neruda de Odas elementales y el Neruda de La Barcarola, el de Memorial de Isla Negra e incluso el de Estravagario", valoró el catalán Pere Gimferrer, poeta y editor de Seix Barral, el trabajo que salió a la luz de un poeta inagotable.
Según confirmaron en la Fundación Pablo Neruda, de los veinte poemas -algunos más largos que el que reproducimos sobre estas líneas-, seis son de amor y el resto tienen que ver con materias (como la geografía) que no son extrañas al universo del autor, entre 1956 y 1970. Y aunque se sabe que fueron escritos con posterioridad a Canto general (1950), no fue posible datar a todos. "Sí es posible asociar muchos de ellos a algunas épocas, por ejemplo, aquella en la que Neruda se encontraba escribiendo sus odas o de aquella en que preparaba su gran autobiografía poética, Memorial de Isla Negra", explica Oses.
La investigación sobre los papeles de Neruda comenzó en junio de 2011, con un estudio riguroso sobre los originales para lograr un catálogo mucho más completo. "Se trataba de describir cada documento con su número de página, su soporte y estado de conservación; se agregaba, además, si era manuscrito, mecanografiado o mecanoscrito con correcciones y adendas, y si tenía autógrafo e indicación de fecha y lugar donde fue escrito. Un campo adicional era para indicar el libro donde finalmente se publicó y si el original tenía variaciones respecto de la versión finalmente publicada", detalló la Fundación sobre el procedimiento de esta exhaustiva labor.
Así, pudo constatarse que en los cuadernos había poemas que no aparecían ni en las recopilaciones de la obra del poeta. Reconfirmada la condición de inéditos de una veintena de estos textos, se determinó que por su calidad merecerían incorporarse a la obra ya publicada de Neruda.
Fuente: lanacion.com

BANKSY: LA OBRA DEL ARTISTA CLANDESTINO LLEGA A UNA SUBASTA DE LUJO

RETROSPECTIVA EN SOTHEBY'S
En Londres se inauguró una exposición “no autorizada” del misterioso graffitero.
Las 70 piezas luego van a ser vendidas.

GRAFFITIS. Mickey Mouse And Mickey Mouse. Exposición retrospectiva no autorizada del artista grafitero Banksy presenta 70 obras de arte en Londres. Banksy es el más famoso por su anárquica obras de graffitis de contenido social que aparecen en la arquitectura de la calle sin previo aviso en Gran Bretaña. (AP)
FOTOGALERÍA
Antisistema. El cuadro de Banksy une al ratón Mickey y al payaso de McDonald’s con una nena víctima de Vietnam. /AP

El artista callejero británico Banksy, conocido por mantener su indentidad en el anonimato, debe de estar enfurecido con su ex agente por organizar una subasta en la que ofrece unas 70 piezas de su autoría en una venta privada en Londres. Desde la semana pasada, la casa de subastas Sotheby’s expone la mayor retrospectiva “no autorizada” del grafitero, con obras famosas y otras más desconocidas, que se venden por precios de hasta 840.000 dólares.
“No creo que vuelva a haber una colección como ésta que reúna tantas de sus obras”, dijo Steve Lazarides, un promotor del arte callejero, que admitió que Banksy “odiaría” esta exposición porque “su arte no está concebido para ser vendido”.


GRAFFITIS. Pets control. Exposición retrospectiva no autorizada del artista grafitero Banksy presenta 70 obras de arte en Londres. Banksy es el más famoso por su anárquica obras de graffitis de contenido social que aparecen en la arquitectura de la calle sin previo aviso en Gran Bretaña. (REUTER)
GRAFFITIS. Pets control. Exposición retrospectiva no autorizada del artista grafitero Banksy presenta 70 obras de arte en Londres. Banksy es el más famoso por su anárquica obras de graffitis de contenido social que aparecen en la arquitectura de la calle sin previo aviso en Gran Bretaña. (REUTER) - See more at: http://hd.clarin.com/tagged/Sociedad/page/3#sthash.aTipoNrZ.dpuf
GRAFFITIS.  Pets control. Exposición retrospectiva no autorizada del artista  grafitero Banksy presenta 70 obras de arte en Londres. Banksy es el más  famoso por su anárquica obras de graffitis de contenido social que  aparecen en la arquitectura de la calle sin previo aviso en Gran  Bretaña. (REUTER)


