.jpg) |
.jpg) |
Liu Bolin, el artista chino conocido como 'el hombre invisible' en un teatro de Beijing.
La obra llamada 'Red Theatre', el último proyecto de Liu. Fuente: Reuters |
EL ÚLTIMO PROYECTO DEL HOMBRE INVISIBLE CHINO
SE VENDE UNA LEGENDARIA ALHAJA DE EVA PERÓN
Fotografía suministrada por la casa de subastas Christie’s q muestra un broche representando la bandera argentina de diamante y zafiro usado por Eva Perón, que está previsto que se subastará en Nueva York el 15 de octubre de 2013.
El broche diseñado por Van Cleef & Arpels en su momento para la primera dama de Argentina, tiene un precio estimado de hasta U$S 500.000.
Fuente: AP / Christie's
APARECIERON CINTAS EN LAS QUE BORGES HABLA DE TANGO
En 1965 el autor dio cuatro charlas, que fueron grabadas. Ahora salen a la luz. Las encontraron en España.
Varón porteño. Borges en 1951, retratado por Grete Stern. Le gustaban los tangos de la vieja guardia.
Por Juan Carlos Algañaraz
Varón porteño. Borges en 1951, retratado por Grete Stern. Le gustaban los tangos de la vieja guardia.
Por Juan Carlos Algañaraz
Madrid Corresponsal
“Carancanfunfa se hizo al mar con tu bandera…”, tararea Jorge Luis Borges entonando El Choclo.
Después aclara: “Pero la versión que yo conozco es inefable, no puedo
repetirla aquí sin ofender a nadie”. El escritor argentino aludía ante
su audiencia a una de las letras originales del clásico tango que tenía,
como tantos otros, tema prostibulario.
Y añadía: “Le pregunté a un amigo que significaba ‘ carancanfunfa ’ y me dijo que es el estado de ánimo de un hombre que se siente carancanfunfa ”. Es la voz de Borges apagada por la escasa calidad del registro y, a veces, por el ruido del tráfico.
Estamos
frente a un descubrimiento que dio a conocer ayer el diario El País.
Son cuatro charlas de Jorge Luis Borges grabadas en Buenos Aires,
durante 1965.
El escritor español Bernardo Atxaga recibió en 2002
unas cintas de un amigo, José Manuel Goikoetxea, emigrado a Buenos
Aires: se las había entregado un emigrante gallego, Manuel Román “Kolo”
Rivas, en agradecimiento por haberlo hospedado un tiempo en su casa.
Atxaga
las escuchó en su auto: “Se oían fatal, pero me pareció Borges desde el
principio. Las conferencias no me sonaban de nada y empecé a preguntar.
Consulté con una editora, un aficionado a Borges y en una radio”,
recuerda el escritor. Nadie sabía nada. Se limpió la cinta original y se
hicieron seis copias. Pero el tema no despertó interés.
Diez años
después Atxaga conoce al biógrafo de Borges, Edwin Williamson, que se
interesa en el material. Se trataba de conferencias que Borges pronunció
en 1965; la noticia fue recogida por el diario La Nación del 30 de
setiembre. Pero nunca se encontraron rastros de las charlas, en total
cinco horas de valiosas reflexiones y anécdotas de Borges y el tango.
Después
de escuchar una de las copias, el hispanista británico comentó que
Borges contó sus experiencias personales en el Palermo “feo” donde
compadritos y orilleros protagonizaron historias y anécdotas que
muestras el espíritu de una época de Buenos Aires.
En 2012 Atxaga entregó las cintas al director de la Casa del Lector, César Antonio Molina.
Con voz “lenta y algo cansada” –comenta El País– el autor de “El Aleph” sitúa el origen del tango alrededor de 1880. “ El pueblo no inventa el tango
ni lo impone a la gente bien. Ocurre exactamente lo contrario... Sale
de las casas malas situadas en todos los barrios de la ciudad... había
gente que las frecuentaba para jugar a la baraja, tomar un vaso de
cerveza o ver a los amigos... Un argumento que da fuerza a esto son los
instrumentos iniciales, que no son populares y corresponden a medios
económicos superiores a los de los compadritos: violín, flauta y piano”.
Señala
el periódico madrileño que “en las cinco horas de disertación se van
deslizando guiños confidenciales, la nostalgia por la Argentina que fue,
detalles autobiográficos y el culto al coraje que comparte con
compadritos de leyendas y tangos, capaces de aceptar un desafío fatal
porque va en el código del gremio”.
En las grabaciones, Borges
incluso hace bromas sobre el proceso creativo: “Quizás la única manera
de hacer una obra de arte perdurable sea no tomándola demasiado en
serio, distrayéndola”.
