SE CUMPLEN 160 AÑOS DEL NACIMIENTO DE VINCENT VAN GOGH

Vincent Van Gogh en 1866

Se cumple hoy el 160° aniversario del nacimiento del pintor holandés Vincent Van Gogh, que revolucionó la historia de las artes plásticas.
Autor de obras emblemáticas como “El dormitorio” y “La noche estrellada”, además de varios célebres autorretratos, el artista plástico narró su experiencia en las cartas que intercambiaba con su hermano Theo, hasta su suicidio a los 37 años.
Actualmente en Chile se expone una innovadora muestra audiovisual sobre su vida y obra, entre otras alrededor del mundo.

Autorretrato, 1887

                                               

Vincent Willem van Gogh, nació en Zundert, Países Bajos, 30 de marzo de 1853  y murió en Auvers-sur-Oise, Francia, 29 de julio de 1890) fue un pintor neerlandés, uno de los principales exponentes del postimpresionismo.
Pintó 900 cuadros (de ellos 27 autorretratos y 148 acuarelas) e hizo 1.600 dibujos.
La figura central en su vida fue su hermano menor Theo,quien continua y desinteresadamente le prestó apoyo financiero. La gran amistad entre ellos está documentada en las numerosas cartas que se intercambiaron desde agosto de 1872. Para Theo fueron unas 650 de sus 800 cartas conservadas; las otras son correspondencia con amigos y familiares. A pesar que desde muy joven tuvo inclinación hacia el dibujo, su primer trabajo fue en una galería de arte. Más tarde se convirtió en pastor y en 1879, a la edad de 26 años, se marchó como misionero a una región minera de Bélgica, donde comenzó a dibujar a la gente de la comunidad local. En 1885 pintó su primera gran obra Los comedores de papas,en ese momento su paleta se componía de tonos sombríos de tierra. La luz de colores vivos por la que es conocido surgió en obras posteriores,cuando se trasladó al sur de Francia consiguiendo su plenitud durante su estancia en Arles en 1888. La calidad de su obra sólo fue reconocida después de su muerte considerándose uno de los grandes maestros de la pintura. Tuvo una gran influencia en el arte del siglo XX, especialmente entre los expresionistas alemanes y los fauvistas como Derain, Vlaminck y Kees Van Dongen. Sufrió frecuentes brotes de una enfermedad mental a lo largo de su vida, que le llevó a producirse una herida de bala que acabó con su vida a la edad de 37 años. A pesar de que existe una tendencia general a especular que su enfermedad mental influyese en su pintura, el crítico de arte Robert Hughes cree que las obras del artista están ejecutadas con un completo control.

Fuentes: varias.

EL MUSEO WARHOL NO PODRÁ MOSTRAR LOS CÉLEBRES RETRATOS DE MAO EN CHINA

Una mujer pasa junto a la obra Mao (1972) del artista estadounidense Andy Warhol en una exposición en el Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires (MALBA). EFE/Archivo

Pekín, 26 - Una exposición del artista Andy Warhol actualmente de gira por ciudades asiáticas no podrá mostrar sus célebres retratos de Mao durante sus escalas en Pekín y Shanghái por problemas de censura, informaron fuentes del Museo Warhol, que organiza la exhibición.

En un comunicado de su director, Eric Shiner, el museo, con sede en Pittsburgh (EEUU) admite que tenía esperanzas en poder exponer ocho de estos retratos, realizados en 1972, pero que "comprende que ciertas imágenes no pueden mostrarse aún en China".

Las autoridades chinas no han confirmado este veto, que además choca en un país donde Mao y toda la imaginería de la Revolución Cultural son ampliamente utilizadas por los artistas chinos, muchas veces con los mismos fines irónicos y "pop" que llevaron a Warhol a retratar al "Gran Timonel" en vivos colores.

Además, en 2006 una de las muchas variaciones del Mao de Warhol ya fue mostrada en Pekín, en una Exposición Internacional de Galerías, de la mano del galerista español Carlos Bergantinos.