Llamada “La Retrospectiva no autorizada” y comisariada por Lazarides, la exposición londinense incluye esculturas, óleos y grabados que habrían incrementado su valor en pocos años. La estrella de la exposición es “Pest Control” (Control de Plagas), una obra con la que el artista criticó la proliferación de plagas por los residuos que genera la sociedad y la instaló de forma ilegal en el museo de Historia Natural de Londres en 2004. La pieza es una reproducción de una rata sosteniendo una mochila, un aerosol y una linterna, con lentes oscuros y la inscripción “nuestro tiempo vendrá”.
En la retrospectiva, con precios que parten de 6.700 dólares, también figuran las imitaciones que el artista hizo sobre los clásicos del arte, como el “David” de Miguel Ángel, con un chaleco antibalas, o “Los Girasoles de una gasolinera”, marchitos y decaídos imitando a los de Van Gogh.



GRAFFITIS. Stop me before I paint again y Steve Lazarides, curador. Exposición retrospectiva no autorizada del artista grafitero Banksy presenta 70 obras de arte en Londres. Banksy es el más famoso por su anárquica obras de graffitis de contenido social que aparecen en la arquitectura de la calle sin previo aviso en Gran Bretaña. (AP)
GRAFFITIS. Stop me before I paint again y Steve Lazarides, curador. Exposición retrospectiva no autorizada del artista grafitero Banksy presenta 70 obras de arte en Londres. Banksy es el más famoso por su anárquica obras de graffitis de contenido social que aparecen en la arquitectura de la calle sin previo aviso en Gran Bretaña. (AP) - See more at: http://hd.clarin.com/tagged/Sociedad/page/3#sthash.aTipoNrZ.dpuf
GRAFFITIS.  Stop me before I paint again y Steve Lazarides, curador. Exposición  retrospectiva no autorizada del artista grafitero Banksy presenta 70  obras de arte en Londres. Banksy es el más famoso por su anárquica obras  de graffitis de contenido social que aparecen en la arquitectura de la  calle sin previo aviso en Gran Bretaña. (AP)

En una de las galerías de la casa de subastas está el famoso cuadro “Burger King” (2006), que representa a un niño negro con corona de la conocida cadena de comida rápida y un plato de comida vacío frente a él, y también se exhiben algunas de sus primeras obras.
Los responsables de Sotheby’s se negaron a revelar la lista de precios, pero un folleto de la galería decía: “Las obras en exhibición en la Galería S2 están disponibles para la venta privada, ofreciendo una nueva dimensión a la experiencia en Sotheby’s”.
El misterioso que rodea a Banksy también envuelve a la expo. Es un enigma la identidad de los dueños de las obras, que serán quienes se quedarán con el dinero de las ventas. “Todas las pinturas y grabados de la exposición fueron producidos originalmente para la venta. Y a Bansky le corresponde el 4% del total”, aclaró Lazarides.

GRAFFITIS. Burguer King y Girasoles de Van Gogh. Exposición retrospectiva no autorizada del artista grafitero Banksy presenta 70 obras de arte en Londres. Banksy es el más famoso por su anárquica obras de graffitis de contenido social que aparecen en la arquitectura de la calle sin previo aviso en Gran Bretaña. (AP)

GRAFFITIS.  Burguer King y Girasoles de Van Gogh. Exposición retrospectiva no  autorizada del artista grafitero Banksy presenta 70 obras de arte en  Londres. Banksy es el más famoso por su anárquica obras de graffitis de  contenido social que aparecen en la arquitectura de la calle sin previo  aviso en Gran Bretaña. (AP)

La relación profesional entre Banksy y Lazarides, comenzó cuando el agente fotografió al artista británico. Desde ese momento, el grafitero lo llamaba y le revelaba dónde se encontraban sus obras para que pudiera captarlas con su cámara. El vínculo entre ambos se rompió en 2009 (ver “Transgresión...”).
Hasta el momento, no hubo ninguna manifestación pública de Banksy, quien en su sitio de Internet, muestra la imagen en la que unos terroristas derriban a Dumbo, el personaje de Disney.

