La ciudad lombarda vuelve a marcar
tendencia con otra edición del Salón del Mueble, sólo para recordarle al
mundo su reconocida elegancia y estilo
MILÁN.-
Entre las ilustres ciudades italianas, gloriosas por su historia
milenaria, sus palacios, sus iglesias solemnes, su cultura, su belleza,
Milán es la que más sufrió estéticamente los bombardeos durante la
Segunda Guerra Mundial. Y al no haber conservado tantos monumentos y
palacios históricos, como Roma, Florencia o Venecia, la capital de la
región de Lombardía parece haberse concentrado más en destacarse como
centro de la moda, del diseño, de los negocios.
Uno de los momentos en el calendario más adecuados para
apreciar esa personalidad es durante los días del Salón del Mueble, que
este año se hará entre el 9 y 14 de abril. Se trata de la feria de
diseño y decoración con mayor relevancia a nivel internacional, y tiene
sede en la Fiera Milano de Rho, un barrio afuera del centro histórico,
pero de fácil acceso con la línea roja del subte.
Durante esa semana dinámica y emprendedora, Milán (la
segunda ciudad italiana por población) se transforma en una gran
celebración creativa, con una completa programación de eventos y
exhibiciones de la mañana a la noche, por toda la ciudad. Para los
aficionados al diseño, el Salón del Mueble es una valiosa oportunidad
para conocer las últimas (y las próximas) tendencias. El mundo que vamos
a habitar es el título de esta edición de la feria, especialmente
orientada al futuro. "Es importante saber renovarse", explica a la
nacion el presidente del salón, Claudio Luti, que este año prevé 300.000
visitantes de 160 países y 2500 expositores.
En esas jornadas, el diseño se ve por toda la ciudad,
no sólo en el predio de la feria, en particular en las zonas centrales
como Brera, la Triennale, los quiostros de la Biblioteca Umanitaria, la
Universidad Católica, Via Tortona y Ventura-Lambrate, donde se genera un
marketing de barrio en que hoteles, locales, tiendas, agencias de
comunicación, espacios culturales, concurren para promover y organizar
eventos abiertos al público todo el tiempo. Para estar al tanto de todas
las actividades, Fuorisalone, organización que promueve los eventos que
acompañan la feria, distribuye una guía que también se puede ver y
bajar en la página Web (www.fuorisalone.it
2013). En el programa habrá un toque de argentinidad:
las alpargatas Paez tendrán su evento el 12 y 13 de abril en el Swami
Cafè (Viale Montenero 12), a las 20, brindando con un trago típico
argentino, gratuito sólo para quien lleve puestas las alpargatas.
Mucho para mirar, dentro y fuera de las vidrieras.
La
moda es otro elemento fundamental en esta ciudad y también del Salón
del Mueble. No se puede pasar por Milán sin aventurarse por las
vidrieras de las grandes marcas de la moda italiana. Durante la feria,
el llamado cuadrilátero de la moda, que recorre cuatro calles
emblemáticas (Via Montenapoleone, Via Gesù, Via della Spiga e Via
Sant'Andrea), se pone aún más interesante ya que las tiendas de lujo se
suman al evento con instalaciones y eventos especiales. Algunas marcas
incluso aprovechan para presentar sus propias home collections. Mientras
tanto, tiendas como Gió Moretti (en Via della Spiga) y Banner (Via
Sant'Andrea) ofrecen una buena selección de diseñadores de ropa
emergentes.
A pocos metros del cuadrilátero arranca Corso Vittorio
Emanuele, calle peatonal que entre tiendas y bares lleva hasta Piazza
del Duomo, símbolo de Milán por excelencia. La basílica amerita una
visita, así como la subida a la cima del Duomo. En frente, la Galleria
Vittorio Emanuele es otro lugar donde mirar vidrieras y tomar el famoso
Spritz (clásico trago italiano) en el histórico bar il Camparino, donde
paraban los compositores Verdi y Toscanini, a la vuelta del Teatro alla
Scala, que durante la semana del salón presenta imperdibles conciertos
de su Orquestra Filarmónica.