Fuente: EFE

EL MUSEO RODIN DE PARÍS BUSCA TESTIGOS PARA AUTENTIFICAR UNA ESTATUILLA

El museo Rodin de París decidió asociarse con un experto en arte, especializado en Auguste Rodin, para realizar una búsqueda de testigos que permita autentificar una estatuilla realizada en plata y sin firma, que podría ser obra del gran escultor francés.

Por Patrick Kovarik

El museo Rodin de París decidió asociarse con un experto en arte, especializado en Auguste Rodin, para realizar una búsqueda de testigos que permita autentificar una estatuilla realizada en plata y sin firma, que podría ser obra del gran escultor francés.

En 2011, el experto Gilles Perrault presentó 25 años de meticulosas investigaciones sobre la estatuilla que, según él, es una "escultura expiatoria de un aborto" de Camille Claudel que fue la alumna y la amante de Rodin. En aquel momento, el museo Rodin, guardián de la obra del escultor, se declaró "muy escéptico" sobre este trabajo y rechazó participar en la presentación.

La nueva dirección del museo suscribe el trabajo del experto pero "desea encontrar a los diferentes propietarios de la estatuilla para llegar hasta la fuente", precisó a la AFP uno de sus portavoces.

La estatuilla representa a una joven de pie y encorvada, con la cabeza inclinada hacia un lado. La mujer sujeta con una mano un pañuelo a la altura de la entrepierna y tiene la otra oculta detrás de la espalda.

Descubierta por un anticuario de Nantes en 1987, la estatuilla mide 22,5 cm de alto y se apoya sobre un zócalo. La obra habría sido realizada en 1886, pero no lleva ni firma ni el sello de la fundición donde fue trabajada.

Esta estatua fue adquirida por un aficionado al arte que pidió a Gilles Perrault, también escultor y exjefe de taller en el museo del Louvre y en Versalles, que realizara una investigación.

"Todos los indicios nos llevan a Rodin, las similitudes constatadas (entre la estatuilla y la obra de Rodin) y las comparaciones estilísticas, incluyendo las hechas con dibujos de Rodin y con otras esculturas", explicó Perrault.

Además, hay que añadir una serie de cartas escritas en 1886 y 1887, después de un exilio de cuatro meses de Camille Claudel en Inglaterra, donde habría abortado. "Esta estatua es, en cierta media, un exvoto de una Camille herida que esconde su sexo. Sabemos que abortó cuatro veces, lo que en aquella época era un crimen", añadió.

Rodin prometió a la joven de 24 años casarse con ella, pero nunca cumplió su promesa, recordó Perrault.

Fuente: AFP

UNA ESTATUA ERÓTICA DEL DIOS PANALBOROTA UNA MUESTRA EN LONDRES

Sociedad
Londres

Es una exposición sobre Pompeya. Se incluyó una advertencia “para padres” sobre la fuerte figura de Pan.

La estatua de la polémica del dios Pan practicando el coito con una hembra-cabra.

Por Carrie Vout

Nada más tentador para ir a ver algo que un aviso que prevenga sobre los efectos de lo que se verá. Piensen en el interés de los medios este mes cuando se reveló que la muestra del Museo Británico, Vida y muerte en Pompeya y Herculano, tiene que incluir un aviso instructivo “para padres”. ¿Razones? Se hace para que una antigua escultura de mármol del dios Pan practicando el coito con una hembra-cabra no sea segregada como lo estuvo desde su descubrimiento en 1752, sino que se la exhiba abiertamente junto a las otras obras expuestas.

Pero las noticias también exageran esto de la censura. Lejos de ser olvidada en su primer hogar moderno –el palacio real de Portici en la bahía de Nápoles– la escultura, parte de una colección prohibida que habitaba el sótano, rápidamente se convirtió en celebridad.

El historiador del arte Johann Joachim Winckelmann, que visitó el palacio cuatro veces entre 1758 y 1767, pensó que era él quien había solicitado primero la licencia de observador y a los ingleses que decían que habían visto la obra los llamaba mentirosos. Pero en 1794, otro inglés insiste: escribe que vio la escultura, pero que es demasiado indecente como para describirla y merece ser arrojada al volcán. Por suerte nadie lo escuchó y en el siglo XIX la escultura fue transferida a su nuevo hogar, el Museo Arqueológico Nacional de Nápoles, donde nuevamente pasó a formar parte de una colección reservada.