GRAFFITIS. Kate Moss. Exposición retrospectiva no autorizada del artista grafitero Banksy presenta 70 obras de arte en Londres. Banksy es el más famoso por su anárquica obras de graffitis de contenido social que aparecen en la arquitectura de la calle sin previo aviso en Gran Bretaña. (AP)
GRAFFITIS. Kate Moss. Exposición retrospectiva no autorizada del artista grafitero Banksy presenta 70 obras de arte en Londres. Banksy es el más famoso por su anárquica obras de graffitis de contenido social que aparecen en la arquitectura de la calle sin previo aviso en Gran Bretaña. (AP)
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GRAFFITIS. Kate Moss. Exposición retrospectiva no autorizada del artista grafitero Banksy presenta 70 obras de arte en Londres. Banksy es el más famoso por su anárquica obras de graffitis de contenido social que aparecen en la arquitectura de la calle sin previo aviso en Gran Bretaña. (AP)

Transgresión o un astuto plan de marketing


Nadie conoce la identidad real de Banksy, el famoso graffitero presuntamente inglés que altera el mundo del arte desde hace unos años, porque la propia práctica del graffiti así lo requiere: un graffitero estampa o pinta de manera ilegal sobre espacios la mayoría de las veces no autorizados. Por eso debe hacerlo de forma anónima, escurridizamente. Aunque a decir verdad hay una persona que sí conoce al graffitero casi tanto como él mismo: se trata de Steve Lazarides, quien fue su agente, fotógrafo y galerista durante 10 años. La relación –¿amistosa? ¿comercial?– se rompió en 2009 por razones no del todo claras. Lo que sí es muy nítido es el desarrollo descomunal y bastante rápido de la carrera de Banksy durante los últimos años, y el hecho de que no podría haberla llevada a cabo sin la ayuda de Lazarides ya que sólo su ¿agente? fotografiaba las nuevas obras (aunque muchos no las consideren obras sino vandalismo), por la simple razón de que el artista sólo le avisaba a él dónde estaban. Por eso podríamos pensar que esa figura, empresa o marca llamada Banksy está compuesta, en realidad, por dos: el artista y su colaborador-agente. Quizás todo fue, en realidad, un astuto plan de márketing orquestado en conjunto. El artista necesitó a Lazarides: no podía negociar con grandes marcas (Puma, Greenpeace, MTV) el uso de sus obras porque iba contra la esencia del propio “ser” graffitero, rebelde, tan anti-sistema y anónimo, tan anti-todo.
El mambo se armó cuando la sociedad quebró: desde entonces sus obras entraron contundentemente en el mercado de arte y sus precios a multiplicarse locamente, muchas veces con la intervención de Lazarides y sin la autorización del artista.
Pero hay algo que reconocerle a Banksy: creó un nuevo segmento dentro del siempre ávido mercado. Para todos los graffiteros con una esperanza de hacerse ricos, siempre existirá un antes y un después de este artista.

GRAFFITIS. Winston Churchill. Exposición retrospectiva no autorizada del artista grafitero Banksy presenta 70 obras de arte en Londres. Banksy es el más famoso por su anárquica obras de graffitis de contenido social que aparecen en la arquitectura de la calle sin previo aviso en Gran Bretaña. (AP)
GRAFFITIS. Winston Churchill. Exposición retrospectiva no autorizada del artista grafitero Banksy presenta 70 obras de arte en Londres. Banksy es el más famoso por su anárquica obras de graffitis de contenido social que aparecen en la arquitectura de la calle sin previo aviso en Gran Bretaña. (AP) - See more at: http://hd.clarin.com/tagged/Sociedad/page/4#sthash.mT4kENV8.dpuf
GRAFFITIS.  Winston Churchill. Exposición retrospectiva no autorizada del artista  grafitero Banksy presenta 70 obras de arte en Londres. Banksy es el más  famoso por su anárquica obras de graffitis de contenido social que  aparecen en la arquitectura de la calle sin previo aviso en Gran  Bretaña. (AP)