El centro de Milán se recorre fácilmente a pie en un
solo día. Caminarlo se transformó en una experiencia más placentera
desde el año último, cuando el proyecto Area C limitó drásticamente el
tránsito de automóviles por el centro, generando al principio reacciones
adversas entre los vecinos, pero produciendo finalmente un gran
beneficio para la ciudad. Esto fue posible gracias a un transporte
público impecable y un eficiente sistema de alquiler de bicicletas
(www.bikemi.com), buena alternativa a los taxis dispendiosos. ¡Siempre
que no nieve ni llueva! La llegada de la primavera, cuando la lluvia y
el frío dejan lugar a los días cálidos y soleados, es el mejor momento
para pasear por las encantadoras calles de Milán.
La Vittorio Emanuele II, uno de los símbolos de la ciudad, inaugurada en 1877.. Foto: Corbis
para sibaritas, del panettone al... sushi
La oferta gastronómica en Milán es variadísima. Al Mercato ( www.al-mercato.it
), hamburguesería y restaurante al mismo tiempo, es el lugar de moda
del momento, donde van todos los jóvenes jet-setters que se deleitan con
los exquisitos platos de Beniamino y Eugenio, dos chefs-propietarios
apasionados por la alta cocina.
Erba Brusca ( www.erbabrusca.it
), en la zona Navigli, con su jardín y su huerta ciudadana, es el lugar
perfecto para pasar días soleados, con un brunch dominical, cuando
Alice, creativa chef, dueña del restaurante, sorprende con platos
inolvidables. Se puede llegar en bici, por una larga pero muy linda
senda que costea el Naviglio.
Otro restaurante interesante es Enocratia ( enocratia.wordpress.com ). Su chef, Eugenio Boer, sugiere combinaciones de vino y comidas que parten desde el vino y no al revés.
Recorriendo Corso Vittorio Emanuele, el séptimo piso de
la Rinascente es una experiencia culinaria total y muy sofisticada,
tanto para comprar delicias gastronómicas de packaging muy elegante como
para comer desde platos tradicionales hasta sushi.
Lo mismo pasa en Eataly en la planta baja del
Excelsior, el enorme concept store con bar para una comida rápida, un
rincón con los macarrones de la francesa Ladurée y un supermercado que
quiere competir con Harrod's de Londres, tanto en calidad como en
precios.
Para el desayuno, la cafetería Pavé (www.pavemilano.com ) es todo un aprendizaje ya que el laboratorio de cocina está a la vista, como parte del local.
En las históricas y riquísimas confiterías St. Ambroeus ( wwwsantambroeusmilano.it ) y Biffi ( www.biffipasticceria.it
), conocida por el panettone (pan dulce) original milanés, sirven
saladitos calientes con servilletas de lino que perfuman de almidón. Una
inigualable manera de terminar el día.
Tour de colección por los museos
Durante
la semana del Salón del Mueble, la entrada a los museos de Milán es
gratuita. Entre los que vale la pena visitar se cuenta uno de los más
nuevos, Il Cantiere del 900, en el palacio Beltrami, que alguna vez fue
sede del Banco Comercial italiano, al cruzar la galería Vittorio
Emanuele, sobre Piazza della Scala. Allí se encuentran interesantes
obras del 900, ya que este museo forma parte del magnífico Museo
Gallerie d'Italia (www.gallerieditalia.com), instalado en cuatro
edificios históricos proyectados entre 1700 y 1900, con una rica
colección de obras de artistas entre 1800 y 1900, como Hayez, Segantini,
Boccioni, entre otros.
Otra visita recomendable es la del histórico Museo Poldi Pezzoli ( www.museopoldipezzoli.it
), una de las más importantes casa-museo en Europa, que fue la
residencia aristocrática del noble Gian Giacomo Poldi Pezzoli
(1822-1879) y mantiene una de las más sofisticadas colecciones del siglo
XIX, entre que se encuentran pinturas italianas del Renacimento.