También comenta que los argentinos
abrazaron el tango cuando triunfó en París y otros países. “Hasta 1910
nosotros habíamos percibido pero no habíamos sido percibidos por el
mundo. Ocurren entonces hechos que nos alegran y llega la noticia que
nos conmovió a todos: ¡el tango se bailaba en París! Y posteriormente en
Londres, Berlín, Viena, hasta en San Petersburgo”. Pero hubo
reticencias: el Papa, el káiser, ¡la justicia de Ohio! Allí, cuenta
Borges, un profesor fue acusado de enseñar un baile inmoral. Aunque después de desplegar su arte ante el jurado, el tango fue declarado inocente.
Fuente: Revista Ñ Clarín
VALIOSOS CÓDICES MEDIEVALES
SE PONEN AL ALCANCE DE LA MANO EN ZARAGOZA
Un conjunto de valiosos códices medievales salpicados de exquisitas miniaturas pintadas con delicadeza y paciencia se pondrán al alcance de la mano en una exposición que se inaugura mañana, martes, en el Paraninfo de la Universidad de Zaragoza. EFE |
Un conjunto de valiosos códices medievales salpicados de exquisitas miniaturas pintadas con delicadeza y paciencia se pondrán al alcance de la mano en una exposición que se inaugura mañana, martes, en el Paraninfo de la Universidad de Zaragoza. EFE |
Un conjunto de valiosos códices medievales salpicados de exquisitas miniaturas pintadas con delicadeza y paciencia se pondrán al alcance de la mano en una exposición que se inaugura mañana, martes, en el Paraninfo de la Universidad de Zaragoza. EFE |
 |
Un conjunto de valiosos códices medievales salpicados de exquisitas miniaturas pintadas con delicadeza y paciencia se pondrán al alcance de la mano en una exposición que se inaugura mañana, martes, en el Paraninfo de la Universidad de Zaragoza. EFE |
Zaragoza - Un conjunto de valiosos
códices medievales salpicados de exquisitas miniaturas pintadas con
delicadeza y paciencia se pondrán al alcance de la mano en una
exposición que se inaugura mañana, martes, en el Paraninfo de la
Universidad de Zaragoza.
Se trata de una treintena de "clones" creados con paciente
laboriosidad por el editor gallego Manuel Moleiro, quien gusta llamar a
sus creaciones "casi original" debido a la perfección con la que se
reproducen no sólo el texto, las imágenes y la textura del papel sino
cada una de las imperfecciones que muestran sus hojas.
Obras de lujo ricamente iluminadas, realizadas por los pintores más
prestigiosos de la época para emperadores y reyes y custodiadas
actualmente en instituciones como el Museo Metropolitano de Nueva York,
el Museo Británico, las bibliotecas nacionales de Francia y Rusia o el
Museo Arqueológico Nacional.
Entre las obras expuestas se encuentra el Breviario de Isabel la
Católica, iluminado por los mejores pintores de Flandes y depositado en
la British Library de Londres, cuyos responsables siempre han rechazado
prestar su más valiosa pieza.
Este asombroso manuscrito, concebido como el más lujoso de los
breviarios flamencos, se realizó para conmemorar los tres éxitos
principales del reinado de Fernando II de Aragón e Isabel I de Castilla,
es decir, el acuerdo de matrimonio de sus hijos Juan y Juana con los
hijos de Maximiliano I de Austria, la Conquista de Granada y el
Descubrimiento de América.
La exposición, titulada "El gabinete de las maravillas: códices
iluminados de las mejores bibliotecas del mundo", muestra también el
Atlas Vallard, una obra realizada por el cartógrafo portugués del mismo
nombre que revolucionó la historia al incorporar por primera vez una
imagen cartografiada de la costa de Australia, y salpicada con multitud
de dibujos alusivos a la población y costumbres de cada uno de los
continentes.
 |
| Otro de los "clones" expuestos. |
También se exhibe el Salterio Triple Glosado, una joya bibliográfica
de la Corona de Aragón que se conserva en la Biblioteca Nacional de
Francia.
Esta obra cuenta con más de 140 miniaturas pintadas en dos espacios y
en dos momentos diferentes: Canterbury (año 1200) y Corona de Aragón
(1340).
La parte aragonesa, de estilo gótico italianizante, fue pintada por
el artista Ferrer Bassa por encargo del monarca Pedro IV el Ceremonioso.
Los visitantes también podrán hojear curiosas piezas como el Tacuinum
sanitatis, un tratado de medicina escrito en Bagdad en 1036 y
manuscrito en el siglo XV; el Libro de la Felicidad, un encargo del
sultán Murad en 1582 que incluye tablas para la interpretación de los
sueños, o el tratado de alquimia Splendor Solis.