GRAFFITIS. Pooh Bear. Exposición retrospectiva no autorizada del artista grafitero Banksy presenta 70 obras de arte en Londres. Banksy es el más famoso por su anárquica obras de graffitis de contenido social que aparecen en la arquitectura de la calle sin previo aviso en Gran Bretaña. (AP)
GRAFFITIS. Pooh Bear. Exposición retrospectiva no autorizada del artista grafitero Banksy presenta 70 obras de arte en Londres. Banksy es el más famoso por su anárquica obras de graffitis de contenido social que aparecen en la arquitectura de la calle sin previo aviso en Gran Bretaña. (AP) - See more at: http://hd.clarin.com/tagged/Sociedad/page/4#sthash.mT4kENV8.dpuf
GRAFFITIS.  Pooh Bear. Exposición retrospectiva no autorizada del artista grafitero  Banksy presenta 70 obras de arte en Londres. Banksy es el más famoso  por su anárquica obras de graffitis de contenido social que aparecen en  la arquitectura de la calle sin previo aviso en Gran Bretaña. (AP)


uente: clarin.com

PAGAN CASI US$10 MILLONES L "EVEREST" DE LAS ESTAMPILLAS

Objeto de deseo. La estampilla subastada mide 2,54 por 3,17 centímetros. Es la única que se conserva de su serie. /AFP
Objeto de deseo. La estampilla subastada mide 2,54 por 3,17 centímetros. Es la única que se conserva de su serie. /AFP


Objeto de deseo. La estampilla subastada mide 2,54 por 3,17 centímetros. Es la única que se conserva de su serie. /AFP

Objeto de deseo. La estampilla subastada mide 2,54 por 3,17 centímetros. Es la única que se conserva de su serie. /AFP

La estrella de la tarde era de papel y de un tamaño apenas mayor a una huella dactilar. La estampilla Magenta de un centavo de la Guyana Británica presidía ayer la sala Sotheby’s en Nueva York. Con cuatro martillazos, el subastador David Redden rompió el silencio reinante: alguien ofrecía 4,5 millones de dólares. Cinco minutos después, el precio se duplicó. Hasta que un postor anónimo ofertó por teléfono 9,5 millones de dólares. Así el Magenta de un centavo se convirtió en la estampilla más cara del mundo.
Este sello está acostumbrado a los récords: todas las veces que fue subastado batió su propia marca. Su último récord mundial lo había obtenido en 1980, cuando fue adquirido por 935.000 dólares. “Este récord representa un momento grandioso en la historia de la filatelia”, dijo Redden. “Será difícil superarlo, y probablemente no ocurra hasta que este mismo sello vuelva a venderse”. Pese al récord, la subasta no alcanzó los 20 millones que había barajado.
Redden calificó al Magenta de un centavo –impreso en 1856 en la entonces colonia británica en Sudamérica– como el “Everest de los sellos”. Aunque este objeto de deseo de los coleccionistas es difícil de valorar a primera vista para el ojo inexperto: el anverso es magenta oscuro sellado en negro y con letras ilegibles, y el reverso es magenta más pálido, con aún más sellos y letras.
“El sello se hizo de manera un tanto burda y el responsable de correos tuvo miedo de que lo pudieran falsificar. Por eso hizo que cada ejemplar llevara la firma de alguno de los empleados”, contó Redder.
Aunque al parecer se imprimieron miles de ejemplares, según Sotheby’s sólo ha sobrevivido el sello subastado. Según la leyenda, fue descubierto en 1874 por un estudiante de 12 años que lo vendió por un puñado de monedas al coleccionista austríaco Philippe von Ferrary. En el siglo XX pasó por las manos de varios millonarios hasta que en 1980 el magnate John du Pont lo adquirió. Du Pont falleció en 2010 en la cárcel, donde cumplía una pena por asesinato, y sus herederos decidieron subastarlo. Ahora el nuevo y misterioso dueño tiene un buen negocio entre manos: varios museos ya expresaron su interés por exponer en su vitrinas la estampilla más cara del mundo.



Fuente: clarin.com

UNA LLAMATIVA PINTURA 3D EN PLENO CENTRO PORTEÑO

Desde arriba. Así es la instalación en el Palacio Legislativo, con la gente curioseando y opinando./ NESTOR GARCÍA

