¿PALMAS HÚMEDAS? AMA A MONET

Un académico alemán estudió con guantes sensores físicos qué atrae a los visitantes de los museos. Definió el estado de verse afectado por el arte como una sensación de inmersión en una obra.

EN EL MUSEO. Guantes con sensores que midieron las reacciones ante las obras de arte llevaron a la conclusión de que los visitantes solitarios sienten más emociones.

Por Dorothy Spears

Lo poco o mucho que los visitantes de museos saben sobre arte cambia en muy escasa medida cómo se comportan frente a las obras exhibidas, según un estudio de un estudioso de la cultura alemán que midió electrónicamente qué elementos atraían la atención de los visitantes y cómo se veían afectados emocionalmente. El académico, Martin Tröndle, también constató que los visitantes solitarios normalmente pasaban más tiempo mirando las obras de arte y que experimentaban más emociones.
Tröndle y su grupo de trabajo equiparon a 576 voluntarios con un guante provisto de la función GPS para seguir su recorrido a través de las galerías del Kunstmuseum St. Gallen en Suiza durante dos meses desde junio de 2009.
Los sensores en los guantes midieron la evidencia física de reacciones emocionales, como las frecuencias cardíacas y el sudor de sus palmas. Posteriormente, se realizó un cuestionario a los voluntarios acerca de dónde habían permanecido más tiempo y los sentimientos que evocaban esas obras en particular.
Tröndle descubrió que aparentemente había escasa diferencia de vinculación entre los visitantes que tenían un conocimiento erudito del arte y "personas que son ingenieros y dentistas". Dijo que los artistas, los críticos y los directores de los museos suelen en general centrarse en una obra de la sala, mientras que los visitantes con una curiosidad y un interés moderados tienden a pasar de una obra a otra y a leer los paneles de texto. "Casi se podría decir que el conocimiento nos hace ignorantes", dijo.
El punto central del estudio de Tröndle fue una fascinación por las ambientaciones de los museos en general y una curiosidad acerca de la manera en que las disposiciones particulares de objetos de arte afectaban el comportamiento humano, dijo, hablando desde su despacho en la Universidad Zeppelin en el sur de Alemania, donde es profesor de gestión de las artes e investigación artística. Su estudio, financiado por la Fundación Científica Nacional Suiza, estableció por primera vez que "existe una correlación muy fuerte entre la experiencia estética y las funciones corporales", dijo.
Definió el estado de verse afectado por el arte como una sensación de inmersión en una obra, o de sentirse llamado por ésta, de lo cual extrajo la conclusión de que a un museo es mejor ir solo.
Estos momentos son fugaces y sutiles, dijo, agregando "Quien se comunica con una obra de arte no puede conversar al mismo tiempo con quienes lo/la acompañan", dijo.
Los visitantes tendieron a sentirse más estimulados por las esculturas que impedían su avance por las salas. "A la gente le gusta chocarse con el arte", dijo.
Algunos expertos son escépticos. "Esta tecnología es muy nueva y muy joven", dijo Paul C. Ha, director del List Visual Arts Center del Massachusetts Institute of Technology (M.I.T.). "Todavía no sabemos bien qué tenemos. Y, como es sabido, los datos pueden interpretarse de cualquier manera".
Bonnie Pitman, distinguida académica en residencia en la Escuela de Artes y Humanidades de la Universidad de Texas, Dallas, experta en el tema de las respuestas de los visitantes al arte, dijo: "No estoy segura de que tener más datos permita una comprensión mayor del conjunto muy complicado de factores que intervienen en la experiencia de las obras de arte".
En referencia a Tröndle y su convicción de que una frecuencia cardíaca elevada indica una experiencia más honda del arte, dijo: "Esos momentos trascendentes en que nos sumergimos en el color y la belleza de un Pissarro o un Sisley o un Monet ­esos momentos no necesariamente hacen aumentar la frecuencia cardíaca. Nos desaceleran".
Si se piensa en toda la atención que se presta últimamente a las exposiciones exitosas en los grandes museos "cabría suponer que nuestro futuro no es muy promisorio", dijo Ronald Wäspe, director del Kunstmuseum St.
Gallen, un museo más pequeño con una gama de pinturas y esculturas que datan desde la Edad Media hasta el presente.
La investigación indicó, para él, que "ahora tenemos una ventaja, porque vemos que, para una experiencia óptima del arte los museos deben ser pequeños, deben estar más vacíos y deben ser, en el sentido más positivo del término, un lugar de contemplación".