El Museo del Novecento, en la Piazza del Duomo, es una
verdadera reseña de los mejores artistas del 900, instalada en tres
pisos a través de un recorrido circular que termina en un último piso
desde el cual se puede gozar de una vista de la catedral inolvidable y
comer un riquísimo pescado en Giacomo all'Arengario
(www.giacomoarengario.com), uno de los restaurantes más exclusivos de la
ciudad.
A dos pasos de allí, en los museos del Palazzo Reale,
la muestra sobre Modigliani también merece ser vista. Y a pocos minutos
se encuentran el Palazzo Morando (Via Sant'Andrea 6), la Galleria d'Arte
Moderna (Via Palestro 16) y el Museo del Risorgimento (Via Borgonuovo
23).
Datos útiles
Dónde dormir
Bulgari Hotel, habitaciones desde 500 euros, Via Fratelli Gabba 7. Tel.: 0039028058051, www.bulgarihotels.com
Straf, desde 240 euros, Via San Raffaele 1. Tel.: 00390291483202, www.straf.it
Palazzo Segreti, desde 250 euros, Via San Tomaso 8. Tel.: 0039 02 4952 9250 www.palazzosegreti.com Hotel Spadari al Duomo, desde 210 euros, Via Spadari 11. Tel.: 0039 02 7200 2371www.spadarihotel.com
Biocity Hotel, desde 79 Euros, Via Edolo 18. Tel.: 0039 02 66703595, www.biocityhotel.net
Fotografía
facilitada por La colección Bayer de la obra "Bodegón con campanilla
delante de una máscara", de Karl Schmidt-Rottluff, que forma parte de la
muestra "De Beckmann a Warhol". EFE
Berlín, 26 - Obras de artistas de la talla de
Pablo Picasso, Joan Miró y Andy Warhol están entre lo más destacado de
la colección corporativa del gigante farmacéutico Bayer, que ha abierto
al público por primera vez su "tesoro oculto".
La muestra, llamada "De Beckmann a Warhol", reúne una selección
"pequeña pero representativa" de los fondos de la compañía, con 240
trabajos de 89 artistas, explicó hoy en una entrevista a Efe el director
del museo Martin-Gropius-Bau de Berlín, Gereon Sievernich.
"Estamos encantados de mostrar un tesoro oculto. La razón es tan
simple como obvia: a diferencia de otras colecciones corporativas, la de
Bayer no es accesible al público y nunca se había realizado una
retrospectiva general", aseguró.
"La exhibición muestra una mirada general de aproximadamente 100 años
de historia del arte", afirmó Sievernich, que explicó que la muestra se
divide en cuatro áreas histórico-artísticas: expresionismo alemán,
"Escuela de París", arte informal y de postguerra, y artistas
contemporáneos.
El expresionismo alemán está representado con trabajos de Max
Beckmann, Ernst Ludwing Kirchner, Emil Nolde, Max Pechstein y Karl
Schmidt-Rottluff.
El modernismo de la "Escuela de París", por su parte, que abarca toda
la escena artística de la capital francesa de comienzos del siglo XX,
está presente a través de los trabajos de los artistas George Braque,
Marc Chagall, Joan Miró y Pablo Picasso.
Fotografía facilitada por La
colección Bayer de la obra "Figura", de Pablo Picasso, que forma parte
de la muestra "De Beckmann a Warhol". EFE
A la vez, representando el arte informal y de la postguerra, se encuentran las obras de Ernst Wilhelm Nay.
El cuarto área, dedicada al arte producido entre 1970 y la
actualidad, cuenta con creaciones de artistas de la costa oeste
estadounidense, como David Hockney, Sam Francis y Ed Ruscha.
Sievernich subrayó además la inclusión en la muestra varias obras de
las fotógrafas yugoslavas Marina Abramovic y Ulvi Ulay en "gran formato
polaroid".
Parte de una de las colecciones de arte corporativas más antiguas en
Alemania, la exposición se ha organizado con motivo del aniversario
número 150 del gigante Bayer.