Intervención urbana


Se inaugura hoy en el empedrado de la peatonal Perú al 100, frente a la Legislatura. La gente podrá pararse en un punto especial para sacarse fotos y formar parte de la imagen.
Desde el fin de semana, el artista Daniel Taccone trabajó contrarreloj para inaugurar hoy una pintura en 3D en pleno Centro.
Y pese a la lluvia del domingo, logró cumplir los plazos y ahora porteños y turistas podrán fotografiarse con esta llamativa intervención.
La obra está pintada en el piso empedrado de la peatonal Perú al 100, frente a la Legislatura porteña, que además, busca promocionar las actividades culturales que se realizan en la Sala de Exposiciones del Palacio Legislativo.
Quienes pasen por allí podrán formar parte de una suerte de intervención urbana en 3D. Pero para “descubrir” o para “formar parte” de la imagen hay que pararse en un punto de observación indicado por el artista.
Se trata de una técnica llamada anamorfosis: son dibujos o figuras que aparecen deformados y que, para verlos en su forma natural, es necesario mirarlos desde una perspectiva determinada que elimina la deformación.
Así, los vecinos podrán ver una obra que homenajea a la cultura nacional: “Emerge la Patria con el fabuloso palacio de la Legislatura de fondo. Quise hacer una celebración de las cosas que nos identifican, como un bandoneón, nuestra bandera y la de los pueblos originarios. Creo que logré plasmar un mensaje positivo”, dijo Taccone a Clarín. El artista es maestro nacional de dibujo y profesor de arte en escuelas públicas, y desde 2009 aplica esta técnica.

Daniel Taccone es maestro nacional de dibujo y profesor de arte en escuelas públicas, aplica la técnica denominada "Anamorfosis", consistente en la producción artística sobre el piso, o en pintura 3D. (Luciano Thieberger)


NUESTRA OPINIÓN:


PINTANDO POR UN SUEÑO


Un mamarracho total ésto que se ha permitido que se le hiciera al edificio de la Legislatura Porteña, que es Monumento Histórico Nacional.
La elección del lugar, más que evidentemente está hecha buscando promoción y notoriedad, los tan buscados 15 minutos de fama.
¿Hace falta que se les haga ver a los responsables de ésto que han otorgado el permiso para hacer un verdadero mamarracho incompatible con la calle Perú al 100 y que le queda como una patada al vientre al muy lindo edificio de la Legislatura Porteña?
Charles Thays, Joaquín de Anchorena, Torcuato de Alvear, Alejandro Bustillo, Juan Manuel Acevedo, Rodolfo Alcorta y muchos otros que tanto hicieron por la estética de Buenos Aires, deben estar retorciéndose en sus tumbas ante tanta vulgaridad.
Y además, como si todo éso fuera poco, se entorpece el normal desplazamiento de la gente que vive y trabaja en la zona con el vallado para protejer este bodrio.
¿Por qué se sigue buscando nivelar hacia abajo? ¿Demagogia?
Sólo falta que se les ocurra pintar el Cabildo como animal print o camuflarlo previendo algún posible ataque misilístico de los fondos buitres.


P.L.B.

Fuente: clarin.com

EL ORIGEN INDIO DEL OBELISCO DE MAYO

Según una nueva hipótesis, los ingleses de las invasiones trajeron la idea desde la India.
“La Pirámide de Mayo podría estar inspirada en los monumentos funerarios británicos de la India”. (Marcelo Carroll)
“La Pirámide de Mayo podría estar inspirada en los monumentos funerarios británicos de la India”. (Marcelo Carroll)
Por Miguel Jurado
 
Me escribe el profesor Juan Lázara para darme unos datos sobre las alegorías utilizadas en los monumentos argentinos. Casi al final de su email me invita a conocer algo de su nueva investigación: “La Pirámide de Mayo podría estar inspirada en los monumentos funerarios británicos de la India”. Me quedo perplejo, le pido más precisiones. “Es un misterio qué inspiró al alarife español Francisco Cañete para construir la Pirámide de Mayo siguiendo el modelo de un obelisco. Hasta ahora, las teorías de su origen se refieren a influencias francesas e Italianas”, me escribe Lázara.
¿Pirámide? ¿Obelisco? Algo me hace ruido. Y es obvio: ¡Nuestra famosa Pirámide no es más ni menos que un obelisco! Y cómo surgió semejante confusión. Guillermo Kellmer, editor de la sección Ciudad, me advierte: “Eduardo Parise ya escribió sobre la Pirámide de Mayo y los obeliscos”. ¡Grrrrr! Parise siempre se adelanta en sus notas de la sección Secreta Buenos Aires.
No importa, voy sobre el nuevo dato: La Pirámide es un obelisco y nació en Calcuta. Decido reunirme con mi amigo investigador. Lázara me espera tranquilo en un bar a media cuadra del diario. Voy casi de incógnito, no quiero que Parise se entere de la primicia. “La Pirámide de Mayo es el primer monumento patrio y público. Hasta 1811 cuando se construye para conmemorar el primer aniversario de la Revolución de Mayo, no existían más que imágenes religiosas dentro de las iglesias”, me dice el investigador y agrega que también sería el primer monumento laico de la Argentina. Pero eso no me interesa, ya lo contó Parise. Quiero saber lo de la India. “Siempre fue un verdadero misterio las fuentes “iconográficas” de la Pirámide. Se han hecho hipótesis pero nunca corroboradas”. “Sí, sí –le digo como apurado– ¿Pero cómo es lo de la India?”. Lázara me cuenta las teorías del origen francés e italiano, pero yo quiero la versión hindú. Se decide a ir al grano: “Resulta que de nuestros varios viajes por Oriente, en un par de cementerios ingleses medio abandonados de Calcuta (India) y Dacca (Bangladesh), descubrimos monumentos funerarios casi iguales a la pirámide”. La nueva hipótesis de Lázara es sobre la posible conexión entre esas pirámides bengalíes y la nuestra, ya que son de la misma época.