Fuente: Revista Ñ Clarín

CONTROL CONVERTIDO EN POESÍA

Interactividad a fondo, obras que dejan de existir cuando el espectador se aparta de ellas y no tienen a nadie a quien detectar. Arte que vive, que es mirado y mira.

TENSION SUPERFICIAL. Pantalla de LED. Sistema de vigilancia computarizado, custom-made software.

Por Marina Oybin

Por estos días el Espacio Fundación Telefónica se transformó en una especie de panóptico con cámaras en vivo y sistemas de seguimiento computarizados. En Detectores, uno es observado y, al mismo tiempo, observa, escruta, da vida a las poderosas instalaciones de Rafael Lozano-Hemmer. Y si nadie las mira, las obras se apagan, dejan de existir.
“No se trata de una moralización sobre la condición orwelliana de nuestra sociedad, sino de pervertir y materializar en una forma poética o crítica los elementos de control que existen”, explica Lozano-Hemmer desde San Francisco, donde acaba de inaugurar en el MoMA “Frecuencia y Volumen”, una instalación en la que el espectador sintoniza radiofrecuencias con el cuerpo, y donde se exhibe, además, “Homografías”, una instalación con tubos fluorescentes que rotan con la presencia del público.
Detectores reúne una serie de obras de arte reactivo: son experiencias incompletas a las que el público viene a dar sentido. A cada paso uno activa grabaciones de video, esculturas cinéticas, animaciones algorítmicas y ambientes de luz. Ya de entrada, el espectador se topa con “Sabroseos” (el título original es Make-out, un juego de seducción, generalmente previo al sexo), una pantalla interactiva de alta resolución con sistema de vigilancia computarizado incorporado. De lejos, vemos un diseño geométrico, por momentos deviene cinético. Habrá que acercarse para que los sensores detecten nuestra presencia. Ahí nomás, las parejas se miran. Silencio. Luego, copa la pantalla un desfile inagotable de hasta 8.000 videoclips de besos en simultáneo (tomados de Internet). Hay besos famosos del cine, besos amorosos, apasionados, inolvidables, heterosexuales u homosexuales. Cada vez que nos desplazamos, como si fuera posible que se multiplicaran exponencialmente, la pantalla nos devuelve un nuevo beso. Seguimos caminando. La cámara ya no detecta la presencia y la mirada humana: los besos, entonces, desaparecen.

BIFURCACION. Computadora, Kinect, proyector, metal, motor, procesador Arduino, madera fumigada.

Lozano-Hemmer demuestra que la tecnología desata obras poéticas, bellas, que sacuden el corazón. “Bifurcación” es una instalación de la serie Shadow, donde las sombras proyectadas son reinterpretaciones del objeto en cuestión. En sala, una rama real cuelga de un hilo. Apenas  hay que soplarla para que en una pantalla la imagen del árbol de la que proviene empiece a rotar en la misma dirección. Se mueve una y otra vez: la misma frecuencia, el mismo ángulo de inclinación. La rama ausente ahora da vida al árbol.
Así como Duchamp encapsuló aire de París y Piero Manzoni puso su propio aliento en globos, Lozano-Hemmer es capaz de capturar un suspiro y reproducirlo ad eternum. El artista le pidió a la cantante cubana de boleros Omara Portuondo que respirara en una bolsa de papel. Acto seguido, a partir de ese intangible, creó “Ultimo suspiro”, una instalación diseñada para almacenar y hacer circular el suspiro de una persona. Sin respiro, la bolsa de papel se infla y desinfla. “Esta pieza pretende ser un retrato biométrico realizado a partir de tecnologías médicas que circulan el aliento entre un fuelle y una bolsa de papel al ritmo de la respiración promedio de un adulto en reposo: diez mil veces diarias, con 158 suspiros”, dice el artista.
Lozano-Hemmer cuenta que primero capturó el suspiro de su madre, pero después decidió quitarlo de la bolsa y del aparato: “En mi opinión únicamente hay que conservar el aliento de alguien que tenga una relevancia más general”. De esta serie, la obra más bella es la que le regaló a una pareja de amigos suyos: son sus suspiros, la respiración mezclada de ambos seguirá junta después de la muerte. ¿Quién se resiste a los frascos con aire y aroma del pasado?, ¿o a las bolsas de papel con deseos inconfesables y suspiros de amor eterno?
“Coincidencia sostenida”, una instalación interactiva con tubos de luz, luces infrarrojas y software, nos lleva a jugar como chicos. Apenas nos movemos, nuestras sombras se proyectan en la pared: parece que tuvieran vida propia, siguen ahí, superpuestas en extraño delay a pesar de nuestros movimientos.