El origen de la colección está relacionado con Carl Duisberg,
director ejecutivo de Bayer entre 1912 y 1925, al que posteriormente
emularon otros directivos de la compañía, centrándose en obras no
demasiado caras que les gustaron.
La idea inicial no era comprar arte como inversión, sino poner los
piezas de arte a disposición de los empleados de la compañía, como parte
mobiliario de las oficinas.
La colección Bayer, creada a comienzos del siglo XX, cuenta en la
actualidad con unos 2.000 trabajos artísticos y es considerada como el
"who's is who" de los siglos XX y XXI, señaló el museo
Martin-Gropius-Bau en un comunicado de prensa.
Si bien existen algunas "vacíos" en la colección, "están siendo
cerradas paso a paso y actividades de recolección han sido destinadas a
mejorar las piezas existentes y dar nuevos enfoques", destacó la
publicación.
La muestra abrió sus puertas al público el 22 de marzo y podrá verse hasta el próximo 9 de junio. Fuente: EFE
Se cumple hoy el 160° aniversario del nacimiento del pintor holandés
Vincent Van Gogh, que revolucionó la historia de las artes plásticas.
Autor de obras emblemáticas como “El dormitorio” y “La noche
estrellada”, además de varios célebres autorretratos, el artista
plástico narró su experiencia en las cartas que intercambiaba con su
hermano Theo, hasta su suicidio a los 37 años. Actualmente en Chile se
expone una innovadora muestra audiovisual sobre su vida y obra, entre
otras alrededor del mundo.
Autorretrato, 1887
Vincent Willem van Gogh, nació en Zundert, Países Bajos, 30 de marzo de 1853 y murió en Auvers-sur-Oise, Francia, 29 de julio de 1890) fue un pintor neerlandés, uno de los principales exponentes del postimpresionismo. Pintó 900 cuadros (de ellos 27 autorretratos y 148 acuarelas) e hizo 1.600 dibujos. La figura central en su vida fue su hermano menor Theo,quien continua y desinteresadamente le prestó apoyo financiero.
La gran amistad entre ellos está documentada en las numerosas cartas que se intercambiaron desde agosto de 1872. Para Theo fueron unas 650 de sus 800 cartas conservadas; las otras son correspondencia con amigos y familiares.
A pesar que desde muy joven tuvo inclinación hacia el dibujo, su primer trabajo fue en una galería de arte.
Más tarde se convirtió en pastor y en 1879, a la edad de 26 años, se marchó como misionero a una región minera de Bélgica, donde comenzó a dibujar a la gente de la comunidad local. En 1885 pintó su primera gran obra Los comedores de papas,en ese momento su paleta se componía de tonos sombríos de tierra. La luz de colores vivos por la que es conocido surgió en obras posteriores,cuando se trasladó al sur de Francia consiguiendo su plenitud durante su estancia en Arles en 1888.
La calidad de su obra sólo fue reconocida después de su muerte considerándose uno de los grandes maestros de la pintura. Tuvo una gran influencia en el arte del siglo XX, especialmente entre los expresionistas alemanes y los fauvistas como Derain, Vlaminck y Kees Van Dongen.
Sufrió frecuentes brotes de una enfermedad mental a lo largo de su vida, que le llevó a producirse una herida de bala que acabó con su vida a la edad de 37 años.
A pesar de que existe una tendencia general a especular que su enfermedad mental influyese en su pintura, el crítico de arte Robert Hughes cree que las obras del artista están ejecutadas con un completo control.
Una mujer pasa junto a la obra
Mao (1972) del artista estadounidense Andy Warhol en una exposición en
el Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires (MALBA). EFE/Archivo
Pekín, 26 - Una exposición del artista Andy
Warhol actualmente de gira por ciudades asiáticas no podrá mostrar sus
célebres retratos de Mao durante sus escalas en Pekín y Shanghái por
problemas de censura, informaron fuentes del Museo Warhol, que organiza
la exhibición.