Copia y original. El monumento de Plaza de Mayo (izquierda) y otro en un cementerio británico en la ciudad de Calcuta. /MARCELO CARROLL
Copia y original. El monumento de Plaza de Mayo (arriba) y otro en un cementerio británico en la ciudad de Calcuta. /MARCELO CARROLL

Lo cierto es que hasta ahora no se encontraron planos ni textos que se refieran explícitamente al modelo usado para la primera Pirámide de Mayo (la que se ve es la segunda versión, eso ya lo contó Parise). A fines de siglo XIX, el investigador Angel Carranza encuentra similitudes con las pirámides talladas en los dos pilares de la puerta de San Denis de París, un arco de triunfo similar al Arco de Tito, pero mas grande. Por su parte, muchos eruditos sostienen que nuestra pirámide fue imitada de la Aguja de Santo Domingo, que se alza en Nápoles, o de los obeliscos que están en Roma, en la Piazza del Popolo.
Entiendo la influencia francesa e italiana, las dos muy fuertes en el mundo. Pero la hindú no me cierra. Le pido más datos a Lázara. “Recordemos que Calcuta y Dacca tuvieron presencia británica a través de la Compañía Británica de las Indias Orientales. Numerosas tumbas fechadas entes 1798-1810 se asemejan a nuestra Pirámide”, me explica y se pregunta: “¿Qué punto de conexión puede haber entre Calcuta o Dacca de principios de siglo XIX y nuestro Río de la Plata?”. Entonces hace su aparición la Primera Invasión Inglesa después de un pequeño silencio intrigante de Lázara. “William Carr Beresford comandó la primera invasión al mando del 71 regimiento de infantería (Mc Leod´s Highlanders). El y parte de su tropa actuaron en varias campañas en Bengala Occidental entre fines de siglo XVIII y principios de siglo XIX. Luego de la India, pasan por Sudáfrica y llegan al Río de la Plata. Numerosos ingleses se quedaron a vivir en el Río de la Plata una vez concretado el segundo fracaso inglés”. Lázara se entusiasma con su nueva hipótesis. La semejanza entre los monumentos de India y la falsa pirámide argentina son muchos. “Algún integrante de las tropas británicas puede haberle sugerido a albañil Cañete formas que conocía de Bengala Occidental, su último destino militar”, termina y promete una investigación a fondo. Espero que no se entere Parise.
 
*Editor adjunto ARQ

Fuente: clarin.com

HABÍA UN HOMBRE DEBAJO DE "LA HABITACIÓN AZUL"
DE PICASSO

Arte
La obra de Picasso, de 1901, guardaba oculta una persona con moño y la cabeza apoyada en la mano


El cuadro La habitación azul de Pablo Picasso sometida a rayos infrarrojos ha mostrado bajo la pintura conocida otra muy diferente.  Foto:  AP 
El cuadro La habitación azul de Pablo Picasso sometida a rayos infrarrojos ha mostrado bajo la pintura conocida otra muy diferente.  Foto:  AP