SABROSEOS. Shadow Box 8. Pantalla interactiva de alta resolución con sistema de vigilancia incorporado.

Con un sistema de vigilancia computarizado y un software que modifica nuestra imagen, “Blow - up” transforma nuestra imagen: la expande, multiplica y deconstruye hasta volverla sólo forma y color. A unos pasos, como si se tratara de un sitio infernal, en la instalación interactiva “La medianoche del año”, en la pantalla brota de nuestros ojos un extraño humo. Denso, imparable. Y en “Tensión superficial”, ese ojo no nos deja de observar. Uno se mueve y la mirada de ese desconocido nos sigue sin tregua. Finalmente, hartos de esa gigantesca pupila inquisitoria, nos quedamos quietos. No hay caso: el ojo sigue mirándonos fijamente.
“Indice de corazonadas” funciona con huellas digitales, un fundamento de la biometría para la detección de individuos. La instalación toma esa tecnología y crea un ambiente conectivo, una especie de paisaje hecho con capturas de la piel que palpitan al ritmo cardíaco de los participantes. Apenas usted apoye el dedo en la máquina (con un sensor equipado con microscopio digital y sensor de frecuencia cardíaca) verá en pantalla que las huellas se vuelven imagen abstracta, bella, única, y al tiempo, irreconocible.

Pura textura y color.

En las obras de Lozano-Hemmer la tecnología palpita. El artista se zambulle en un desafío que parece imposible: capturar lo efímero e indeterminado. Logra, por ejemplo, que una rama ya seca dé nueva vida a un árbol o atrapa algo tan frágil e inasible como el suspiro de quien amamos. Pura alquimia.

FICHA
Rafael Lozano-Hemmer
Detectores

Lugar: Espacio Fundación Telefónica (Arenales 1540).
Fecha: hasta 19 de diciembre.
Horario: lunes a sábados, 14 a 20:30.
Entrada: gratis.


Fuente: Revista Ñ Clarín

ENTREGARON LOS PREMIOS KONEX

Se premió a las Artes Visuales. Los elegidos fueron el pintor León Ferrari y el arquitecto César Pelli, que se quedaron con el Konex de Brillante.

PREMIOS KONEX 2012. Artes Visuales.

Dos indiscutibles se llevaron ayer el más importante de los Premios Konex. Se premiaba a las Artes Visuales y los elegidos fueron el pintor León Ferrari y el arquitecto César Pelli. Se quedaron con el Konex de Brillante. Al mediodía, Pelli había sido recibido por la presidenta Cristina Kirchner. Ferrari, operado, faltó al agasajo presidencial y también a la entrega.

El jurado que los eligió estuvo presidido por Luis Felipe Noé y compuesto por 20 especialistas, que tle dieron el Konex de Honor al artista Carmelo Arden Quin, que murió en 2010, y otorgaron menciones especiales por Trayectoria a Gyula Kosice, Quino, Marta Minujín, Josefina Robirosa y Clorindo Testa.