Para los que son muy tímidos como para pedir el permiso o sobornar al guardia se publicaron grabados y fotos. En 2000 el museo abrió el “gabinete secreto” a la prensa: el gabinete de Pan y la cabra estaba marcado “pornográfico”.

¿Qué hubieran pensado los habitantes de las antiguas ciudades de Herculano y Pompeya si supieran que de los 250 objetos que los representan en la muestra Pan y la cabra son la obra emblema? ¿Era acaso una escultura común entre las esculturas que se veían cotidianamente?

Más común de lo que es para nosotros hoy en día, eso es seguro. La escultura sexualmente explícita, en parte violenta, era moneda común en la cultura romana. Atravesaba todos los sectores de la sociedad y además era decididamente de acceso abierto. 

Familia de Pompeya. Las figuras se obtuvieron volcando yeso en el vacío que dejaron sus cuerpos. /AP

Más allá de la escultura, escenas de sexo adornaban las copas de vino, las lámparas de aceite y las paredes de los comedores y campanillas con formas fálicas se suspendían en las puertas de entrada.

Algunas de las escenas de sexo de las casas más lujosas de Pompeya son demasiado bellas para ser inquietantes, su exquisita pintura y los pigmentos caros más que obscenidad señalan seducción.

Las campanillas, en cambio, estaban diseñadas no para atraer la vista sino para espantar a los demonios, a veces lanzando risas estrepitosas pero a veces algo más siniestro aún. Que un pene erecto pudiera considerarse como un órgano sexual, un indicador de masculinidad, un símbolo de fertilidad o un arma, dependía del contexto.

Si hay que entender a Pan y la cabra, tenemos que comprender que Pan es un dios. El límite entre lo sagrado y lo secular era bastante más permeable en la antigüedad clásica que en el presente. De manera que en una habitación de una casa de Pompeya, dos paneles que muestran cada uno un hombre y una mujer disfrutando su relación sexual comparten el espacio con una pintura del semidiós Hércules. Los dioses eran notoriamente incontinentes en cuanto a sus vidas sexuales.

Nunca podremos ver lo que vieron los romanos. Aunque con la instrucción para padres, en el acto de mirar podemos aprender un poco más sobre qué significa ser humanos.

Quién es Pan

Quién es Pan

Pan era el dios de la fertilidad y el apetito sexual masculino. De las brisas y del atardecer. Representaba la naturaleza salvaje.

La escultura

Hecha de una sola pieza de mármol italiano, pulido como corresponde a un trabajo de calidad, este pequeño grupo escultórico se mostró por primera vez en una gran mansión costera conocida como la Villa de los papiros, en las afueras de Herculano. Esta casa del siglo I a. C. es célebre por su extraordinaria biblioteca. En el jardín, Pan se encontraba al sur de la piscina de la mansión. En el jardín, las imágenes de atletas, pensadores y gobernantes competían con las figuras femeninas, los dioses, animales y sátiros para llamar la atención.

Fuente: clarin.com

"EL REFLEJO DE UNA VIDRIERA NOS MUESTRA OTRA CIUDAD"

Lleva años desafiando con su arte la ley de gravedad. Dice que el espacio urbano es una construcción de la mirada y puede cambiar.

Con su obra. Baglietto y sus máximas: “La ciudad es como una jungla en la que hay de todo”, dice. / DIEGO WALDMANN 

Por Einat Rozenwasser

Parte de una propuesta que conjuga búsqueda personal y creación artística. Mireya Baglietto invita a cambiar la perspectiva para descubrir cómo el piso se transforma en cielo, el techo en suelo y lo que hay alrededor en un continuo que da lugar a nuevas formas, colores, sensaciones. El objetivo es desafiar la rigidez a la que nos tiene acostumbrados la percepción tradicional del tiempo y el espacio.
-¿Qué es para vos el espacio?