WASHINGTON (AP).- Un equipo de científicos y expertos en arte descubrió que bajo una de las primeras obras maestras de Pablo Picasso, La habitación azul, hay un hombre con moño y la cabeza apoyada en la mano. Ahora la pregunta que esperan resolver los conservadores de la Colección Phillips en Washington es ¿quién es ese hombre?
Es un misterio que ha dado pie a investigaciones sobre esta obra de 1901, que Picasso creó a principios de su carrera en París, durante su período azul. Los curadores y conservadores presentaron sus hallazgos a la agencia Associated Press (AP) la semana pasada.
Por años, los expertos sospecharon que había algo bajo la superficie de La habitación azul, que integra la Colección Phillips desde 1927. Las pinceladas en la obra no coinciden con la composición de una mujer bañándose en el estudio de Picasso. Un curador hizo notar las raras pinceladas en una carta de 1954. Pero sólo en los 90 una radiografía del cuadro reveló una imagen borrosa de algo bajo la pintura. En 2008, mejoras en la tecnología de imágenes infrarrojas permitieron vislumbrar la cara de este hombre barbudo, que descansa la cabeza en una mano adornada con tres anillos.

El cuadro La habitación azul de Pablo Picasso sometida a rayos infrarrojos ha mostrado bajo la pintura conocida otra muy diferente.  Foto:  AP 
El cuadro La habitación azul de Pablo Picasso sometida a rayos infrarrojos ha mostrado bajo la pintura conocida otra muy diferente.  Foto:  AP

"Es uno de esos momentos que hacen especial tu trabajo'', dijo Patricia Favero, la curadora de la Colección Phillips que logró la mejor imagen infrarroja hasta la fecha del rostro del hombre. "La segunda reacción fue, bueno, ¿quién es? Aún estamos tratando de responder esa pregunta.''
Los investigadores descartaron que sea un autorretrato. Una posibilidad es que sea el marchand parisino Ambroise Vollard, que presentó la primera exhibición de Picasso en 1901. Pero no hay ni documentación ni pistas en el lienzo.
En los últimos cinco años, expertos de la Colección Phillips, la Galería de Arte Nacional, la Universidad de Cornell y el Museo Winterthur de Delaware desarrollaron una clara imagen de la pintura bajo la superficie. Un análisis técnico confirmó que el retrato oculto es obra de Picasso, quizá pintado justo antes de La habitación azul.
El cuadro La habitación azul de Pablo Picasso sometida a rayos infrarrojos ha mostrado bajo la pintura conocida otra muy diferente.  Foto:  AP 
El cuadro La habitación azul de Pablo Picasso sometida a rayos infrarrojos ha mostrado bajo la pintura conocida otra muy diferente.  Foto:  AP

Desde que se descubrió el retrato, los conservadores han usado otra tecnología para escanear la pintura en busca de más detalles. Favero colaboró con otros expertos para escanear la pintura con tecnología de imágenes multiespectrales y mapeo basado en la intensidad de fluorescencia de rayos X para identificar y mapear los colores de la obra escondida. Les gustaría recrear una imagen digital aproximando los colores que usó Picasso.
Los curadores de la colección planean una primera exposición centrada en La habitación azul para 2017. Por ahora, esa obra está en una gira en Corea del Sur hasta principios de 2015. Otras pinturas ocultas se han encontrado bajo importantes obras de Picasso. Un análisis técnico de La Vie en el Museo de Arte de Cleveland reveló que reelaboró considerablemente la composición del cuadro. También hallaron un retrato de un hombre con bigote en Mujer planchando en el Museo de Guggenheim en Manhattan.
Se han descubierto casos similares en otros autores. Por ejemplo, un rostro de una mujer debajo de Parche de hierba, de Van Gogh, y una imagen de un general napoleónico debajo de Retrato de don Ramón Satué, de Goya.
El otro cuadro bajo La habitación azul de Picasso.


El cuadro La habitación azul de Pablo Picasso sometida a rayos infrarrojos ha mostrado bajo la pintura conocida otra muy diferente.  Foto:  AP 


El cuadro La habitación azul de Pablo Picasso sometida a rayos infrarrojos ha mostrado bajo la pintura conocida otra muy diferente.  Foto:  AP 



El cuadro La habitación azul de Pablo Picasso sometida a rayos infrarrojos ha mostrado bajo la pintura conocida otra muy diferente.  Foto:  AP 


El cuadro La habitación azul de Pablo Picasso sometida a rayos infrarrojos ha mostrado bajo la pintura conocida otra muy diferente.  Foto:  AP 