En total, fueron 100 premiados. Entre otros, recibieron sus distinciones Diana Dowek, Rogelio Polesello y Carlos Alonso. Los aplausos más fuertes se los robaron el padre de Mafalda, que le agradeció a su madre por dejarlo pintar en la mesa, y el recuerdo de Caloi. Al final, el hijo de Ferrari recibió el premio de su padre que lo mandó a decir, entre otras cosas, “que somos todos buenos”.

Fuente: Revista Ñ Clarín

ARQUITECTURA E IDEOLOGÍA EN BERLÍN:UN EJERCICIO DE ARTE Y MEMORIA EN CLAVE PERSONAL

Antes de la construcción del muro, ambos regímenes en la ciudad dividida competían a través de sus edificios. Una muestra colectiva en la Casa de las culturas del mundo invitó a diez artistas contemporáneos a que pongan en cuestión este binomio en relación a sus historias personales.

PARÁBOLA HIPERBÓLICA. El edificio de la Casa de las culturas del mundo fue creado como monumento a la libertad de expresión en Berlín occidental, con fines propagandísticos de los Estados Unidos.

Después de andar unos minutos por los senderos del Tiergarten –el parque más grande de Berlín– asoma un edificio emblemático y evidente. Se trata de la Haus der Kulturen der Welt (Casa de las culturas del mundo), con su forma irruptiva de parábola gigante, que albergó recientemente en su interior la muestra "Between Walls and Windows. Architektur und Ideologie": una de las protagonistas de la escena artística local cuando se celebraba la Berlin Art Week.

La curadora de arte contemporáneo Valerie Smith organizó y planificó una exposición que reflexionara críticamente sobre el cruce entre arquitectura e ideología y tomó el edificio de esta Casa como punto de partida para hacer un aporte complejo sobre la arquitectura actual. Hacer una muestra sobre estos temas no es algo menor en Berlín donde la mayoría de los debates se cruzan con la memoria y, mientras en otros escenarios los debates arquitectónicos están relacionados con la economía, aquí se relacionan con el pasado que vive en cada rincón. A partir de esta iniciativa se invitó a diez artistas contemporáneos de todo el mundo, para que trabajaran y cuestionaran esta relación; tomando el edificio como punto de partida pero reflexionando sobre sus historias personales.

En la explanada de la Haus surgía la obra del arquitecto chino Wang Shu que acaba de recibir el premio Pritzker. El trabajo combinó maderas y tejas, y puso en debate la uniformidad con la que se construye hoy en China. Es decir, se edifica con los mismos criterios arquitectónicos que en Singapur, Nueva York o San Pablo en un momento de boom arquitectónico. Wang Shu sostiene que hay que recuperar tradiciones arquitectónicas locales, para construir de manera adecuada al lugar en que uno está trabajando. “Lo que hizo en el techo es algo que se hace con una técnica clásica de tejas yuxtapuestas, que son perfectas para frenar el agua de lluvia.

SHOW FLORAL. Fotografía tomada en 2007 en Pyongyang, durante un viaje de Brandlhuber Arno y sus estudiantes.

Es una instalación artística, un teatro hecho a partir de esas tejas. Es sólo una invitación estética a crear un foro, un espacio comunitario, un espacio social. Y él lo crea con sus propias tradiciones arquitectónicas. Toda una serie de trabajos reflexionan sobre las ambivalencias, las ambigüedades de invitar a un gran gesto político para la palabra libre, que después no se cumple,” explicó Silvia Fehrmann, jefa de comunicaciones de la Haus.

En una sala en penumbras, una buena cantidad de pantallas emitían imágenes que simulaban ser iguales pero no lo eran. Retrataban la duplicación de Berlín, es decir los edificios e iniciativas que se erigieron a un lado y otro del Muro y que se proponen como patrimonio cultural de la humanidad de la Unesco. De un lado y del otro de lo que fue el Muro quedaron tres óperas, dos zoológicos, dos salas de congresos, dos monumentos a la mujer que levantaba escombros después de la guerra, dos universidades... Todo nacido de la competencia entre ambos sistemas políticos. “Veintitrés años después de la caída del Muro estamos en condiciones de mirar sobre esa historia y darnos cuenta que la memoria histórica de Berlín se tiene que establecer en torno a las dos dimensiones de la memoria y no sobre la idea de que un sistema se impuso sobre el otro. Este es un proyecto estético y la idea es generar espacios de debate”, explica Fehrmann.