-Es esencial, es lo que da sentido a nuestra percepción y nuestro conocimiento. Si lo pensamos desde el punto de vista de la ciudad, es una condición. La ciudad es un gran continente que difiere del campo, obviamente.
Comenzaba la década del 80 y ella buscaba la manera de romper con la ley de gravedad. Fueron años de investigación alrededor de las formas, las estructuras. “Trabajaba en mi taller con un espejo de fondo y empecé a ver que, si bien no podía sacar la gravedad, podía engañarla. Me di cuenta que existía, era un campo virtual”, explica. Fue agregando colores, texturas y sonidos para alimentar el universo sensorial y así dio forma a lo que denominó arte núbico: una experiencia artística que se completa con la mirada de cada espectador (el eje de la antología que está presentando en el Palais de Glace).
-Hay mucho de la personalidad, de las sociedades, que se define a partir de esa espacialidad...

-Todo pasa por ahí. Por eso me gusta hablar de la ciudad como un continente de situaciones diferentes: algunas más lindas, otras miserables, algunas luminosas y otras muy perversas. La ciudad es como una jungla, uno no puede lanzarse, tiene que ir ajustando el paso con cuidado, sabiendo qué va a encontrar de todo. Con un ojo hay que entregarse y con el otro hay que controlar, mita y mita , porque si no, no se disfruta.
Vuelve al día en el que descubrió que detrás de la Buenos Aires de las corridas, de la vida cotidiana, había una Buenos Aires arquitectónica. “Hace muchos años, cuando mis hijos eran chicos, tomamos uno de esos ómnibus que hacen recorridos turísticos y tienen el segundo piso abierto. Nos sentamos adelante y veíamos la ciudad por encima de las marquesinas. Ahí descubrí Buenos Aires: EL Buenos Aires. Después está toda la chamuchina que se pone abajo, las marquesinas, que la mayoría son una porquería”, sigue.
-Los medios de transporte, las calles, los locales, la gente, todo es información visual...

-Resulta que en esa vertiginosidad hablando de tiempo, o en esa espacialidad tan confusa como es una ciudad en acción, uno tiene que elegir. Y generalmente no elige, se deja hacer. Es lo que tenemos que modificar cuando transitamos la ciudad. Siempre digo que el mundo es una construcción de la mirada y, como tal, susceptible de ser modificado. En definitiva, la ciudad es un pedazo de ese mundo en el que yo vivo. Pero nos brindamos poco a la ciudad, siempre apurados y de un lugar a otro.
-Entonces, ¿aprovechás tus traslados para mirarla?

-Aprendo mucho. El tránsito por la zona de vidrieras me apasiona. No miro lo que hay en esa vidriera, miro los reflejos. Desde un colectivo o un taxi vas viendo cómo ese vehículo está donde vos estás y se refleja en otro lado. Me refiero a las grandes vidrieras que no tienen demasiadas cosas, como las de los bares o los hoteles. Entonces hay gente sentada del otro lado, y resulta que en el reflejo están con vos. Es una lección que enseño a la gente cada vez que puedo: a mirar otra cosa que tiene que ver con lo interno, la percepción de cada uno.
-Hay que aprender a entender esa percepción, porque estamos configurados para ver a la altura de los ojos y hacia adelante...

-Estamos configurados para mirar con un solo punto de vista. Mi desafío con el arte núbico siempre fue modificar las pautas de la percepción. Ya no seguir como el burro tras la zanahoria, con esa estructura creada en el Renacimiento para llevar paisajes al plano. Ampliar la percepción también es ampliar el sistema de conocimiento.
En su definición: ampliar la mirada / sentir que se siente/ trasponer culturas / volver al origen / ser el universo / repensar el mundo .

Parte de una propuesta que conjuga búsqueda personal y creación artística. Mireya Baglietto invita a cambiar la perspectiva para descubrir cómo el piso se transforma en cielo, el techo en suelo y lo que hay alrededor en un continuo que da lugar a nuevas formas, colores, sensaciones. El objetivo es desafiar la rigidez a la que nos tiene acostumbrados la percepción tradicional del tiempo y el espacio.