Para obtener cada uno de estos clones, Manuel Moleiro y su equipo se
han desplazado a los lugares donde se custodian los originales para
estudiarlos y tomar fotografías con una resolución de 150 megapíxeles.
Posteriormente, y en un proceso que puede prolongarse por espacio de
varios años, el equipo realiza pruebas sucesivas hasta conseguir una que
a simple vista no puede distinguirse de la original, ni siquiera al
tacto.
La exposición permanecerá en Zaragoza hasta el próximo 28 de septiembre.
Fuente: EFE
ARTE: EL PATRIMONIO DEL DESARROLLO NACIONAL
Tiempo de construir
Desde
mediados del siglo XIX, dentro de un contexto internacional de
acelerada expansión mercantil y de exportaciones industriales, aparecen
los primeros testimonios de ingeniería civil, actividad con crecimiento
exponencial en la primeras décadas del siglo XX, cuando los mejores
profesionales eran convocados a la remota Argentina
La valoración y preservación del patrimonio en la Argentina ha consagrado ya varios "sistemas patrimoniales" en la apreciación del público así como también -aunque de manera menos extensiva- en la protección legal y en la gestión. Entre los "patrimonios" tutelados podemos incluir el acervo precolombino y colonial, una parte de la arquitectura del eclecticismo de fines del siglo XIX y principios del XX, como así también de la arquitectura moderna. Y por supuesto distintas "series" tipológicas como los edificios para teatros o estaciones del ferrocarril, o las estilísticas como el Art Nouveau o el Art Déco. Sin embargo, todo un gran "sistema patrimonal" de la Argentina sigue aún siendo poco conocido y apreciado, y mucho menos consagrado o preservado. Se trata, a grandes rasgos, de las construcciones del campo de la ingeniería erigidas a lo largo y a lo ancho del país, que abarcan áreas tan diversas como la infraestructura, el transporte, la energía y las comunicaciones. Y que han forjado, tanto o más que la arquitectura, el paisaje urbano y rural de todas las provincias.
Buscar las primeras trazas del patrimonio de la ingeniería en la Argentina puede llevar a examinar los más notables trabajos de infraestructura del período precolombino y colonial. Éstos se encuentran en las obras ocultas de irrigación, saneamiento y comunicaciones que hicieron los pueblos originarios y después los jesuitas o los ingenieros militares de la Corona española. La historia continúa con algunos pocos testimonios del período posterior a la Independencia, que quedaron casi todos en proyecto por la escasez de recursos.
Valoración y preservación
Fuente: ADN Cultura La Nación
"ARMO PEQUEÑAS PUESTAS EN ESCENA CON OBJETOS QUE VOY ENCONTRANDO"
 |
Trabajando. Esta es una de las muchas y sugerentes escenas que Liliana Porter compuso para “El hombre con el hacha y otras situaciones breves”, su nueva muestra./FOTOS GERMÁN GARCÍA ADRASTI |
Por Mercedes Pérez Bergliaffa
Minúsculo, el reino de lo diminuto se devela en la obra de Liliana Porter, especialmente en El hombre con el hacha y otras situaciones breves,
la exposición que se acaba de inaugurar en el Museo de Arte
Latinoamericano de Buenos Aires (MALBA). Formada por una instalación
central que lleva ese título, más algunas pequeñas escenas que la
acompañan y un conjunto de dibujos, la muestra se expone en la sala 3
del museo.
Como es típico en la artista desde hace años, utiliza
en la obra central pequeños muñequitos vintage, porcelanas rotas, sillas
descasquetadas, piedras, maderas antiguas, brillantina y pigmentos de
colores, sobre una inmensa tarima: allí Porter propone una catarata de
situaciones múltiples, a primera vista disparatadas pero siempre
poéticas. No, la artista no las piensa previamente: las va armando sobre
la marcha.
Su razonamiento se desarrolla a través de los
objetos, con los que mantiene una relación casi amorosa. “En la
instalación aparecen un montón de temas y objetos que usé en trabajos
anteriores, por ejemplo, en fotos y grabados”, explica la artista. “En
este sentido, es un vocabulario personal que puede ser reconocido.” Al
mismo tiempo, los símbolos que aparecen son muy distintos: la familia
Kennedy, el martillo y la hoz (un martillo de juguete), un Mickey Mouse
de vidrio, un santo venezolano decapitado, el Che… La cabecita de un
viejo Charlie Brown de madera: “Lo encontré en la playa, en los Estados
Unidos”, explica, ciervitos de porcelana, un pollito desplumado y el
ratón Mickey de murano –hecho pedazos–, conviven con soldados nazis
apuntando con escopetas (de unos 3 centímetros), la mujer dorada regando
platos estallados y el auto de los Kennedy en versión “micro”, con
todos adentro.