En el impactante auditorio de la Haus, una instalación acústica de Iñigo Mangiano-Ovalle invitaba al protagonismo del espectador a favor de la libertad de expresión. Se podía subir al escenario y hablar frente al micrófono y la particularidad era que el público no escuchaba lo que se decía. Los discursos quedaron registrados y guardados en la Web. Una especie de radio abierta jugaba con la idea de los programas que convocan a que los oyentes llamen y seleccionan las voces que van a emitir. Quedaba en evidencia que si bien hay una participación del oyente, en definitiva lo que existe es un sistema que decide cuál es la palabra que se emite, la opinión que se hace escuchar.

BAJO IMPACTO AMBIENTAL. Obra de Wang Shu, el arquitecto chino que recibió el Premio Pritzker 2012, el más prestigioso de la disciplina.

La artista portuguesa Ángela Ferreyra reconstruyó la historia de los edificios que colapsan a través de maquetas como, por ejemplo, la historia de un edificio en Maputo, Mozambique. Allí se construyó una torre para un hotel y durante las luchas por la independencia del país, los portugueses, antes de abandonar el territorio, llenaron las cañerías con hormigón y el edificio quedó inutilizado y debió ser demolido. La artista ha contado esta historia con un video.

También eligió el video el colectivo de arquitectos latinoamericanos Supersudaca. A través de varias pantallas, presentó desfiles de modas donde se exhibieron ropas de los países latinoamericanos. La idea de un guardarropa que explica simbólicmente, con imágenes y textos, el funcionamiento de las consultoras de riesgo internacionales que definen donde se puede construir o no al otorgar o no créditos tanto para hoteles como para escuelas. “El gesto tiene que ser pensar el mundo, repensando la posición local en relación con el afuera, no exponer el tercer mundo en el escenario, esa no es la intención”, concluye Fehrmann.

Esta muestra se interpreta cuando pone de relieve la importancia del edificio que fue un regalo del gobierno estadounidense a Berlín occidental en épocas de la Guerra Fría. A fines de los cincuenta, Berlín occidental y oriental –sin Muro todavía– competían por mostrar cuál era la ciudad más moderna y, a su vez, cuál era la sociedad más apta para traer prosperidad a los trabajadores. Entonces, se decide crear esta casa como un monumento para la libertad de expresión en Berlín occidental con un claro fin propagandístico de los Estados Unidos. Fue diseñada por el arquitecto norteamericano, Hugh Stubbins, que fuera discípulo de Walter Gropius. Stubbins hizo una especie de parábola hiperbólica, sobredimensionada con un gran auditorio para mil personas. El edificio está concebido como espacio para congresos, exposiciones y conciertos. En 1981, se quiebra el techo y en marzo de 1989 un grupo de activistas culturales la volvió a la vida y así nació como "Casa de las culturas del mundo".

Fuente: Revista Ñ Clarín

MENOS ANTICUARIOS AUNQUE UNA MAYOR OFERTA DE PIEZAS EN FERIARTE 2012

Detalle de varios relojes que se muestran en la 33 edición de la Feria de Arte y Antigüedades Feriarte 2009 en el Recinto Ferial IFEMA de Madrid. EFE/Archivo

Madrid, 14 - La edición número 36 de Feriarte abrirá sus puertas este año con menos anticuarios -alrededor de 90-, pero con un incremento en la oferta de objetos hasta superar los 18.000, según cifras divulgadas hoy por la organización.

La Feria de Arte y Antigüedades Feriarte será inaugurada el viernes por el Ministro de Educación, Cultura y Deporte, José Ignacio Wert, y contará con las propuestas de reputados galeristas y anticuarios españoles e internacionales que pondrán a la venta piezas de distintas épocas y estilos, han explicado a Efe responsables de Ifema.