-¿Qué es para vos el espacio?

-Es esencial, es lo que da sentido a nuestra percepción y nuestro conocimiento. Si lo pensamos desde el punto de vista de la ciudad, es una condición. La ciudad es un gran continente que difiere del campo, obviamente.

Comenzaba la década del 80 y ella buscaba la manera de romper con la ley de gravedad. Fueron años de investigación alrededor de las formas, las estructuras. “Trabajaba en mi taller con un espejo de fondo y empecé a ver que, si bien no podía sacar la gravedad, podía engañarla. Me di cuenta que existía, era un campo virtual”, explica. Fue agregando colores, texturas y sonidos para alimentar el universo sensorial y así dio forma a lo que denominó arte núbico: una experiencia artística que se completa con la mirada de cada espectador (el eje de la antología que está presentando en el Palais de Glace).

-Hay mucho de la personalidad, de las sociedades, que se define a partir de esa espacialidad...

-Todo pasa por ahí. Por eso me gusta hablar de la ciudad como un continente de situaciones diferentes: algunas más lindas, otras miserables, algunas luminosas y otras muy perversas. La ciudad es como una jungla, uno no puede lanzarse, tiene que ir ajustando el paso con cuidado, sabiendo qué va a encontrar de todo. Con un ojo hay que entregarse y con el otro hay que controlar, mita y mita , porque si no, no se disfruta.

Vuelve al día en el que descubrió que detrás de la Buenos Aires de las corridas, de la vida cotidiana, había una Buenos Aires arquitectónica. “Hace muchos años, cuando mis hijos eran chicos, tomamos uno de esos ómnibus que hacen recorridos turísticos y tienen el segundo piso abierto. Nos sentamos adelante y veíamos la ciudad por encima de las marquesinas. Ahí descubrí Buenos Aires: EL Buenos Aires. Después está toda la chamuchina que se pone abajo, las marquesinas, que la mayoría son una porquería”, sigue.

-Los medios de transporte, las calles, los locales, la gente, todo es información visual...

-Resulta que en esa vertiginosidad hablando de tiempo, o en esa espacialidad tan confusa como es una ciudad en acción, uno tiene que elegir. Y generalmente no elige, se deja hacer. Es lo que tenemos que modificar cuando transitamos la ciudad. Siempre digo que el mundo es una construcción de la mirada y, como tal, susceptible de ser modificado. En definitiva, la ciudad es un pedazo de ese mundo en el que yo vivo. Pero nos brindamos poco a la ciudad, siempre apurados y de un lugar a otro.

-Entonces, ¿aprovechás tus traslados para mirarla?

-Aprendo mucho. El tránsito por la zona de vidrieras me apasiona. No miro lo que hay en esa vidriera, miro los reflejos. Desde un colectivo o un taxi vas viendo cómo ese vehículo está donde vos estás y se refleja en otro lado. Me refiero a las grandes vidrieras que no tienen demasiadas cosas, como las de los bares o los hoteles. Entonces hay gente sentada del otro lado, y resulta que en el reflejo están con vos. Es una lección que enseño a la gente cada vez que puedo: a mirar otra cosa que tiene que ver con lo interno, la percepción de cada uno.

-Hay que aprender a entender esa percepción, porque estamos configurados para ver a la altura de los ojos y hacia adelante...

-Estamos configurados para mirar con un solo punto de vista. Mi desafío con el arte núbico siempre fue modificar las pautas de la percepción. Ya no seguir como el burro tras la zanahoria, con esa estructura creada en el Renacimiento para llevar paisajes al plano. Ampliar la percepción también es ampliar el sistema de conocimiento.

En su definición: ampliar la mirada / sentir que se siente/ trasponer culturas / volver al origen / ser el universo / repensar el mundo .