En un comunicado de su director, Eric Shiner, el museo, con sede en
Pittsburgh (EEUU) admite que tenía esperanzas en poder exponer ocho de
estos retratos, realizados en 1972, pero que "comprende que ciertas
imágenes no pueden mostrarse aún en China".
Las autoridades chinas no han confirmado este veto, que además choca
en un país donde Mao y toda la imaginería de la Revolución Cultural son
ampliamente utilizadas por los artistas chinos, muchas veces con los
mismos fines irónicos y "pop" que llevaron a Warhol a retratar al "Gran
Timonel" en vivos colores.
Además, en 2006 una de las muchas variaciones del Mao de Warhol ya
fue mostrada en Pekín, en una Exposición Internacional de Galerías, de
la mano del galerista español Carlos Bergantinos.
El museo Rodin de París decidió
asociarse con un experto en arte, especializado en Auguste Rodin, para
realizar una búsqueda de testigos que permita autentificar una
estatuilla realizada en plata y sin firma, que podría ser obra del gran
escultor francés.
Por Patrick Kovarik
El museo Rodin de París decidió asociarse con un
experto en arte, especializado en Auguste Rodin, para realizar una
búsqueda de testigos que permita autentificar una estatuilla realizada
en plata y sin firma, que podría ser obra del gran escultor francés.
En 2011, el experto Gilles Perrault presentó 25 años de meticulosas
investigaciones sobre la estatuilla que, según él, es una "escultura
expiatoria de un aborto" de Camille Claudel que fue la alumna y la
amante de Rodin. En aquel momento, el museo Rodin, guardián de la obra
del escultor, se declaró "muy escéptico" sobre este trabajo y rechazó
participar en la presentación.
La nueva dirección del museo suscribe el trabajo del experto pero
"desea encontrar a los diferentes propietarios de la estatuilla para
llegar hasta la fuente", precisó a la AFP uno de sus portavoces.
La estatuilla representa a una joven de pie y encorvada, con la
cabeza inclinada hacia un lado. La mujer sujeta con una mano un pañuelo a
la altura de la entrepierna y tiene la otra oculta detrás de la
espalda.
Descubierta por un anticuario de Nantes en 1987, la estatuilla mide
22,5 cm de alto y se apoya sobre un zócalo. La obra habría sido
realizada en 1886, pero no lleva ni firma ni el sello de la fundición
donde fue trabajada.
Esta estatua fue adquirida por un aficionado al arte que pidió a
Gilles Perrault, también escultor y exjefe de taller en el museo del
Louvre y en Versalles, que realizara una investigación.
"Todos los indicios nos llevan a Rodin, las similitudes constatadas
(entre la estatuilla y la obra de Rodin) y las comparaciones
estilísticas, incluyendo las hechas con dibujos de Rodin y con otras
esculturas", explicó Perrault.
Además, hay que añadir una serie de cartas escritas en 1886 y 1887,
después de un exilio de cuatro meses de Camille Claudel en Inglaterra,
donde habría abortado. "Esta estatua es, en cierta media, un exvoto de
una Camille herida que esconde su sexo. Sabemos que abortó cuatro veces,
lo que en aquella época era un crimen", añadió.
Rodin prometió a la joven de 24 años casarse con ella, pero nunca cumplió su promesa, recordó Perrault.
Es una exposición sobre Pompeya. Se incluyó una advertencia “para padres” sobre la fuerte figura de Pan.
La estatua de la polémica del dios Pan practicando el coito con una hembra-cabra.
Por Carrie Vout
Nada más tentador para ir a ver algo que un aviso que prevenga
sobre los efectos de lo que se verá. Piensen en el interés de los medios
este mes cuando se reveló que la muestra del Museo Británico, Vida y muerte en Pompeya y Herculano,
tiene que incluir un aviso instructivo “para padres”. ¿Razones? Se hace
para que una antigua escultura de mármol del dios Pan practicando el
coito con una hembra-cabra no sea segregada como lo estuvo desde su
descubrimiento en 1752, sino que se la exhiba abiertamente junto a las
otras obras expuestas.