La escala da ternura: todo lo que es mínimo,
frágil, tiende a despertar instinto de protección. Pero si miramos con
atención, no sabremos bien si las situaciones son ingenuas o plantean
–por detrás– problemas más bien dramáticos, sombríos. “Creo que la cosa
va más por acá”, comenta Porter, “aunque todo depende de cómo lee la
obra el que la ve”. Y muchas veces esos problemas planteados rozan, casi
de manera casual, puntos históricos. En este sentido, Porter es una
provocadora sutil, que construye sugerencias a través de muñequitos y
piedras, por ejemplo.
 |
| En su salsa. Porter, sonriente con su instalación terminada en el Malba. |
Pero en medio de toda esta narrativa –para
nada lineal–, hay un personaje central: ese hombrecito que, con su
hacha, fue destruyéndolo todo: personajes, platos, animales, casitas,
¡hasta un piano! La artista explica que el hombre simboliza el tiempo,
que todo lo destruye, que nada perdona. Pero claro, la lectura no es tan
fácil: la instalación es compleja y tiene varios niveles de
significación. Las diferentes escalas de los objetos crean una cadena de
intrigas. A través de cualquiera de ellas es posible entrar en la obra:
son sus puertas. Si pensamos que el alfabeto Porter está compuesto por
objetos chiquitos, entonces su lengua es el espacio, sobre todo el
espacio blanco. Y esta es otra de sus característica: dejar mucho
“aire”, mucho plano blanco. Ella lo llama “silencios”: “Armo pequeñas
puestas en escena con objetos que voy encontrando”, dice. “No elijo
cualquier cosa en los mercados de pulgas y en las casas de antigüedades
donde busco, me fijo cuidadosamente.
Pueden verse muchos objetos
pertenecientes a la memoria colectiva. De eso estamos hechos: de
memorias y vivencias”. Y reflexiona: “Creo que todas las imágenes que
aparecen son, de algún modo, parte de mi experiencia. Tienen que ver con
la construcción de mi propio mundo”. Y su mundo es detallado, sutil,
ingenioso: el mundo de una enamorada de lo mínimo.
Fuente: clarin.com
Fuente: clarin.com
CÓMO NACE UNA OBRA DE ARTE
En busca de las musas
¿Dónde
se encuentra la inspiración? ¿Y qué se hace con ella cuando aparece?
Ocho artistas argentinos de distintas disciplinas explican sus procesos
creativos desde el momento en que conciben una idea hasta que el trabajo
queda terminado
Por Celina Chatruc / LA NACIÓN
Como no le gusta leer y no toma alcohol ni pastillas para dormir, cuando viaja en avión Marcos López pinta con acuarelas. De esos pequeños dibujos han surgido grandes ideas para sus obras. Graciela Taquini encuentra inspiración en la cama, minutos antes de dormirse. Nushi Muntaabski, sentada en un banquito, en medio del bosque, mientras escribe en su iPad. Carlos Herrera sale a caminar por la ciudad, observa a la gente y compra objetos de todo tipo; luego se recluye en su taller del campo, donde los une y les da sentido.
Cada artista recorre su propio camino para llegar a una
obra. Aunque todos se encuentran en algún punto, según quienes han
estudiado cómo funciona el proceso creativo (ver columna). Estar
tranquilos y atentos a la intuición, suspender por un rato el censor y
liberar al niño interno, coinciden, son algunas de las condiciones
principales para escuchar a las musas, que sólo parecen hablar en
susurros.Como no le gusta leer y no toma alcohol ni pastillas para dormir, cuando viaja en avión Marcos López pinta con acuarelas. De esos pequeños dibujos han surgido grandes ideas para sus obras. Graciela Taquini encuentra inspiración en la cama, minutos antes de dormirse. Nushi Muntaabski, sentada en un banquito, en medio del bosque, mientras escribe en su iPad. Carlos Herrera sale a caminar por la ciudad, observa a la gente y compra objetos de todo tipo; luego se recluye en su taller del campo, donde los une y les da sentido.
En esta nota, ocho artistas cuentan cuáles son sus estrategias para "atrapar los peces más grandes", como diría el cineasta David Lynch. Porque, en palabras de Picasso, "la inspiración existe, pero tiene que encontrarte trabajando". En sus concurridos talleres de guión, el dramaturgo Mauricio Kartun cuenta que él siempre tiene una libreta a mano y lleva un grabador cuando sale a correr, porque las ideas que se van no suelen volver.