El número de piezas expuestas se incrementará en 3.000 más respecto a la edición del año pasado, aunque participarán alrededor de una treintena menos de expositores.

Como novedad, la organización pondrá en marcha una jornada de entrada gratuita el 20 de noviembre para promover el coleccionismo y fomentar las ventas de la feria.

Muebles, antigüedades clásicas, relojes, porcelanas, lámparas, plata, cristal, alfombras, tapices, arte africano, joyas, elementos arquitectónicos, instrumentos científicos o mapas antiguos, son algunos de los objetos que se pondrán a la venta.

Además, Feriarte reunirá una cuidada selección de pintura y artes plásticas de autores contemporáneos.

Nuevamente, la feria incluirá el recorrido "Piezas Favoritas", selección de objetos destacados por los propios galeristas y anticuarios que se mostrarán en los módulos expositivos con un distintivo identificativo.

La organización ha indicado que, en los días previos a la apertura de Feriarte, que se celebrará del 17 al 25 de noviembre, una comisión de expertos en distintas disciplinas del arte comprobará el valor de cada objeto, así como su autenticidad y estado de conservación.

Fuente: EFE

UNA EXPOSICIÓN DE SOROLLA REIVINDICA EN VALENCIA A CLOTILDE, SU MUSA Y ESPOSA

Dos mujeres conversan ante los cuadros de Ignacio Zuloaga, "Mis primas" de 1903 (d), y de Joaquín Sorolla, "Mi mujer y mis hijas en el jardín" de 1910 en el Centre del Carme, que presenta la exposición "Zuloaga y Sorolla, artistas en una edad de plata", organizada por el Consorcio de Museos de la Comunitat Valenciana y la Institución Joaquín Sorolla de Investigación y Estudios.EFE


Valencia, 14 - El Museo de Bellas Artes San Pío V de Valencia indaga en la figura de la esposa de Joaquín Sorolla, Clotilde García del Castillo, como musa y modelo del artista valenciano, en la exposición "Clotilde de Sorolla". Veinte cuadros, veinticuatro dibujos y treinta y ocho fotografías, así como objetos personales de Clotilde García y cartas dirigidas al pintor, se reúnen en esta muestra, que podrá visitarse hasta el próximo 17 de febrero. Valencia es la segunda parada de esta exposición, que acogió hasta el pasado 14 de octubre el Museo Sorolla de Madrid, de donde procede la mayor parte de las obras y objetos exhibidos. Clotilde García del Castillo (Valencia, 1865-Madrid, 1929) fue "el pilar" en el que se apoyó Sorolla durante "toda su vida", pues fue su musa y modelo y fundó el museo que lleva el nombre del artista, según la comisaria de la exposición, Consuelo Luca de Tena. Para Consuelo Luca de Tena, la esposa del pintor "comprendió" que Sorolla "tenía que pintar", por lo que "dedicó su vida a quitarle cualquier obstáculo" que se lo impidiera y juntos formaban "un equipo realmente compenetrado". "Clotilde de Sorolla" se divide en cuatro secciones temáticas ordenadas cronológicamente: la primera se centra en los aspectos más íntimos; a continuación, se examina la figura de Clotilde como musa; después, como esposa de un Sorolla ya con prestigio internacional, y, finalmente, se repasan los años finales de la pareja. En la exposición pueden verse varios retratos o dibujos de Clotilde García, "una de las mujeres más retratadas", según la comisaria, leyendo, cosiendo o jugando con sus hijos. Los dibujos, casi todos inéditos, salen por primera vez del Museo Sorolla de Madrid tras haber sido restaurados para esta exposición. De los veinte lienzos que integran la muestra, dieciocho son fondos del Museo Sorolla, algunos se exponen por primera vez en Valencia, uno ha sido cedido por una coleccionista particular y el restante forma parte de los fondos del San Pío V.
Fuente: EFE

EL "PENACHO DE MOCTEZUMA" REAPARECE EN VIENA RESTAURADO POR MÉXICO Y AUSTRIA

Un hombre da los últimos detalles al mostrador donde se expone una réplica del mítico penacho de Moctezuma, en el Museo del Templo Mayor en Ciudad de México. EFE/Archivo

Viena, 14 - Restaurado y estudiado a fondo por expertos mexicanos y austríacos, el legendario "Penacho de Moctezuma" reapareció hoy en público por primera vez desde 2004 con un nuevo nombre y una amplia investigación sobre su misteriosa historia.