Pero las noticias también exageran esto de
la censura. Lejos de ser olvidada en su primer hogar moderno –el palacio
real de Portici en la bahía de Nápoles– la escultura, parte de una
colección prohibida que habitaba el sótano, rápidamente se convirtió en
celebridad.
El historiador del arte Johann Joachim Winckelmann,
que visitó el palacio cuatro veces entre 1758 y 1767, pensó que era él
quien había solicitado primero la licencia de observador y a los
ingleses que decían que habían visto la obra los llamaba mentirosos.
Pero en 1794, otro inglés insiste: escribe que vio la escultura, pero
que es demasiado indecente como para describirla y merece ser arrojada al volcán.
Por suerte nadie lo escuchó y en el siglo XIX la escultura fue
transferida a su nuevo hogar, el Museo Arqueológico Nacional de Nápoles,
donde nuevamente pasó a formar parte de una colección reservada.
Para
los que son muy tímidos como para pedir el permiso o sobornar al
guardia se publicaron grabados y fotos. En 2000 el museo abrió el
“gabinete secreto” a la prensa: el gabinete de Pan y la cabra estaba
marcado “pornográfico”.
¿Qué hubieran pensado los habitantes de
las antiguas ciudades de Herculano y Pompeya si supieran que de los 250
objetos que los representan en la muestra Pan y la cabra son la obra
emblema? ¿Era acaso una escultura común entre las esculturas que se
veían cotidianamente?
Más común de lo que es para nosotros hoy en
día, eso es seguro. La escultura sexualmente explícita, en parte
violenta, era moneda común en la cultura romana. Atravesaba todos los
sectores de la sociedad y además era decididamente de acceso abierto.
Familia de Pompeya. Las figuras se obtuvieron volcando yeso en el vacío que dejaron sus cuerpos. /AP
Más
allá de la escultura, escenas de sexo adornaban las copas de vino, las
lámparas de aceite y las paredes de los comedores y campanillas con
formas fálicas se suspendían en las puertas de entrada.
Algunas
de las escenas de sexo de las casas más lujosas de Pompeya son demasiado
bellas para ser inquietantes, su exquisita pintura y los pigmentos
caros más que obscenidad señalan seducción.
Las campanillas, en
cambio, estaban diseñadas no para atraer la vista sino para espantar a
los demonios, a veces lanzando risas estrepitosas pero a veces algo más
siniestro aún. Que un pene erecto pudiera considerarse como un órgano
sexual, un indicador de masculinidad, un símbolo de fertilidad o un
arma, dependía del contexto.
Si hay que entender a Pan y la
cabra, tenemos que comprender que Pan es un dios. El límite entre lo
sagrado y lo secular era bastante más permeable en la antigüedad clásica
que en el presente. De manera que en una habitación de una casa de
Pompeya, dos paneles que muestran cada uno un hombre y una mujer
disfrutando su relación sexual comparten el espacio con una pintura del
semidiós Hércules. Los dioses eran notoriamente incontinentes en cuanto a
sus vidas sexuales.
Nunca podremos ver lo que vieron los
romanos. Aunque con la instrucción para padres, en el acto de mirar
podemos aprender un poco más sobre qué significa ser humanos.
Quién es Pan
Quién es Pan
Pan era el dios de la fertilidad y el
apetito sexual masculino. De las brisas y del atardecer. Representaba la
naturaleza salvaje.
La escultura
Hecha de una sola
pieza de mármol italiano, pulido como corresponde a un trabajo de
calidad, este pequeño grupo escultórico se mostró por primera vez en una
gran mansión costera conocida como la Villa de los papiros, en las
afueras de Herculano. Esta casa del siglo I a. C. es célebre por su
extraordinaria biblioteca. En el jardín, Pan se encontraba al sur de la
piscina de la mansión. En el jardín, las imágenes de atletas, pensadores
y gobernantes competían con las figuras femeninas, los dioses, animales
y sátiros para llamar la atención.