Fuente: clarin.com

RENUNCIÓ EL PRESIDENTE DE LA COMISIÖN NACIONAL DE MUSEOS

La obra. La cerró la Ciudad porque no tenía cartel de permiso. /MAXI FAILLA

El lunes 18 de marzo, el arquitecto Juan Martín Repetto presentó su renuncia a la presidencia de la Comisión Nacional de Museos, Monumentos y Lugares Históricos “por razones estrictamente personales”. También dejó su cargo el doctor Oscar De Masi, su vocal más cercano. La conducción de la entidad quedó a cargo Alberto Andrés Petrina, quien ocupaba el cargo de vicepresidente primero.
La semana anterior Repetto había sido cuestionado, después de que el Gobierno porteño clausurara las obras que se estaban llevando adelante en el Cabildo, donde se pretendía instalar un restaurante.
Aunque algunos apuntaban a la conexión entre ambos hechos, fuentes cercanas al funcionario mencionaron el aislamiento y el “vacío político” que venía sufriendo desde el último año.
Un dato que no sorprende si se toma en cuenta que Repetto es un funcionario que viene de la Provincia de Buenos Aires. Las mismas fuentes asocian el hecho con la destitución de José Antonio Pérez Gollán como director del Museo Histórico Nacional. Su cargo fue ocupado por la ultrakirchnerista Araceli Bellota. La presunción es que están radicalizando la Secretaría de Cultura.

Fuente: clarin.com

LA ARGENTINA ISOL OBTUVO UN PREMIO LITERARIO DE US$ 780.000

Cultura / Reconocimiento internacional

La escritora e ilustradora Marisol Misenta, que colaboró con Paul Auster, fue distinguida, entre 207 autores, con el Astrid Lindgren, uno de los galardones más prestigiosos de la literatura infantil y juvenil, creado por Suecia en 2003.

Isol recibió ayer a LA NACION en su casa del barrio de Almagro tras conocer la noticia del premio. Foto: Gustavo Bosco

Por Violeta Gorodischer / LA NACIÓN

Señal de madurez y gran calidad

La escritora e ilustradora argentina Marisol Misenta, más conocida como Isol, fue distinguida ayer con el premio Astrid Lindgren 2013. Se trata de uno de los galardones más prestigiosos del mundo en literatura infantil, creado en 2003 por el gobierno sueco en memoria de Astrid Lindgren con el objetivo de potenciar el interés por este tipo de escritura. Busca, también, reconocer a autores e ilustradores que inciten la lectura siguiendo el espíritu de la creadora del personaje Pipi Calzaslargas, esa huerfanita salvaje de trenzas rojas que todos guardamos en la memoria.

"Isol crea libros con imágenes desde las perspectivas de los niños que vibran con energía y emociones explosivas -declaró el jurado-. Con facilidad y un humor liberador evoca también las páginas negras de la existencia."

Así, elegida entre 207 candidatos de 67 países, la ilustradora obtendrá la suma de 5 millones de coronas suecas (780.000 dólares) el próximo 27 de mayo en una ceremonia que se desarrollará en el Konserthus de Estocolmo. Este año, además, será nuevamente nominada al premio Hans Christian Andersen, una suerte de "pequeño Premio Nobel" del que fue finalista en 2006 y 2007 y que el año pasado fue para la argentina María Teresa Andruetto.

Ante semejante panorama, la pregunta se cae de madura: ¿estamos ante un apogeo de la literatura infantil argentina? "Yo creo que, sin dudas, estamos pasando por un gran momento -afirma la ilustradora en comunicación con LA NACION. Hoy, la literatura infantil de nuestro país cuenta con los recursos de artistas gráficos, del cómic, de cuentistas, de ilustradores, tiene ingredientes de humor... yo creo que todo eso crea un mix realmente muy atractivo."

Desde su punto de vista, este género ya no piensa la producción de contenidos en términos didácticos o moralistas sino que busca que las historias se transformen en "un lugar de experimentación", tanto para los adultos como para los niños. Al menos eso es lo que ella persigue en cada una de sus historias. "No hago cosas que no me gustan, yo quiero que la persona que me lea sea un par, sin importar la edad", asegura.

Un largo camino

Nacida en 1972, Isol cursó el Magisterio en Bellas Artes. Luego estudió varios años la Licenciatura en Artes hasta que decidió dejar todo para trabajar exclusivamente como ilustradora y autora de los llamados "libros álbumes", una publicación totalmente novedosa para ese entonces, en la que dibujos e ilustraciones cobraban cada vez más protagonismo.