Estos métodos no sólo son útiles para los artistas, sino también para mejorar la creatividad en la vida cotidiana. Por eso hoy muchas empresas ofrecen a sus empleados espacios de juego y meditación. El propio Steve Jobs, un hombre que cambió la historia con sus inventos tecnológicos, reconoció que gran parte de sus creaciones se basaron en una lección que aprendió de su padre mientras pintaban juntos un cerco de madera: "Le encantaba hacer bien las cosas -dice Jobs en la biografía escrita por Walter Isaacson-. Se preocupaba incluso por las partes que no se podían ver".
"La creatividad puede resolver casi cualquier problema", asegura el famoso publicista George Lois, que habría inspirado al personaje de Don Draper en la serie Mad Men, en su libro Damn Good Advice for People with Talent ("Buenos malditos consejos para gente con talento"). Dos de estos consejos son: leer los principales diarios todos los días y visitar los museos todos los fines de semana. "Continuamente tenés que alimentar la bestia interior, que echa chispas e inspira -opina Lois-. El ADN del talento está guardado en los grandes museos del mundo, que custodian las epifanías. Estas epifanías entran en el sistema nervioso y en los profundos recovecos de la mente.".
Mondongo
Perder prejuicios
El grupo integrado por Juliana Laffitte y Manuel Mendanha defiende el trabajo en equipo"Crear algo es algo amistoso -sostiene Mendanha-. No solamente con los amigos vivos y con la gente que uno decide trabajar, sino también con el pasado. Formamos parte de una especie y los logros previos también nos pueden servir. Es un diálogo constante. El hecho de ser muchos nos permitió perder los prejuicios de la propiedad intelectual y de la autoría única de la obra. Del ego."
Si bien se consideran pintores, los integrantes de Mondongo se hicieron conocidos a nivel internacional por expandir los límites de la pintura al explorar con materiales poco habituales: desde pan y cigarrillos hasta chicles y carne disecada. Incluso se atrevieron a retratar a la realeza española con espejitos de colores.
El Museo de Arte Moderno de Buenos Aires expone hasta el domingo su producción reciente. Allí están el esternón, los retratos con hilo al estilo impresionista, las cajas de luz con superficies tridimensionales y la obra que se llevó todos los aplausos: una enorme instalación realizada en plastilina, que recrea con relieve un paisaje de Entre Ríos y demandó cuatro años de trabajo.
Son 15 paneles que crecieron sin fecha límite ni destino cierto, en paralelo a doce calaveras también creadas en plastilina. Este material probó ser muy flexible: puede funcionar como pintura -derretido y trabajado con espátula-, moldearse para dar vida a las pequeñas piezas de una obra más grande o ganar tres dimensiones hasta convertirse en escultura, sobre distintos soportes.
Ellos mismos encargan siete colores básicos, que Alba fabrica con pigmentos de óleo y les envía por toneladas. Luego los mezclan a mano e improvisan formas en torno de un tema. Junto con tres asistentes, sobre bocetos desarrollados en la computadora, a pocos pasos del Jardín Botánico trabajan ocho horas por día con música de fondo, casi sin hablar. Las series llegan a su fin cuando se aburren, cuando ya no sienten que algo es "auténtico".
lecturas recomendadas
- El camino del artista. Julia Cameron (Troquel)
- Free Play. Stephen Nachmanovitch (Paidós)
- Atrapa el pez dorado. David Lynch (Mondadori)
- Ágilmente. Estanislao Bachrach (Sudamericana)
- El cuaderno de Bento. John Berger (Alfaguara)
- Sobre el dibujo. John Berger (Gustavo Gili)
- Damn Good Advice. George Lois (Phaidon)
- Steve Jobs. Walter Isaacson (Debolsillo)
- Zen en el arte del tiro con arco. E. Herrigel (Kier)
- Cartas a Theo. Vincent Van Gogh (Adriana Hidalgo)
Marcos López
Liberar al niño interior
Más
conocido por su carrera como fotógrafo, este artista logró ampliar sus
propios límites mediante la transgresión y la improvisación constantes;
considera fundamental jugar y vencer el miedo.
Tanto se aburrió Marcos López de este mecanismo de trabajo que se dejó guiar por su intuición y tomó el camino de la desmesura. Su última muestra, que ocupó en marzo la Sala Cronopios del Centro Cultural Recoleta, mostró la otra cara del fotógrafo: instalaciones, pinturas y las acuarelas que realiza en aviones y hoteles durante sus viajes.
Sentado en la casita de madera que luego ofrecería al mejor postor en Internet y más tarde exhibiría en arteBA, López confesó su "necesidad compulsiva" de improvisar en forma constante y su dificultad para ponerle a la obra un punto final. Eso hizo que demorara cuatro años en terminar la película sobre Ramón Ayala que presentó este año en el Bafici, y que sembrara el pánico en el Recoleta cuando se llevó a su taller de Constitución una obra sin avisar, una vez que ya había montado la muestra.