Fuente: lanacion.com

LOS MUSEOS DE NUEVA YORK CRECEN

El MoMA, el Whitney y la Frick Collection, han decidido trasladar, ampliar o renovar sus sedes en busca de un mayor espacio para dar visibilidad a sus respectivas colecciones y buscando ser más atractivos para el visitante.
El MoMA de Nueva York


El MoMA absorberá el edificio contiguo, anteriormente dedicado al American Folk Art Museum, y ganará más de 3.700 metros cuadrados. El Whitney deja su sede en la avenida Madison para irse al edificio de Renzo Piano a los pies del High Line y triplica el espacio para su colección permanente. Y la Frick Collection abre la segunda planta de su edificio en la Quinta Avenida e inaugurará azotea, ganando también 3.900 metros cuadrados.
Pero, ¿por qué los museos "crecen" en Nueva York?. "La colección del MoMA ha crecido significativamente en la última década y la oferta del museo crecerá en proporción", explicaba en su momento el director de la institución, Glenn D. Lowry, lo cual se debe a la "historia siempre en expansión del arte moderno y contemporáneo", aunque el proyecto sigue sin concretar fecha.
"Tenemos que ir adonde demos el mejor espacio para el arte y los artistas", aseguraba por su parte el director del museo Whitney de arte estadounidense, Adam D. Weinberg, y una de sus comisarias, Barbara Haskell, aseguraba entre bromas que "es casi una vergüenza, un escándalo que tuviéramos tantos cuadros en el almacén", algo que se solucionará en la primavera de 2015.
Y la Frick Collection, que siempre tuvo la fama de ser un museo escueto e íntimo, casi se justifica y esta misma semana, al presentar su proyecto de ampliación señalaba que la nueva ampliación (que se realizará de 2017 a 2020) promete "preservar la experiencia íntima del visitante en la mansión que han deslumbrado a los amantes del arte durante más de ocho décadas".
En el MoMA, las nuevas adquisiciones que justifican la ampliación (algunas de las cuales son objeto de una exposición estos días en su edificio de la calle 53) incluyen obras de Louise Bourgeois, Lygia Clark, Steve McQueen, Gerhard Richter o Richard Serra, así como los archivos del arquitecto Frank Lloyd Wright.
En el Whitney han abierto 1.200 metros cuadrados de terrazas en el nuevo edificio para hacer hueco a esculturas e instalaciones contemporáneas, así como una sala exclusiva para performances, disciplina cada vez más presente en los grandes museos, aunque su primera exposición será, simplemente, una recolocación inteligente de su colección de siempre dentro del estudio de la luz y el espacio de Piano.
Y en la Frick Collection, con el proyecto de Davis Brody Bond se podrán ver lo que eran las estancias privadas de Henry Clay Frick, se ampliará la biblioteca y las estancias para formación y competirán en azotea con su vecino de la Quinta Avenida, el museo Metropolitano.
Además, se dará mayor flexibilidad a sus exposiciones temporales, que en los últimos meses, como en el caso de la de Vermeer, han convocado interminables colas.
Los tres cambios han levantado suspicacias en la comunidad artística o, lo que es peor, entre la comunidad de vecinos. El MoMA por ocupar un edificio contiguo que había sido premiado por su diseño, lo que le granjeó críticas que el New York Times resumió en un demoledor (nunca mejor dicho) titular: "El museo con corazón de bulldozer".
"El MoMA no está añadiendo el edificio del antiguo American Folk Art Museum a su futuro edificio, sino que el sitio en el que ese edificio ahora se haya será parte de la expansión una vez el edificio sea deconstruido y no esté en ese lugar", aclaran desde el museo respecto al proyecto de Diller Scofidio & Renfro.
La Frick Collection ha preocupado al barrio del Upper East Side por si las nuevas estructuras entorpezcan la privilegiada vista de algunos bloques de edificios a Central Park, aunque los arquitectos han asegurado que han "abordado este proyecto con respeto reverencial hacia la mansión Frick tal como fue construida en 1913-14 y a los añadidos de 1935".
Y, por último, desde el Whitney, cuya sede actual será ocupada por el Metropolitan Museum of Art, recordaron para los más nostálgicos que no es la primera vez que la institución que atesora cuadros de Edward Hopper o Georgia O'Keeffe cambia de sede y se sitúa en el bajo Manhattan y que, en definitiva, "el museo es una idea, no un lugar".

Fuente: EFE/EL UNIVERSAL