La delicada cuestión de la propiedad del penacho ha pasado a un segundo plano para permitir una cooperación cultural y científica entre México y Austria, cuyos primeros resultados fueron presentados hoy en rueda de prensa en el citado museo.

"Para nosotros, lo primero es la conservación de la pieza. Estaba en muy mal estado, ahora está bien", explicó hoy a Efe en Viena Alfonso de María y Campos, director general del Instituto Nacional de Antropología e Historia de México.

"En segundo lugar, nos preocupaba la falta de investigación", añade el experto, uno de los coordinadores del proyecto, quien recordó que hacía más de cien años que no se efectuaba un amplio estudio científico sobre la supuesta corona del emperador azteca.

Persisten las dudas sobre su verdadero origen y por ello ha sido rebautizado: "El Penacho del México Antiguo" es ahora su nombre oficial, así como el título del libro donde se publican los resultados de las investigaciones.

Si perteneció o no a Moctezuma II Xocoyotzin, el último emperador azteca, si éste lo regaló al conquistador español Hernando Cortez, si era usado por sacerdotes en rituales religiosos..., aún quedan incógnitas por esclarecer en el futuro.

Pero las nuevas tecnologías han permitido un análisis detallado de la sofisticada fabricación de la pieza, mientras que su belleza y magnificencia se han recuperado, gracias a las modernas técnicas de restauración.

Plumas verdes de Quetzal, rojas del pájaro espátula, de color café del vaquero, otras turquesas y azules claras de aves no identificadas, están sofisticadamente montadas en un cuerpo principal, en forma de abanico, y otro central, trapezoidal ascendente, con dimensiones máximas de 178 por 130 centímetros.

"Las plumas eran de un gran valor, más que el oro. Eran otro ámbito de poder, de riqueza", destaca de María y Campos.

"Obviamente, Moctezuma no usaba penacho, pero eso no quiere decir que no fuera de él esta pieza", explica.

Recuerda que "en toda la historia de México, los grandes señores se vistieron con plumas" y que los objetos con plumas eran guardados como tesoros.

Y dice no tener dudas de que el penacho "sí es parte del tesoro de Moctezuma", convertido hoy en "un símbolo muy mexicano de poder".

Aunque México quiere que la corona de plumas vuelva a sus tierras originales, de momento lo que pide oficialmente es solo una concesión en préstamo por largo tiempo.

"Tenemos ahora el diagnóstico completo de la pieza", subrayó por su parte Lilia Rivero Weber, Coordinadora Nacional de Conservación de México, tras calificar de "histórico" el estudio completo del penacho y de su compleja técnica de manufactura.

Después de que Austria, temerosa de los daños que pueda sufrir en un transporte aéreo, rechazara una propuesta de llevarlo en avión a México, "estamos trabajando en una propuesta para un transporte probablemente vía marítima", explicó Rivero.

"Penacho: Suntuosidad & Pasión", es el título de la exposición en torno a esta corona, que en 1596 aparece inventariada en un legado del Archiduque Ferdinand II.

Para nosotros "hoy es un gran día de alegría", resaltó Sabine Haag, directora de los Museos de Historia del Arte, de Etnología y del Teatro de Viena, y recordó que el penacho ha estado medio siglo bajo la protección de esa colección de la dinastía de los Habsburgo.

Ello probablemente lo ha salvado de la destrucción o pérdida, como han sufrido otras preciosas piezas que los conquistadores de América llevaron a Europa, y hoy es el objeto más famoso del Museo de Etnología de la capital austríaca.

A partir de mañana, se puede admirar allí, en exposición permanente, junto a otras piezas provenientes de Mesoamérica, de los siglos XV y XVI.

Wanda Rudich.

Fuente: EFE