Debutó a los 25 años con Vida de perros, allá por 1997, y desde entonces su carrera sólo fue en línea ascendente: escribió e ilustró decenas de libros, como El globo , Petit el Monstruo , Tener un patito es útil , Castillos , La Bella Griselda , Secreto de familia , Cosas que pasan y Nocturno, por nombrar sólo algunos. En todos buscaba lo mismo: mostrar caras distintas de la vida cotidiana. Es que su principal virtud reside en enfocar situaciones familiares desde el absurdo o el ridículo, evitando siempre la mirada condescendiente o el maniqueísmo entre "buenos y malos" que atravesaba el relato infantil de otras épocas.

Y si a primera vista su trazo impacta por una suerte de ternura plástica puesta en primer plano, enseguida asoma por detrás algo que tiene que ver con el orden de lo inquietante, con aquello que desestabiliza las cosas establecidas. Es más: alguna vez alguien dijo que sus personajes eran "demasiado locos". Pero ella lo desestimó por completo. Ahora se ríe, destaca el apoyo de sus editores y asegura que no le importa demasiado lo que esperen los otros.

Tal vez sea justamente por ese contraste, por su mirada incisiva, que Isol haya ganado tanta aceptación entre grandes y chicos por igual. "Tengo algo que viene del cómic, que tiene que ver con buscar la línea y la personalidad de los personajes, que no son fríos -opina en referencia a su propia obra-. Quiero la frescura y cierta cosa como salvaje y un poco impune, que no importan las reglas, esa cosa que tiene la niñez. Quiero dar esa sensación: la libertad."

También realizó ilustraciones para otros escritores, como las historias del poeta argentino Jorge Luján o El cuento de Navidad de Auggie Wren , el libro infantil de Paul Auster que en 2003 le dio un buen empujón para conseguir difusión a nivel internacional.

Gran parte de sus historias se han publicado en México, España, Francia, Estados Unidos, Corea y Suiza. Casada con el dramaturgo, actor y director argentino Rafael Spregelburd, con quien tiene un hijo de un año, Isol es creativa en múltiples niveles: también compone e interpreta música desde Buenos Aires, su ciudad de residencia.

Emocionada, afirma que este premio marca un antes y un después en su carrera y lo considera "un privilegio". En su primera edición fueron premiados la austríaca Christine Nöstlinger y el escritor e ilustrador norteamericano Maurice Sendak. En las siguientes, figuran el Banco del Libro de Venezuela (2007), la australiana Sonya Hartnett (2008) y el holandés Guus Kuijer (2012).

¿Qué va a hacer con todo ese dinero? "Yo nunca pienso en las cosas antes de tenerlas. Nunca tuve una estrategia pensando en ganar dinero. Por suerte puedo vivir de lo que hago", responde.

A la hora de las conclusiones, algo parece quedar claro: el género de la literatura infantil ya no es menor ni secundario y, hoy en día, está ocupando un lugar primordial para las letras argentinas. Eso sí: no puede pensarse el texto sin la imagen. No porque esta última sea subsidiaria del primero, sino porque ambos construyen un diálogo que sólo puede entenderse como conjunto.

"La ilustración no está al servicio del texto, eso hay que entenderlo -plantea Isol-. Hay entre ambos un intercambio, lo importante es aprender a disfrutar de los dos lenguajes. La imagen es poderosa, tan poderosa como la palabra."

Ilustraciones para soñar


Isol combina imaginación en la escritura y el dibujo

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  El sueño del libro aburrido
  La ilustración forma parte de Nocturno, la última publicación de Isol. Está hecho para brillar en la oscuridad porque fue trabajado con tinta fosforescente

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  Nocturno
  Es un recetario de de sueños de aventuras, escenas delirantes e historias

•  

  Secreto de familia
  Una niña descrubre un secreto por levantarse más temprano que lo usual

•  

  Regalo sorpresa
  Un niño encuentra un gran regalo, un día antes de su cumpleaños

Fuente: lanacion.com