Lo mismo le pasa en Facebook, herramienta que usa para compartir -"sin corregir, sin red"- sus ideas casi siempre polémicas. "Hay un punto clave en el proceso creativo -opina- que es tratar de transgredir: a los maestros, a las instituciones, al establishment. Es fundamental en este ejercicio vencer el temor y liberar a ese niño interior para el juego."
Claro que el censor no tarda en llegar, y a veces se levanta de la cama a las cuatro de la mañana para borrar lo que publicó en Facebook. "En un momento hay que correrse -explica- en un movimiento disléxico, bipolar, y ser un adulto responsable, consecuente y lúcido, consciente de una realidad sociopolítica, socioeconómica. Y entonces, señores, no somos tan niños traviesos."
A López le cuesta "estar sin hacer nada" y sus fuentes de inspiración son múltiples: admira tanto a Pina Bausch, Antonio Berni y Wim Wenders como a las tejedoras de ñandutí o a los cantantes de vallenato colombiano. "Ojalá pueda aprender a meditar, porque creo que es muy importante intentar conectar con otras zonas", dice este artista que considera "muy curativo" guiarse por las ganas y que define el proceso creativo como algo "chamánico" que "te conecta con tus muertos".
"Cuando hicimos el montaje de esta muestra -observa-, en un momento de esa sincronía de trabajo hubo estados de lucidez colectiva. Y creo que cada uno de los veinte que estábamos involucrados nos llevamos algo a nuestras vidas.".
Graciela Taquini
Vincularse
Esta pionera del videoarte trabaja junto con las nuevas generaciones y encara su propia vida como una obra
Mientras supervisa en la galería Pasaje 17 el montaje de una de las tantas muestras que ha curado -a las que considera obras en sí mismas, cuando no son por encargo y con temas impuestos-, Taquini aclara que no necesita un taller. "No soy pintora ni escultora, sino artista conceptual -observa-. Trabajo con equipos que varían en función de proyectos específicos y estímulos externos. Mi creatividad no es efervescente ni fluida, sino bastante esporádica. Pero una vez que surge, es como un volcán." Como demostró en Grata con otros, la exposición antológica que ocupó en 2011 la Sala Cronopios del Centro Cultural Recoleta, esa energía se expande gracias a la sinergia que logra con las nuevas generaciones. "Toda mi vida es una obra -dice- que tiene que ver con los links, con los vínculos."
Esta pionera del videoarte, docente desde hace casi tres décadas y reconocida en 2012 con el Konex de Platino, que acaba de ser incorporada a la Academia Nacional de Bellas Artes, admite tener "buen ojo" para descubrir nuevos talentos. Aunque también confiesa que tardó en verse a sí misma como artista. Tras recibirse de licenciada en Historia del Arte, en 1971, partió hacia Barcelona para estudiar arte medieval. Recién en 1988 empezó a producir obras en video, y a partir del año 2000 amplió su potencial con el acceso a los nuevos medios. Ya estaba por cumplir sesenta años. "Vista en perspectiva, veo que mi obra tiene ejes recurrentes, como la ironía y el humor, que van apareciendo como agentes de disolución de cierta solemnidad, como experiencia de escucha. Son años de psicoanálisis.".
Eduardo Stupía
Concentrarse
El pintor necesita el silencio para abordar su proceso creativo como si se tratara de sesiones de free jazz
De
Orson Welles a Pablo Picasso, pasando por Roland Barthes y la Nueva
Enciclopedia de Labores Femeninas, la biblioteca de Eduardo Stupía, en
esta enorme casa de Almagro que perteneció a la familia de Leopoldo
Torres Agüero, parece no tener límites. Los libros de un artista que por
azar no logró anotarse en la carrera de Letras se cuelan incluso en sus
obras, trabajadas en técnica mixta y sin imágenes definidas.
Ese aparente caos se sostiene sobre un delicado
equilibrio. Un punto medio que demanda concentración total, a tal punto
que Stupía no puede escuchar música mientras trabaja. "Necesito el
silencio, escuchar solamente", explica.Tal vez por haber sido músico, este hombre que cada año es éxito de ventas en arteBA y que meses atrás expuso en Londres y en Art Basel Hong Kong encara su proceso creativo como si se tratara de sesiones de free jazz. Sin preparativos, rutinas ni horarios fijos, llega al taller y abre las ventanas que dan a la avenida Medrano, para dejar entrar "esas energías que solés intentar dejar afuera".
A los diez minutos comienza a dibujar, con el primer material que encuentra. Entonces siente que algo empieza a moverse. Y lo deja fluir hasta ubicarse "en el medio de la corriente", cada vez más profundo, sin destino cierto. "Ahí entran a tallar cosas como la conciencia, el oficio, la atención, la racionalidad y las emociones -observa-. Empiezo por cualquier lado, sigo por donde sopla el viento y termino donde sea."
En medio de esa "lógica desquiciada", Stupía procura construir las ganas y tomar distancia tanto de sus emociones como de las obras, algo que logra al abordar varias a la vez. Lo hace mientras lee cinco o seis libros en forma simultánea, escribe algún prólogo o reseña, da clases o hace curadurías, como las de La Línea Piensa junto con Luis Felipe Noé. Totalmente adaptado a la diversificación de roles del mundo contemporáneo, admira sin embargo a los pintores de otras épocas, como Matisse y Rodin. Artistas que, según él, vivían "más concentrados"..
Nushi Muntaabski
Desconectar
Artista versátil, encuentra inspiración en la lectura, la escritura y el contacto con la naturaleza
En
una caja abandonada en un sótano, Nushi Muntaabski descubrió algo que
le cambió la vida. Las venecitas verdes, blancas y celestes que encontró
en esa casa donde vivió en San Pablo, en 1995, marcaron un antes y un
después en su carrera. "Fue amor a primera vista", recuerda hoy, sentada
en la galería de su quinta de Ingeniero Maschwitz.
Hija de intelectuales con gran apertura mental, había
llegado a Brasil después de trabajar durante casi dos décadas como
maquilladora publicitaria. De regreso en Buenos Aires, su atención se
concentró en los pequeños mosaicos de vidrios de colores. Con ese
material creó junto con Cristina Schiavi la plaza seca que rinde
homenaje a Burle-Marx en la explanada de Malba y la serie Taxidermia,
con la que ganó el premio Fundación Klemm 2010. Esta última obra, que
aborda el tema de los cazadores y los animales en extinción, nació de
una novela escrita por ella misma.La lectura, la escritura y la naturaleza son piezas fundamentales en los múltiples proyectos de Muntaabski, que abarcan desde revestimientos de baños, piletas y cocinas hasta edición -dirigió la revista de arte Canecalón- y dirección de obras site-specific en espacios públicos, como una rotonda en Miami inspirada en Pettoruti.
Por las noches, la autora de La novia de Duchamp (Emecé, 2012) desconecta el celular, se rocía con repelente de mosquitos y se interna con un banquito de madera en el bosque que rodea su inmenso jardín. Apenas iluminada con la luz del iPad, escribe ficciones y prepara sus columnas de arte para Tarde Negra, el programa de Elizabeth Vernaci en la Rock & Pop. Mientras escucha música, se deja llevar.
"Creo que un artista tiene que buscar a alguien con quien poder construir una obra nueva, y hoy mi principal interlocutor es la naturaleza. Es sabia; me da confianza el consejo que me da", confiesa esta mujer que no mira televisión y dice haber aprendido a calmar su ego y a observar a la gente. Su próxima novela tratará sobre la sordera: "Cada uno escucha lo que quiere escuchar -dice-. Y eso también tiene que ver con el proceso creativo.".
Carlos Herrera
Transformar
Talentoso rosarino, aprovecha sus viajes a Buenos Aires para comprar objetos que convierte en instalaciones
Primero
sintieron el olor nauseabundo. Después vieron las moscas que entraban y
salían por la cerradura. Llamaron a la casa de Carlos Herrera, que no
usaba teléfono celular, pero nadie contestaba. Pensaron lo peor. Los
vecinos del artista rosarino tiraron la puerta abajo y encontraron...
una bolsa de calamares podridos.
Era el año 2006 y Herrera había estado trabajando en
uno de sus videos con material efímero, como el de las salchichas
bailarinas con el que ganaría al año siguiente el Primer Premio Cultural
Chandon. Aunque la muerte ya estaba presente en esa obra -las
salchichas "morían" acuchilladas-, cobró mayor protagonismo después de
2009, luego de que falleciera su madre.La crisis llegó cuando él se encontraba en uno de los mejores momentos de su carrera. A los 32 años, venía de dirigir el Museo Castagnino+macro, estaba por inaugurar una muestra en la galería porteña Zavaleta Lab y había sido seleccionado para la Beca Kuitca en la Universidad Torcuato Di Tella. En ese espacio elaboró su duelo. Uno de los proyectos que nacieron entonces, Autorretrato sobre mi muerte, ganó el premio arteBA-Petrobras de Artes Visuales 2011: consistía en una bolsa de nailon que contenía sus objetos preferidos y dos calamares en descomposición. Otros se convirtieron en las instalaciones que presentó este año en Ruth Benzacar.
"Generalmente muestro una obra después de casi dos años de haberla hecho", dice mientras sirve té verde en su PH de Villa Urquiza, igual de despojado pero más chico que su taller-casa en las afueras de Rosario. Allí procesa lo que suele recolectar en la ciudad.
En Buenos Aires sale a caminar, observa a las personas que duermen en la calle, entra en bazares y compra cosas. Muchas. Banquitos de madera, escaleras, pelucas o narices de payaso que va guardando, como en un archivo. Ya en el taller, mientras escucha música, se produce la alquimia: "Ahí ocurre algo con el color, la forma y la composición: como si algo empezara a unir los materiales".
Nicola Costantino
¿Por qué no?
Nada parece imposible para la mujer que este año representa al país en la Bienal de Venecia
Veinte años exactos antes de presentar sus instalaciones sobre Evita en la 55ª Bienal de Venecia, Nicola Costantino inauguraba su primera muestra. El 29 de mayo de 1993, esa joven de ojos grandes impactaba en Rosario con lo que sería su marca registrada: una performance con animales asados, rodeados por otros que colgaban del techo, momificados.
A tal punto desarrolló el oficio que puede imaginar las obras ya terminadas. Las ideas más interesantes aparecen por la noche, frente a la computadora. Después, sólo resta explicarles a sus asistentes cómo desarrollarlas, supervisarlas y dejar que den vida a las siguientes.
"Cada proyecto dura dos años, en promedio, y siempre salgo de un trabajo pensando en cómo continuarlo", aclara. A la primera muestra, Cochon sur canapé, siguieron la peletería con pezones y orificios anales, los "chanchos bola", los animales nonatos, las máquinas, el polémico jabón realizado con su propia grasa, las fotografías, su monstruoso doble y los videos.
Cuando llegó a los soportes digitales se vio obligada a compartir el proceso creativo con expertos en el tema, como el fotógrafo Gabriel Valansi. Y si le explicaban que no era posible concretar alguna idea, ella forzaba los límites con una simple pregunta: "¿Por qué no?"
Como si esto fuera poco, Costantino también realizó performances que sumaron su habilidad en la cocina. E incluso integró en la obra "lo más inspirador y enriquecedor": su hijo, Aquiles..
Opinión
Tranquilidad e incertidumbre
Por Estanislao Bachrach / Para LA NACIÓN
El
cerebro humano es un sistema que puede procesar información de manera
extraordinaria. Realiza trillones de cálculos por segundo. Sin embargo,
la mayoría de los problemas que enfrentamos son mucho más complicados
que una simple multiplicación. No son lineales y no tienen una respuesta
fácil o lógica. Nuestros recursos conscientes para resolverlos no nos
sirven.
Luego de trabajar durante años sobre temas de
creatividad e innovación en organizaciones, cuando le pregunto a la
gente cómo resuelven problemas complejos la respuesta es similar: nadie
lo hace de manera totalmente consciente sino cuando están en el auto, en
el subte, antes de dormirse, en la ducha, durante un viaje, cuando
realizan una actividad física o algo que disfrutan, como cocinar,
pintar, trabajar en el jardín, etcétera.Hay mucho conocimiento científico sobre cómo incrementar esas revelaciones. Y si bien parece que es poco probable controlar cuándo queremos que ocurran, sí podemos estimular la probabilidad de que aparezcan en forma más frecuente, poniendo el cerebro en un estado que incremente esas chances. Esto es lo que hacen todos los días las personas muy creativas.
Una revelación es un recuerdo lejano o una combinación de recuerdos que involucran unas pocas neuronas. Y así como es difícil escuchar el sonido de tu celular en medio de una fiesta, también lo es notar señales con menor energía cerebral. Las revelaciones necesitan una mente tranquila porque ellas son tranquilas.
Nuestra atención cambia todo el tiempo entre focalizar en algo externo -por ejemplo, esta nota- o en algo interno, como una imagen que aparece en tu mente. Las revelaciones aparecen cuando no focalizamos externamente en el problema. Es decir, cuando "apagamos el mundo exterior" y nos sentimos lo suficientemente seguros para reflexionar en los pensamientos más profundos, sin preocuparnos por lo que nos rodea en ese momento.
También estar contentos, curiosos e interesados en algo estimula más la aparición de revelaciones que cuando predomina el estado de ansiedad que produce una "visión de túnel", en el que dejamos de notar mucha de la información que nos rodea.
Por último, para tener más revelaciones hay que dejar de tratar de resolver el problema. Muchas veces, las soluciones aparecen cuando estamos en un impasse. Cuanto más insistimos en la misma mala solución, menos nuevas ideas aparecen. Esto requiere algo contraintuitivo: olvidar el problema para dejar que aparezca la solución. La incertidumbre es parte del proceso..
Fuente. ADN Cultura La Nación
Suscribirse a:
Entradas (Atom)